26 enero 2012

Jacqueline du Pré


El 26 de enero de 1945, nació en Oxford, la violonchelista profesional británica Jacqueline Mary du Pré, a quién sus allegados apodaron “Smiling” por su eterna sonrisa y que ocupa un privilegiado lugar en el mundo de los mitos musicales.

Creció en el seno de una familia muy culta en donde la madre enseñaba piano en la Royal Academy of Music de Londres. Tras recibir sus primeras nociones musicales de parte de la misma, Du Pré comienza sus estudios de violoncelo a la edad de cinco años en la Escuela de Violoncelo de Londres bajo la tutela de Alison Dalrympe y posteriormente en la Croydon High School. Más adelante, entre 1955 y 1961, tuvo como profesor a William Pleeth en la Guildhall School of Music and Drama. En 1960, ganó la medalla de oro de la Guildhall School of Music de Londres y el premio “Queen's Prize for British musicians”

Gracias a una beca, Du Pré viaja hasta París para recibir lecciones de Paul Tortelier y más tarde a Suiza con Pau Casals y en Moscú con Mstislav Rostropovich. Ya en 1961 Du Pré consigue debutar en el Wigmore Hall de Londres y un año más tarde en el Royal Festival Hall. En 1963 actúa en los Proms bajo la dirección de Sir Malcolm Sargent y desde esa fecha se convierte en una habitual de esta cita londinense. Tras presentarse en Nueva York en 1965 inicia una triunfante gira por la URSS junto a Rostropovich y su nombre adquiere un enorme cartel en los circuitos musicales internacionales.


Durante toda su carrera, Du Pré tocaría junto con orquestas y solistas prestigiosos. Destacable fue su interpretación del concierto para cello de Elgar junto a la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de John Barbirolli en 1965 “Adagio - Moderato”.

Para esta interpretación usó un Stradivarius denominado Davidov de 1712 que le fue ofrecido por su madrina y admiradora Ismena Holland. En la navidad de 1966, Jacqueline conoce al pianista argentino Daniel Barenboim; un año después, en 1967, se casan, convirtiéndose Jacqueline al judaísmo para ello. Su matrimonio fue una de las relaciones más fructuosas de la historia musical comparándose con la de Clara y Robert Schumann. Esto se puede constatar en los numerosos conciertos que dieron ambos con Barenboim al piano o en la dirección orquestal,  diciembre 1971, su última grabación  (“Sonata para violoncello en Sol mayor op.65” de Chopin. Scherzo & Largo.)

Por desgracia los años de éxito iban a terminar muy pronto. En julio de 1971, encontrándose en la cima de su carrera, Jackie comenzó a sufrir algunas molestias que le impedían tocar como siempre, y después de varias recaídas llegó su retirada, con tan solo 28 años. En 1972, Jacqueline du Pré dió su último concierto. Estaba en Nueva York junto al afamado violinista Pinchas Zukerman, ambos dispuestos a enfrentarse al "Doble Concierto" de Brahms bajo la batuta de Leonard Bernstein. Pero Jackie, como la llamaban sus amigos, casi no pudo abrir los cierres del estuche del violonchelo y Bernstein, pensando que se trataba de un ataque de nervios, la convenció de que siguiera adelante. Muy poca gente sabía la verdad: ya no sentía los dedos. Sin tacto, la música de Brahms se le transformó en un océano sin puntos de referencia y el mástil del instrumento en un intrincado rompecabezas donde tenía que calcular a ojo dónde iba posando las yemas. Unos meses después le fue diagnosticada una esclerosis múltiple.


Acabó imposibilitada en una silla de ruedas, sumida en un deterioro progresivo hasta su muerte en Londres el 19 de octubre de 1987, a la edad de 42 años, tras haber dedicado los últimos años de su vida a la enseñanza.

Jackie y Julian Lloyd-Weber
Cuando murió, estaban con ella el Rabino Friedlander, que la consoló en muchos momentos de desesperación; su psicoanalista, el doctor Limentari; su maestro de chelo, William Pleeth, el hijo de éste, Anthony Pleeth, amigo de la infancia de Jackie,  y Daniel Barenboim, que llegó para recoger su último suspiro. En el transcurso de los últimos años de vida de Jacqueline,  Barenboim se había instalado en París con la pianista Elena Baskirova.  Sin embargo, viajaba algunos fines de semana a Londres para estar con Jackie. Posteriormente se casaría con Baskirova y tuvo dos hijos: David y Michael. La tumba de Jacqueline se encuentra en el cementerio judío de Londres y su epitafio reza: “Jacqueline du Pré, amadísima esposa de Daniel Barenboim”.


De sus interpretaciones, preferiblemente deben tenerse en cuenta las anteriores a 1971, debido al hecho de que las dificultades presentadas por su enfermedad son audibles en las interpretaciones posteriores:

Antonín Dvořák: “Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor Op.104” (The Chicago Symphony Orchestra & dir. Daniel Barenboim).  Movimiento 1"Allegro", Movimiento 2 "Adagio ma non troppo", Movimiento 3 "Finale: Allegro moderato"
Edward Elgar: “Concierto para violoncelo y orquesta opus 85” (The Philadelphia Orchestra & Daniel Barenboim). Parte 1-1. Movimiento 1 “Adagio - Moderato” , 2. Movimiento 2 "Lento – Allegro molto”, 3. Movimiento 3 “Adagio”, 4. Movimiento “Allegro - Moderato - Allegro, ma non troppo -Poco più lento – Adagio”, Parte 1, Parte 2
Johannes Brahms: “Sonatas para cello y piano en Mi menor”, Parte 1: “Allegro non troppo”; Parte 2: “Allegretto Quasi Menuetto" (con Daniel Barenboim piano)
Beethoven: 1. “Sonata para piano y violonchelo n.º 3 en la mayor”, 2º y 3º Movimiento “Allegro ma non tanto, - Scherzo” (Allegro molto)
2. “Sonata para violonchelo y piano n.º 5 en Re mayor” Mov. 2 “Adagio con molto sentimento d'affetto” (con Daniel Barenboim, piano).


Bach: "Cello Suite No. 2 In D Minor, BWV 1008”. Allemande.
Boccherini “Cello concierto en Si bemol nº 9” 1 - AllegroII. Adagio non troppo,  III. Rondo (Allegro) - Cadenza (English Chamber Orchestra & Daniel Barenboim)
Tchaikovsky: “Trío violoncelo y piano en La op.50”1 movimiento (parte 2) Pezzo elegiaco (con Daniel Barenboim, piano y Pinchas Zukerman, violín).

• Georg Moon: Concierto de violonchelo en Sol menor. allegro (London Philharmonic Orchestra @ Barbirolli)
Enrique Granados: "Intermezzo from Goyescas” (con Iris Du Pré, piano)
Max Bruch: “Kol nidrei Op. 47”  Gerald Moore (piano), Ray Jesson (órgano), Osian Ellis (harpa) y John Williams (guitarra).
Mendelssohn: “Song without words”
Delius: “Concierto Violoncelo” - Lento (con la Royal Philharmonic Orchestra , dir. Malcolm Sargent)
Jacques Offenbach: “Les Larmes de Jacqueline” (Jacqueline's Tears) Op.76 No.2 / “Harmonies du soir Op.68”
Gabriel Fauré: “Elegía en Do menor, Op. 24” (con Gerald Moore, piano)
Franck: “Sonata en La mayor " Parte 3 Recitativo - Fantasía (Ben Moderato - Molto Lento)
Haendel: “Sonata en sol menor" - Grave & Allegro  (con Ernest Lush, piano) transcripción del concierto para oboe de Haendel.
Haydn: "Concierto para violoncello No. 2 en re mayor, Op. 101”. III. Allegro Molto  (London Symphony Orchestra)


A los 20 años de la muerte de Jackie -así la llamaban sus amigos- ha aparecido un nuevo DVD de Christopher Nupen, cineasta que ha seguido la meteórica trayectoria de la artista: "Remembering".


Se trata de una recopilación de materiales en parte ya conocidos por entregas anteriores, como “Jacqueline du Pré in portrait” (2004) (Informal), pero que contiene una entrevista inédita realizada el 13 de diciembre de 1980, un documento escalofriante, de 14 minutos de duración, en el que la artista cuenta a qué dedica su tiempo tras el fatal diagnóstico de la enfermedad.

En 1998 se estrena la película 'Hilary and Jackie' del director Anand Tucker, basada en una novela escrita por dos hermanos de Jacqueline, y se desata una enorme polémica que empaña la figura de la ya fallecida violoncelista al retratarla como una mujer muy desequilibrada e incluso peligrosa. Las reacciones no se hicieron esperar y Daniel Barenboim, muy mal parado en el asunto, trató de impedir la exhibición de la película en Francia. Por otra parte, el violoncelista Julian Lloyd-Weber también salió en defensa de Jacqueline y declaró que su hermana Hilary era una persona envidiosa y celosa que nunca aguantó el éxito de Jacqueline, incluso cuando ésta ya se encontraba condenada de por vida a una silla de ruedas. Según Lloyd-Weber, Jacqueline du Pré fue una intérprete que sabía transmitir una indescriptible alegría a la hora de tocar el violonchelo y que tuvo una gran habilidad para acercar dicha alegría a la audiencia.

Gracia de Triana


El 26 de enero de 1919 nació en Sevilla, en el barrio que le dio nombre, la cantante española Gracia de Triana, que dominaba -gracias a su gran timbre de voz- prácticamente todos los estilos, desde la copla aflamencada hasta el cante jondo.

Su versatilidad y su personal estilo le valieron los elogíos de sus compañeros de profesión y de la crítica, especialmente la del novelista Álvaro Retama que dijo de ella: “La estrella folklórica más enterada de lo que es el cante jondo” y prosiguió afirmando: “Domina todos los estilos, porque los fue aprendiendo desde los diez años”. Su canción más recordada es 'Ovejitas blancas', que Gracia interpretaba en la película 'Castañuela' (1945). Otros éxitos en su voz fueron 'La hija de Juan Alba', 'Los aceituneros', Paquillo' y 'Cantillanera'.
Abundan aparte de sus coplas, muchos pasodobles, fandangos, campanilleros, alegrías y sus magníficas saetas. Olvidada en los setenta y ya retirada, regentaba una pensión en Madrid donde murió en enero de 1989 a los 69 años.

Ronnie Hilton


El 26 de enero de 1926 nació en Kingston upon Hull (Inglaterra) el cantante y locutor de radio Ronnie Hilton que, entre 1954 y 1957, fue muy popular en el Reino Unido, logrando nueve hits en el Top20 británico.

Su segunda grabación, realizada en 1954 todavía en discos de 78 rpm, 'I still believe' fue un gran éxito en Gran Bretaña, seguido de otros, fundamentalmente versiones de hits americanos, como 'A blossom fell' (Nat King Cole), 'Who are we' (Gogi Grant), 'Around the world' (Bing Crosby) o 'Wonderful wonderful' (Johnny Mathis). Con 'No other love' consiguió su único nº1 en 1956 y sus últimas entradas en listas fueron en 1959 con 'The world outside' y 'The wonder of you'.

En 1965 volvió a las listas británicas con la canción infantil 'A windmill in Old Amsterdam' la cual, además de vender más de un millón de copias, fue durante décadas uno de los temas habituales en las recopilaciones de canciones para niños. En los años setenta trabajó en la BBC presentando un programa sobre la música de los años cincuenta, 'Sound of the Fifties'. Murió a los 75 años en febrero de 2001.

Stéphane Grappelli


El 26 de enero de 1908 nació en Paris el violinista francés de jazz Stéphane Grappelli, de formación autodidacta, que llamó la atención del mundo en 1934 junto a Django Reinhardt en el Quintette du Hot Club de France. Fue llamado el 'padrino de los violinistas de jazz' e inspiró a cuatro generaciones de músicos. Su refinado sonido decoraba las baladas, pero podía sonar con una tensión y un ataque formidables en clásicos como 'Tiger Rag', 'Shine' y 'I've found a new baby'.

Hijo de un traductor y periodista italiano y una francesa de St-Omer, quedó huéfano de madre a los 4 años y cuando su padre fue llamado a filas en la Primera Guerra Mundial, Stephane se quedó al cuidado de la bailarina Isadora Duncan, en cuya escuela aprendió a amar la música de Ravel y Debussy. Cuando Duncan también tuvo que abandonar Francia, Grapelli fue enviado a un orfanato en el que pasó un tiempo en condiciones lamentables hasta que su padre regresó de la guerra. Éste, harto de todo lo que tuviera que ver con Italia tras su derrota, nacionalizó a su hijo francés y Stéfano se convirtio en Stéphane. A los doce años, su padre le compró un violín y lo matriculo en el conservatorio de Paris, donde estudió teoría y solfeo y entrenó su oído. Con quince años ya estaba trabajando profesionalmente como segundo violinista amenizando películas mudas. Por aquel tiempo comenzó a interesarse por las primeras formas de jazz que llegaron a Europa. Después de oir a Joe Venuti en 1928 con la orquesta de Paul Whiteman en el Ambassador de Paris, se interesó aun más y comenzó a desarrollar un estilo propio.

El quinteto en 1938
Tras unos años en los que se pasó al piano y tocó en una big band, volvió al violín a tiempo para conocer al guitarrista Django Reinhardt, quien precisamente estaba buscando un violinista para su nueva banda de hot, como se le llamaba entonces al nuevo estilo llegado de Norteamérica. Fue así como nació en 1934 el Quintette du Hot Club de France, que algunos han denominado 'una de las bandas más originales en la historia del jazz grabado' los cuales, hasta el comienzo de la guerra en 1939 registraron en el Hot Club numerosas piezas ya clásicas y eternas,



En el Reino Unido fueron muy populares y grabaron varias sesiones para Decca. El estallido de la guerra les sorprendió estando allí y Django, que no dominaba el inglés, volvió a Francia, donde pensaba que iba a estar más seguro.

Grapelli permaneció en Londres, donde tocó con un joven y desconocido pianista llamado George Shearing, que años después tendría una brillante carrera y formó varios combos con los que tocaba en restaurantes, cabarets y shows radiofónicos.

Volvió a Francia y tocó en el Paris Hilton, donde ganó un sustancioso y cómodo salario pero pocos conocían o apreciaban su música. Grappelli y Reinhardt volvieron a reunirse en 1946 y el quinteto se reformó con nuevos músicos y como en su primera etapa los bajistas y guitarristas cambian en la formación que se m antiene actuando y grabando hasta 1948 cuando graban nuevas sesiones con músicos italianos. Quedaron registradas alrededor de 50 piezas, de las cuales la mitad se editaron en el álbum 'Djangology', publicado en 2005. Cuando tras la muerte de Django en 1953 renació el interés general por el quinteto, Stepháne decidió volver a grabar y realizar giras.

Desde entonces colaboró en centenares de grabaciones de músicos de todos los géneros imaginables como Duke Ellington, los pianistas Oscar Peterson, Michel Petrucciani y Claude Bolling, los violinistas de jazz Jean-Luc Ponty y Stuff Smith, los violinistas clasicos Yehudi Menuhin y L. Subramaniam, el vibrafonista Gary Burton, el cantante pop Paul Simon, el director de orquesta Michel Legrand, los guitarristas Bucky Pizzarelli, Henri Crolla y Joe Pass, el mandolinista David Grisman, el guitarrista y armonicista Toots Thielemans, el bajista Jon Burr y el violinista country Mark O'Connor, entre muchos otros.

Siguió liderando un trío en Paris compuesto por el guitarrista Marc Fosset y el bajista Patrice Carratini al que se le añadió un segundo guitarrista, Martin Taylor y de vez en cuando un baterista. También tocó el violín en el tema 'Wish you were here' de Pink Floyd. Su participación, al final de la canción, quedó oculta con los efectos de sonido, aunque si se escucha con atención, en el minuto 5:21 se percibe levemente. No recibió créditos en el disco por ello, sin embargo cobró 300 libras.
En 1997 recibió un Grammy por toda su carrera. Ese mismo año, en el mes de diciembre, Stéphane Grappelli murió a los 89 años.

LP 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player'


El 26 de enero de 1973 se publicó en EEUU el sexto álbum de estudio de Elton John, 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player' que, al igual que el anterior 'Honky Chateau' ocho meses antes, debutó en el nº1 de las listas Billboard de álbumes y terminó de cimentar su categoría como una genuina superestrella.

Elton John repitió fórmula y de nuevo grabó su álbum en los Strawberry Studios, en el Chateu d'Herouville, a las afueras de Paris con los mismos colaboradores (Gus Gudgeon a la producción y Paul Buckmaster a cargo de los arreglos orquestales). El estudio, situado en el primer piso del chateau estaba equipado con una consola MCI 416 y un Ampex de 16 pistas en una pequeña sala de control separada de una espaciosa sala, dos de cuyas paredes eran una doble capa de vidrio que, a la vez que aislarlos del sonido exterior, suministraba abundante luz natural y unas magníficas vistas a la campiña francesa.

Totalmente liberado y sintiéndose confortable en el estudio, comenzó a jugar con sus habilidades vocales y a demostrar su versatilidad componiendo una colección de canciones de estilos pop clásicos y contemporáneos. Como era habitual, Taupin escribía los textos y posteriormente John les ponía música.

'Daniel', uno de los dos singles extraídos del álbum y una de las más bellas baladas de John/Taupin, llegó a los primeros puestos de las listas en medio mundo. Su significado ligado a los veteranos de la guerra de Vietnam, nunca trascendió, ya que Elton suprimió la tercera estrofa -que nunca llegó a grabarse- del texto original de Taupin, que describe a un veterano de la guerra de Vietnam, en la que a resultas del combate quedó ciego ("your eyes have died / but you see more than I" - Tus ojos han muerto / pero puedes ver mejor que yo), en su viaje hacia España (¿Ibiza?) con el fin de escapar de todos aquellos que le presionan y agobian en casa ("do you still feel the pain / of the scars that won't heal?" - ¿Aún sientes el dolor / de las heridas que nunca sanarán?), incluido su hermano, desde cuyo punto de vista está contada la historia.


'Midnight creeper' fue un claro guiño a los Rolling Stones. La crítica social vino a cargo de 'Have mercy on the criminal' (con un excelente trabajo de Paul Buckmaster en el arreglo de cuerda), letra en la que Taupin describe los problemas que tiene que afrontar en la vida un ex-convicto, y 'Texan love song', en la que cuenta la indignación que siente un típico republicano tejano de la época, (seguramente miembro del KKK) ante la juventud 'melenuda y comunista':

How dare you sit there and drink all our beer
Oh it's made for us workers who sweat spit and swear
The minds of our daughters are poisoned by you
With your communistic politics and them negro blues

So it's Ki yi yippie yi yi
You long hairs are sure gonna die
Our American home was clean till you came
And kids still respected the president's name

And the eagle still flew in the sky
Hearts filled with national pride
Then you came along with your drug-crazy songs
Goddamit you're all gonna die


¿Cómo podéis seguir ahí sentados y beberos nuestra cerveza?
Está hecha para nosotros, trabajadores que sudan, escupen y juran
Las mentes de nuestras hijas están contaminadas por vosotros
Con vuestras ideas comunistas y vuestra música de negros

Así que Ki yi yippie yi yi
Vosotros, melenudos váis a morir
Nuestro Hogar Americano estaba limpio hasta que llegásteis
Y los niños aún respetaban el nombre del presidente

Y el águila surcaba los cielos
Y nuestros corazones estaban henchidos de orgullo nacional
Entonces aparecísteis vosotros con vuestras canciones drogatas
¡¡Malditos seáis!! Váis a morir todos

Su gran amigo Marc Bolan le inspiró el tema 'I'm gonna be a teenage idol' y otro amigo de Elton, Groucho Marx, fue el que inspiró el título del álbum: Durante una fiesta en Los Angeles, al encontrarse, Groucho apuntó con los dos dedos índice hacia John, a lo que éste dijo: "No me dispares. Yo sólo soy el pianista..."

Cuando Elton estuvo de gira por Australia en 1972, escuchó el tema 'Eagle rock' del grupo australiano Daddy Cool y quedó impresionado. Fue el single de mayor éxito en Australia de principio de los setenta, permaneciendo 10 semanas en el nº1, y sirvió de inspiración para 'Crocodile rock', canción en la que Elton intenta parecerse a Bobby Vee cantando, siendo también un homenaje a los grupos y a la música de los años cincuenta, con reminiscencias de 'Little darling' de los Diamonds y 'Speedy Gonzales' de Pat Boone. Finalmente, 'High flying bird', se produjo para que sonara como un tema de Van Morrison.

Elton John – voz, piano, piano eléctrico, piano Leslie, órgano Farfisa, armonio, melotrón
Davey Johnstone – guitarras acústica, eléctrica y Leslie, banjo, sitar, mandolina, voces
Dee Murray – bajo, voces
Nigel Olsson – batería, maracas, voces




Daniel
Midnight Creeper
Have Mercy on the Criminal
I'm Going to Be a Teenage Idol
Texan Love Song
Crocodile Rock
High Flying Bird

En 1995 se publicó una reedición que incluía cuatro temas extra:
Jack Rabbit
Skyline pigeon (Piano version)