31 agosto 2012

LP 'Goats Head Soup'


El 31 de agosto de 1973 se publicó el decimotercer álbum de la banda británica The Rolling Stones. 'Goats Head Soup', marcó para muchos el fin de la época dorada de los Stones, el momento en el que Mick ascendió a los ambientes de la jet-set y Keith sucumbía lentamente a sus adicciones. Abanderado por el single 'Angie', el álbum fue nº1 en las listas americanas e inglesas y sigue siendo uno de los discos más populares de la banda, con cerca de cuatro millones de copias vendidas.

Keith y Mick en Jamaica
En noviembre de 1972, el grupo se instaló en Kingston (Jamaica) para grabar su nuevo álbum en los Dynamic Sound Studios. Keith lo recordaba en 2002: "Jamaica fue el único país que nos dejó entrar a todos!. Para entonces, el único país en el que se me permitía existir era Suiza, un lugar tremendamente aburrido para mí, por lo menos el primer año, ya que no me gusta esquiar... Nueve países me prohibieron la entrada, así que tuvimos que encontrar soluciones para que la banda continuara funcionando."

Mick Jagger
Sobre el proceso de grabación, Marchall Chess, presidente de Rolling Stones Records por aquel entonces, manifestó: "Solíamos reservar el estudio para un mes completo, 24 horas al día. De este modo, la dispocisión de los instrumentos en el estudio permanecía inalterable y los chicos podían desarrollar sus canciones a su modo acostumbrado, empezando con unas frases de una letra y un ritmo para -a base de improvisaciones y ensayos- crear el sonido final. Temí el hecho de que llevaran seis o siete meses sin tocar juntos, pero tras media hora de ensayo, la sinergia que generaban juntos salió a relucir y de nuevo sonaban al grupo compacto que habían sido siempre."

Keith Richards
Keith Richards añade: "Los temas que configuraron el álbum en sí no tardaron mucho en grabarse, pero grabamos una gran cantidad de tomas." Entre ellos se encontraban 'Tops', 'Waiting on a friend' (ambas recuperadas en 1981, en 'Tatoo You') y 'Through the lonely nights', cara B del single 'It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)'. Las sesiones se llevaron a cabo en dos etapas: la primera desde el 25 de noviembre hasta el 21 de diciembre de 1972; la segunda se realizó entre el 23 de mayo y el 20 de junio de 1973.

Glyn Johns
Glyn Johns, el ingeniero de grabación y también responsable de la mezcla, recuerda las sesiones en Jamaica: "El álbum sufrió por el excesos de drogas y alcohol. Se puede percibir en la música. Prácticamente todo el mundo (con la excepción de Bill Wyman y Charlie Watts) estaban colocados. La heroína comenzó a jugar un papel más importante que en ocasiones anteriores, lo que fue muy negativo para el álbum. El principal consumidor era Keith, pero los demás tampoco nos podíamos considerar unos angelitos". Keith además se enfrentaba a acusaciones de tenencia y tráfico de cannabis en un tribunal de Niza en Francia y Astrid, la mujer de Wyman, fue violada en su hotel de Jamaica. "Todo aquello también influyó. Pero hubo una actitud general de 'OK, hagámoslo', que permitió que aquello llegara a buen puerto"


La elección del single, 'Angie', no fue del agrado de Atlantic Records, que preferían otro 'Brown Sugar' a una balada. El tema no estaba dedicado a la primera mujer de David Bowie, Angela, como cree la mayoría.

Otras versiones -también erróneas- atribuyen el origen de la canción a la primera hija de Keith, Dandelion Angela. Richards lo explica en su autobiografía 'Life': "Yo estaba en una clínica en Suiza desintoxicándome y Anita un poco más abajo, en la misma calle, trayendo al mundo a nuestra hija Angela. Una vez que pasó el trauma habitual de los primeros días, agarré una guitarra que tenía por ahí y escribí 'Angie' sentado en la cama en una tarde, porque por fin podía mover los dedos otra vez y ponerlos donde se suponía que iban, y ya no sentía que me cagaba encima en la cama, ni me subía por las paredes, ni estaba frenético...

Anita y Keith
Así que empezé a cantar 'Angie, Angie'. No era sobre nadie en particular, no era más que un nombre, podía haber sido 'ooooh, Diana'. De hecho no sabía que mi hija se iba a llamar Angela cuando la compuse. Entonces no se sabía el sexo del bebé hasta que nacía; lo que es más, Anita le puso Dandelion... Le cayó Angela de segundo porque nació en un hospital católico donde insistieron en que se le añadiera un nombre 'como Dios manda'. En cuanto creció, la propia Angela dijo que no la llamáramos Dandy en la vida"

El segundo single que se extrajo del álbum fue 'Doo doo doo doo doo (Heartbreaker)' en el que critican a la policía de Nueva York que mató por error a un niño de diez años. Otra de las canciones memorables del álbum fue 'Star, Star', una pieza de rock'n'roll a lo Chuck Berry, que en su versión original se llamó 'Starfucker'. No sólo trajo controversia por el nombre, que Ahmet Ertegün, presidente de Atlantic, les instó a cambiar, también había alusiones de sexo explícito y se mencionaban nombres de celebridades como Steve McQueen y John Wayne, que Atlantic se encargó de enmascarar cuando el tema se incluyó en el álbum en directo 'Love You Live' en 1977.

La recepción del álbum por la crítica estuvo dividida. Mientras unos lo consideraban "una de las experiencias musicales más satisfactorias del año", otros evidenciaban la crisis creativa por la que pasaba su música debido al consumo de drogas y otros motivos extramusicales. Fue el último álbum de los Stones producido por Jimmy Miller, que había trabajado con ellos desde las sesiones de 'Beggar's Banquet'.  La cubierta del álbum fue idea de Ray Lawrence y la fotografía la realizó David Bailey, un buen amigo de Jagger que había trabajado con los Stones desde 1964. En la versión vinilo, la imagen de Jagger de la portada está a tamaño real.



Mick Jagger – voz solista y coros, guitarra (8), armónica (6) y piano (7)
Keith Richards – guitarra acústica y eléctrica, coros, voz solista (3), bajo (4 y 6)
Mick Taylor – guitarra acústica, eléctrica y slide, bajo (1 y 3), coros
Charlie Watts – batería
Bill Wyman – bajo


Músicos adicionales:
Nicky Hopkins – piano (1,3,5,8 y 9)
Billy Preston – piano, clavinet (2 y 4)
Ian Stewart – piano (6 y 10)
Bobby Keys – saxos tenor y barítono
Jim Horn – flauta y saxo alto
Chuck Findley – trompeta
Jim Price – arreglos de viento (4)
Nicky Harrison  – arreglos de cuerda (5 y 8)
Anthony "Rebop" Kwaku Baah – percusión (1 y 9)
Pascal (Nicolas Pascal Raicevic) – percusión (1 y 9)
Jimmy Miller – percusión (9)

Ingeniero jefe y mezclas: Glyn Johns
Asistentes de grabación: Carlton Lee, Howard Kilgour y Doug Bennett

Bob Welch


El 31 de agosto de 1945 nació en Los Angeles el guitarrista y compositor Bob Welch. Fue invitado en 1971 a formar parte de Fleetwood Mac, que en el curso de un par de meses había perdido a dos de sus guitarristas, Peter Green y Jeremy Spencer. Junto a Christine Perfect (futura McVie) -que se había incorporado al mismo tiempo que Bob- ayudó a dirigir el estilo de la banda de blues británica hacia una línea musical más pop-rock, que recibiera mayor difusión radiofónica.

Hijo de un productor de la Paramount y de una actriz/cantante de teatro, Bob comenzó sus estudios musicales con el clarinete. En la adolescencia se cambió a la guitarra y se interesó por el jazz y el R&B. En 1964 se unió a The Seven Souls, un grupo vocal que publicó en 1967 el single 'I'm no stranger', que en el momento de su aparición no tuvo éxito alguno. Sin embargo, la cara B. 'I still love you', se ha convertido durante los últimos treinta años en un himno del Northern Soul, y los coleccionistas pagan hasta 500€ por una copia original aparecida en los sellos Okeh (Inglaterra), CBS (Francia) o Epic (Italia).

Bob, Mick, John y Christine
En 1969 se trasladó a Paris para estudiar en la Sorbona, pero abandonó poco después para dedicarse de lleno a la música. Tras pasar por diversos grupos marginales, en 1971 es invitado a formar parte de Fleetwood Mac, en la que únicamente quedaban el batería Mick Fleetwood y el bajista John McVie, colaborando en la composición y grabación de cinco álbumes, 'Future Games' (1971), 'Bare Trees' (1972), 'Penguin', 'Mystery to me' (1973) y 'Heroes are hard to find' (1974). Entre otros, los temas con los que contribuyó Welch fueron: 'The ghost', 'Bright fire', 'Revelation', 'Sentimental lady', 'Emerald eyes', 'The city', 'Miles away''Hypnotized'.

Paris: Mooney, Welch y Cornick
'Mystery to me' contenía un 50% de composiciones de Welch. A pesar de ello, cuando se planteó la incorporación de Lyndsey Buckingham y Stevie Nicks, Bob decidió abandonar, alegando estar exhausto de tanta gira. Tras esta etapa, Welch formó el trio de hardrock Paris junto a Glenn Cornick, ex-bajista de Jethro Tull y el batería Thorn Mooney. Con ellos publica dos álbumes, 'Paris' y 'Big Towne 2061', pero el grupo se disuelve poco después.

En 1977 por fin publica su primer álbum en solitario, 'French Kiss' en el que colaboraron sus ex-compañeros Mick Fleetwood y Christine McVie. Logra un disco de platino y se editan tres singles que logran ser hits, una nueva versión de 'Sentimental lady', 'Ebony eyes' y 'Hot love, cold world'. Le siguió el álbum 'Three Hearts', con el que repetía la fórmula disco-rock del álbum anterior y que contenía dos nuevos hits, 'Precious love' y 'Church'.

Cntinuó grabando álbumes hasta comienzos de los ochenta, como 'The Other One' (1979), 'Man Overboard' (1980) y 'Bob Welch' (1981), pero la venta decreciente de sus discos y una adicción a la heroína le apartan de la vida pública. Desintoxicado, en 1986 vuelve al trabajo, pero abandona los estudios de grabación y los escenarios para dedicarse a componer para otros. En 2006 Bob publicó dos álbumes con nuevas versiones de los temas que tocaba en Fleetwood Mac, 'His Fleetwood Mac Years & Beyond' volúmenes 1 y 2.
El 7 de junio de 2012, Bob, que sufría problemas de salud, se suicidó a los 66 años.

Amilcare Ponchielli


El 31 de agosto (o 1 de septiembre) de 1834 nació, en Paterno Fasolaro, el compositor italiano, Amilcare Ponchielli. Comenzó a estudiar con su padre y continuó sus estudios en el Conservatorio de Milán, ingresando a los nueve años y consiguiendo el puesto de organista en Cremona y más tarde, el de maestro de banda en Piacenza. Obtuvo una cátedra de composición en el Conservatorio de Milán desde mayo de 1880 (renunció en septiembre y retornó a comienzos de 1881) y entre sus alumnos tuvo a Puccini, a quien persuadió a componer su primera ópera, y por un corto tiempo, a Mascagni.

Además fue maestro de capilla en Santa María Mayor de Bérgamo, en donde compuso mucha música sacra, y en 1884 visitó San Petersburgo para una producción de “La Gioconda” en el Teatro Mariinsky. En 1856 escribió su primera ópera, “I promessi sposi”, que sería estrenada en 1872 y que fue recibida con aclamación por el público. En ese momento la fama de Ponchielli fue definitiva y en los siguientes nueve años recibió incontables invitaciones y encargos. Su segunda ópera, “Le Due Gemelle”, también tuvo un recibimiento notable. Una década antes se había casado con la soprano Teresina Brambilla y con ella tuvo tres hijos. Falleció de pulmonía el 16 de enero de 1886 en Milán.


Sus óperas, representadas con mucho éxito, son de características italianas con cierta influencia de la gran ópera francesa: gran número de personajes, ballet y participación del coro. Influyó en los compositores posteriores del verismo. Actualmente, su obra más célebre es “La Gioconda”, donde la pieza más conocida es la "Danza de las Horas", (Sofia Symphony Orchestra & Vassil Kazandjiev) un ballet miniatura romántico que es más conocido que la ópera de la que proviene.

Óperas
“I promessi sposi”, Cremona 1856; segunda versión: Milán 1872, basada en la obra de Alessandro Manzoni. Sinfonía Minsk Philhamonic Orchestra & Silvano Frontalini)
• “La Savoiarda”, Cremona 1861; segunda versión: "Lina", Milán 1877. Ópera semiseria.
• “Roderico re dei Goti”, Piacenza 1863
• “La vergine di Kermo”, 1870
• “Il parlatore eterno”, Lecco 1873
• “I Lituani”, Milán 1874; segunda versión: "Aldona", San Petersburgo, 1884: “Aria de Aldonas” (Violeta Urmana, mezzosoprano; The Lithuanian National Opera and Ballet Theatre Orchestra & dir. Liutauras Balciunas)

• "La Gioconda", Milán, 1876 - Milán 1880.
Por su suntuosa dramaturgia, espectacularidad, escenas de ballet, coros y efectos, La Gioconda es un producto típico del género francés de la Grand Opéra. Por otro lado, algunos han visto en esta ópera rasgos que anuncian el verismo, y por supuesto una marcada relación con las óperas de Giuseppe Verdi, siendo la más evidente la semejanza entre el personaje de Barnaba y el Iago de Otello. De ardua ejecución esta ópera requiere seis solistas con partes muy difíciles: soprano, mezzo, contralto, barítono, tenor y bajo.

Cada una de estas voces tiene un aria de lucimiento, entre las que destacan “Voce di donna”, interpretado por la ciega (acto I) (Elzbieta Kaczmarzyk); “Enzo adorato, ah, come t'amo” (María Callas, soprano); “O monumento, Barnaba” (acto I) (Piero Cappuccilli. Orchestra e Coro del Teatro alla Scala & dir. Antonino Votto);  “Cielo e mar!” (Jonas Kaufmann), “Enzo” (acto II); “Stella del marinar!”, Laura (acto II); y la célebre “Suicidio” (María Callas, soprano), que canta Gioconda en el cuarto acto.

”El hijo pródigo”, Milán 1880 (título original en italiano, “Il figliuol prodigo”) (José Carreras, tenor) es una ópera en cuatro actos con libreto de Angelo Zanardini, inspirado en la destacada Parábola del hijo pródigo recogida en el Evangelio según San Lucas.
“Marion Delorme”, Milán 1885 (Orchestre National & Choeur de L'Opera de Montellier)

Otras obras destacables
“Messa Per La Notte Di Natale” (1882) Kyrie (Coro Polifonico Cremonese & Orchestra dei Pomeriggi musicali di Milano)
"Elegia per grande Orchestra" (Minsk Philharmonic Orchestra & dir. Silvano Frontalini)
Anécdota
El fragmento la "Danza de las Horas" de la ópera La Gioconda fue utilizado por Walt Disney en su película "Fantasía".

30 agosto 2012

John Peel


El 30 de agosto de 1939 nació en Heswall (Inglaterra) el disc-jockey y presentadpr de radio John Robert Ravenscroft, más conocido por John Peel. Durante 37 años ininterrumpidos trabajó en BBC Radio 1, donde fue conocido por su cálido y personal estilo presentando y su eclecticismo musical. Fue de los primeros DJs en pinchar música psicodélica y rock progresivo en la radiodifusión británica y fue un entusiasta promotor de artistas en géneros tan diversos como reggae, indie pop, indie rock, hardcore punk, grindcore, death metal, hip hop británico, música electrónica y dance.

Sus programas en Radio 1 eran famosos por sus 'Peel Sessions', en las que todo artista o grupo que pasaba por el estudio dejaba por lo menos cuatro de sus temas grabados en directo. La primera sesión se realizó en septiembre de 1967 con el grupo Tomorrow y a continuación, fueron unos jóvenes Pink Floyd con Syd Barrett todavía en sus filas, quienes protagonizaron la segunda entrega del programa.

Se realizaron más de 4000 sesiones, de las cuales muchas acabaron en vinilo y CD publicadas por el sello Strange Fruit fundado por Peel. Asimismo, varios grupos repitieron visita, como uno de los grupos preferidos de Peel, The Fall, que asistió en 32 ocasiones a las Peel Sessions. La lista de músicos y bandas que le deben mucho a John y a su programa es interminable: Aphex Twin, Marc Bolan, David Bowie, The Clash, The Cure, Joy Division, Killing Joke, Napalm Death, New Order, New Model Army, Nirvana, P J Harvey, Pulp, Roxy Music, Sex Pistols, The Smiths, The Sugarcubes, Rod Stewart, U2, The Undertones, The Velvet Underground, The Wedding Present, The Shins, The White Stripes...

El 25 de octubre de 2004 John Peel murió repentinamente de un ataque al corazón mientras se encontraba en Perú. Unos días antes se despedía de sus oyentes hasta el siguiente mes de noviembre, esperando volver recuperado y con nuevos bríos de sus vacaciones...

LP 'Sweetheart of the Rodeo'


El 30 de agosto de 1968 se publicó en EEUU, 'Sweetheart of the Rodeo', el sexto álbum del grupo The Byrds. Con la colaboración de Gram Parsons, significó para muchos el primer álbum de country-rock de la historia y un cambio estilístico que se apartaba del sonido de rock psicodélico desplegado por The Byrds en su anterior trabajo, 'The Notorious Byrd Brothers'.

Roger McGuinn
El concepto inicial de Roger McGuinn para el siguiente álbum de la banda era un doble álbum en el que se repasara toda la música popular americana, desde la música de los Apalaches y el bluegrass, pasando por el country, jazz, rhythm& blues y rock, para culminar con la música proto-electrónica del futuro, presentando el sintetizador Moog, recién presentado en el mercado. Pero antes había que solucionar otros problemas. Tras la marcha de David Crosby y Michael Clarke a finales de 1967, dejando como líderes únicos a Roger y Chris Hillman, estos se encontraron sin grupo de acompañamiento para la gira promocional de su último trabajo 'The Notorious Byrd Brothers', por lo que enrolaron al primo de Hillman, Kevin Kelley a la batería. Pronto vieron que con la formación de trío no iban a ninguna parte y se hizo evidente la necesidad de un cuarto miembro. McGuinn, pensando en su proyecto, sugirió un pianista.

International Submarine Band
El candidato fue Gram Parsons, de 21 años, una figura marginal de la escena musical de Los Angeles. Su estilo jazzístico al piano y su gran personalidad impresionó a Hillman y McGuinn, por lo que fue contratado como cuarto miembro de la banda. Lo que no sabían Roger y Chris, es que Parsons tenía su propia idea de la línea musical que debía tener el grupo, en la que quería introducir su pasión por la música country. Ya tuvo un intento interesante y con cierto éxito como miembro de la International Submarine Band, en el álbum 'Safe at Home', pero su nuevo status como miembro de una banda de fama internacional, le ofrecía una plataforma ideal para reivindicar el country como parte importante de su generación.

Gram Parsons
Poco a poco Parsons le fue quitando a McGuinn su idea de abarcar toda la música popular norteamericana, para concentrarse en lo que él llamaría más tarde 'música cósmica americana'. Encontró un buen aliado en Hillman, que además de tener raíces musicales fuertemente arraigadas en el bluegrass, tuvo éxito en años anteriores persuadiendo a los Byrds de incluir sonidos country en su música, como el tema 'Satisfied mind' en su álbum 'Turn! Turn! Turn!' de 1965, así como los temas que firmó para los siguientes álbumes, algunos de ellos con Clarence White -afamado guitarrista de bluegrass- a la guitarra solista, en lugar de McGuinn. Gram Parsons sugirió que, para mayor autenticidad, el nuevo álbum lo grabaran en Nashville (Tennessee), como había hecho Dylan con sus discos 'Blonde on Blonde' y 'John Wesley Harding'. Cuando su productor Gary Usher, que tampoco estaba muy entusiasmado con la idea del doble álbum, manifestó su preferencia por la opción del álbum country, McGuinn accedió y se prepararon las sesiones en Nashville, para comenzar a grabar 'Sweetheart of the Rodeo'.

Kevin Kelley, Gram Parsons, Roger McGuinn y Chris Hillman

Entre el 9 y el 15 de marzo, The Byrds, acompañados de eminentes músicos de sesión, grabaron repetidas tomas de ocho canciones en los estudios de Columbia Records en Nashville. Las sesiones continuaron entre el 4 de abril hasta el 27 de mayo en los estudios de Hollywood, con otros siete temas grabados allí, así como toques finales aplicados a los masters grabados en Nashville.

Chris Hillman
El listado de temas para el álbum incluía dos versiones de sendos temas de Dylan, 'You ain't goin' nowhere' y 'Nothing was delivered', fuertemente influidas por el country y que -pertenecientes a las 'Basement Tapes'- aún no habían sido publicadas. Esto les permitía, a pesar del significativo giro que estaban dando a su música, conectar con su encarnación anterior de grupo folk-rock, en la que las versiones de Dylan jugaron un papel importante.
También incluyeron tres temas clásicos de country: 'I am a pilgrim', que popularizó Merle Travis a principio de los cuarenta; la canción escrita por Cindy Walker 'Blue canadian Rockies', que interpretó Gene Autry en el film del mismo nombre en 1952; y 'The christian life', la antítesis de una canción rock, en la que la letra insta a saborear los simples placeres de una vida cristiana.
A estos clásicos añadieron otras versiones de temas country contemporáneos como el lamento carcelero de Merle Haggard en 'Life in prison' y 'You're still on my mind', escrita por Luke McDaniel, la triste historia de un hombre buscando la razón de su corazón roto en el fondo de una botella.

Chris Hillman y Gram Parsons
Al hit de Stax, 'You don't miss your water' de William Bell, le dieron un tratamiento country, destacando las perfectas y limpias armonías vocales de los Byrds y las contribuciones de JayDee Maness y Earl P. Bay a la pedal steel y el piano honky-tonk, respectivamente. Esta fusión de country y soul era a la que se refería Parsons con su término 'música cósmica americana'.
Como Roger McGuinn carecía de temas propios, eligió uno de su repertorio pre-Byrds, el tema de Woody Guthrie, 'Pretty boy Floyd', un retrato romántico de la vida de un fuera de la ley y héroe del folk. Otros temas que se grabaron fueron 'All I have are memories', compuesta por Kelley, 'You got a reputation', de Tim Hardin y la tradicional 'Pretty Polly', pero ninguno de ellos se incluyó en el listado final de 'Sweetheart of the Rodeo'

Gram Parsons
Gram Parsons también trajo temas suyos a las sesiones: 'Lazy days', 'One hundred years from now' y 'Hickory wind', ésta última escrita por Parsons con su ex-colega de la International Submarine Band, Bob Buchanan en un viaje por ferrocarril entre Florida y Los Angeles. 'One hundred years from now' es la de tempo más rápido de todo el álbum y es una especulación acerca de la vanidad humana y como será vista en las generaciones futuras. 'Lazy days', influida por Chuck Berry, no se incluyó finalmente en el álbum pero fue rescatada al año siguiente para la siguiente banda de Parsons y Hillman: The Flying Burrito Brothers.

Ryman Auditorium en Nashville
Cuando los Byrds finalizaron las sesiones en Nashville, ofrecieron un concierto el 15 de marzo de 1968 en el Grand Ole Opry celebrado en el Ryman Auditorium, presentados por el artista country Tompall Glaser. La recepción no pudo ser peor. La ultraconservadora audiencia no podía soportar ver en el escenario de aquel venerable local a esos hippies melenudos. Aunque se habían recortado el pelo precisamente para esa ocasión, no fue de mucha ayuda. Abrieron el show con una versión de 'Sing me back home' de Merle Haggard, que fue recibida con pitos y abucheos por un público hostil. Cualquier intento de arreglo fue dinamitado por Parsons, cuando en vez de interpretar el tema anunciado por Glaser, se arrancó con 'Hickory wind', dedicándosela a su abuela. Esta ruptura de protocolo no agradó a nadie y menos a un avergonzado Tompall Glaser que aseguró que los Byrds jamás volverían a ser invitados para tocar en el show.

Ralph Emery en la WSM
Igualmente desastrosa fue su entrevista con el legendario DJ de Nashville Ralph Emery, que en su programa de la WSM no paró de burlarse de sus entrevistados y se negó en principio a radiar una copia de 'You ain't goin' nowhere'. Cuando al fín la pinchó, hizo comentarios despectivos, tachándola de mediocre. Bastante molestos por el tratamiento recibido, Parsons y McGuinn le dedicarían una canción, escrita en Londres en mayo de 1968, llamada 'Drug store truck drivin' man', que aparecería en el siguiente álbum de The Byrds, 'Dr. Byrds & Mr. Hyde', aunque en la grabación no figuró Parsons, que ya había abandonado el grupo. También Joan Baez grabaría una versión muy popular de ella, dedicada en este caso, al entonces gobernador de California, Ronald Reagan.

Hillman, Parsons y Roger McGuinn
En los conciertos que ofrecieron a continuación en la zona de Los Angeles, comenzaron a surgir los conflictos entre Parsons y McGuinn. Parsons presionaba a Roger para que contratara a un guitarrista de pedal steel como miembro fijo de la banda, para que el nuevo material sonara auténtico en los directos. McGuinn se negó y trabajaron unas veces con JayDee Maness y otras con Sneaky Pete Kleinow, ambos introducidos por Parsons. En mayo de 1968 realizaron una corta gira por Europa, en la que coincidieron con Mick Jagger y Keith Richards, quienes les comunicaron que no era buena idea ir a Sudáfrica -Los Byrds tenían previsto actuar allí en verano- a causa de la política del apartheid.

Lee Hazlewood
Cuando regresaron a California, la labor de post-producción del álbum se vio interrumpida cuando Lee Hazlewood puso impedimentos para que Parsons apareciera en los créditos del álbum, ya que Gram aún se debía a su contrato con LHI Records. Mientras los problemas legales se resolvían, McGuinn sustituyó la voz solista de Parsons por la suya en tres temas, una maniobra que Parsons todavía repudiaba enfurecido en una entrevista realizada por Cameron Crowe en 1973: "Borró mi pista y la sustituyó con su voz jodiéndolo todo...". No obstante, Parsons seguía figurando como voz principal en los temas 'Hickory wind', 'You're still on my mind' y 'Life in prison'.

Gary Usher
Según palabras del productor Gary Usher: "McGuinn estaba algo mosqueado con el protagonismo que Parsons estaba adquiriendo en el disco. No quería que el álbum se convirtiera en una obra de Gram Parsons. Queríamos mantener a Gram en la mezcla, pero asimismo queríamos obviamente que resaltara el trabajo de Hillman y McGuinn. No tienes un grupo de primera fila y contratas a un cantante solista sin motivo... Hubo problemas legales, sí; pero se resolvieron y el álbum tuvo la presencia de Parsons que Hillman, McGuinn y yo mismo decidimos."

Keith, Gram y unos amigos en Londres
Con los asuntos legales camino de resolverse, The Byrds volvieron a Inglaterra el 7 de julio para actuar en el Royal Albert Hall. Tras el concierto, Parsons anunció que no les acompañaba a Sudáfrica por su rechazo al apartheid. McGuinnn y Hillman dudaron de la sinceridad de Parsons y pensaron que su repentino compromiso político estaba más relacionado con su preferencia a quedarse en Londres con Mick y Keith, con los que Gram hizo muy buenas migas, sobre todo con Keith, a quien acompañaría posteriormente en descomunales borracheras. Cuando se publicó el álbum, Parsons llevaba ocho semanas siendo un exByrd. Tras la gira sudafricana, que solucionaron contratando a toda prisa a Carlos Bernal, Gram fue sustituido por Clarence White y poco después Kelley fue despedido. Así, la formación McGuinn, Hillman, Parsons y Kelley de los Byrds duró, como mucho, cinco meses.

Flying Burrito Brothers (1969)
Publicado en una época en la que la sorpresiva incursión de los Byrds en la música country coincidió con su declive de ventas, 'Sweetheart of the Rodeo' fue ciertamente una propuesta poco comercial en su momento. No obstante el álbum se ha establecido con el tiempo, además de ser el anteproyecto de los Flying Burrito Brothers,  precursores del movimiento country-rock que surgió en 1970 en Los Ángeles. Asimismo tuvo su influencia en los movimientos 'outlaw' y el así llamado country alternativo que surgió en los años noventa. Aunque no fue el primer álbum de country-rock ('Safe at Home' del grupo previo de Parsons, International Submarine Band fue anterior), sí es el primer trabajo de un grupo de rock internacionalmente conocido tocando pura música country, influyendo en numerosas bandas del futuro como The Eagles o Wilco.
La opinión de los seguidores y fans de The Byrds, estuvo muy dividida. Mientras que unos consideraron el álbum la consecuencia natural de las innovaciones musicales del grupo, otros rechazaban de pleno la adopción de un género asociado a los conservadores del sur y añoraban los sonidos de la Rickenbacker de 12 cuerdas y la atmósfera psicodélica de sus obras anteriores. De una manera o de otra, 'Sweetheart of the Rodeo' fue la última gran obra de The Byrds.

Roger McGuinn -guitarra acústica, banjo, voces
Chris Hillman - bajo eléctrico, mandolina, guitarra acústica y voces
Gram Parsons - guitarra acústica, piano, órgano, voces
Kevin Kelley - batería

Músicos adicionales:
Lloyd Green y JayDee Maness - guitarra pedal steel
Clarence White - guitarra eléctrica
John Hartford - banjo, violín, guitarra acústica
Roy Husky - contrabajo
Earl P. Ball y Barry Goldberg - piano

Producción:
Gary Usher - producción
Roy Halee - ingeniero

Clarence White
I am a pilgrim (Tradicional; Arreglo: Chris Hillman/Roger McGuinn)
The christian life (Charles Louvin/Ira Louvin)
You’re still on my mind (Luke McDaniel)
Pretty boy Floyd (Woody Guthrie)
Hickory wind (Gram Parsons/Bob Buchanan)
Blue canadian Rockies (Cindy Walker)
Life in prison (Merle Haggard/J. Sanders)

Kenny Dorham


El 30 de agosto de 1924 nació en Fairfield (Texas) el compositor, cantante y trompetista norteamericano de jazz Kenny Dorham, cuyo talento ha sido loado por críticos y otros músicos, pero nunca ha recibido la atención del mundo del jazz que otros contemporáneos suyos sí disfrutaron. Por ello su nombre se ha convertido -en palabras del crítico de jazz Gary Giddins- en sinónimo de 'infravalorado'.

Kenny se crió en una familia en la que la música ocupaba un lugar importante. Con siete años comenzó a tocar el piano y con 15 se pasó a la trompeta. Sus primeros modelos fueron Bix Beiderbecke, Roy Eldridge y Bunny Berigan. Tras interrumpir sus estudios de farmacia, debutó en 1944 en la bigband de Russell Jacquets y ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en habitual de las sesiones en el Minton's Playhouse. No tardó en caer un contrato con Dizzy Gillespie, al que siguieron otros: Billy Eckstine (1945), Lionel Hampton (1947), Coleman Hawkins (1948) y finalmente, Charlie Parker (1948-50).

Charlie Parker y Kenny
No sorprende que Dorham sustituyera aquí a Miles Davis, ya que Kenny se desenvolvía también extraordinariamente bien con la baladas y los temas de medio tiempo con un tono cálido y flexible. Además el estilo de Dorham era más terrenal que el de Miles, lo que hizo de él un trompetista ideal para los Jazz Messengers de Art Blakey. En 1955 ya tocaba con ellos en su primer éxito, 'Horace Silver and the Jazz Messengers'.

Dorham (2º por la izq) con Max Roach
En 1956 dirigió su propia banda, The Jazz Prophets, y siguió construyendo los fundamentos del hard bop en el quinteto de Max Roach, en el que reemplazó al fallecido Clifford Brown. La estética de esta banda, con sus piezas simples, pero cuidadosamente arregladas, colmó las expectaciones musicales de Dorham, quien se reveló como un compositor y director con un gusto exquisito, surgiendo sus mejores trabajos, 'Blue Spring' (1959, con Cannonball Adderley) y 'Whistle Stop' (1961, con Hank Mobley).

En 'El Matador' y 'Una Mas' (1963) recibe influencias de los sonidos latinos y brasileños. Muchas de sus composiciones son temas standard en los repertorios de jazz, como 'Blue bossa' (con Joe Henderson) o 'La villa'. A mediados de los años sesenta se dedicó también a la enseñanza y a escribir críticas de jazz en la revista Down Beat. A finales de la década tuvo que retirase de los escenarios a causa de una insuficiencia renal, de la que falleció en diciembre de 1972 a los 48 años.