31 mayo 2011

Mike Edwards


El 31 de mayo de 1948 nació en Ealing (Londres) el violonchelista británico Mike Edwards. De formación clásica es conocido sobre todo por su labor en la banda de rock Electric Light Orchestra. Miembro del grupo en sus primeros días de comienzos de los setenta participó en sus cuatro primeros álbumes, pero en 1975 abandonó el mundo del rock para dedicarse a lo que más le gustaba: la música barroca.


Si alguna muerte se puede considerar especialmente absurda es ésta: En septiembre de 2010 Mike conducía su furgoneta camino hacia su domicilio en Devon, cuando una bala de heno cilíndrica de más de media tonelada de peso se soltó de un tractor que la transportaba en un campo cercano y cayó rodando colina abajo aplastando el vehículo de Edwards, que murió instantáneamente a los 62 años.

29 mayo 2011

LP 'Crosby, Stills & Nash'


El 29 de mayo de 1969 se publicó por Atlantic Records en EEUU el primer álbum homónimo del trío 'Crosby, Stills & Nash'. Alcanzó el nº6 de las listas de álbumes y se extrajeron dos singles que alcanzaron el Top30, 'Marrakesh Express' y 'Suite: Judy Blue Eyes'.

El debut de Crosby Stills & Nash, fue uno de los más esperados del rock a finales de los 60. David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash habían desertado públicamente de tres grupos consagrados (The Byrds, Buffalo Springfield y The Hollies). Esto era una novedad e introdujo el concepto de 'supergrupo'. Aunque los dos singles mencionados les situaron en el Top30, en principio encontraron su sitio en la contracultura: las emisoras de rock de FM y el circuito de Festivales (actuaron en el de Woodstock).

Paradigmas del pensamiento hippie, punzantes en sus letras de contenido social y político, aunaban en ellas temas libertarios, pacifistas y ecologistas, sin descuidar asuntos como el amor, el sexo o las drogas. Influenciaron notablemente a gran parte de sus coetáneos, especialmente por su espectacular empleo de las armonías vocales y por la eficiente mezcla de estilos, que abarcaba desde el folk o el rock, hasta el pop, la psicodelia o el soft-rock. No cabe duda de que sus canciones, tranquilas y con mucha melodía, fueron una fragancia musical muy bien acogida entre las audiencias saturadas de blues-rock distorsionado.

Judy Collins y Stephen Stills
'Suite: Judy blue eyes' es una suite de canciones cortas escritas por Stephen Stills basada en la relación que mantuvo el músico con Judy Collins. La misma Judy comentó: "Stephen vino una noche a verme donde estaba cantando y se trajo una guitarra al hotel, donde me cantó la 'Suite' entera. Ya sabes, los corazones rotos son una gran fuente de inspiración. Esa magnífica creación es el legado de nuestra relación. Yo me derrumbé (Judy tenía problemas con el alcohol) y creo que hice promesas que no pude mantener. Ambos estábamos pasando por problemas personales". Fue además la canción que generó la creación del grupo. Stills y Crosby estaban buscando a un tercer cantante para realizar armonías a tres voces. Uno de los posibles candidatos fue John Sebastian de Lovin' Spoonful.

Una tarde David y Stephen se encontraban en una reunión de amigos en el apartamento de Judy Collins y comenzaron a tocar una canción que habían estado ensayando a dos voces, 'You don't have to cry'. Otro de los invitados a la reunión, Graham Nash, se acercó y les pidió que la volvieran a tocar. Cuando la tocaron de nuevo, Nash se les unió con una tercera voz que embrujó a todos los asistentes. Crosby y Stills habían encontrado al socio ideal.
La parte final de 'Suite: Judy blue eyes' cantada en 'spanglish' (Stills asistió a un colegio americano en San José, Costa Rica, y allí se relacionó con muchos costarricenses de 'buena familia'), dice más o menos así:

    "¡Que linda! Me la traigo a Cuba
    La reina de la Mar Caribe
    Quiero sólo visitarla allí
    Y que triste que no puedo. ¡Vaya!
    O va, o va "

Graham Nash
'Marrakesh express', fue compuesta por Graham Nash. Él mismo la explica en una entrevista con Rolling Stone: "En 1966 me encontraba de vacaciones en Marruecos y tomé el tren a Marrakesh. Sin pensarlo, saqué un billete de 1ª clase y pronto me dí cuenta de que aquello era un verdadero aburrimiento. Señoras americanas con el pelo azul y cosas así, ya sabes. No era mi rollo en absoluto. Así que decidí darme una vuelta por los vagones de 2ª. Y el resto del viaje fue fascinante. Tal como dice la canción, había patos, cerdos y gallinas sueltos por el vagón y gente cocinando... Es literalmente tal como pasó".

"Mirando el mundo a través del atardecer en tus ojos
Cruzando los cielos de Marruecos en tren
Patos, cerdos y gallinas cacareando
Alfombras de animales de lado a lado
Y pequeñas señoras americanas de azul

Tomo el tren de Casablanca hacia el sur
Formando anillos de humo con la boca
Tapices de colores cuelgan en el aire
Y hay cobras encantadas en la plaza
Chilabas a rayas que podemos llevar en casa

Sabes que viajamos a bordo del expreso de Marrakesh
Me llevan a Marrakesh
Todos a bordo del tren, todos a bordo..."

 

Antes de abandonar The Hollies en 1968, Nash ofreció al grupo 'Marrakesh Express' para publicarla en single. De hecho se grabó una versión, pero al resto del grupo no les parecía 'suficientemente comercial' para sacarla al mercado. Su negativa a grabar esta y otras canciones compuestas por Nash, motivó que éste abandonara el grupo trasladándose a Los Angeles, donde conoció a David Crosby.

Graham Nash y David Crosby
'Guinnevere', de David Crosby, tiene un tono de folk medieval, así como su letra que compara a la reina Guinnevere con 'm'lady', su amada. Es vista así por su autor: "Esta es una canción poco usual, ya que la afinación de la guitarra no es habitual, así como la medida del tema. Es acerca de tres mujeres que amé. Una de ellas fue Christine Hinton, la chica que murió cuando eramos novios, otra es Joni Mitchell y la otra es alguien de quien no puedo hablar. Es probablemente mi mejor canción"

David Crosby
'Long time gone', también de Crosby, "fue escrita la noche que asesinaron a Bob Kennedy. Yo creía en él porque nos dijo que quería hacer cambios profundos y positivos en America. Estaba libre de ataduras económicas y políticas como Nixon y Johnson, tipos que hace años manejaban los asuntos del país, únicamente para ganar poder personal. Pensé que Bobby, al igual que su hermano no iba a tragar con esas cosas. Ya estaba lo suficientemente cabreado cuando mataron a Jack, y ese cabreo se volcó en ésta canción cuando cazaron también a Bob"

Joni Mitchell y Graham Nash
Otra canción de amor para Joni Mitchell fue 'Lady of the island', escrita esta vez por Graham Nash, que en aquel tiempo (1968) estaba relacionado sentimentalmente con ella. Aunque en el álbum también está incluida 'Guinnevere' de su compañero Crosby, Nash explicó en abril de 2009 a la revista Mojo que aquella situación potencialmente conflictiva no creó ningún problema: "En nuestra forma de entender la vida no cabían los celos ni suponía estar furioso porque alguien estuviera con la mujer de otro. Joni, David y yo nunca pensamos así, eso seguro"

Stephen Stills
Stephen Stills fue el que más canciones aportó al álbum. Además de 'Suite: Judy blue eyes' se incluyeron en el álbum, la ya mencionada 'You don't have to cry' que propició el encuentro del trío y '49 bye-byes', otra 'minisuite' compuesta de dos 'movimientos': '49 reasons' y 'Bye bye baby', que de nuevo se refiere a la fallida y complicada relación de Stills con Judy Collins, quien tras dos años de noviazgo con él se enamoró del entonces incipiente actor Stacy Keach, lo que llevó al fin del idilio. A Stills le costó superar que un 'don nadie' fuera capaz de arrebatarle a su chica y 'Helplessly hoping' , otro de los temas más conocidos del Supertrío abunda en el tema:

"Deseando desesperadamente
sentir su arlequín cercano
A la espera de una palabra
Jadeando por atisbar
un espíritu tierno y verdadero
Él corre, deseando poder volar
para terminar tropezando con el sonido del adiós

Sin articular palabra
mira a través de la ventana
Y preocupado,
en la habitación vacía
Alimentando cruelmente
sus (de ella) pesadillas,
pregunta:
¿Se escuchó un adiós? ¿O acaso un Hola?"

David Crosby
'Wooden ships' fue un tema compuesto en colaboración entre David Crosby, Stephen Stills y Paul Kantner en uno de los peores momentos de la Guerra de Vietnam. EEUU y Rusia, potencias nucleares rivales estaban librando batallas diplomáticas muy duras que hacían imaginar a muchos escenarios apocalípticos. En él se relatan los horrores que confrontan a los sobrevivientes de un holocausto nuclear, en el que ambos contendientes se han aniquilado uno al otro. Una persona se arrastra hacia otra y pregunta: "¿Quién ha ganado?". Para mantenerse con vida comparten bayas, que presumiblemente no llegaron a contaminarse con la radiación. Se le ruega a los 'hombre plateados' que les 'dejen existir', refiriéndose a las personas que llevan trajes anti-radiación. Mientras los barcos de madera alejan a los supervivientes, el veneno radiactivo aniquila a todos los que no lograron subir a bordo.

"El horror nos atenaza mientras os vemos morir
Lo único que podemos hacer es oir vuestros gritos de angustia
Impasibles ante el fin de todo sentimiento humano"

'Mayan', el velero de David Crosby
Fue compuesta a bordo del velero de David Crosby, durante un crucero por aguas de Florida que David realizó con Stephen Stills y Paul Kantner, miembro de Jefferson Airplane. Crosby había compuesto la música y Stills y Kantner completaron la letra. Por motivos legales entre discográficas, no se pudo acreditar a Kantner en la primera edición de 'Crosby, Stills & Nash', lo que no fue obstáculo para que Jefferson Airplane lo grabara también, incluyéndolo ese mismo año en su álbum 'Volunteers'.
El batería que les acompañó en las sesiones fue Dallas Taylor y Stephen Stills se hizo cargo, además de las guitarras eléctricas, del órgano y el bajo. Completó el álbum otro tema de Graham Nash, 'Pre-road downs'.

La portada del disco es una fotografía que tomaron en un sofá viejo frente a una casa abandonada que se hallaba junto a una gasolinera. Cuando la eligieron como portada, ya habían decidido llamarse 'Crosby, Stills & Nash', y como el orden de los nombres no coincidía con el orden de la foto, regresaron a la casa para repetir la foto en el orden correcto. A su llegada se encontraron con que ya había sido derribada para construir un nuevo edificio. Se tuvo que quedar así, aunque se pensó en usar la imagen invertida, lo que hubiera convertido a Stills en zurdo... Más de cuarenta años después todavía hay gente que llama 'Crosby' a Nash y viceversa.

Graham Nash, Stephen Stills y David Crosby

El álbum demostró ser muy influyente en diferentes aspectos de la música popular americana que dominó los años setenta. El éxito de 'Crosby Stills & Nash' confirió al trío un peso en la industria y galvanizó el interés en contratar músicos parecidos, la mayoría de los cuales se encontraban bajo el management del equipo formado por Elliot Roberts y David Geffen. Las magníficas ventas, combinadas con el énfasis puesto en sus letras llenas de confesiones personales, prepararon el camino de la eclosión de cantautores sucedida a comienzos de los setenta. Sus elaboradas armonías vocales, así como el meticuloso trabajo de estudio y la filosofía de vida bohemia que se respiraba en Laurel Canyon (barrio de Los Angeles, donde vivían prácticamente todos ellos) establecieron una estética para numerosos grupos que terminaron definiendo el 'sonido California', incluyendo a los Eagles, Jackson Browne, a Fleetwood Mac a partir de 1974, y muchos otros.

Iannis Xenakis


El 29 de mayo de 1922 nació en Braila (Rumania) el compositor y arquitecto francés Iannis Xenakis. Hijo de un hombre de negocios griego que se estableció en esa ciudad está considerado uno de los compositores más importantes del avant garde y la música contemporánea. Fue pionero en el uso de modelos matemáticos como las teorías de conjuntos, además de una influencia importante en el desarrollo de la música electrónica.


Su recuerdo obliga a encadenar palabras: no basta con “compositor francés”, sino que hay que dar toda la retahíla: “compositor-guerrillero-ingeniero-arquitecto francogrecorumano”, porque no se puede prescindir de ninguno de esos eslabones al valorar su vida y su obra. La banda sonora de su niñez era el piano de su madre y el frenesí de los músicos gitanos. A los cinco años perdió a su madre, hecho traumático que influyó poderosamente en su vida.

A los diez años lo enviaron a un internado en la isla griega de Spetsai. Allí, al sentirse extranjero, se encerró en la ciencia y en la música, fructífero encierro del que nació el Xenakis que todos conocemos: la criatura obsesionada con hacer música con medios matemáticos y en mezclar tan finamente el espacio y el tiempo que las artes plásticas y las musicales acabaran refundidas. Bien mirado, un plano de arquitecto es equivalente a una partitura, es una guía en papel que nos ayuda a desplegar volúmenes en el espacio o sonidos en el tiempo. A lo largo de su vida, Xenakis no hizo otra cosa que dejarse llevar por esas dos obsesiones.

Iannis en 1958
En la atribulada Atenas de la Segunda Guerra Mundial, Xenakis tuvo tiempo de estudiar ingeniería y luchar como partisano, primero en la resistencia nacionalista y, después, en la comunista. Luchando contra los tanques británicos, que trataban de arrebatarle a Stalin la perla griega, Xenakis recibió una grave herida en la cara y en el ojo izquierdo. Con la victoria británica pasó a la clandestinidad -no sin detenerse a recoger, en plena represión anticomunista, su título de ingeniero- huyó a Italia con pasaporte falso y pasó a Francia, donde tuvo que quedarse, sin llegar a Estados Unidos como pretendía.

Le Corbusier y Xenakis
En París se ganó la vida como delineante en el estudio de Le Corbusier y se ganó la estima del maestro hasta convertirse en el verdadero autor de varios proyectos arquitectónicos del estudio, incluido el pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. Simultáneamente, se interesó por la composición musical y estudió en el Conservatorio de París (1950-1952) bajo la dirección de O. Messiaen, siendo también alumno de Milhaud, Honeggen y Scherchen.

Pabellón Philips de la Expo Bruselas 1958
El enorme talento de Xenakis le convirtió enseguida en uno de los brahmanes del arte de su tiempo. Hizo una brillantísima carrera. Lo más soprendente de la obra musical de Xenakis es su carácter a la vez abstracto y concreto. No ha habido, quizá con la excepción del americano-mexicano Conlon Nancarrow y su meticuloso batir de pianolas, un compositor que supere a Xenakis en la utilización de las matemáticas como herramienta compositiva. En sucesivas oleadas de mecanización, Xenakis construyó algoritmos, sistemas y máquinas capaces de hacer música “estocástica” a partir de ideas probabilísticas y diseños gráficos. Sus grandes obras orquestales parecen, a veces, el resultado de calcar sobre folios pentagramados ciertas líneas trazadas sobre papel milimetrado, que a su vez provienen de ciertas expresiones algebraicas. Y, sin embargo, la audición de su música hace olvidar todo eso. Xenakis suena a movimientos primigenios, a emociones telúricas, a catástrofes abrumadoras, a colisiones incomprensibles, sean de galaxias o de microcuerpos.

Xenakis en 1960
Si uno le observaba componer (entre ordenadores, reglas de cálculo y mesas de delineante), parecía un teorema, importante pero distanciado de todo. El vendaval Xenakis fue el primero en venir del Este y abrió el camino a los siguientes: Ligeti, Penderecki, Cage , Takemitsu, Schnittke, Pärt... Porque las salidas al serialismo han venido siempre de Oriente.

En 1954, con la composición de “Metástasis”, inició sus experiencias en el campo de la música estocástica, donde los intérpretes (en su mayoría, de instrumentos tradicionales) han de leer una partitura producida sobre la marcha por un ordenador programado por el compositor. Siguieron luego “Achorripsis” (1958), para 21 instrumentos, “Atrées” (Hommage à Blaise Pascal), para diez instrumentos, y “Morsima-Amorsima”, para cuatro instrumentos, estas dos últimas (1962) basadas en un mismo programa y utilizando un ordenador IBM 7090.

Detalle de la partitura de 'Pithoprakta'

En 1966 fundó en París el Centre d'Études de Mathématique et Automatique Musicales (CÉMAMU), y en 1974 ideó un ordenador llamado UPIC (Unidad Poliagógica Informática del CÉMAMU) que constituye un instrumento de composición accesible a todo el mundo, con el que se compusieron “Mycènes” (1978) y “Voyage absolu des Unari vers Andromède” (1989).

Otras de sus obras son “Pithoprakta” (1955-1956), “Duel” (1959), para dos orquestas y dos directores, “Eonta” (1964), “Akrata” (1964-1965),  para 16 instrumentos de viento, “Oresteïa” (1965-1966), “Terrêtektorth” (1965-1966), para 84 intérpretes diseminados entre el público, “Nomos alpha” (1966), “Medea” (1967), “Nomos gamma “(1968), para gran orquesta, “Nuits” (1968), sinfonía vocal, “Antikhton” (1971), ballet para orquesta y micrófonos, “Persepolis” (1971), para cinta magnetofónica, “Eridanos” (1973), “Cendrées” (1974), para coros y orquesta, ”À Hélène” (1977), “Kottos” (1977), “ Mists” (1981), “Akea” (1986), “Kyania” (1990).

Se interesó también por la electroacústica “Diamorphoses” (1957) y creó varios espectáculos multimedia “Polytope” (1967); “La Légende d'Eer” (1977), con flashes electrónicos y rayos láser). Es también autor de varios textos teóricos, como “Musiques formelles” (1963), “Vers une métamusique” (1967),” Vers une philosophie de la musique” (1968) y “Espace musical, espace scientifique” (1986).
XENAKIS Y LE CORBUSIER La música y la arquitectura -

27 mayo 2011

'That'll be the day'


El 27 de mayo de 1957 se publicó en EEUU el single 'That'll be the day' de The Crickets. Buddy Holly y the Crickets fueron un soplo de aire fresco para una escena musical, en la que Elvis, Little Richard y Fats Domino empezaban a perder su capacidad para sorprender y la revolucionaria formación de los Crickets, con un nuevo instrumento, el bajo eléctrico, les confirió una apariencia y un sonido modernos, que serían imitados por prácticamente todas las bandas de rock and roll que surgieron. 'That'll be the day' alcanzó el nº1 en las listas pop y el nº2 en las listas de R&B, a pesar de ser todos ellos blancos.


En 1956 Decca Records estaba buscando al que pudiera hacerle sombra a Elvis Presley. Holly, que venía de triunfar junto a su hermano tocando sus canciones en un show local de radio, fue tentado por la discográfica y, ante la insistencia de sus padres, firmó.

Buddy Holly
Los de Decca le convencieron para que fuera a Nashville a grabar. Buddy se dio cuenta muy pronto de que su rock and roll no era lo que buscaban los ejecutivos de Decca. Le hicieron cambiar su estilo de tocar y cantar y grabó unas sesiones en las que trabajó bajo una atmósfera restrictiva y de las que salió un single, 'Blue days, black nights' que tuvo mínima repercusión. En esas sesiones se grabó también una primera versión de 'That'll be the day', un tema basado en la frase que pronuncia John Wayne en 'The Searchers' (Centauros del desierto), la cual -visto el éxito del primer disco- no se publicó.

Norman Petty
En enero de 1957 le comunicaron a Holly que no iban a renovar su contrato y que no podía grabar ninguna de las canciones grabadas en las sesiones de Nashville, fueran publicadas o no. Buddy, que lo único positivo que sacó de estas sesiones fue la amistad del batería Jerry Allison, volvió con él a Texas donde siguió tocando sus temas sólo con la guitarra y la batería de Jerry. Holly nunca perdió la confianza en sus propias posibilidades e, impresionado con la labor de producción de Norman Petty con Buddy Knox en 'Party doll', decidió volver a grabar 'That'll be the day' en los estudios que Petty poseía en Clovis (Nuevo Mejico).

The Crickets en el Ed Sullivan Show
La atmósfera que encontró allí estaba a años luz comparada con las manipulaciones sufridas en manos de los de Decca. Con la ayuda de un bajista y otro guitarrista volvieron a registrar el tema, eligieron el nombre The Crickets buscando en un diccionario y la cinta con el resultado pasó de Columbia a RCA y de ahí, a Atlantic. Finalmente, Bob Thiele de Coral/Brunswick Records (irónicamente, subsidiaria de Decca) escuchó interesado la maqueta y le contrató. Como Buddy Holly había grabado el tema con Decca se publicó bajo el nombre 'The Crickets'. Los siguientes dos años se publicarían canciones de Buddy Holly en Coral y de The Crickets en Brunswick. La distinción era meramente artificial, ya que todos los temas fueron grabados por Buddy Holly and the Crickets.

25 mayo 2011

Aldo Clementi


El 25 de mayo de 1925 nació en Sicilia el músico y compositor Aldo Clementi.A los 17 años comenzó a formarse como compositor en su Catania natal con Alfredo Sangiorni, un alumno de Arnold Schönberg, quien le introdujo en el dodecafonismo y la música de la Segunda Escuela de Viena, que influyeron en sus primeras obras. Entre 1971 y 1992 asumió la cátedra de Teoría Musical de la Facultad de Letras de la Universidad de Bolonia.

Aldo Clementi persiguió siempre en sus obras el ideal de música pura, racional, con el contrapunto - que dominaba a la perfección- como base. Sus partituras reflejan además el diligente estudio de las obras del siglo XX. De sus primeras piezas influidas por el dodecafonismo, en la segunda mitad de la década de 1950 el compositor se basó en el estructuralismo de impronta “postweberniana”, evolucionando más tarde hacia el informalismo, que ocupó los años centrales de su obra.

En su producción, con un lenguaje muy personal, es frecuente el uso del “rallentando” sobre una serie de células musicales que confiere a sus obras una aparente estaticidad. El vasto y variado catálogo de Clementi incluye música orquestal, con cinco conciertos, piezas de cámara, música electrónica de la época en la que trabajó en el estudio de fonología musical de Radiotelevisión Italiana de Milán, así como obras vocales y dos óperas, una de ellas, “Carillón”, estrenada en 1996 en La Scala de Milán. Falleció en Roma (Italia) a los 86 años el 3 de marzo de 2011.

Algunas obras importantes en orden cronológico, son las siguientes:
“Ideogrammi n.1” (1959) para 16 instrumentos;
“Triplum” (1960) para flauta, oboe y clarinete;
“Doce variaciones” (1980)
“Cantabile” (1988)
y “Albumblatt” para voces femeninas, flauta, violín y guitarra” (1995).

23 mayo 2011

Robert Moog


El 23 de mayo de 1934 nació en la ciudad de Nueva York el inventor y pionero de la música electrónica Robert Moog. Licenciado en Física y Técnica electrónica, en 1964 presentó junto al compositor Herbert Deutsch su primera versión del sintetizador Moog, que tras unos años de perfeccionamiento, estrenó el músico Walter Carlos (hoy Wendy Carlos) en 1968 con su álbum 'Switched on Bach', ganador de tres Grammy.


Además del disco de Carlos, lo novedoso y lo que hizo muy popular el nuevo instrumento era su manejo con un teclado de 44 teclas. Fue muy utilizado entre los músicos de los años setenta y hasta 1982 se vendieron más de 13.000 unidades. Otro instrumento electrónico que popularizó Robert fue el theremin, inventado en 1919 por el físico ruso Termen. Moog murió en agosto de 2005 a los 71 años.

Theremin

19 mayo 2011

Joey Ramone


El 19 de mayo de 1951 nació de origen judío en el barrio de Queens en Nueva York, Joey Ramone, compositor y vocalista del grupo Ramones formado en 1974. Todo un ídolo contracultural, con sus casi dos metros de estatura se convirtió en el 'alma y corazón' de la banda, siendo responsable de las baladas y las canciones de amor. Le llamaban 'el hippie del grupo'.


Dejó de hablarse con su guitarrista, Johnny Ramone durante casi 20 años por 'robarle' a su chica y por profundas diferencias ideológicas -Joey era un liberal de izquierdas y Johnny un ultraconservador que adoraba a Hitler- lo que no impidió que continuaran soportándose y trabajando juntos hasta 1996. Joey murió a los 49 años en abril de 2001.

Canciones con historia: 'My Brain is Hanging Upside Down' (Bonzo Goes To Bitburg)'

Ya durante los planes de la visita oficial del presidente norteamericano Reagan a la República Federal Alemana, hay muchas voces discordantes, e incluso Elie Wiesel, ganador de un Nobel de la Paz y sobreviviente de Auschwitz ruega al presidente renunciar a parte de la visita prevista. Pero Reagan desoye tanto su petición como la de otros que lograron escapar del Holocausto nazi.
El 1 de mayo de 1985 Reagan coloca junto a su colega y amigo el canciller alemán Helmut Kohl, varias coronas de flores sobre las tumbas del cementerio de Bitburg, donde soldados alemanes y americanos comparten camposanto, para demostrar simbólicamente la reconciliación de dos pueblos que estuvieron en guerra.

Pero junto a las tumbas de los soldados regulares, también hay algunas de nazis pertenecientes a las SS. 'Cowboy Bonzo', como le llaman sus paisanos por su anterior participación en numerosos westerns de Hollywood, trata de evitar torpemente que los fotógrafos capten su imagen cerca de una de 'esas' tumbas con el dichoso simbolito. No es a estos soldados a quienes van destinadas las coronas.

Pero la mayoría de sus conciudadanos no acaban de entender el gesto. Porqué tenía que celebrarse el acto en un cementerio en el que se encontraban miembros de las SS, es una pregunta que no paran de formularle al presidente cuando este vuelve a casa. El grupo punk Ramones incluso se inspira en este hecho para componer una canción  de contenido político en el que toman abiertamente partido: 'My Brain is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg)'. Joey era hasta cierto punto simpatizante de Reagan en su primera etapa de mandato, pero tras ver un documental de TV sobre la controvertida visita del presidente al cementerio alemán, cambió su opinión y junto con Dee Dee Ramone y Jean Beauvoir escribió el tema anti-Reagan. Su compromiso político continuó ese mismo año cuando participó con Bruce Springsteen, Bob Dylan, Run D.M.C. y otros en el proyecto 'Sun City', con el fin de oponerse a la política del apartheid en Sudáfrica.

14 mayo 2011

Emilie Mayer


El 14 de mayo de 1812 nació en Friedland la compositora alemana Emilie Mayer. Fue la tercera hija de cuatro hermanos nacidos de la unión del farmacéutico Johann Mayer y su segunda mujer Henrietta. Dos años después de nacer Emilie, su madre de sólo 24 años murió, así que creció entre sus tres hermanos de sangre y un hermanastro del primer matrimonio de su padre.

Su primer maestro fue el organista Carl Heinrich Ernst Driver, que le daba clases de piano desde los cinco años en las que se le exigía mucho, además de tener que ayudar en las tareas de la casa. En 1840 el padre se suicidó y todos los hermanos tuvieron que abandonar la casa. Emilie se trasladó a Stettin donde recibió lecciones de composición de Carl Loewe, que le enseñó las corrientes musicales contemporáneas. En 1842 compone su primera obra. En Berlín estudia contrapunto con Adolph Bernhard Marx e instrumentación con Wilhelm Wieprecht. En aquel momento Mayer ya era una conocida y respetada compositora cuyas obras eran interpretadas en Berlin.

También fue conocida como una escultora con talento. Viajó a Munich y Viena, donde se estrenaron su 'Cuarteto de cuerda en La mayor' y su Trio con piano en re menor. En 1862 vuelve a Stettin y reside una temporada en casa de su hermano Alexander, donde se dedica a componer y a promover sus obras, que consigue publicar en la editora Bote & Bock. En 1876 vuelve definitivamente a Berlin donde pasa sus últimos años de intensa vida social rodeada de personalidades de la aristocracia berlinesa. Permaneció soltera toda su vida y murió en abril de 1883 a los 70 años.

Obras destacables:
• Concierto de piano en Re menor (1847) (Vladimir Stoupel piano; Neubrandenburger Philharmonie & dir. Stefan Malzew)
Sinfonía No.4 en Si menor (1851) (The Neubrandenburger Philharmonie & dir. Stefan Malzew)
Sinfonía No.7 en Fa mayor (1856) (Kammersymphonie Berlin & Jürgen Bruns)
• Faust Ouverture, Op.46 (1880)  (Neubrandenburger Philharmonie & Stefan Malzew)

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Johann Peter Emilius Hartmann


El 14 de mayo nació en Copenhague en una familia de músicos de origen alemán el compositor danés Johann Peter Emilius Hartman. Pasó la mayor parte de su carrera como profesor y compositor en Copenhague y fue una figura crucial en la música danesa del siglo XIX.
Se convirtió en organista con 19 años de edad, pero cumplió los deseos de su padre y estudió la carrera de derecho. En 1824, ya era el organista de la Garnisons Kirke en Copenhague, y en 1832, hizo su debut como compositor de la ópera 'Raven' (El Cuervo).

Spohr y el compositor danés Christoph Ernst Friedrich Weyse fueron los mentores más importantes de Hartmann. Durante los siguientes años en sus viajes a Francia y Alemania entró en contacto con importantes músicos de la época como Frédéric Chopin, Gioacchino Rossini, Luigi Cherubini y Louis Spohr. Fundó la Asociación Musical danesa en 1836, siendo presidente de la misma.

En 1843, fue transferido de la Kirke Garnisons a tocar el órgano para la Kirke Vor Frue, y se convirtió en el director de la Asociación de Estudiantes de Coral. También ocupó ambos cargos hasta su muerte en el año 1900. Los trabajos de Hartmann se caracterizaron por la seriedad artística, dramatismo, y particularmente, por el color nacionalista que daba a sus obras, lo que llegó profundamente a las audiencias danesas. Compuso sinfonías, ballet clásico, óperas, numerosas cantatas, sonatas para violín y para piano y para órgano.

Obras destacables:
Orquestal
• Sinfonía No. 1 en Sol menor , Op. 17 (1835) (The Danish National Radio Symphony Orchestra & dir.Thomas Dausgaard)
• Sinfonía No. 2 en Mi , Op. 48 (1847–48) (The Danish National Radio Symphony Orchestra & dir. Thomas Dausgaard)
• Oberturas & Adam Oehlenschläger: Hakan Jarl (Copenhagen Philharmonic Orchestra John Frandsen)
Overtures to Tragedies by Adam Oehlenschläger Op.63b (1863) (The Danish Philharmonic Orchestra, South Jutland & dir. Jean-Pierre Wellez)

Cámara
• Cuarteto para cuerdas en La mayor (Clara Bæk, violín, Sophia Bæk, violín; Stine Hasbirk, viola; Therese Åstrand, cello).
• Cuarteto para cuerdas en Sol Mayor (Clara Bæk, violín, Sophia Bæk, violín; Stine Hasbirk, viola; Therese Åstrand, cello).

Piano
• Piano Sonata No. 1 en Re menor, Op. 34 (1841) (Nina Gade, piano)
• Piano Sonata No. 2 en Fa mayor (1853) (Nina Gade, piano)
Prissonate, 1 sats (Jens Fredborg, 1982)
Prissonate, 2 sats (Jens Fredborg, 1982)
Prissonate, 3 sats (Jens Fredborg, 1982)
Prissonate 4 sats (Jens Fredborg, 1982)

13 mayo 2011

Arthur Sullivan


El 13 de mayo de 1842 nació en Londres el compositor inglés de origen italo-irlandés Sir Arthur Seymour Sullivan. Estudió en la Royal Academy of Music de esta ciudad, en el Conservatorio de Leipzig y con su padre, Thomas Sullivan, director de orquesta y profesor de clarinete. En 1866 fue nombrado profesor de composición de la Royal Academy of Music de Londres.

En 1868 junto a Henry Fothergill Chorley compuso “The long day closes”. En 1871 conoció al libretista Gilbert y ambos comenzaron una fecunda colaboración que duró 25 años. Juntos produjeron 14 óperas cómicas, entre las que cabe citar Trial by Jury (1875), H.M.S. Pinafore (1878), The Pirates of Penzance (1879), The Mikado (1885), The Yeomen of the Guard (1888) y The Gondoliers (1889). Estas obras y el género que crearon (mezcla de parodia, burla y sátira) recibieron el nombre de 'óperas savoy' por ser estrenadas varias de ellas en el teatro Savoy de Londres.

Desde el punto de vista musical las óperas de Gilbert y Sullivan están consideradas como las mejores óperas cómicas escritas en lengua inglesa. Sullivan tenía un don especial para la melodía y para la parodia musical, especialmente de estilo barroco tales como la ópera italiana y el madrigal isabelino inglés. Entre sus últimas obras se encuentra la cantata popular The Golden Legend (1886), un Te Deum (1897), la gran ópera Ivanhoe (1891) y canciones entre las que destacan las escritas para unos poemas de Shakespeare y la famosa "Onward! Christian Soldiers" (1872) (Vocalstyle Music Company, Cincinnati, Ohio) y "The Lost Chord" (1877). Sullivan también escribió en otras formas, incluyendo piano y obras de cámara. Este romance, de 1868, se lo dedicó a su amor Rachel Scott Russell. Sullivan falleció el 22 de noviembre de 1900 en Londres.

Otras obras relevantes:
• Sinfonía en Fa mayor “Irish” (Richard Hickox & BBC Philharmonic Orchestra) Sullivan era de ascendencia irlandesa y parte de esta sinfonía la compuso durante unas vacaciones en Irlanda del Norte cuando tenía 21 años.
• “The Tempest” Op. 1. 1/4 -1 Introducción, 2/4- 2. Preludio Acto III, 3. “Banquet Dance”, 3/4- 4. Ouverture, Act IV 5. “Dance of the Nymphs and Reapers”, 4/4- 6. Prelude, Act V 7. Epilogue (City of Birmingham Symphony Orchestra & Sir Vivian Dunn)