31 julio 2012

LP 'Groovin''


El 31 de julio de 1967 se publicó en Estados Unidos 'Groovin'' el tercer álbum de la banda de New Jersey The Young Rascals, considerado el mejor grupo de soul blanco de los sesenta. Sería el último de sus LPs acreditados como tal, pasando en el siguiente álbum a llamarse simplemente The Rascals. Ocho de los temas que componían el álbum fueron editados como cara A o B de varios singles, entre ellos el que daba título al álbum, cuya popularidad generó versiones cantadas en italiano y español y es hoy uno de los grandes clásicos del rock.

Eddie Brigati (voz solista), Felix Cavaliere (teclados) y Gene Cornish (guitarra), los tres ex miembros de Joey Dee & the Starlighters formaron la banda junto con Dino Danelli (batería) en Garfield (New Jersey), ciudad natal de Edie y Dino. Publicaron su single debut en 1965 y un año después habían logrado un nº1 en Canadá y Estados Unidos con el tema 'Good lovin'.

Pero su explosión creativa estaba por llegar con 'Groovin''. Para entonces, la mayoría de los temas estaban compuestos por Brigati y Cavalieri y en el álbum comenzaron a incorporar arreglos orquestales y a realizar incursiones en la incipiente psicodelia, añadiendo a sus canciones flautas y pianos clásicos, guitarras españolas, arreglos de big band y esa alegría luminosa y desenfadada que desprendía el espíritu del Verano del Amor, sin perder por ello su carácter soul.


Además de 'Groovin'', que significaba un gran cambio en el sonido de la banda, con su atmósfera de paseo veraniego junto al mar aderezado con cantos de pájaros y congas tropicales, se publicaron en disco sencillo 'A girl like you' un Top10 en el Hot100 de Billboard y 'How can I be sure', que fue Top5, ambas con arreglos orquestales de Arif Mardin. 'How can I be sure' recibiría una versión de David Cassidy en 1972 que fue nº1 durante dos semanas en el Reino Unido.
El guitarrista Gene Cornish contribuyó con dos canciones: la alegre y festiva 'I'm so happy now' y 'I don't love you anymore', cuyos arreglos de congas y guitarras acústicas se integraban perfectamente en el paisaje y la atmósfera general del disco.

Otro corte del álbum con introducción de guitarra flamenca y tintes sicodélicos, 'Sueño', fue editado en single como cara B de 'Groovin''. 'Find somebody' con su sonido garaje contiene un riff de guitarra que recuerda a los primeros Creedence. El álbum se completó con algunos temas grabados anteriormente que por una u otra causa no aparecieron en los Lps anteriores, como fue el caso de 'You better run' y 'If you knew'. Asimismo se incluyó el único tema no original de la banda, una versión de un hit que Stevie Wonder logró en 1966: 'A place in the sun'.

Roy Milton


El 31 de julio de 1907 nació en Wynnewood (Oklahoma) el compositor, baterista y cantante de R&B, Roy Milton, quien entre 1946 y 1953, al frente de sus Solid Senders, obtuvo 19 hits en el Top10 de las listas Billboard de R&B. Fue llamado por algunos el 'Abuelo del R&B'

Su abuela materna pertenecía a la tribu Chickasaw y Roy se crió en una reserva india de Oklahoma. En los años veinte, entró a formar parte de la orquesta de Ernie Fields, primero como cantante, más tarde también como baterista. En 1933 se trasladó a Los Angeles y fundó su propia banda, The Solid Senders, con Camille Howard al piano. Tocaban en pequeños locales y comenzaron a grabar en los años cuarenta, estrenándose con 'Milton's boogie' (1946).

En 1945 les llegó el éxito, cuando 'R.M. Blues' alcanzó el puesto nº2 en las listas de R&B y el Top20 en las listas pop. El disco se publicó bajo el sello Juke Box Records, que más tarde y gracias a las ventas de 'R.M. Blues' evolucionaría a Specialty Records. Milton y su banda se convirtieron en un espectáculo muy popular y siguieron grabando hasta el principio de la década de los cincuenta, consiguiendo 19 hits seguidos en el Top20 de R&B, entre los que destacan 'True blues' (1947), 'Hop, skip and jump' (1948), 'Oh babe', 'Information blues' (1950) y 'Best wishes' (1951).

En 1955 dejó Specialty Records y, aunque lo intentó en otros sellos, el nuevo sonido del rock'n'roll hizo que su música sonara muy anticuada y pasada de moda. No obstante, siguió actuando y en 1961 tuvo dos éxitos menores con 'Red light' y 'Baby, you don't know'. En 1970 apareció en el Festival de Jazz de Monterey como miembro de la Johnny Otis Band. En los setenta grabó sus últimos discos y Roy murió a los 76 años en septiembre de 1983.

Hank Jones


El 31 de julio de 1918 nació en Vicksburg (Mississippi) el pianista y compositor norteamericano de jazz Hank Jones. Hermano mayor de Thad y Elvin Jones, era el motor musical de la familia. Recibió formación clásica de piano, pero a instancias de Fats Waller se pasó al jazz.

Tocó en orquestas locales antes de trasladarse en 1944 a Nueva York para probar suerte en la escena tardía del swing y el bebop. Encontró trabajo con 'Hot Lips' Page y Coleman Hawkins (1946/47), En otoño de 1947 empezó una gira con el grupo de Norman Granz 'Jazz at the Philharmonic' y entre 1948 y 1953 acompañó a Ella Fitzgerald.

Durante este periodo realizó también varias grabaciones históricamente relevantes con Charlie Parker, entre ellas el tema 'The song is you', del disco 'Now's the Time', grabado en diciembre de 1952, con Teddy Kotick al bajo y Max Roach en la batería. A partir del año 1956 hizo giras con Benny Goodman y grabó álbumes propios como 'The Trio' (1955) y 'Bluebird' (1956).

Trabajó con Lester Young, Cannonball Adderley y Wes Montgomery, además de ser durante un tiempo pianista de plantilla del sello Savoy. Entre 1959 y 1975 Jones fue asimismo pianista de los estudios de la CBS, por lo que acompañó a Frank Sinatra en The Ed Sullivan Show. Su talento para el fraseado elegante sin sonar pasado de moda y su sensibilidad e intuición hicieron de Hank un pianista de sesión muy solicitado. En los setenta grabó excelentes álbumes como 'Hank Jones Solo Piano' (1975), 'Rockin' in Rhythm', 'Just For Fun' (1977) y 'The Great Jazz Trio at the Village Vanguard' (1978)

Llamado 'el decano de los pianistas de jazz', a Jones se le puede escuchar en miles de discos (fue el pianista que acompañó a Marilyn Monroe, cuando ésta le cantó el 'happy birthday' a John F. Kennedy). Entre sus últimos trabajos destacan el dúo con el bajista Red Mitchell, 'Duo' (1987), el trio con Dave Holland y Billy Higgins en 'The Oracle' (1989), y sus últimas grabaciones junto a Joe Lovano.  Murió a los 91 años en mayo de 2010.

30 julio 2012

LP 'In A Silent Way'


El 30 de julio de 1969 se publicó en Estados Unidos el álbum de Miles Davis 'In A Silent Way'. Aunque en anteriores trabajos y actuaciones en directo Miles ya había mostrado un cambio estilístico encaminado hacia la fusión, la mayoría considera este trabajo como el inicio de su 'periodo eléctrico'.

Miles y Teo Macero
Grabado en un solo día el 18 de febrero del mismo año en los estudios CBS de Nueva York, fue producido por Teo Macero cuya labor se demostró fundamental en el resultado final, incorporando con sus mezclas y ediciones elementos de la sonata clásica en las piezas de Davis. Los dos extensos temas del álbum están divididos en tres partes interpretables como 'exposición', 'desarrollo' y 'recapitulación'.

John McLaughlin
Asimismo, la incorporación del joven John McLaughlin y su guitarra fueron definitorios y añadieron una nueva dimensión al sonido de 'In A Silent Way'. Miles conoció a John, que un mes antes había publicado su álbum debut 'Extrapolation', la noche anterior al comienzo de las sesiones, e impresionado con su talento, le invitó a darse una vuelta por el estudio al día siguiente. Los meditados y a veces frenéticos y explosivos fraseados de guitarra de McLaughlin son los que insuflan vida a los intentos de Davis de adaptarse al medio musical de finales de los sesenta.

Dave Holland
Otros músicos implicados en el álbum fueron Chick Corea y Herbie Hancock a los pianos eléctricos, Wayne Shorter al saxo tenor y soprano y la sección rítmica formada por Dave Holland (contrabajo) y Tony Williams (batería). Joe Zawinul, que asistió a la sesión como compositor del tema principal que daba título al álbum, terminó contribuyendo a la grabación con el órgano.

Chip O'Brien, de PopMatters opinó: "Tal como 'Kind of Blue', 'In A Silent Way' está por encima de géneros y etiquetas. No es ni jazz ni rock. Tampoco se puede considerar lo que se denominó más adelante fusión. Es todo ello y a la vez algo completamente diferente. Un sonido universal en el que se percibe una encantadora resignación de Davis, en la que parece dejar atrás sus primeros días junto a Charlie Parker, John Coltrane y Cannonball Adderley y sus trabajos a comienzos de los sesenta, para abrazar el futuro, no solo del jazz, sino de la Música en sí misma".

Phil Freeman, autor de un ensayo sobre la música eléctrica de Miles Davis, aseguraba en él: "El álbum carecía de swing, los solos eran poco significativos y había guitarras eléctricas... Sin embargo, aunque 'In A Silent Way' no era propiamente jazz, definitivamente tampoco era rock. Era el sonido de Miles Davis y Teo Macero bajando unas escaleras sin luz a las tres de la madrugada hacia una sala oscura. La banda sonora de todas aquellas conversaciones susurradas que todo artista creativo sostiene con esa fantasmal voz llena de dudas que vive dentro de su cabeza y que formula sin cesar preguntas sin respuesta..."

'Shhh'/'Peaceful' (Miles Davis) – 18:16
1- 'Shhh'
2- 'Peaceful'
3- 'Shhh'

'In a Silent Way'/'It's About That Time' (Joe Zawinul, Miles Davis) – 19:52
1- 'In a silent way'
2- 'It's about that time'
3- 'In a silent way'


Miles Davis – trompeta
Wayne Shorter – saxos soprano y tenor
John McLaughlin – guitarra eléctrica
Chick Corea – piano eléctrico
Herbie Hancock – piano eléctrico
Joe Zawinul – órgano
Dave Holland – contrabajo
Tony Williams – batería


Productor – Teo Macero
Ingeniero (remezcla y edición) – Russ Payne
Ingeniero de grabación – Stan Tonkel

Foto portada – Lee Friedlander
Foto contraportada – John G. Walter
Notas – Frank Glenn

29 julio 2012

Don Redman


El 29 de julio de 1900 nació en Piedmont (Virginia Occidental) el músico, cantante, clarinetista, oboísta, saxofonista, arreglista y director de orquesta de jazz y swing Don Redman. Tras realizar estudios musicales en los conservatorios de Boston y Chicago, Don Redman se trasladó en 1923 a Nueva York como miembro de los Billy Paige' Broadway Syncopators.

En esta época realizó algunas grabaciones con Clarence Williams y Bessie Smith. Entre 1924 y 1927 trabajó con la orquesta de Fletcher Henderson, con la que ya cantaba 'scat', antes de que Louis Armstrong llegara. Los innovadores y futuristas arreglos de Don Redman se anticiparon a la era del swing más de una década. Él era el cerebro de la orquesta, en la que desarrolló por primera vez conceptos fundamentales para las big bands como la orquestación por secciones, al dividir las líneas melódicas entre los metales y las maderas. No menos importante fue su trabajo sobre el concepto de riff y el posterior establecimiento de lo que seria la formación básica de una big band: 3 trompetas, 2 trombones, 4 maderas (saxofones/clarinetes) y la sección rítmica con piano, guitarra (o banjo) contrabajo (o tuba) y batería.

De izquierda a derecha: Howard Scott (trompeta), Coleman Hawkins (saxo tenor), Louis Armstrong (corneta), Charlie Dixon (banjo), Fletcher Henderson (piano y director), Kaiser Marshall (batería), Buster Bailey (saxo y clarinete), Elmer Chambers (trompeta), Charlie Green (trombón), Bob Escudero (tuba) y Don Redman (saxo alto y arreglos).

Con Redman y Armstrong, la orquesta de Fletcher Henderson, se convirtió en la primera big band importante de la historia.

En 1927 trabajó como director musical de los McKinney's Cotton Pickers de Detroit. En la banda estaban Coleman Hawkins, Benny Carter y Fats Waller. Como arreglista todavía realizó algunas grabaciones en 1928 con los Savoy Ballroom Five de Armstrong. Redman reclutó en 1931 a algunos de los músicos de Cotton Pickers para formar su propia banda, Don Redman and his Orchestra, a la que se incorporaron también miembros del grupo de Horace Henderson.

Esta formación se mantuvo nueve años y tocaba regularmente en el Connie's Inn de Harlem. Durante este tiempo Don siguió realizando arreglos para otros como Paul Whiteman, Isham Jones, Ben Pollack y Bing Crosby. En 1943 formó una nueva banda para el Club The Zanzibar en Nueva York y siguió trabajando en arreglos para Jimmie Lunceford, Jimmy Dorsey, Count Basie y Harry James.

La primera gira europea de músicos americanos tras la segunda guerra mundial la organizó Redman en 1946. Entre otros le acompañaban Don Byas y Tyree Glenn. En Europa permaneció un año y a su vuelta trabajó exclusivamente como director musical de Pearl Bailey.
Apenas volvió a los escenarios aunque a finales de los cincuenta volvió a realizar algunas grabaciones con el saxo alto y soprano. Murió en noviembre de 1964 a los 63 años.

Redman es una figura esencial en el desarrollo del jazz. Dominador de la escena neoyorkina en los años 1930, su estilo de arreglos, planteado en su estancia con Henderson, influyó a todas las orquestas de la época y supuso el paso del jazz tradicional a la modernidad. Creó las relaciones entre secciones de metales que aún hoy se mantienen como forma básica de los arreglos para big band, y fue además un compositor notable, con temas que han permanecido en el jazz de las siguientes décadas. Inventó también una fórmula orquestal de coro vocal al unísono, contestando a la voz solista, que más tarde sería explotada al máximo por Tommy Dorsey con Frank Sinatra. Como cantante y solista instrumental, también fue un músico notable.

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Charlie Christian


El 29 de julio de 1916 nació en Bonham (Texas), el guitarrista de jazz Charlie Christian. Desde el momento en que apareció en Nueva York en plena época del swing como miembro del sexteto de Benny Goodman, Charlie cambió para siempre el modo de tocar la guitarra en el jazz y, aunque su carrera y su vida fueron cortas, su influencia en el posterior desarrollo del bebop y el cool jazz permanece incuestionable.

Hijo de un cantante y multiinstrumentista ciego, Charlie creció en los barrios pobres de Oklahoma City. Junto a su padre y sus hermanos tocaba blues y música clásica ligera en los barrios blancos. En el colegio aprendió a tocar la trompeta, el saxo, piano y contrabajo. Tras varios trabajos como bajista y guitarrista, siguió en 1937 el ejemplo de Eddie Durham y se cambió a la recién inventada guitarra eléctrica. John Hammond le oyó tocar en 1939 y le puso en contacto con Benny Goodman. Éste contrató inmediatamente a Christian para su big band y su sexteto, con los que Charlie escribiría hasta su muerte grandes páginas de la historia del jazz, como 'Charlie's idea', 'Solo flight' o 'A smo-o-oth one'. Sus solos de 'Seven come eleven', 'Down home' o 'Breakfast feud', siguen siendo modelos de todo estudiante de guitarra de jazz.

Charlie con Benny Goodman
Sus apariciones formando parte de bandas blancas, en todo tipo de escenarios, incluido el Carnegie Hall, también significaron un hito en el lento proceso de la integracióin racial en el jazz.
A partir de 1941, Christian tomó parte junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke en las jam sessions de Minton's Playhouse, que fueron definitorias para el surgimiento del bebop. Charlie contribuyó en estas sesiones a que la guitarra fuera considerada como instrumento solista en el jazz. Con las nuevas técnicas de amplificación eléctrica podía competir con trompetas y saxofones, en cuyas líneas melódicas apoyaba Christian sus improvisaciones. Su estilo a la guitarra, rítmico y flexible, con cromatismos y osadas disonancias, encontraba su mayor punto de referencia en la música de Lester Young.

Fue el mejor 'improvisador' de aquellos tiempos. Sus influencias fueron más allá del jazz ya que contó entre sus discípulos a T-Bone Walker, Chuck Berry, Eddie Cochran y Jimi Hendrix. Desafortunadamente una tuberculosis que contrajo en los años treinta causó un rápido deterioro de su salud y murió a los 25 años en marzo de 1942.

Enrique Sierra


El 29 de julio de 1957 nació en Madrid el guitarrista, compositor y productor español Enrique Sierra, cofundador al final de los años setenta de grupos emblemáticos de la Movida Madrileña como Kaka de Luxe y Radio Futura.

El mayor de cinco hermanos, Enrique creció en el barrio de Moratalaz que por entonces era un barrio obrero. Su vida se desarrollaba en la calle y su mayor afición era escuchar música, especialmente rock & roll. "Nos reuníamos, comprábamos discos que nos pasábamos unos a otros y, no sé cómo, un día me hice con una guitarra."

Kaka de Luxe
Con 19 años formó junto con Olvido Gara 'Alaska' y Fernando Márquez 'El Zurdo' la banda Kaka de Luxe. Con la incorporación de Nacho Canut y Carlos García Berlanga, que regentaban un puesto en el Rastro madrileño, a los que se unieron más tarde el dibujante Manolo Campoamor y el baterista Manolo Martínez, comenzaron a adaptar e incorporar las tendencias del punk inglés a la mentalidad española. Influidos por los Ramones, la Velvet y el punk británico, editaron su propio fanzine y en 1978 hicieron su presentación oficial en el pub People. A través de Jesús Ordovás y Mariscal Romero, directores del sello Chapa de Zafiro, lograron grabar unas maquetas cuyo resultado se editó en un EP que contenía los temas 'Rosario','Toca el pito', 'Viva el metro' y 'La pluma eléctrica'.

Manolo Martínez, Nacho Canut, Manolo Campoamor, Alaska, Carlos Berlanga, Enrique Sierra y Fernando Márquez

Antes de desaparecer como grupo, por sus filas pasaron diversos músicos entre los cuales se encontraban Fabio de Miguel, Poch, Bernardo Bonezzi y los hermanos Urquijo. Tras la separación se produjo una diáspora que dio lugar meses más tarde a nuevos proyectos como Alaska y los Pegamoides (Olvido, Nacho y Carlos), Paraíso (Fernando), Zombies (Bernardo), Derribos Arias (Poch), Parálisis Permanente (Nacho Canut) y Secretos (hermanos Urquijo).

Enrique por su parte, se incorporó en 1979 a Radio Futura, que entonces iniciaba su andadura con Santiago y Luis Auserón, Herminio Molero y Javier Pérez Grueso. Su álbum debut, 'Música Moderna' se publicó en 1980. Tras la discreta acogida del disco, Herminio y Javier abandonaron el grupo y los hermanos Auserón y Enrique Sierra continuaron con la banda incorporando al baterista Solrac Velázquez y dieron un giro a sus planteamientos musicales editando como muestra en 1982 'La estatua del jardín Botánico'

En 1984 apareció 'La Ley del Desierto, la Ley del Mar' con dos de sus temas más populares: 'Semilla negra' y 'Escuela de calor', en la que Sierra compartía autoría. Seguirían 'De un País en Llamas' (1985) y 'La Canción de Juan Perro' (1987) con nuevos temas de éxito como 'No tocarte''El tonto Simón''Han caído los dos''37 grados' y 'La negra flor'.


En el mejor momento artístico del grupo, Enrique, que padecía una enfermedad crónica de riñón, sufrió una crisis y tuvo que dejar el grupo, sindo sustituido por Javier Monforte. Cuando Sierra se recuperó, Monforte permaneció en la formación, pasando la banda así a ser un sexteto.

En 1989 Enrique volvió a caer enfermo sufriendo un derrame cerebral que le dejó temporalmente semiparalizado un brazo. Fue sustituido en las giras por Ollie Halsall, guitarrista de la 'escuela de Canterbury', habitual en las grabaciones de Kevin Ayers. En noviembre de ese año, con Enrique recuperado, acometen la grabación de su nuevo trabajo, 'Veneno en la Piel' que alcanza el nº1, así como el single homónimo que se extrajo.

Luis, Enrique y Santiago
En septiembre de 1990, Radio Futura ofrece su último concierto tras once años de andadura y 439 conciertos a sus espaldas. Se publicaría un álbum más, 'Tierra para Bailar' en 1992 con nuevas mezclas de temas ya grabados anteriormente. Santiago Auserón continuaría su carrera en solitario como Juan Perro y Enrique hizo lo propio con el álbum 'Mentiras' (1995) y actuando como Enrique Sierra y los Ventiladores. En 1999 se unió a Luis Auserón y Pilar Román para grabar el álbum 'Klub' 

En el nuevo siglo Sierra inauguró el estudio de grabación Diana y recibió sendos Grammy latinos (2002 y 2004) por su trabajo como ingeniero de grabación en los álbumes de la cantante Rosario Flores: 'Muchas Flores' y 'Mil Colores'.
Murió el 17 de febrero de 2012 a los 55 años por problemas derivados de su larga enfermedad renal. "Sin cuentos y al desnudo, fue para nosotros el catalizador del sonido eléctrico de Madrid. Tocar a su lado te contagiaba, te permitía sumarte a la corriente de la ciudad. Ejercía de madrileño con una especie de señorío llano, sin necesidad de aparentar casticismo. Su humor fino e inteligente nos hizo desear ser también hijos del Foro." (Santiago Auserón).

Jim Marshall


El 29 de julio de 1923 nació en Action, un suburbio londinense, el pionero de la amplificación de guitarra Jim Marshall, conocido como 'The Lord of Loud' (el Señor del volumen) y acreditado como uno de los cuatro progenitores de la equipación de los guitarristas de rock junto con Les Paul, Leo Fender y Seth Lover. La compañía que fundó, Marshall Amplification, ha creado y fabricado desde 1962 equipos utilizados por los más grandes iconos del rock.

Marshall, cuya familia incluía boxeadores y artistas de music-hall, sufrió de niño de tuberculosis ósea y pasó varios años hospitalizado, lo que afectó a su educación. Cuando estalló la Guerra Mundial, debido a su precaria salud, fue liberado del servicio militar y Jim probó fortuna como cantante, actividad que amplió a baterista poco después debido a la escasez de músicos civiles. Al mismo tiempo estudiaba electrónica por su cuenta y construyó un sistema portátil de amplificación para que su voz destacara sobre la batería. Con el fin de emular a su ídolo, Gene Krupa, recibió clases particulares de Max Abrams.

Durante los años cincuenta estaba integrado en la escena musical británica y comenzó a dar clases de batería. Entre sus alumnos se contaban futuros grandes del rock como Mitch Mitchell (Jimi Hendrix), Micky Waller (Little Richard) y Mick Underwood (Ritchie Blackmore). Con el dinero que ganó gracias a las clases, abrió un negocio en Hanwell (Londres Oeste) en el que vendía baterías. Más tarde amplió la oferta e incluyó guitarras eléctricas y otros instrumentos. Algunos de sus clientes, entre ellos, Pete Townshend, Big Jim Sullivan y Ritchie Blackmore, le pedían un tipo especial de amplificador que Townshend resumía en dos palabras: "Bigger and louder" (Más grande y con mayor volumen).

Marshall vio la oportunidad de un nuevo e interesante negocio y contrató a Dudley Craven, un aprendiz de electrónica de 18 años que trabajaba para EMI, con quien comenzó a desarrollar prototipos de amplificadores tomando como modelo el Fender Bassman. En 1962 se creó la compañía Marshall Amplification y tras varios intentos que no resultaron satisfactorios, nació el Marshall JTM 45.

No pasó mucho tiempo antes de que los amplificadores Marshall sustituyeran a los famosos Vox en los escenarios de todos los guitarristas que deseaban un sonido más potente como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Jimmy Page. Las torres de amplificadores y altavoces del 'Marshall Sound' se convirtieron en el símbolo del poderío, la majestuosidad y el exceso del rock.

En 1984 Jim fue condecorado con el 'Queen Award for Export', honor concedido como reconocimiento a las numerosas exportaciones internacionales de sus equipos. Un año después fue invitado a dejar las impresiones de sus manos en el el 'Rock & Roll Walk of Fame' de Hollywood.
Jim donó millones de libras al Royal National Orthopaedic Hospital de Tanmore, donde fue tratado de su tuberculosis en la infancia. Por ello, en 2003 se le concedió una Orden del Imperio Británico por sus 'servicios a la industria musical y su labor de beneficencia'. Jim Marshall murió el 5 de abril de 2012 a los 88 años.


"Me considero muy afortunado de haber conocido a Jim Marshall. Era una persona fantástica. No solo creó el amplificador de rock and roll más potente y efectivo diseñado jamás, además era un ser humano extraordinario, trabajador y familiar que permaneció íntegro y fiel a sus principios hasta sus últimos días. Su sentido de la ética era inigualable y su capacidad de pasión no tenía rival" (Slash, ex guitarrista de Guns N'Roses)

28 julio 2012

Mike Bloomfield


El 28 de julio de 1943 nació en Chicago el guitarrista Mike Bloomfield que emergió durante el revival blues de Chicago en los años sesenta y se convirtió en una de las primeras estrellas blancas de blues rock, cuyo éxito se basó en sus habilidades instrumentales.

Alan y Mike Bloomfield
Mike y su hermano menor Allen nacieron y se criaron en Chicago como hijos del próspero industrial judío Harold Bloomfield, que había hecho su fortuna fabricando y vendiendo artículos y menaje de hostelería. Mike se sintió muy pronto atraído por los sonidos del blues y cuando tenía la oportunidad, se acercaba por los clubs de blues de la zona sur de la ciudad, donde practicaba con músicos negros locales como Sleepy John Estes, Yank Rachell y Little Brother Montgomery. Allí, Mike y sus amigos del colegio y futuros compañeros de grupo Barry Goldberg y Fred Glaser conocieron a Muddy Waters, Big Joe Williams y Little Walter, así como al cantante y productor Nick Gravenites y el armonicista Charlie Musselwhite.

Mike pronto destacó por su talento con la guitarra y los bluesmen contemporáneos no escatimaban piropos: "Este no es otro chico blanco de tantos. Es alguien que entiende claramente de qué va el blues". Bloomfield comenzó a tocar en bailes universitarios y se apuntaba a las jams semanales que se realizaban en el Fickle Pickle, a las cuales acudían Big Joe Williams, Sunnyland Slim y otras leyendas del blues. Allí conoció también a Paul Butterfield y Elvin Bishop. En el verano de 1964 Mike estaba tocando con Musselwhite en el Big John's de Chicago y no les faltaba trabajo, pero ardía en deseos de grabar un disco. Para ello, se trasladó a Nueva York donde se encontraban los grandes sellos discográficos. Llevó sus demos a Folkways, el sello que consideraba más acorde con su música, pero jamás tuvo respuesta.


Seguidamente conoció al músico John Hammond Jr, hijo del famoso productor y descubridor de talentos, quien ofreció a Bloomfield y Musselwhite participar en la grabación de su tercer álbum, 'So Many Roads'. Hammond contó además con músicos de la futura The Band, como Levon Helm y Robbie Robertson en un álbum que tardó un año en publicarse y que supuso uno de los primeros álbumes de blues eléctrico interpretado por blancos. Para entonces, Bloomfield había vuelto a Chicago para formar una nueva banda, con la que actuó durante un año en Big John's.

Mike en el Big John's en 1966
John Hammond Sr, ante la insistencia de su hijo, fue a comprobar en persona el talento del guitarrista y se desplazó a Chicago para asistir en el Big John's a una de sus actuaciones. No le entusiasmó en exceso, pero accedió a realizar una sesión de grabación en los estudios Columbia de Chicago. Se grabaron seis temas de blues eléctrico y Mike firmó un contrato con Columbia esperando que su grabación se viera pronto materializada en vinilo.

Pero Hammond dejó la cinta olvidada en un cajón sin llegar a editar el disco. Una posterior sesión en los estudios de Nueva York, en la que Mike grabó nuevos temas de blues eléctrico con su recién estrenada Telecaster con la misma pasión que desplegaba en sus actuaciones en Big John's tampoco resultó en nada positivo y Hammond serguía sin saber qué hacer con él.

Fue entonces cuando Paul Rothchild, productor de Elektra Records le pidió a Mike que se uniera a la Paul Butterfield Blues Band, que tenía entre sus filas al guitarrista Elvin Bishop, Mark Naftalin a los teclados, Jerome Arnold al bajo y Sam Lay a la batería. Grabaron el tema 'Born in Chicago' para una recopilación de grupos del sello, 'Folk Song'65', que logró vender más de 200.000 copias en los tres primeros meses. Se grabó el primer álbum de la banda, pero su publicación se paralizó porque Rothchild convenció a Elektra de que lo podían hacer mucho mejor.


Pensó en presentarlos en el Festival de Folk de Newport 65 y, como vio que el grupo estaba por encima de sus posibilidades, llamó a Albert Grossman, manager de Bob Dylan, quien tras escuchar el grupo, accedió a representarlos y le dijo a Rothschild: "Nos vemos en Newport".

Bloomfield con Dylan y Kooper
Antes de que se celebrara el festival, Dylan y Bloomfield se conocieron en club en el que actuaba el cantautor. Bob lo recordaba así: "Estaba tocando en un club en Chicago, cuando Mike llegó a mí diciendo que tocaba la guitarra. Como la llevaba consigo le dije: 'Veamos qué sabes tocar' y tocó de todo, Big Bill Broonzy, Sonny Boy Williamson, ese tipo de cosas." Dylan, impresionado le invitó a tocar con él en su álbum 'Highway 61 Revisited', que incluía el célebre tema 'Like a rolling stone'.

Paul Butterfield Blues Band en Newport 65
Cuando Dylan, que también actuó en Newport 65 necesitó una banda de acompañamiento, fueron Bloomfield y otros miembros de la Butterfield Blues Band los que le acompañaron en aquella no menos célebre actuación eléctrica de Dylan, que lejos de ser una buena actuación musical, significó no obstante, un hito en el desarrollo del folk y la música popular de Estados Unidos. Grossman le ofreció a Mike la posibilidad de formar parte de la banda que iba a acompañar a Dylan por todo el país, pero Bloomfield prefirió permanecer como guitarra solista de la Paul Butterfield Blues Band.


Tras su actuación en Newport, la banda publicó su primer álbum, 'Paul Butterfield Blues Band' (1965) once temas originales de la banda y versiones de clásicos del blues eléctrico de Chicago de Elmore James, Muddy Waters, Willie Dixon y Junior Parker.

A finales de 1965 la banda se trasladó a la Costa Oeste y debutó en el Whisky A Go-Gó de Hollywood. Posteriormente actuaron en el Fillmore de Bill Graham en San Francisco, donde llenaron la sala tres noches consecutivas. 'Frisco' se convirtió en su segundo hogar y sus actuaciones se sucedían en las grandes salas del país. En verano de 1966 actuaron unas semanas en Nueva York, donde Mike vio por primera vez a Jimi Hendrix (entonces todavía se hacía llamar Jimmy James) en el café 'Wha?' y se quedó impresionado con el dominio del instrumento, el feedback y la distorsión del guitarrista de Seattle.

El segundo álbum de la banda, 'East West' apareció en agosto de 1966 y contenía una pieza instrumental de trece minutos la cual era una versión reducida de una improvisación que solía ejecutar la banda en sus directos la cual, en ocasiones, podía llegar a durar una hora. En ella Bloomfield y la banda mostraban las nuevas influencias indias en su música. Aunque no fue un éxito comercial, el álbum y la banda comenzaron a ser tomados en serio por la crítica y otros músicos de blues y rock, en cuyas bandas se inició la costumbre de incluir largas improvisaciones instrumentales en sus shows. La reputación del grupo creció y Bloomfield fue considerado por la crítica especializada el mejor guitarrista eléctrico del momento en Estados Unidos.

Clapton y Mike en 1968
En otoño de 1966 visitaron el Reino Unido donde tocaron en varios clubs londinenses compartiendo escenario con Eric Burdon, Chris Farlowe, Georgie Fame y Eric Clapton, que para entonces ya estaba con Cream. A pesar de la excelentes críticas, la respuesta del público no fue la esperada. De vuelta en Estados Unidos, Mike, que sufría insomnio desde niño, se encontraba exhausto de las numerosas giras y conciertos y decidió abandonar el grupo. Además tenía planes para una nueva formación tras haberse reencontrado en una de sus estancias en Nueva York con su compañero de colegio Barry Goldberg.

Electric Flag
Convencieron al baterista Buddy Miles para que dejara a Wilson Pickett y se les uniese, y la banda, llamada Electric Flag se completó con Nick Gravenites a la voz solista, Harvey Brooks al bajo, Peter Strazza al saxo y Marcus Doubleday a la trompeta dando lugar a algo inusual: una banda de rock con instrumentos de viento. Se establecieron en San Francisco y antes de que finalizaran sus ensayos, les fue ofrecida la posibilidad de componer la banda sonora para un film dirigido por Peter Fonda, llamado 'The Trip' en el que se describía un 'viaje' de LSD. La película pasó inadvertida, pero la música llamó poderosamente la atención.

En junio de 1967 se celebró el Festival Internacional de Pop en Monterey, en el que además de bandas consagradas, iban a actuar nuevos valores de la música americana, por lo que estaba prevista la asistencia de renombrados productores y ejecutivos discográficos en busca de nuevo material para sus sellos. Albert Grossman vio una gran posibilidad para promocionar a sus muchachos y se ofrecieron a tocar. En 20 minutos de actuación levantaron al público de sus asientos y tuvieron que tocar un bis.


De los tres grandes guitarristas que actuaron aquel fin de semana, Jerry García, de Grateful Dead sólo era conocido en California y el nombre de Jimi Hendrix no significaba nada fuera de los clubes londinenses. Mike, en cambio, era el 'dios de la guitarra' americano del momento. Tras la actuación de Hendrix en Monterey, esa idea comenzó a cambiar. La impresión que causó Jimi en Mike se dejó sentir cuando unos meses después rechazó aparecer en un nuevo festival organizado por John Phillips en el Hollywood Bowl, para evitar volver a compartir cartel con Hendrix, que ya había confirmado su asistencia.

Para entonces Grossman les había conseguido un contrato con Columbia Records, cuyo nuevo presidente, Clive Davies había quedado impresionado con la actuación de Electric Flag en Monterey. En octubre de 1967 publicaron su primer single 'Groovin' is easy' y se presentaron con él en los escenarios de Boston donde causaron sensación con otro tema con largas improvisaciones en las que Blomfield seguía demostrando su maestría con su guitarra fusionando jazz, rock y otros estilos experimentales: 'Another country'. En noviembre debutaron con gran éxito en el prestigioso Bitter End de Nueva York, donde la crítica seguía ensalzando el talento de Bloomfield. Fue en Nueva York donde las drogas comenzaron a crear problemas en el grupo y Barry Goldberg abandonó la formación.

De vuelta en San Francisco y con un amigo de MilesMichael Fonfara, como sustituto a los teclados, siguieron llenando las salas de conciertos y Bloomfield comenzó a preparar el material para un álbum, cuando Susan, su mujer desde hacía cuatro años le solicitó el divorvio. Esta circunstancia, unida a las presiones del sello discográfico para que acabara el álbum, llevó a Mike a recurrir a las drogas, en la mayoría de ocasiones, heroína. No obstante, el grupo siguió actuando por la zona de California y grabando las sesiones para su álbum debut, 'A Long Time Comin', que finalmente se publicó en abril de 1968. La crítica lo recibió con tibieza, habiendo esperado mucho más del anunciado y esperado 'supergrupo'. Aunque las ventas fueron satisfactorias, Mike no se sintió satisfecho con el resultado tras sus esfuerzos con la banda y comenzó a considerar abandonar el proyecto que había comenzado sólo un año antes.

Por aquella época apareció en la revista Rolling Stone una entrevista en la que el guitarrista se despachaba a gusto con sus colegas de la música, considerando a las bandas de San Francisco "unos aficionados" que "no hacen buena música", la música de Motown cursi y almibarada y a los Rolling Stones "una banda de adolescentes que no hace música para hombres". En el número siguiente de la revista se incluyó una entrevista con Eric Clapton en la que éste confesaba haber recibido influencias del estilo de Mike Bloomfield. También incluía una crítica demoledora del periodista musical de San Francisco Ralph Gleason en la que instaba a Bloomfield a dejar de copiar a los músicos negros y crear algo con su propio sonido. Fue la gota que colmó el vaso y en mayo de 1968, ante el disgusto de Grossman, Mike dejó la banda, que continuó actuando sin Bloomfield, liderada por Buddy Miles. Sin embargo, al año siguiente se disolvió.


En junio de 1968 graba su disco más popular junto a Al Kooper, 'Super Session', en el que participa sólo en la mitad del trabajo. Kooper pretendía captar el genio que desplegaba Bloomfield en sus actuaciones en directo, encerrándose con él en un estudio de grabación para hacer una 'jam' y grabar lo que saliese.

Al Kooper y Bloomfield en el estudio
El resultado fue el magnífico álbum 'Super Session', que a la postre, sería su trabajo más vendido. Su insomnio crónico (muchos piensan que era un eufemismo para 'el mono' de heroína) le impidió aparecer el segundo día de grabación, por lo que Al Kooper tuvo que buscar un sustituto de última hora (Stephen Stills) para acabar el álbum.

Mike actuó de nuevo ese mismo mes de junio de 1968 con Electric Flag en el Fillmore East de Nueva York, para cuyo estreno habían sido contratados meses antes.  Para entonces, todo el mundo sabía que sería su última aparición con la banda y ofrecieron un show memorable lleno de momentos emotivos y ejecuciones brillantes que marcó un antes y un después en la carrera del guitarrista. No volvería a liderar un supergrupo de la industria ni a ser considerado un 'dios de la guitarra'. Ante la sorpresa de todos, 'Super Session' comenzó a escalar las listas tras publicarse y alcanzó el puesto 13. Columbia lo promocionó al máximo y logró un gran negocio: un álbum, cuya producción les costó únicamente 13.000$, vendió más de un millón de copias.

Siguió el también magnífico 'The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper' (1969), grabado a lo largo de tres sesiones de conciertos celebrados en el Fillmore West que, si aún quedaba alguna duda, terminó de afianzar su reputación como guitarrista de blues. También aquí el 'insomnio' le jugó a Mike malas pasadas y faltó a la útima sesión que tuvieron que completar Elvin Bishop y Carlos Santana, en una de las primeras apariciones en disco de su carrera.

En 1969 se publicó otro álbum en directo, 'Live at Bill Graham's Fillmore West' con Nick Gravenites, Taj Mahal y Mark Naftalin. El mismo año, Mike participó en tres temas del álbum 'Kozmic Blues' de Janis Joplin y grabó su primer álbum en solitario, 'It's Not Killing Me', que recibió críticas negativas y sería su último disco en un sello importante. En los años setenta se retiró del primer plano y tocaba como Michael Bloomfield and Friends con viejos colegas y amigos en los clubes de San Francisco. La guitarra de Mike nunca había sonado mejor.

A mediados de la década el fisco norteamericano le reclamó impuestos de su época en Electric Flag. Necesitado de dinero, Bloomfield se apuntó a una serie de 'supergrupos', para hacer caja. Electric Flag se reunió de nuevo en 1974 y grabaron un nuevo álbum, 'The Band Kept Playin' antes de separarse definitivamente. También colaboró con John Hammond y Dr John en el álbum 'Triunvirate' (1973). Pero el auténtico supergrupo se formó en 1976, KGB, que además de Bloomfield a la guitarra contaba con Ray Jennedy a la voz solista, Barry Goldberg a los teclados, Rick Grech al bajo y Carmine Appice a la batería. El álbum resultante, 'KGB', es para muchos el mejor trabajo de Bloomfield.

También en 1976 publicó un disco en el que mostraba con ejemplos los diferentes tipos de blues que le inspiraron, llamado 'If You Love These Blues, Play 'Em As You Please'. Contiene también piezas acústicas y cada una va precedida de una introducción de Mike explicando las técnicas para ejecutarlo. El álbum fue muy bien recibido y obtuvo una nominación a un Grammy. El último corte, 'The Altar Song' es un homenaje a todos los guitarristas pasados y contemporáneos que influyeron en su carrera, los cuales Mike va recitando durante dos minutos.

Mike en Italia, poco antes de morir
Publicó algún trabajo más en pequeños sellos, como 'Analine' (1977) o 'Between A Hard Place And The Ground' (1979), en el que exploraba con sonidos tradicionales como el ragtime, el jazz y el gospel. En noviembre de 1980 recibió la llamada de Bob Dylan que actuaba en San Francisco y le invitó a tocar con él 'Like a rolling stone'. Dos meses después, Bloomfield fue hallado muerto en su coche víctima de una sobredosis a los 37 años.