23 abril 2012

Roy Orbison


El 23 de abril de 1936 nació en Vernon (Texas) el compositor y cantante norteamericano Roy Orbison, uno de los auténticos pioneros del rock & roll. Con su voz magnífica, única, casi operística, sus canciones oscuras y melodramáticas y un sonido a caballo entre rockabilly y country, Orbison inspiró a futuros artistas como Bruce Sringsteen, John Lennon y Tom Petty. Elvis Presley consideraba su voz la más grande que había oído nunca.

La familia de Roy se mudó siendo él aún un niño a Wink (Texas) donde pasó la mayor parte de su infancia. Como muchos de los pioneros del rock sureño, sus primeras influencias musicales le llegaron de mano del country y el gospel y su primera intención fue ser músico de country. A los seis años, su padre, trabajador en un pozo petrolífero, le regaló una guitarra y le enseñó los primeros pasos con ella. Cuando asistía a la high school, Orbison, inspirado en la música de Jimmie Rodgers, Lefty Frizzell y Hank Williams, ya lideraba su propio grupo country, los Wink Westerners y tenía su propio show en una radio local. En la North Texas State University, Roy conoció a otro estudiante que era un cantante en ciernes, Pat Boone. Éste le animó a perseverar con su carrera musical y Orbison formó un nuevo grupo con el que logró aparecer en un show de TV de Midland (Texas).

Gracias a estas apariciones en TV y otras actividades musicales, Orbison contactó con Johnny Cash que le recomendó mandar una demo a Sam Phillips, propietario de Sun Records. A pesar de su interés primordial por el country, Orbison envió a Phillips un tema más orientado hacia el rock and roll, 'Oooby Dooby', que Roy consideraba más en consonancia con el material que publicaba Sun Records en aquellos días. A Phillips le gustó y en 1956 se publicó el single, que se convirtió en el primer hit de Roy Orbison.
Roy no permaneció mucho tiempo en Sun Records. Wesley Rose de la compañía musical Acuff-Rose lo contrató como compositor para su editora. Allí compuso un hit para los Everly Brothers, 'Claudette', inspirado en su primera mujer y 'Down the line', un éxito menor de Jerry Lee Lewis.

No obstante, sus ambiciones personales de convertirse en cantante no disminuyeron y Rose le proporcionó un contrato con Monument Records. En este sello publicó numerosos éxitos como 'Only the lonely' (1960), 'Running scared', 'Crying' (1961), 'Dream baby' (1962), entre otros. Roy realizó giras por Estados Unidos y el Reino Unido, donde era más popular que en su propio país. En 1963 fue la cabeza de cartel de un show itinerante por Inglaterra en el que participaban unos jóvenes británicos procedentes de Liverpool con los que trabó una gran amistad. Los Beatles ya eran un fenómeno de masas en el Reino Unido pero prácticamente desconocidos en Estados Unidos.

Fue en uno de sus viajes a Inglaterra cuando Roy se dejó olvidadas sus gafas graduadas en el avión. Por ello tuvo que echar mano de sus gafas de sol Ray-Ban Wayfarer (también graduadas) para poder desenvolverse con soltura en los escenarios ingleses, lo que llevó a muchos a pensar que Orbison era ciego. Roy, que sufría algo de miedo escénico, se sintió muy a gusto con ellas y las seguiría usando hasta su muerte, una costumbre que se convirtió en una de sus marcas distintivas, lo que unido a su vestimenta -siempre de negro- le conferían un aspecto misterioso. Mientras la mayoría de los cantantes contemporáneos solían exhibir una desafiante masculinidad, muchas de las canciones de Orbison desprendían una emocionada y teatral vulnerabilidad. "No trataba de ser un tío raro. Yo no tenía un mánager que me aconsejara sobre imagen o vestuario y aquello derivó en una imagen de un hombre tranquilo vestido de negro que parecía esconder un misterio, algo que jamás pretendí"


Continuaron los éxitos con temas como 'In dreams', 'Mean woman blues', 'Blue bayou' (1963) y 'Its over' (1964). En 1965, tras lograr vender más de siete millones de copias de su hit 'Oh, pretty woman' (1964), Orbison cambió de compañía discográfica. Eligió MGM, ya que éstos le ofrecían también trabajo en sus películas como 'Fastest Guitar Alive', la única película en la que intervino.

Aunque su siguiente single, 'Ride away' no pasó de ser un hit menor, nada hacía pensar que Orbison dejara de ser un artista importante de la escena musical norteamericana. Sin embargo, en 1966, su mujer Claudette muere en un accidente de motocicleta. Para aliviar su pena, se lanzó a la carretera con el fin de dar conciertos y olvidar. Durante ese tiempo no compuso ni grabó nada nuevo, y, cuando parecía haberse recuperado de la tragedia, dos de sus tres hijos fallecieron en un incendio desatado en su casa mientras Roy se encontraba de gira por Inglaterra. Cuando Roy volvió a los estudios, había pasado tanto tiempo que su audiencia había desaparecido prácticamente. Siguió realizando giras y conciertos, sobre todo, en Inglaterra, donde nunca dejó de ser popular.

Barbara y Roy Orbison
En 1969 se casó con la alemana Barbara, quien se convirtió en su mánager. En los setenta su música se vio reivindicada por algunos de los músicos más populares, como Linda Ronstadt, Don McLean, Gram Parsons y Nazareth, que comenzaron a interpretar versiones de sus temas, o Bruce Springsteen, que finalizaba sus conciertos con temas de Orbison. El año 1978 sufrió un desvanecimiento y se descubrió que precisaba un bypass coronario. Ello no le impidió seguir con su carrera y se cuenta que antes de entrar en el quirófano le dijo a la cirujana: "Asegúrese de hacer un incisión pequeña. Suelo actuar con la camisa bastante desabotonada"

El álbum que publicó  tras la operación no entró en las listas, pero en 1980 Roy Orbison ganó un Grammy gracias al dueto que realizó con Emmylou Harris en el tema 'That lovin' you feelin' again'. En 1987 se le rindió tributo en un concierto especial, 'Roy Orbison and Friends, A Black and White Night' que compartió con Springsteen, Elvis Costello, Tom Waits, Jeff Lynne, Jackson Browne y Bonnie Raitt. Asimismo su tema 'In Dreams' fue utilizado en el film 'Blue Velvet' de David Lynch, generando un renovado interés en la música de Roy.


Un año después, Orbison estaba de vuelta en los estudios como miembro de los Traveling Wilburys, un supergrupo que surgió cuando George Harrison se vio en la necesidad de terminar urgentemente un tema para un single producido por Jeff Lynne.

Invitaron a Roy a participar y grabaron el tema en un estudio casero de Bob Dylan, que también se apuntó a la grabación. En el camino hacia casa de Bob, George recogió su guitarra en casa de Tom Petty que asimismo se unió al espontáneo grupo. Esa tarde compusieron y grabaron 'Handle with care'. La experiencia les gustó y decidieron grabar un álbum y llamarse Traveling Wilburys, adoptando cada uno de ellos un apodo. Orbison eligió 'Lefty', en homenaje a uno de sus ídolos, Lefty Frizzell.

'Traveling Wilburys Vol 1' permaneció 53 semanas en las listas norteamericanas alcanzando el nº3. Fue nº1 en Australia y Top20 en el Reino Unido, además de ganar un Grammy. Roy canta la voz solista en uno de los temas del álbum, 'Not alone anymore'.
Paralelamente a su trabajo con los Wilburys, Orbison estaba preparando su nuevo álbum, 'Mistery Girl', que se suponía iba a devolverle al sitio que se merecía. Bono, el cantante de U2, que había descubierto a Orbison a través del film de David Lynch, le compuso un tema para el álbum, 'She's a mistery to me'.

Cuando se publicó, el álbum alcanzó el Top5 y el single que se extrajo, 'You got it', alcanzó el Top10. Roy no pudo verlo. Murió de un infarto en diciembre de 1988 a los 52 años. Dos años después, se estrenaría la película que dio a conocer a Julia Roberts, 'Oh Pretty Woman', en la que se usó el hit de Orbison que, 26 años después, volvió a sonar en medio mundo.

Sergei Prokofiev


El 23 de abril de 1891 nació en Sontsovka - un pueblo de Ukrania- el compositor y pianista Sergei Sergeyevich Prokofiev uno de los mejores representantes de la escuela de composición soviética y uno de los grandes clásicos del siglo XX. Autor de una música en la que tradición y modernidad se conjugan de manera ejemplar. Su obra ha dejado profunda huella en el estilo de sus compatriotas más jóvenes, como Aram Khachaturian o Dimitri Kabalevski.

Niño prodigio, recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, pianista aficionada, con tan buen resultado que ya a los nueve años dio a conocer en una versión doméstica su primera ópera, “El gigante”, a la que siguieron inmediatamente tres más, la última de ellas, “El festín de la peste”, escrita bajo las indicaciones del compositor Reinhold Glière. En 1904 ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo, donde tuvo como maestros, entre otros, a Anatol Liadov y Nikolai Rimski-Korsakov y empezó a interesarse por las corrientes más avanzadas de su tiempo. En este sentido, fue el “enfant terrible” de la música rusa de la primera década del siglo XX, no sólo en su faceta de compositor, sino también en la de intérprete.

Prokofiev en 1913
Con fama de músico antirromántico y futurista, sus primeras obras, disonantes y deliberadamente escandalosas, provocaron el estupor del público. En ellas, el joven músico mostró ya algunas de las constantes que iban a definir su estilo durante toda su carrera, como son cierta tendencia a lo grotesco y una inagotable fantasía, junto a un recogido lirismo y una asombrosa capacidad para crear hermosas y sugestivas melodías, que el propio Shostakovich reconocía y admiraba. Una de las formas musicales favoritas de Prokofiev fueron los conciertos para piano. Escribió cinco de ellos y todos han formado parte del repertorio habitual desde entonces. Compone su “Primer Concierto para piano”, Opus 10, (Alexander Kobrin) siendo apenas un joven de 21 años, estudiante del Conservatorio en 1912. Lo estrenó el mismo, en su primera salida al escenario como solista. Al año siguiente compone el Segundo Concierto para piano en Sol Menor Op. 16, y lo estrena el 5 de Agosto de 1913 en Pavlovsk.

Prokofiev en 1918
Su famosa Sinfonía núm. 1 «Clásica» es reveladora en cuanto a esta tendencia, que resulta más sorprendente aún si se la compara con una obra sólo dos años anterior, de 1915, la brutal “Suite Escita” (Rotterdam Philharmonic Orchestra & Valery Gergiev)
Aunque el joven músico contaba con las simpatías de los revolucionarios soviéticos por su talante iconoclasta e irreverente, un año después de los hechos de octubre de 1917, Prokofiev dejó su país para instalarse en Occidente, más en busca de la tranquilidad necesaria para componer que por motivos de índole ideológica. Japón, Estados Unidos (donde su presentación como pianista se calificó de «bolchevismo musical») y Francia fueron los países en que se presentó, no siempre con fortuna. Mientras los trabajos escritos para la compañía de los Ballets Rusos de Diaghilev –“Chout”, “El paso de acero”, “El hijo pródigo”– fueron relativamente bien recibidos, su ópera cómica “El amor de las tres naranjas” fue acogida con indiferencia en su estreno en Chicago en 1921.


El poco éxito y la añoranza que sentía por su patria fueron dos de las razones que le llevaron en 1933 a regresar de forma definitiva a su país. Sin embargo, la Unión Soviética había experimentado profundos cambios desde que el compositor la abandonara en 1918: a la libertad de que los artistas disfrutaban en aquellos primeros tiempos, había sucedido el control estatal respecto a toda creación artística, que debía ceñirse de manera obligatoria a unos cánones estrictos, los del realismo socialista.

Algunas de sus obras, como la “Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución”, fueron consideradas excesivamente modernas y, en consecuencia, prohibidas. El estilo de Prokofiev derivó entonces hacia posiciones más clásicas, con lo que el componente melódico de sus composiciones ganó en importancia. Algunas de sus páginas más célebres datan de esta época: el cuento infantil “Pedro y el lobo”, los ballets “Romeo y Julieta” (Dance of the Knights) (Angel Corello & Alessandra Ferri) y “La Cenicienta”, las partituras para dos filmes de Eisenstein, Alexander Nevski e Iván el Terrible, las tres «sonatas de guerra» para piano, la “Sinfonía Nº 5”, la monumental ópera “Guerra y paz”. Falleció el mismo día y año que Stalin, el 5 de marzo de 1953.

Sus obras demuestran una extraordinaria integridad si se tiene en cuenta la presión impuesta por el dogma soviético del realismo socialista. En sus obras procedía a registros tan diferentes como el maquinismo, el expresionismo, el clasicismo y el lirismo. En sus últimas composiciones se acercó a la tradición rusa de finales del siglo XIX. En su autobiografía definió hasta cinco «líneas estilísticas» en su música: la clásica, la modernista (caracterizada por la tendencia a la atonalidad y aún a la cacofonía intencionada), la «motorista» (con ritmos ostinato), la lírica y la grotesca o burlona. Pero no se trata, como el mismo Prokofiev se cuidó de advertir, de etapas o periodos, sino de tendencias superpuestas, que se alteran o confluyen según los casos.

Si hubiera que señalar periodos, sería preferible enumerar uno modernista, otro neoclásico (con muchas sinuosidades), y un tercero adaptado a la música soviética (también con cambios y hasta tendencias «desviacionistas»). Su vasta producción se caracteriza por un estilo neoclásico, su colorido ruso y una gran fuerza lírica. El reconocimiento del músico se vio plasmado en los galardones recibidos: Premio del Estado (1943, dos veces en 1946, 1947 y 1951), Artista del Pueblo de la Federación de Rusia (1947) y el Premio Lenin (en 1957, a título póstumo).


Obras

Música orquestal
Sinfonía clásica (1918) (St. Petersburg Philharmonic Orchestra & Yuri Temirkanov)
Sinfonía Nº 3 (London Symphony Orchestra & Claudio Abbado)
Sinfonía Nº 5 (Gustavo Dudamel, dir. & Berliner Philharmoniker)

Concierto para piano nº 1 (1911) (Martha Argerich & Alexandre Rabinovitch)
Concierto de piano Nº 2. Opus 16 Parte 1Parte 2Parte 3Parte 4Parte 5Parte 6, (Lugansky, piano)
Concierto para piano nº 3 - I. Andante - II. Tema con variación - III. Allegro ma non troppo (Martha Argerich & Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, dir. Tugan Sokhiev)
Sinfonía concertante para violoncelo y orquesta (Mstislav Rostropovich & National Orchestra of Monte-Carlo, dir. Ollu Kamu)

Música de cámara
Cuarteto de cuerda No. 1 en Si menor, Op. 50 (1930–31) 1 I. Allegro2 II. Andante molto. Vivace3 III. Andante (Russian string quartet)
Cuarteto de cuerda nº 2 en Fa mayor, Op. 92, sobre temas kabardinios (1941) I. Allegro sostenutoII. AdagioIII. Allegro. Andante molto (Euphonia string quartet)
Sonata para flauta y piano (1943). I: Andantino  (Emmanuel Pahud - Flauta & Stephen Kovacevich - Piano)

Música instrumental
Sonata nº 1 opus 1 (Boris Berman)
Sonata nº 2 Opus 14 (1924) Parte I Parte II (Sviatoslav Richter)
Sonata nº 3 (1928) (Martha Argerich)
Sonata nº 6 Opus 82 I Allegro moderatoII Allegretto (Eugeny Kissin)
Sonata nº 7 Opus 83, 1/2, 2/2 (Glenn Gould)
Sonata nº 8 (III) (Andrei Gavrilov)
Tocatta op. 11 (Horowitz & Argerich)
Sarcasmos (1914)
Visiones fugitivas (1917)

Óperas
El jugador (1916)
El ángel de fuego (1919)
El amor de las tres naranjas (1921) “Marcha” (Orquesta Nacional de Francia dir. Lorin Maazel)
Los esponsales en el convento (1940)
Guerra y paz (1952).


Ballets
Chout (1921)
El paso de acero (1924)
El hijo pródigo (1928)

Romeo y Julieta (1935) "Balcony Scene" Acto II"Dance of the Knights" (Angel Corello & Alessandra Ferri)
"Romeo y Julieta" consta de tres actos, quince escenas y 50 números musicales. El ballet se presenta como una sucesión de cuadros que parecen cobrar vida con la música.
La partitura musical es una de las obras maestras de Prokofiev quien la cuidó con exquisito detalle, incluyendo en la misma instrumentos como la mandolina, xilófono, maracas, pandereta, carrillones, piano y celesta, entre otros, además de los habituales en una orquesta. Algunos fragmentos gozan de gran popularidad, aunque toda ella muestre su genialidad unas veces con dramática fuerza descriptiva, otras con ténue delicadeza, siempre con su original inventiva en el ritmo y la composición. Es una de las obras más apreciadas del compositor, en base a la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones; el delicado y abundante tema de Julieta).

Pedro y el lobo (1936) (Suzie Templeton: Directora, animadora y escritora de films de animación con técnica de "stopmotion". Conocida por su adaptación animada de Pedro y el Lobo).
En la entrañable "Pedro y el Lobo" Prokofiev recurre a la música mínima que Stravinsky había puesto en boga con su célebre Historia del Soldado, conjugando con no menor habilidad lo nuevo, lo popular y lo infantil, como que es un cuento de niños -como de costumbre, aparentemente destinado a los niños, con un narrador y unos pocos instrumentos que hacen de personajes (recordará el lector que los violines son Pedro, las trompas el lobo, el fagot el abuelo, el clarinete el gato y la flauta el pájaro). La obra fue "aceptada" en la URSS por su carácter didáctico.
La Cenicienta Opus 97 (1944) Parte 1Parte 2Parte 3 (Ballet Bolshoi)
La leyenda de la flor de piedra (1950).

Prokofiev y Eisenstein
Música vocal
Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución (1937) (Kirill Kondrashin, dir. & Moscow Philharmonic Orchestra)
Salud a Stalin (1939).
Música para el cine
El teniente Kijé (1933) “Romance” (St. Petersburg Philharmonic)
Alexander Nevski, Dir. Sergei Eisenstein (1938) (Westminster Choir & New York Philharmonic)
Iván el Terrible Dir. Sergei Eisenstein (1942-1945) (Rotterdam Philharmonic Orchestra, St Petersburg Kirov Chorus & Valery Gergiev)

Ethel Smyth


El 23 de abril de 1858 nació en la localidad de Woking, en el condado de Surrey, la compositora, directora y también prolífica escritora, llamada "Gran Dama del Imperio Británico”, Ethel Smyth.
Creció en el seno de una familia militar de medio rango, dotada desde su más temprana infancia de una polifacética, curiosa y tenaz personalidad. Supo desde muy joven imponerse ante la voluntad familiar, cuando en alguna oportunidad (y al contrario que sus hermanas, dispuestas todas a casarse) rehusó a comer y a participar de actividades sociales hasta que le permitieran proseguir con sus estudios musicales formales, viviendo casi encerrada en su habitación.

Desde la soledad auto-impuesta y terca, Ethel fue forjándose una personalidad arrolladora, convencida de lograr sus objetivos al costo que fuera. "Cada día me convenzo más y más de la verdad de mi viejo axioma: que no haya mujeres compositoras se debe a que ellas deciden casarse y, luego, apropiadamente, hacer de sus esposos e hijos su primera consideración", escribe irónicamente Smyth a su madre, años más tarde, en 1877. Sus primeros recuerdos como creadora se ubican en sus 12 años, cuando escribía dúos y acompañamientos que interpretaba junto a una de sus hermanas. Al igual que su madre (pianista francesa), Ethel había heredado el admirable don de transportar y tocar de oído.

Finalmente y a pesar de los deseos de su padre, a los 19 años comenzó a estudiar en el Conservatorio de Leipzig, Alemania, en donde trabó amistad y se nutrió de influencias de compositores tales como Johannes Brahms, Clara Schumann, Edvard Grieg, Piotr Tchaikovsky, la hija de Mendelssohn Lili Wach y Gustav Mahler (que años más tarde consideró producir su ópera "The Wreckers" en la Ópera Estatal de Viena), entre otros.
En 1891 escribe su ópera prima, la “Misa en Re” (dedicada a Pauline Trevelyan, una de sus primeras amistades intensas y censuradas por la época), que es considerada hoy como una de sus obras más importantes que recibió controversiales críticas y numerosos halagos.

Ganó también popularidad con su obra “Der Wald”, premiada en Berlín en 1902. En 1904, volvió a la carga con una ópera imponente, "The Wreckers" -On the Cliffs of the Cornwall- “Obertura” adaptada del libreto original francés por su único amante, Henry Brewster, quien murió antes de poder ver estrenada la obra y con quien sostuvo un extraño triángulo amoroso. Muchos críticos posteriores consideraron esta obra como la “gran obra maestra” de la compositora. Hasta que no se estrenó en un Teatro, muchos mecenas ofrecieron sus casas para hacer pequeñas representaciones de la obra, a las que asistieron empresarios, directores y posibles “sponsors” (entre ellos, la famosa Princesa de Polignac, conocida como “Winnie”, (también amante eventual de Ethel Smyth) reconocida mecenas rodeada de artistas como Manet, Picasso, Proust, Colette, Cocteau….


Ethel, compositora incansable, y a la vez defensora de la mujer como "música creadora", comenzó entonces y a partir de esta época una prolífica etapa de producción musical: escribió una gran variedad de música de cámara, óperas, corales, piezas vocales y música instrumental.

Entre los años 1894 y 1925 escribió alrededor de seis óperas. Curiosamente, por esta misma época, comienza también a explotar sus vetas de escritora: a lo largo de su vida escribió no menos de 10 autobiografías, algunos ensayos, cuentos, o simples diarios extensos, tal y como se acostumbraba en la época. En sus textos, combina un estilo literario netamente musical, de hecho, casi contrapuntístico, la serenidad de lo femenino, y el fuego de una mujer inclasificable, más excéntrica aún de lo que ella puede haber concebido de sí misma en su época.

En 1910, Ethel conoció a Emmeline Pankhurst, la fundadora del Movimiento Sufragista Británico de Mujeres y Cabecilla militante de una muy bien organizada "Unión Política y Social de Mujeres". Conmovida por los discursos de la líder y habiendo iniciado con ella una relación de mutua inspiración romántica, Ethel escribió en 1911 la "Marcha de las Mujeres” que fue publicada con arreglos para voces mixtas y acogida con admiración entre las militantes feministas de aquel entonces. Durante una manifestación, ambas -junto a otras 100 manifestantes- fueron apresadas durante dos meses en la cárcel de Holloway donde Ethel, dirigió esa obra (“Marcha de las Mujeres”) desde su celda, entonando a viva voz los cánticos junto a las otras prisioneras, y sacudiendo burlona en el aire su cepillo de dientes.

En diversas oportunidades, recibió notorios reconocimientos a su quehacer artístico dentro de su país: fue distinguida primeramente en 1910 con un Doctorado Honorario de Música en la Universidad de Durham y más tarde, en 1926, honrada con el mismo título por la Universidad de Oxford. En 1922, Smyth recibe el equivalente femenino a la caballería “Dama del Imperio Británico” (Dame of the British Empire), otorgado por sus logros, “los más altos alcanzados alguna vez por una mujer”.


Operas
- “Fantasio” (1898)
- “The Boatswain's Mate” (1916)
- “The Wreckers” (1916) “Obertura” - "Preludio" - Acto I, escena 1: "God be thanked!" - Acto II, escena 2: "When wilt though give me peace from vain desire?"
- “Der Wald” (1920)
- “Fete Galante” (1923)
- “Entente Cordiale” (1926)

Vocal
- Misa en Re, coro y orquesta (1891)
- “Four Songs”, voz y cámara (1908)
- “Songs of Sunrise”, voices: soprano, alto, tenor, and bass (1911)
- “Hey Nonny” coro y orquesta (1911)
- “Sleepless Dreams”, coro y orquesta (1912)
- “Three Moods of the Sea”, una voz y orquesta (1913)
- “Three Songs”, una voz y orquesta (1913)
- “Dreamings, voices”: soprano, alto, tenor, y bajo (1920)
- “A Spring Canticle, from Der Wald”, una voz y orquesta (1926)
- “The Prison”, soprano y voz baja, coro y orquesta (1930)

Orquestal
- Serenade (1890) (BBC Philharmonic &
Odaline de la Martinez)
- “Antony y Cleopatra”, obertura (1890)
- March of the Women (1911)
- Concierto para Violín, trompeta y orquesta (1927) 1 mov
- “On the Cliffs of Cornwall” (The Wreckers) (1928),

Cámara e instrumental
- Cuarteto de cuerdas en Mi opus 1 (1884) Rev (1902 to 1912) mov 1, mov 2, mov 3, mov 4, mov 5.
- Sonata, op. 5, violonchelo y piano (1887) -- Dos Trios, para violín, oboe y piano (1927)

Ciclos de canciones y otras canciones
- Canciones op. 3
- Canciones op. 4
- “The Dance”, Voz y seis instrumentos
- “Chrysilla”, para voz, piano, violín, and Novello
- “Odelette”
- “Ancreontic Ode”

Piano Solos
- Sonata en Do, 4 movimientos (1877)
- Sonata en Do#, 3 movimientos (1877)
- Sonata en Re, 2 movimientos
- Canon incluido un Nocturno
- Preludio y Fuga en Fa# (1880)
- Tres Movimientos separados
- Suite de piezas en forma de danza

Órgano Solo
Preludio de un tradicional de estilo irlandés (1939)
Preludio corto coral

LP 'Sticky Fingers'


El 23 de abril de 1971 se publicó en el Reino Unido 'Sticky Fingers', el noveno álbum de The Rolling Stones (undécimo en EEUU), el primero en ser distribuido por su sello y el primero en el que figuró el famoso logo de la lengua y los labios, diseñado por John Pasche. Asímismo fue su primer álbum en alcanzar el nº1 tanto en EEUU como en el Reino Unido.

El mundo había cambiado de manera espectacular desde que los Rolling Stones tuvieron su primer nº1 en las listas de álbumes americanas con 'Out of our Heads' (1965). El grupo también sufrió dramáticos cambios: En julio de 1969 Brian Jones apareció muerto en la piscina de su casa y cinco meses más tarde, mientras Jagger estaba en el escenario del Festival gratuito de Altamont interpretando 'Under my thumb', un joven fan fue apuñalado por un Hell's Angel que trabajaba como guardia de seguridad.

Jagger y Richards
El contrato del grupo con Decca Records, había finalizado en 1970. Con ello, el grupo esperaba gozar de una absoluta libertad para elaborar sus trabajos, tanto en lo que se refería al contenido de las letras como al diseño de las portadas (por ejemplo, la compañía había censurado la portada preparada para 'Beggars Banquet', que consistía en un retrete con grafitis llenos de insultos). Como el grupo aún le debía un último sencillo a la discográfica, decidieron enviar una canción titulada 'Cocksucker blues', con una letra obscena que la hacía impublicable. En su lugar, la compañía decidió editar 'Street fighting man', tema que ya tenía dos años de antigüedad. No obstante, el vencimiento de este contrato no libró al grupo de un nuevo sobresalto, que se produjo cuando descubrieron que, descuidadamente, habían firmado la cesión de todo su trabajo de los sesenta al que pronto se iba a convertir en su ex-mánager, Allen Klein. A pesar de las adversidades, o por causa de ellas, los Stones estaban alcanzando nuevas cotas creativas en sus grabaciones discográficas.

Watts, Taylor, Jagger, Richards y Wyman
'Sticky Fingers' fue el primer álbum de los Stones que contaba con Mick Taylor como miembro permanente del grupo (anteriormente con John Mayall y sus Bluesbreakers, Taylor había colaborado en algunos temas de 'Let it Bleed', el anterior trabajo de Rolling Stones).
Las primeras canciones en grabarse fueron 'Brown sugar', 'Wild horses' y 'You gotta move', realizadas en los Muscle Shoals Sound Studios de Alabama en 1969, mientras se encontraban de gira por EEUU.

Mansión de Jagger en Stargroves
El resto de los temas fueron grabados en los Olympic Studios de Londres y en la casa de campo de Mick Jagger en Stargroves, Berkshire, donde se desplazó el magnífico estudio móvil que les acababan de construir. "Jagger estaba de muy buen humor", recuerda Andy Johns, uno de los ingenieros "la presencia de Mick Taylor ayudó a que hubieran buenas vibraciones. Fue un periodo muy creativo para ellos y el hecho de grabar en casa de Mick resultó mucho más divertido que en un estudio. Todos vivíamos juntos y grabábamos en diferentes salas de la casa probando constantemente nuevos sonidos. Jim Price y Bobby Keys tocaron su saxo y su trompeta en los aseos porque tenían una reverberación natural magnífica".


Mick Taylor
'Sway' fue el primer tema que se grabó en la mansión de Jagger. Es un blues lento que, aunque acreditado a Jagger/Richards, está escrito por Jagger y Mick Taylor. Keith sólo interviene en los coros y todas las guitarras del tema proceden de Taylor.
'Wild horses' es un tema en el que se nota la influencia de Gram Parsons, gran compañero de juergas de Keith. De hecho, compusieron la melodía juntos y se la mostraron a Jagger junto con el título. Jagger escribió la letra y es uno de los temas más versionados del catálogo de los Stones. Parsons pidió permiso para grabar el tema con los Flying Burrito Brothers y se publicó en el álbum 'Burrito De Luxe', un año antes que la versión de los Stones. Ian Stewart estuvo presente en la sesión, pero el piano lo tocó Jim Dickinson en su lugar, ya que Stewart odiaba tocar con acordes menores. Keith toca la acústica de doce cuerdas y la eléctrica y Mick Taylor toca la guitarra acústica afinada al modo Nashville, en el que las cuatro últimas cuerdas (EADG) están afinadas una octava más alta.


Keith Richards
'Can't you hear me knockin?' es un tema de siete minutos en el que al final brilla el trabajo de Taylor con la guitarra. En 1979, éste comentaba: "Es uno de mis temas favoritos. La improvisación del final ocurrió por accidente; nunca estuvo planeado acabarla así. Al final de la canción sentía ganas de seguir tocando. Los demás habían soltado ya sus instrumentos y cuando se dieron cuenta que la cinta seguía corriendo, los agarraron de nuevo. Simplemente pasó y fue la única toma que se registró"
'You gotta move' -también grabada en Muscle Shoals- es un blues rústico del Delta escrito por Fred McDovell y Blind Gray Davis. En él, Mick imita cantando el acento sureño de los negros. Le sigue 'Bitch', que fue la cara B del single 'Brown Sugar', y 'I got the blues', otro tema lento con lánguidas guitarras y fiuertes influencias de soul y blues, que recuerda a la canción 'I've been loving you too long', de Otis Redding. No en vano, los Stones habían llevado el tema de Redding en su repertorio. Billy Preston añade un magnífico sólo de órgano.



Mick Jagger y Marianne Faithfull
'Sister morphine', compuesta por Jagger y Marianne Faithfull, fue originalmente publicada por Marianne en 1969 y su nombre no apareció en los créditos de la canción hasta la reedición de 1994.


"Here I lie in my hospital bed,

Tell me, Sister Morphine, when are you coming round again.

Oh, I don't think I can wait that long,

Oh, you see I'm not that strong."

Aquí estoy tirado en mi cama del hospital, 
Dime, hermana Morfina, cuando vas a venir de nuevo. 
Oh, no creo que pueda esperar tanto tiempo.
Oh, ya ves que no soy tan fuerte.

Keith y Gram Parsons
Otro tema con influencias de Gram Parsons, grabada en los Muscle Shoals Studios de Alabama fue 'Dead flowers', cuya letra hacía mención a un personaje, que ante la ruptura con su novia, recurre a la heroína para consolarse:

"Well when you're sitting back in your rose pink Cadillac
making bets on Kentucky Derby Day
I'll be in my basement room with a needle and a spoon
and another girl can take my pain away"

Bueno, cuando estés sentada de vuelta en tu Cadillac rosado
Haciendo apuestas el día del Derby de Kentucky
Ahi estaré en mi sótano con una aguja y una cuchara
Y otra chica que me mantenga alejado del dolor.

Mick y Keith en Olympic Studios
'Sticky Fingers' es uno de los trabajos más introspectivos de los Stones. La balada 'Moonlight mile', en la que Jagger consigue conmover con su voz, refleja esa atmósfera. Se gestó durante una sesión nocturna entre Richards y Mick Taylor. Keith había compuesto una corta pieza llamada 'Japanese Thing', que Taylor reelaboró para la sesión. También la idea de añadir los arreglos de cuerda de Paul Buckmaster fue idea de Taylor. La letra de Jagger es elíptica y misteriosa, reflejando la alienación que produce la vida en la carretera.

"The sound of strangers sending nothing to my mind
Just another mad mad day on the road
I am just living to be lying by your side, 
But I'm just about a moonlight mile on down the road"

El sonido de extraños enviando mensajes vacíos a mi mente
Es sólo otro loco loco día más en la carretera
Sólo vivo para acostarme a tu lado
Pero apenas estoy a una milla de luz lunar en la carretera.



La controversia surgió con la letra de 'Brown sugar', que la gente juzgó racista y otros interpretaban como un nuevo guiño a las drogas (de la misma manera que a la cocaína se le llamaba en la jerga coloquial 'nieve' a la heroína se le llamaba 'azúcar moreno', es decir, 'brown sugar'). Bill Wyman, bajista de la banda, recuerda: "Mick compuso la canción mientras estaba rodando 'Ned Kelly' en Australia. Fue más cosa de Mick, como puede suponerse, que de Keith. Inspirado por la música de Freddy Cannon, Mick llamó originalmente a su canción 'Black Pussy' (coñito negro), antes de decidir darle un título más sensato. La letra estaba parcialmente inspirada en una cantante negra llamada Claudia Linnear, que conocimos en Los Ángeles".

"Brown sugar, how come you taste so good
Brown sugar, just like a young girl should"

Azúcar morena, como es que tienes tan buen sabor?
Azúcar morena, así es como debería saber toda jovencita.

El 18 de diciembre de 1970, durante la fiesta de cumpleaños de Keith Richards se grabó otra versión de 'Brown Sugar' en los Olympic Studios con la participación de Eric Clapton a la slide guitar y Al Kooper al piano. Keith y Mick consideraron durante un tiempo incluir ésta versión -por su espontaneidad- en el álbum, aunque finalmente se decidieron por la original.

También trajo controversia la famosa cubierta del pantalón vaquero. Mick había pedido a Andy Warhol que crease un diseño incluso antes de que el álbum tuviese nombre. Una cremallera real en la cubierta del LP original representaba un problema logístico para proteger el delicado vinilo del metal de la cremallera. Para ayudar a prevenir el problema se hizo un inserto de cartón que representaba a un joven en calzoncillos.

En España, la dictadura de Franco prohibió el tema 'Sister Morphine', sustituida en la edición española por una versión en directo del tema 'Let it rock', de Chuck Berry, grabada durante la gira americana de 1969. También fue prohibida la portada, que fue considerada obscena por los censores españoles, y fue sustituída por una patética fotografía de una lata de conservas abierta con una sustancia pringosa de la que asomaban unos dedos humanos. Lo bueno del caso es que la portada en cuestión se ha convertido con el tiempo en una buscada pieza de coleccionistas.

Mick y Bianca
Coincidiendo con la publicación del disco, el grupo se mudó de Inglaterra a Francia, con la finalidad de pagar menos impuestos. Allí trabajarían en la elaboración de su próximo disco, 'Exile On Main St.', que sería publicado en 1972. El 12 de mayo de 1971 Mick Jagger se casaba con Bianca Pérez Mora Macias, una belleza de la aristocracia nicaragüense a quien había dejadao embarazada. A la boda, celebrada en St. Tropez, asistieron artistas como Paul y Linda McCartney, Ringo Starr, Eric Clapton, Keith Moon, Roger Vadim, Nathalie Delon, Stephen Stills, Brigitte Bardot y Lord Litchfield, primo de la reina inglesa.


"Brown sugar" (Jagger/Richards)
"Sway" (Jagger/Richards)
"Wild horses" (Jagger/Richards)
"Can't you hear me knocking" (Jagger/Richards)
"You gotta move" (Fred McDowell/Gary Davis)
"Bitch" (Jagger/Richards)
"I got the blues" (Jagger/Richards)
"Sister morphine" (Jagger/Richards/Marianne Faithfull)
"Dead flowers" (Jagger/Richards)
"Moonlight mile"  (Jagger/Richards)


Mick Jagger – voz solista, guitarra eléctrica y acústica, percusión
Keith Richards – guitarra eléctrica, guitarras acústica de 6 y 12 cuerdas, coros
Mick Taylor – guitarras eléctrica, acústica y slide (no participó en las sesiones de 'Sister Morphine)
Charlie Watts – batería
Bill Wyman – bajo, piano eléctrico


Músicos adicionales:
Paul Buckmaster – arreglos de cuerda
Ry Cooder – guitarra slide
Jim Dickinson – piano
Rocky Dijon – congas
Nicky Hopkins – piano
Bobby Keys – saxofón
Ronnie Lane – coros
Jimmy Miller – percusión
Billy Nicholls – coros
Jack Nitzsche – piano
Billy Preston – órgano
Jim Price – trompeta, piano
Ian Stewart – piano
Pete Townshend – coros