18 junio 2011

Festival de Monterey (5)


Domingo, 18 de junio de 1967


 SESIÓN DE NOCHE (continuación)

The Mamas & The Papas



John Phillips
El fin de fiesta correspondió a The Mamas & The Papas, cuyo líder John Phillips y su chica, Michelle Phillips habían participado activamente en la organización del Festival. Mama Cass, que había sido madre de una niña recientemente, también se les unió días antes del comienzo para ayudarles como telefonista y Denny Doherty llegaría el mismo día del concierto.
John Phillips: "Alrededor de la medianoche, The Mamas & The Papas salimos a escena e hicimos la peor actuación de nuestras vidas. Habíamos estado los tres meses anteriores liadísimos con la organización y los preparativos y nos olvidamos que también habia que actuar. No realizamos ensayo alguno y Denny llegó 10 minutos antes de actuar, así que cuando nos vimos ahí arriba, nos dimos cuenta que no habíamos cantado ni una sola nota juntos en varios meses."

Michelle Phillips
Henry Diltz: "Los camerinos se encontraban en una especie de almacén situado bajo el escenario con los techos bajos y el suelo sucio. Había cajas apiladas y todo tipo de materiales llenos de polvo. Y ahí estaban The Mamas & The Papas en sus radiantes vestidos de seda calentando voces con Scott McKenzie.
"Estaban haciendo los ejercicios que les había enseñado un profesor de canto para preparar  las cuerdas vocales. Lo hacían agarrándose la punta de la lengua con los dedos y emitiendo una serie de sonidos o sílabas -'uung-uung-iiiii, uung-uung-oooo, uung-uung-aaaaa', una cosa así y subiendo de escala. Era algo increíble verles y oírles en todo ese contexto.

Mama Cass
"Hendrix, que acababa de llegar de su actuación, estaba sentado al otro extremo de la sala comiendo una pieza de pollo frito, mientras que amigos y curiosos le rodeaban. Todavía conservo la imagen mental de Hendrix mordisqueando su pechuga de pollo y levantando la vista, observando atónito a esos hippies -esos otros hippies- practicando sus ejercicios vocales a cuatro y cinco voces."
Dennis Hopper: "Cass tenía una risa contagiosa. Era brutalmente honesta, pero muy divertida. Te decía las cosas sin rodeos, sin tapujos, como son. Y tú las aceptabas por la forma en que las decía y porque la amabas. Fue una de las mujeres más maravillosas que me he encontrado en la vida.


Denny Doherty
 Ravi Shankar: "The Mamas & The Papas fue el grupo que me hizo sentir verdaderamente bien. Había melodía y momentos líricos maravillosos. Daban una gran imagen juntos."
Al Kooper: "La banda que les acompañaba también era muy buena. Eric Hord a la guitarra solista y Eddie Hall a la batería eran grandes profesionales que sonaban en directo como en el disco"

 

 

Scott McKenzie

Scott McKenzie
'San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair) ' fue compuesta por John Phillips para la ocasión y grabada por su amigo de la infancia Scott McKenzie (ex-Abstract, ex-Smoothie y ex-Journeyman). Fue publicado por Ode Records, el nuevo sello de Lou Adler, a finales de mayo de 1967, tres semanas antes de Monterey Pop. Y la canción se convirtió casi sin quererlo en el himno del Verano del Amor.
John Phillips recuerda que la canción se la inspiró la paranoia de Scott sobre la potencial peligrosidad que encerraba el Festival. "Scott tuvo la idea: 'Por qué no escribimos una canción -bueno, por qué no escribes tú una canción que diga algo como: Si vas a San Francisco al Festival de Monterey Pop, ven en calma, que no acabe todo en una gran pelea.'

Así que lo primero que me vino a la mente fue la imagen de un atleta olímpico griego con su corona de laurel sobre la cabeza. De ahí vino lo de las flores en el pelo. Aproximadamente veinte minutos después acabé la canción y se lo dije a Scott. Él y yo se la tocamos a Lou aquella misma noche, a la noche siguiente la grabamos y el lunes siguiente estaba en la calle. Y con la misma rapidez, en sólo una semana, fue un hit internacional. Scott no había grabado nada hasta entonces, y en una semana era conocido en todo el mundo. El 'Gran Guru del Flower Power'. Ja, ja, ja, ja...¡Nunca me perdonó por aquello!"

The Mamas & the Papas & Scott McKenzie


Mama Cass (mientras la banda toca la introducción de 'Dancing in the street'): "Muy bien, no sé que decir sobre el siguiente tema, excepto que es nuestro tema de despedida y el cierre del Festival. Buscad vuestro camino, que nosotros ya buscamos el nuestro. ¡Vámonos!"

FIN DEL FESTIVAL

Lou Adler: "¿Qué se puede decir como resumen? Fue un momento bonito para vivir, con tantos cambios en el ambiente. ¡Cuántas iniciativas surgieron en aquellos días que aún hoy siguen siendo importantes! Más que una revolución fue una toma de conciencia del amanecer que estaba por venir. Musicalmente, significó un cambio de estilo. En los años cincuenta, cuando surgió el rock'n'roll todo el mundo dijo que era una moda pasajera, que no iba a durar. Pero como sabemos, aún está aquí y está para durar.

Jimi Hendrix
"Los artistas que actuaron en Monterey no sólo eran rockeros, eran músicos con criterio y conciencia social. Ellos fueron las personas que hicieron que el mundo se diera cuenta de lo que estaba sucediendo a su alrededor, tanto en el plano político como en el medioambiental.
Políticamente existía mucho movimiento y diversas facciones: los Panteras Negras o los estudiantes de Berkeley realizaban manifiestos pero sus comunicados no llegaban a los medios importantes, dándole poca importancia. La prensa nunca se ocupó del movimiento contracultural hasta que se celebró el Festival. Allí, a través de la música y los músicos el mensaje logró llegar a la gente, sin violencia, sin ira ni confrontaciones.

Eric Burdon: "Fue el Único Festival Pop. Tras él todo el mundo trató de copiarlo, de intentar emular esa atmósfera, ese sentimiento. No se pueden copiar esas cosas. Es como una jam entre músicos. Lo que sucede en una buena jam session es irrepetible, y Monterrey Pop lo fue".
Michelle Phillips: "No hubo ni un solo arresto en Monterey, ni una pelea, ni un solo problema. Fue un fin de semana maravilloso al que acompañaron las mejores condiciones climáticas imaginables. Estábamos entre amigos y nos sentíamos todos en casa. Hasta los agentes de policía se comportaban de forma amigable.

"Para mí fue un pequeño momento en el tiempo en el que todos nos juntamos poniendo a un lado nuestras diferencias políticas o sociales, unidos por la música. Y nos tomamos todo el movimiento muy en serio. Me refiero a lo de 'make love not war' y todo eso. Era la filosofía con la que estábamos educando a nuestros hijos, la forma en la que vivíamos nuestra vida, con un sello de espiritualidad que unos manifestaban calzando sandalias, otros flores en el pelo o quemando incienso, y otros estudiando religiones orientales. 

La gente estaba tratando de encontrar algo más allá de los problemas cotidianos y mundanos. También fue una forma no violenta de protestar contra nuestra participación en Vietnam.
"Ha habido otros festivales, pero ninguno como Monterey. Ningún otro festival puede tener el mismo karma. Haber sido parte de ese grupo de músicos y de la organización, sabiendo que los beneficios iban destinados a obras de caridad, creó en mí un sentimiento muy especial".
Dennis Hopper: "Monterey fue un love-in musical gigantesco que galvanizó a estudiantes, hippies, reclutas de Fort Ord, la prensa oficial y la de rock, ejecutivos de grandes discográficas, policías, vegetarianos y desechos sociales como yo.


Derek Taylor
Fue una experiencia perfecta. Para muchos de nosotros fue la primera y la última. No recuerdo en mi vida ningún otro momento significativo que se le pueda comparar. Fue tremendo a todos los niveles. No había etiquetas, no nos burlábamos de los polis, cosa que les asombraba, fue un momento puro en el tiempo.
Un año después, en 1968, rodé una película, 'Easy Rider' que intentaba reflejar lo que sentí en Monterey"
Derek Taylor: "Fuimos capaces de organizar todo lo necesario en tan poco tiempo atesorando una energía sobrehumana que nos confería un poder con el que destruir todas los obstáculos posibles. Si necesitábamos 100.000 orquídeas, no le dimos más vueltas: compramos 100.000 orquídeas. 

Janis y Peter Tork entre el público
'No podemos conseguir tantas orquídeas, a no ser que nos las manden desde Hawaii por avión?' Pues que así sea, porque eso es lo que necesitamos para el concierto de Ravi Sankhar. Si además hace falta una tonelada de incienso la haremos traer desde India.
Adler era un productor con mucha experiencia, Pariser un ejecutivo con grandes capacidades organizativas y Phillips una estrella del rock con un dinamismo increíble. Chip Monck, el gran director de escena apareció y nos dijo: '¿Puedo hacer algo?'. David Crosby y los Byrds llegaron y dijeron: 'Dadnos brochas y pintura, y pintaremos las vallas'. Michelle Phillips se encargó de la decoración y fue secretaria voluntaria. Teníamos grandes acopios de voluntad, dinero y espacio, y lo más importante, la gente adecuada en el momento justo."

Lou Adler y John Phillips
Lou Adler: "Aunque no había ningún ejemplo a seguir, nada de lo que se organizó sucedió por casualidad. Con el esfuerzo de un montón de personas en un corto espacio de tiempo logramos lo que nos habíamos propuesto: el mejor festival posible.
Tuvimos grandes ayudas como la de John Phillips, como artista y organizador. La diplomacia de Ralph J. Gleason y Bill Graham unió los contingentes de San Fracisco y Los Ángeles. Andrew Oldham y Derek Taylor eran nuestras conexiones británicas. Derek sentó precedente para las relaciones con la prensa. Nuestro departamento gráfico también marcó las líneas maestras del grafismo durante unos cuantos años. Como dijo Derek, dispusimos de la gente adecuada en el momento justo".

Festival de Monterey (4)

Domingo, 18 de junio de 1967


 SESIÓN DE TARDE



La tercera y última jornada del Festival, el domingo 18 de junio, estuvo dividida de nuevo en dos sesiones. La primera, de tarde, comenzó a la 1:30 PM, y el único artista en actuar fue Ravi Shankar

Ravi Shankar

Rãga bhimpalasi
Rãga Todi-Rupak Tal (7 Beats)
Tabla Solo In Ektal (12 Beats)
Rãga Shuddha Sarang-Tintal (16 Beats)
Dhun In dadra and fast teental (6 and 16 beats)


Ravi Sankhar: "Al principio querían que actuase entre dos artistas rock, pero a mí no me parecía adecuado. Estuve viendo la primera jornada y lo que ví con todos esos chicos colocados era algo que yo no quería en mi concierto. Tenía que haber tocado el sábado por la tarde y lo cambiaron -avisando con suficiente tiempo- a la tarde del domingo. La tarde, no obstante, también era una hora poco usual para nosotros. Solíamos atender programas matinales o nocturnos, y la hora de comer o inmediatamente después era un horario ciertamente extraño. Pero quería tocar como un acto separado de los demás grupos y tener una audiencia que únicamente viniera a verme a mí. De esa manera podría tener más control sobre mi música.

"También pensé que el calor del sol afectaría a los instrumentos. Pero la tarde se nubló un poco e incluso chispeó por unos segundos, aunque paró enseguida así que todo salió de forma mágica. "Era consciente de que había algunas personas fumando o tomando LSD y que sucedían ciertas cosas extrañas. Había un chico haciendo el pino sobre su cabeza y practicando posturas de yoga. Expliqué a la audiencia que esto no era música rock o pop. Que debía ser escuchada con respeto y disciplina del mismo modo que se escuchaba a Mozart o a Beethoven. Esto pareció ayudar, aunque aquí y allá había personas que seguían con su propio 'viaje' y me hacía infeliz la superficialidad  de todo esto y la información equivocada que tenía la gente sobre las drogas y la cultura india. Hacían un revoltijo de Kama sutra, tantra, yoga, hachís y LSD, mientras que la verdadera calidad espiritual de nuestra música se perdía casi por completo, pero en general fue una experiencia fantástica. 

 

"Si mantienes tu mente clara y tranquila nuestra música tiene un verdadero poder. Al principio es muy lenta y te calma y te relaja. Entonces, gradualmente penetra tu sistema con las diferentes rasas. Lo que llamamos 'rasas' son emociones o estados de ánimo. Pueden ser tranquilos, serenos, románticos, alegres o melancólicos y poco a poco se convierten en algo frenético, no en el sentido del rock, sino en un frenesí de felicidad y alegría que te redime"

Henry Diltz: Para nosotros era un héroe. Todos los músicos y hippies de Laurel Canyon ponían los discos de Ravi Shankar por las tardes mientras quemaban incienso. Monterey fue la primera vez que la gran mayoría de nosotros le podía ver en directo y su actuación fue memorable. La audiencia no sabía muy bien como reaccionar al principio, pero pronto estaban pacíficamente sentados y disfrutando religiosamente de la música. Algunos de los otros artistas del Festival, como Hendrix y Bloomfield, se unieron al público y participaron de la experiencia.
La gente parecía estar en trance y flotando espiritualmente sobre el recinto mientras sonaba la música y se quemaba el incienso. Fue un show bastante largo para standards del rock, quizás tres horas o más. Cuando Ravi tocó la última nota de su sitar se hizo durante unos segundos un inmenso silencio, seguido de un aplauso ensordecedor que tuvo al público de pie durante al menos cinco minutos. Fue la ovación más larga del Festival"
Ravi Shankar: Fue una experiencia muy estimulante para mí. Una audiencia tan diferente... Y realmente encontré el entusiasmo, las flores y el amor de los que me habían estado hablando tanto"
  • Sitar: Ravi Shankar
  • Tabla: Alla Rakha
  • Tamboura: Kamala

Alla Rakha, Ravi Shankar y Kamala

Esa tarde, al finalizar el concierto de Ravi Shankar se produjo un pequeño incidente entre Pete Townshend y Jimi Hendrix.

Jimi en el backstage
Pete Townshend: "Antes de la sesión de noche, comenzamos a discutir el orden de aparición, más que nada porque Brian Jones, que se encargaba de presentar a Jimi, como Eric Burdon, que nos presentaba a nosotros, querían conocer el orden para estar preparados. Así que le dije a Jimi: 'Nosotros no vamos a salir después de tí' a lo que contestó 'Bueno, yo tampoco pienso salir después'. Entonces dije: 'Escucha, nosotros no vamos a salir después y punto. Por lo que a mí respecta, estamos listos para salir y vamos a estar ahí antes. Fin de la conversación."

Brian Jones y Jimi Hendrix
El problema fue rápidamente solventado por John Phillips que sugirió solucionarlo con un lanzamiento de moneda. Pete ganó, sin embargo recuerda: "Jimi tenía esa mirada extraña (seguramente ya bajo los efectos de un 'Purple Monterey'), se subió a una silla y comenzó a tocar unos fraseos de guitarra absolutamente increíbles sobre una silla de los camerinos, justo debajo del escenario. Allí estaban conmigo Janis Joplin, Mama Cass, Brian Jones, Eric y yo y algunos más, mirándole boquiabiertos a su alrededor. Entonces se bajó de la silla y se giró hacia mí diciendo: 'Si voy a salir después de tí, la pienso liar gorda!"

The Who con Jimi Hendrix
Las diferencias de opinión entre Pete y Jimi no eran nuevas. No hay que olvidar que ambos se conocían de la escena británica. Townshend lo recuerda así: "La tercera o cuarta vez que le ví, actuaba como telonero nuestro en el Saville Theatre. Fue la primera vez que observé como le pegaba fuego a su guitarra. Pero no la quemaba apenas. La rociaba con un poco de gas para mecheros y la encendía, pero al día siguiente le veias tocando con la misma guitarra ligeramente chamuscada. De hecho, recuerdo cómo le provocaba: 'No es lo suficientemente espectacular, necesitas un buen lanzallamas y destruirla completamente', y comenzamos a discutir acerca de las maneras más apropiadas de destruir una guitarra. 'Si lo vas a  hacer', dije, 'hazlo bien, has de destrozarla completamente y regalar los trozos, de manera que sea imposible reconstruirla. Esa es la manera adecuada de destruir una guitarra'. Me miró como si estuviera completamente loco."



SESIÓN DE NOCHE




Blues Project

Flute thing
Wake Me, Shake Me
(lista incompleta)


Andy Kulberg y Danny Kalb
Henri Dilz: "Había visto a Blues Project en un pequeño club del Greenwich Village algunos años antes de Monterey, cuando yo andaba liado con los Lovin' Spoonful y comenzé con lo de la fotografía. Al Kooper aún estaba en la banda y tenían un directo explosivo. Me encantó verles allí tocando ante tal cantidad de personas y mostrándoles a los hippies californianos una muestra de blues underground neoyorquino hecho por blancos."

Cuando Blues Project actuó en Monterey, sólo quedaban de la formación original el bajista/flautista Andy Kulberg y el guitarrista Danny Kalb. Aún así, su actuación mitad folk, mitad blues con mucha psicodelia, impresionó a los Grateful Dead.

  • Voz y teclados: John McDuffy
  • Guitarra solista: Danny Kalb
  • Guitarra rítmica y voces: Steve Katz
  • Bajo y flauta: Andy Kulberg
  • Batería y percusión: Roy Blumenfeld


Big Brother and the Holding Company


Janis repitió el domingo
Janis Joplin y Big Brother volvieron a actuar la jornada del domingo para que el equipo de D.A. Pennebaker tuviera la oportunidad de filmar la actuación. El primer día los managers del grupo ordenaron apagar las cámaras, pero los organizadores del festival, ante la expectación creada por su show, lograron convencerles para que volvieran a tocar al día siguiente con el fin de tomar las imágenes. En esta ocasión únicamente interpretaron dos temas, 'Combination of the two' y una versión corta de 'Ball & Chain' sin el solo de guitarra de James Gurley.

Henry Diltz: Recuerdo que tras Janis salieron a escena The Group With No Name, una nueva formación que había reunido mi amigo y ex-colega del Modern Folk Quartet, Cyrus Faryar. Debo ser de los escasos asistentes que fueron conscientes de su actuación. Todos los demás aún estaban recuperándose de lo que habían experimentado con Janis y su 'Ball & Chain'"


The Group With No Name
(No se encuentran datos ni videos de su actuación)


Buffalo Springfield

A child's claim to fame
Pretty girl why
Bluebird 


Stephen Stills
El mes de junio de 1967, Buffalo Springfield era una banda de bastante éxito comercial. pero también tenía numerosos conflictos internos. Estos conflictos no eran nuevos para el grupo, ya que sus miembros no solían durar mucho en sus filas. Unas semanas antes de Monterey, Neil Young habia abandonado la formación y su bajista Bruce Palmer se acababa de reenganchar tras volver de ser deportado a Canadá por posesión de marihuana.  

Bruce Palmer y Dewey Martin
Stephen Stills, que ya había estado ensayando algunos temas con David Crosby para un proyecto común, le pidió a éste que ocupara aquella noche de domingo en Monterey el lugar de Neil Young en el grupo, hecho que enfureció aún más a Roger McGuinn, que ya estaba quemado de haber tenido que soportar la noche anterior el exceso de protagonismo de Crosby durante la actuación de The Byrds.

  • Voz y guitarra: Stephen Stills
  • Voz y guitarra: Richie Furay
  • Guitarra y voces: David Crosby
  • Bajo: Bruce Palmer
  • Batería y percusión: Dewey Martin
Dewey Martin, David Crosby, Richie Furay y Stephen Stills

    The Who


    Pete Townshend
    Y por fin les llegó el turno a The Who, uno de los actos más esperados de la noche. Eric Burdon los presentó con: "...y este es el grupo que os va a destruir completamente en más de un sentido". Su actuación de alrededor de media hora tuvo su climax con la explosión de bombas de humo de colores, mientras Daltrey lanzaba los micrófonos hacia el aire y Townshend hacía trizas su Stratocaster antes de estrellarla contra los amplis. Moon cerraba la ceremonia pateando su batería, desparramándola sobre el escenario y lanzando las baquetas al público, mientras los técnicos del Festival corrían a salvar los micros que aún quedaban sanos.


    Keith Moon
    Eric Burdon: "Cuando terminé la presentación: 'Con ustedes, The Who',  comenzó aquello. El público americano pensaba 'Pero esto, ¿qué demonios es?'. Y cuando terminaron 'My Generation' todo el escenario parecía explotar como una bomba atómica. El climax de su actuación parecía un ataque terrorista con todas esas bombas de humo"

    Roger Daltrey
    Jackson Browne: "Townshend dió un gran salto frente al pie de micro con su guitarra y le dió al micrófono, que salió volando por el escenario. Recuerdo ver como un técnico de sonido de los que estaban grabando el concierto se ajustó las gafas y salió corriendo al escenario protegiéndose la cabeza y tratando de recuperar el micro. No sabía qué estaba sucediendo, pero sus micrófonos estaban siendo destrozados por este descontrolado y loco grupo británico"

    Tommy Smothers: "El cuello de la guitarra se partió y Townshend lo lanzó hacia el público. ¡Pensé que podía atravesarle el corazón a alguien! Me refiero a que estaba realmente preocupado por la gente de la audiencia. Pero aquello era una fiesta. Todo el mundo extendía los brazos para agarrarlo."
    Steve Cropper: "¿Porqué destrozar un buen instrumento? Alguien en algún lado seguro que podía hacer mejor uso de él. Pero supongo que lo que les gustaba era la energía rebelde que irradiaban esos chicos"

    The Who interpretan 'My generation'
    Chris Hillman: "La violencia no estaba de moda por aquel entonces, por lo que resultaba muy raro ver a The Who y luego a Hendrix destrozar su equipo sólo por el espectáculo. Era algo raro y extraño, porque todos tratábamos de estar relajados y tranquilos, con buenas vibraciones."


    Keith y Pete destrozan sus instrumentos
    Eric Burdon: "Cuando se perdieron en la noche de Monterey las últimas notas de 'My generation'  y se disipó el humo del escenario, estaba profundamente impresionado. Y no fue la actuación de los Who. A ellos ya los conocía y les había visto hacer estas cosas en otras ocasiones. Lo que me impresionó fue la reacción del público."


    Jackson Browne: "Fue algo revolucionario, y en cierto modo tan expresivo y místico. ¿Qué significado tenía todo aquello? La gente alucinó y le encantó"
    Al Kooper: "Pero ¿porqué centrarse en esa parte del concierto?. Hay que reconocer que The Who era una banda magnífica. A mí me encantaba su música y la energía que desprendían. Nunca le dí importancia al numerito de la guitarra."
    John Phillips: "The Who sabían perfectamente lo bueno que era Jimi Hendrix y no querían quedarse atrás, así que reventaron el escenario con las bombas de humo y aquellas bolas de fuego. Por esa razón Jimi quemó su guitarra y le hizo el amor a un amplificador"

    • Voz solista: Roger Daltrey
    • Guitarra y voces: Pete Townshend
    • Bajo: John Entwhistle
    • Batería y percusión: Keith Moon

    The Who en 1967: Pete Townshend, Roger Daltrey, Keith Moon y John Entwhistle


    Grateful Dead

    Alligator/Caution (Do Not Stop On Tracks) 

    Jerry García
    Para aplacar un poco los ánimos salieron a continuación a escena los Grateful Dead, liderados por el guitarrista Jerry García, veteranos de los 'Acid Tests' que Ken Kesey (escritor perteneciente a la contracultura californiana, autor de 'Alguien voló sobre le nido del cuco') llevaba celebrando desde 1965 en el área de la bahía de San Francisco, bajo el lema: "¿Puedes TÚ pàsar el test del ácido?".

    ¿Puedes pasar el test del ácido?
    En estos encuentros, además de ingerir LSD, había luces negras y estroboscópicas, pinturas fluorescentes y generalmente música del grupo favorito de Kesey, The Warlocks, que en 1966 se cambiaron el nombre a Grateful Dead.
    No se grabaron imágenes oficiales de su actuación, ya que no solían quedar contentos del resultado cuando actuaban fuera de su contexto. En enero del mismo año aparecieron en el evento 'Mantra-Rock' que se celebró en el salón Avalon de San Francisco con el fin de recaudar fondos para el templo de los Hare Krishna en la ciudad. Actuaron junto a Moby Grape, Big Brother & the Holding Company, el poeta Allen Ginsberg y Bhaktivedanta Swami, el fundador de Hare Krishna.

    Bob Weir, Jerry García y Bill Kreutzmann

    Un par de meses después, el 17 de marzo, publicaron su primer álbum 'The Grateful Dead' en el sello Warner Brothers.
    Con su único y ecléctico estilo fusionando elementos rock, folk, bluegrass, blues, country, jazz y psicodelia limpiaron el ambiente con sus jams psicodélicos, tendiendo la alfombra roja para otro de los platos fuertes de la noche.

    • Guitarra solista y voces: Stephen Stills
    • Guitarra rítmica y voces: Bob Weir
    • Teclados, armónica y voces: Ron 'Pigpen' McKernan
    • Bajo y voces: Phil Lesh
    • Batería y percusión: Bill Kreutzmann

    Grateful Dead en septiembre de 1967


    The Jimi Hendrix Experience


    Brian Jones presenta a Jimi
    Jimi Hendrix había nacido en Seattle y a principios de los años sesenta formó parte de los grupos de acompañamiento de artistas como Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke, and Jackie Wilson. Más tarde acompañaría a Little Richard, Ike & Tina Turner, Curtis Knight y King Curtis antes de formar su propio  grupo en Nueva York: Jimmy Jones & the Blue Flames. Allí fue donde le conoció Linda Keith, compañera sentimental de Keith Richards y se lo recomendó a Chas Chandler, ex-bajista de los Animals, que andaba buscando nuevos talentos para producir. Así se puede decir que su verdadera carrera estelar comenzó en el Reino Unido, donde le precedía una considerable fama, además de la publicación el 12 de mayo de su primer álbum 'Are You Experienced', que había alcanzado en pocos días el puesto nº2 de las listas inglesas, sólo superado por 'Seargent Pepper'.
    El hecho de su inclusión en el cartel del Festival de Monterey se debió en gran medida a la insistencia de Paul McCartney que no cesaba de advertir que el Festival se quedaría cojo sin Hendrix.

    El de Seattle, que necesitaba superar el listón que habían marcado los Who unos minutos antes, puso toda la carne en el asador haciendo de su actuación en Monterey una de las cumbres de la música rock de todos los tiempos. Tocó la guitarra como nunca jamás se había tocado en la historia de la música; algunos críticos sentencian: "y como nunca más se volvió a tocar". El concierto acabó con una versión de la popular Wild Thing (The Troggs) tras la que Hendrix quemó y destrozó su guitarra ante la atónita mirada de los asistentes.
    Los restos de la guitarra recuperados por el público se encuentran en la actualidad en el museo dedicado a Hendrix en Seattle.

    Mitch Mitchell
    Eric Burdon: "Esta fue la primera vez que Jimi Hendrix tenía la oportunidad de tocar frente a sus paisanos y quiso quedar bien. Conforme avanzaba el fin de semana su apariencia se iba tornando cada vez más como la de un indio nativo americano. Empezó como un afroamericano el viernes; el sábado era un comanche y el domingo noche era un guerrero apache dispuesto a matar"
    David Crosby: "Fue la primera vez que vi a Hendrix. Fue un auténtico estreno para todos. Había oído hablar de él pero ésta era la primera vez que le veía en directo. Estábamos ahí sentados con las mandíbulas como buzones. No podíamos creer que se pudieran hacer esas cosas con una guitarra, nadie había visto jamás tocar a nadie de forma semejante. Hendrix tenía su propio y único estilo. Con él la guitarra sonaba fluída, exuberante, anárquica, era un instrumento libre, sin reglas"

    Hendrix con la guitarra sacrificada
    Denis Hopper:"Jimi Hendrix era un guitarrista extraordinario. Su guitarra se convertía en parte de él, en una extensión de sus sentidos, sus emociones, su sexo... En eso era imbatible."
    Ravi Shankar: "Me agradaba la música de Jimi Hendrix, pero cuando comenzó a maltratar y a hacer gestos obscenos con su guitarra, me sentí muy apenado y tuve que irme"
    John Phillips: "Para mí también fue una sorpresa lo de quemar su guitarra. Estaba en una de las alas del recinto cuando sacó la botellita de Ronson y roció la guitarra con el fluido inflamable. No creí que fuera capaz de hacerlo. El jefe de bomberos de Monterey estaba junto a mí y traté de distraerle señalando el gentío: '¡Mire a toda esa gente! ¿No son encantadores?'"


    Hendrix, en pleno ritual
    Henry Diltz: "Fue un curioso pequeño ritual, cuando vertió el líquido y buscó torpemente una cerilla, luego la encendió y dejándola caer sobre la guitarra, se inclinó sobre ella e hizo esos movimientos de vudú sexual. Un ritual extraño, pero fascinante."
    Jimi Hendrix: "Cuando quemé mi guitarra fue como un sacrificio. Se sacrifican las cosas que amas. Y yo amaba mi guitarra. Esa misma tarde terminé de pintarla".


    Jeanette MacDonald


    El 18 de junio de 1903 nació en Philadelphia la actriz y cantante norteamericana Jeanette MacDonald. Conocida por sus papeles en los musicales de los años treinta junto a Maurice Chevalier (Love me Tonight, La viuda alegre) y Nelson Eddy (Naughty Marietta, Rose Marie y Maytime), protagonizó 29 películas, cuatro de ellas nominadas al mejor film del año: 'El desfile del amor', 'Una hora contigo', 'Naughty Marietta' y 'San Francisco'.


    También grabó numerosos discos, obteniendo tres discos de oro. Más tarde apareció en programas de radio y TV y realizó conciertos de ópera. Fue una de las sopranos más influyentes del siglo XX introduciendo a los espectadores de sus películas en el mundo de la ópera e inspirando a toda una generación de cantantes. En sus últimos años padeció del corazón y murió en enero de 1965 a los 61 años.

    Ignace Joseph Pleyel


    El 18 de junio de 1757 nació en Ruppersthal, cerca de Viena el compositor, editor musical y fabricante de pianos austriaco Ignace Joseph Pleyel. Fue alumno de Joseph Haydn y de Johann Baptist Vanhal en Bratislava y en la corte de los príncipes Esterhazy en Eisenstadt. Posteriormente, perfeccionó su técnica en Italia. En 1789, es nombrado maestro de capilla de la catedral de Estrasburgo (ciudad donde se encuentra, en esa época, un tal Rouget de l'Isle). Sucede en dicho puesto a François-Xavier Richter.

     

    Al mismo tiempo que su antiguo profesor y amigo Joseph Haydn, pasó en Londres el año 1791.
    Es autor de un Método de piano y de abundante música de cámara (64 cuartetos): “Quartet Nº 2: Moderato”, instrumental para piano y cuerdas: “Piano Concerto. Adagio”  y sinfónica: “Sinfonía concertante”.  A partir de 1795, vive en París y abre su primera tienda de música y una editora musical. 

    Piano Pleyel que Chopin tenía en Mallorca
    En su deseo de adaptar los instrumentos a las cada vez mayores exigencias de compositores e intérpretes, concibe en 1802 su primer piano provisto de un sistema de escape simple, en el que las cuerdas son percutidas por un martillo y no pinzadas (como en el caso del clavecín). Registra la patente en 1807. Falleció en París el 14 de noviembre de 1831, París.


    El hijo mayor de Pleyel, Camile viajó a Londres para aprender el oficio y luego continúo su entrenamiento en el negocio de fabricación de pianos de su padre; en 1815 se unió a la compañía y en 1824 se hizo cargo del negocio. Camile Pleyel fue reemplazado por Auguste Wolf, un virtuoso pianista y compositor del conservatorio de París, y después por Gustave Lyon, quien manejó la compañía hasta 1930. A esa altura 1500 familias eran sostenidas por la compañía de pianos “Pleyel”. La fábrica fue adquirida en el 2000 por Hubert Martigny.

    En 200 años, la fábrica de pianos Pleyel, había sobrevivido a dos guerras mundiales, el surgimiento de la música electrónica y el ascenso de los pianos japoneses, sin embargo no pudo resistir el auge de su competidor estadounidense, Steinway, ni a la oleada de pianos chinos. La compañía llevaba ya 30 años de pérdidas y había reducido su producción de 600 a 30 pianos al año. El 2007 dejó de fabricar pianos en Alès, sur de Francia, porque no era rentable frente a la competencia extranjera. Ahora, el 90% de las salas de conciertos del mundo usan pianos Steinway. “Están acostumbrados a su sonido potente y no quieren tener una sorpresa cuando toquen en público”, señala François-René Duchable, intérprete de Chopin. “Pleyel contra Steinway es como David contra Goliat”.