25 abril 2012

Jerry Leiber


El 25 de abril de 1933 nació en Baltimore el letrista y compositor norteamericano Jerry Leiber. En Los Ángeles conoció a Mike Stoller y juntos comenzaron una sociedad que les llevaría a ser los compositores y productores más influyentes de la música popular americana posterior a la Gran Guerra.

John Leiber y Mike Stoller
No hay más que echar un vistazo a la lista de sus canciones más emblemáticas: 'Hound dog', 'Kansas city', 'Young blood', 'Searchin', 'Yakety Yak', 'There goes my baby', 'Charlie Brown', 'Smokey Joe's Cafe', 'Ruby Baby', 'On Broadway', 'Love me', 'Loving you', 'Don't', 'Jailhouse rock', 'King creole', 'Stand by me', 'Love potion #9'..., todas ellas clásicas del rock americano, interpretadas, entre otros, por Coasters, Drifters y Elvis Presley.

Como productores son responsables de muchas grabaciones de Ben E. King, Jay & the Americans, Exciters y Clovers además del éxito de Stealer's Wheel, 'Stuck in the middle with you' (1972) y del LP de Elkie Brooks 'Two Days Away' (1977), que contenía el hit 'Pearl's a singer'. En 1995 estrenaron en Broadway su musical 'Smokey Joe's Cafe', que estuvo casi seis años en cartel con 2.036 representaciones. Jerry Leiber murió de insuficiencia cardiaca en agosto de 2011 a los 78 años.


Canciones con historia: 'Hound Dog'
En agosto de 1952, Jerry Leiber y Mike Stoller reciben una llamada del productor Johnny Otis encargándoles una canción para una de sus representadas. A Mike y Jerry les suena el nombre, pero no logran relacionar ni su voz ni su aspecto. Así que se ponen en marcha y conducen hacia el lado oeste de Los Ángeles, donde vive Otis, para conocer personalmente a la tal Willie Mae Thornton

Tras las presentaciones, ambos tienen claro el porqué de su apodo 'Big Mama'. La cantante de 26 años procedente de Alabama es una gigante, fuerte como un toro. En sus conciertos sostiene el pie de micro con una sola mano sobre su cabeza como si fuera una pluma de ganso (los pies de micro de aquella época tenían como base una plataforma de hierro bastante pesada). Jerry y Mike están impresionados y le escriben  a 'Big Mama' una canción que trata sobre un desvergonzado gigoló, un tema que no le pegaba ni con cola a la lady del blues de 140 kgs de peso. Sin embargo, el 13 de agosto Willie Mae Thornton graba la canción, ganando por su trabajo 500$, y la canción es un relativo éxito. Pero el tema haría inmensamente rico a otro artista unos tres años más tarde. 

Cuando el 27 de julio de 1956 Jerry Leiber recibe a su colega Mike Stoller en el puerto de Nueva York, le exclama: "Tenemos un nº1". Mike tiene que sobreponerse, entre otras cosas, porque acaba de llegar en un barco de salvamento de ser rescatado junto a su esposa y 1660 pasajeros más del naufragio del Andrea Doria, en el que murieron 46 personas. "Cuál?", pregunta, -"Hound Dog" contesta Jerry. "¿La versión de Big Mama?" "No, un chavalín blanco llamado Elvis Presley". Stoller no lo puede creer: "Elvis,...¿quién es ese?"

Ella Fitzgerald


El 25 de abril de 1918 nació en Newport News (Virginia) la cantante de jazz Ella Fitzgerald. En toda la historia del jazz, no ha existido una vocalista femenina que haya podido exhibir una 'hoja de servicios' como la de Ella Fitzgerald. Cantante insuperable de bigband, poseedora de una pureza de tono y una dicción impecable, así como un fraseado y entonación extraordinarios, se encontraba igualmente a sus anchas en un contexto musical mas reducido, en directo o en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería y era además la mejor intérprete de standards, baladas, blues, canciones infantiles e incluso bossa-nova. En términos de prestigio, Ella ocupa la cima del jazz vocal femenino en compañía de Sarah Vaughan y Billie Holiday. La crítica la ha alabado sin excepción y, sólo unos pocos le han reprochado en ocasiones su incapacidad de insuflar dramatismo a sus interpretaciones o se le ha tachado de ignorar el verdadero blues.

Connie Boswell
Aunque nacida en Virginia, Ella creció en Yonkers (Nueva York). Su padre, William Fitzgerald, conductor de tren, abandonó a su madre Temperance Fitzgerald, lavandera, cuando Ella era aún muy pequeña. Las dos se trasladaron a Yonkers (Nueva York), junto con el novio de su madre, Joseph Da Silva, con el que tendría otra hija en 1923, Frances Fitzgerald. Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el piano, escuchó atentamente la radio y todas la grabaciones que aparecían de Louis Armstrong, Bing Crosby y las Boswell Sisters. Adoraba a Connie Boswell: "Mi madre trajo a casa uno de sus discos y me enamoré de su voz. Intentaba a toda costa parecerme a ella cantando"

En 1932, la madre de Ella murió de un ataque al corazón y este hecho dramático condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar. Sufrió abusos de su padrastro por lo que su tía Frances se hizo cargo de ella y, más tarde, cuando Da Silva también murió en un accidente, se hizo cargo de su hermanastra Frances. Ella se escapaba a menudo y trabajaba como avisadora en un burdel o ayudando a corredores de apuestas ilegales. Fue detenida en una redada y enviada a un reformatorio de Hudson (Nueva York), de donde escapó y anduvo unos días sin techo vagando por las calles.

El 17 de noviembre de 1934 se presentó a concursar como bailarina en el célebre concurso 'Amateur Night Show' que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. Cuando le tocó salir a escena, intimidada por la actuación de otras participantes bailarinas, las Edwards Sisters, opta por ponerse a cantar una canción de su idolatrada Connie Boswell, 'Judy'. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que cantaba con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una auténtico triunfo y se lleva el primer premio, que consistía en $25. Sin embargo, seguramente debido a su desaliñado aspecto y a su situación de vagabunda, no pudo obtener el contrato por una semana con la que se premiaba a los ganadores.

En enero de 1935 consiguió que la contrataran en la Tiny Bradshaw Band que tocaba durante una semana en el Harlem Opera House. Allí, la joven Ella conoce al batería y líder de banda Chick Webb, quien le ofrece la oportunidad de realizar una prueba con su orquesta. Webb declararía más tarde al New York Times: "No estuve muy seguro de contratarla. Era un diamante en bruto pero su aspecto desgarbado y desaliñado me hizo dudar" A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió con 19 años en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Webb con la que grabó varios hits como 'Love and kisses', 'Sing me a swing song' y '(If you can't sing it) You'll have to swing it (Mr. Paganini)'.

En 1938, su versión de la canción infantil tradicional 'A-tisket, a-tasket' fue nº1, permaneciendo diez semanas, y el disco más vendido del año y ya es un standard del jazz. Le siguió la secuela 'I found my yellow basket' que, aunque con menor éxito logró alcanzar el Top5. A la muerte de Webb en 1939, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta, que partir de entonces se denominó 'La gran orquesta de Ella Fitzgerald'. Grabó cerca de 150 canciones, entre ellas algunos hits más como 'I want the waiter', 'Imagination' o 'Five o'clock whistle'. En 1941 se casó con Benny Kornegay, que trabajaba como descargador portuario y era un 'camello' declarado. El matrimonio fue anulado dos años después. En 1942, Fitzgerald, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.

Ella en 1940
Decide continuar en solitario y contratada por Decca Records publica una serie de hits en los años cuarenta con artistas como los Ink Spots, Louis Jordan y los Delta Rythm Boys tales como 'I'm making believe', 'Into each life some rain must fall' (ambos nº1), 'Cow-cow boogie', 'It's only a paper moon' y 'Stone cold dead in the market'.
Tras la guerra, el swing y las big bands dejaron de interesar y el advenimiento del bebop obligó a Ella a desarrollar nuevos estilos vocales. Fue durante la estancia de Ella en la orquesta de Dizzy Gillespie, cuando comenzó a practicarlo. "Sólo trataba de hacer con mi voz lo que hacían los metales"


Dejó muestras imperecederas de ese arte en temas como 'Flying home' (1945), descrita por el New York Times como "una de las piezas vocales de jazz más influyentes de la década". Otros ejemplos fueron 'Lady be good' (1947) y 'How high the moon'.

A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosas giras conocidas como el 'J.A.T.P'. En Jazz At The Philharmonic actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el título que ya siempre le acompañó: 'The First Lady Of Song' (La Primera Dama de la canción).

En 1956, Granz consiguió que Ella dejara Decca y la cantante firma un contrato con el recién creado sello Verve Records. Sus planes para Ella incluían extensas giras con JATP y grabaciones con los artistas vinculados al  proyecto, desde Louis Armstrong y Oscar Peterson hasta Duke Ellington, Stan Getz o Roy Eldridge. Su primer disco con Verve fue 'The Cole Porter Songbook' (1956), con arreglos de Buddy Bergman, que enseguida se aupó a los primeros puestos de las listas de los discos más vendidos. Fue la primera entrega de una serie de antologías consagradas a los grandes autores de la música popular estadounidense con temas como 'All of you', 'Begin the beguine' o 'Let's do it'.

Duke Ellington y Ella Fitzgerald
Ese mismo año se publicó el segundo de los 'Songbooks', dedicado esta vez a las canciones de Rodgers & Hart (1956) con temas como 'Blue moon', 'My funny Valentine' y 'The lady is a tramp'. En 1957 grabó  'Ella Fitzgerald sings the Duke Ellington Song Book', el único de la serie en el que trabajó con el compositor motivo del homenaje en persona. Duke y su fiel colaborador Billy Strayhorn aparecen en la mitad de los 38 cortes de la obra. Este fue, de toda la serie de Songbooks, el más aclamado por público y crítica.

El columnista Frank Rich del New York Times sostenía que los Songbooks de Ella "significaban una transacción cultural parecida a la que realizó Elvis integrando el soul-blues afroamericano entre los blancos. Aquí teníamos a una mujer negra popularizando canciones urbanas, en su mayoría escritas por judíos inmigrantes para una audiencia mayoritaria de cristianos blancos". El respeto que generó esta serie de antologías hizo que Sinatra rehusara hacer algo parecido cuando se lo propuso Capitol Records.

En 1958 publicó el dedicado a Irving Berlin, acompañada de Paul Weston y su orquesta con temas como 'Cheek to cheek', 'Let's face the music and dance' o 'Top hat, white tie and tails'. En su siguiente trabajo, 'Ella Fitzgerald sings the Gershwin Song Book' (1959), su voz parecía estar hecha a la medida de las melodías de los hermanos Gershwin. Con arreglos de Nelson Riddle, sus interpretaciones de 'Embraceable you', 'Clap yo' hands', 'Bidin my time', 'S' wonderful' o 'Let's call the whole thing off' dan una nueva dimensión a los temas de Gershwin. Ira Gershwin comentó en una ocasión: "Nunca supe lo buenas que eran nuestras canciones hasta que se las oí cantar a Ella Fitzgerald".

Ella & Louis
Sus encuentros con músicos de jazz, dieron también lugar a grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son auténticas obras de arte. Igualmente deliciosos son los tres álbumes que grabó con Louis Armstrong

En 1960 se publicó 'Ella in Berlin', uno de sus álbumes más vendidos. En él aparece una versión de 'Mack the knife', merecedora de un Grammy, famosa porque Ella se vio obligada a improvisar la letra, que había olvidado. En 1961 publicó 'Ella Fitzgerald sings the Harold Arlen Songbook', acompañada por la orquesta de Billy May, con temas como 'Stormy weather', 'That old black magic' y 'Get happy'.

Verve Records fue vendida a MGM en 1962, aunque Fitzgerald siguió ligada a ellos cinco años más producida por Norman Granz, publicando, entre otros, los dos últimos 'songbooks' de la serie dedicados a Jerome Kern y al letrista Johnny MercerEn 1967 no le renovaron el contrato y los siguientes cinco años grabó para Atlantic, Capitol y Reprise Records, sellos en los que grabó temas alejados de su habitual repertorio de jazz, como villancicos o temas de country. Por otro lado, las presiones cada vez mayores de la renovada música pop la condujeron a grabar versiones de temas de los Beatles, Del Shannon o The Carpenters.


En 1973, Norman Granz creó un nuevo sello discográfico -Pablo Records- y empezó a publicar material inédito grabado por la cantante durante sus giras, además de producir nuevos discos con Ella en los que recuperaba el aliento jazzístico de antaño.

Joe Pass y Ella
El elenco de artistas apenas había variado respecto al del sello Verve, pero sus propias facultades se vieron mermadas en muchos casos. Poco a poco, la voz de Ella Fitzgerald comenzó a estropearse y a perder la facilidad de otros tiempos. Aún así grabó un par de decenas de álbumes para el nuevo sello. 'Ella in London', grabado en vivo en 1974 con el pianista Tommy Flanagan, el guitarrista Joe Pass, el bajista Keter Betts y el batería Bobby Durham, está considerado por muchos como uno de sus mejores trabajos.

Con Joe Pass continuaría trabajando hasta su muerte publicando varios álbumes como 'Take love easy' (1973), 'Fitzgerald and Pass...again' (1976), 'Speak Love' (1983) y 'Easy Living' (1986).
En 1981, Norman Granz produjo para ella su último 'Songbook', dedicado a Antonio Carlos Jobim. Cuando Ella grabó 'Ella abraça Jobim', la artista tenía 62 años y llevaba más de cuarenta como cantante.

Cada vez más débil y enferma, realizó su última grabación en 1991 y su última aparición sobre un escenario fue en 1993. Ella Fitzgerald falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie superó a Ella, en un escenario, ni habrá nunca, una cantante de jazz que cante el 'scat' como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.

LP 'On the Threshold of a Dream'


El 25 de abril de 1969 se publicó en el Reino Unido bajo el sello Deram, 'On a Threshold of a Dream', el tercer álbum del grupo británico Moody Blues que, como sus obras anteriores fue un álbum conceptual, en este caso, alrededor de los sueños. Fue su primer trabajo en alcanzar el nº1 en Inglaterra, aunque su único single, 'Never comes the day' pasó desapercibido.

Justin Hayward
El album fue grabado entre el 12 y 31 de Enero de 1969 en los Estudios Decca, en West Hampstead, Londres y la producción corrió a cargo de Tony Clarke.  Si en el primer album, 'Days of Future Passed' la idea fue retratar musicalmente un día completo en la vida de una persona y, en el segundo 'In Search of the Lost Chord', hacer un viaje hacia la realización espiritual y en busca del acorde perdido, para este tercer álbum, el concepto giraba alrededor de los sueños y su significado. Además los miembros del grupo se encontraban inmersos en la Meditación Trascendental, y todo ello se vio reflejado en su trabajo: “Quisimos recolectar influencias religiosas y psicodélicas dentro de un álbum y transformarlas en un camino hacia la iluminación espiritual. Sé que suena terriblemente pretencioso ahora, pero como jóvenes, esa era nuestra meta, siempre nos hemos considerado exploradores", recuerda Justin Hayward.

Ray Thomas
El álbum, cuya portada contaba de nuevo con una magnífica ilustración de Phil Travers, comienza con 'In the beginning', un tema escrito por el batería de la banda, Graeme Edge, especialista en los temas de recitado, tan habituales en la primera época psicodélica del grupo. Describe, partiendo del razonamiento de Descartes, "pienso luego existo", el antagonismo hombre-máquina-sistema, abriendo una puerta de esperanza a la libertad individual del ser humano. Está directamente enlazado (prácticamente todos los temas están fundidos entre sí) con 'Lovely to see you', compuesta por Justin Hayward, un tema que se convirtió en tema clásico de la banda para abrir los shows. Con una melodía a lo McCartney, fue -a pesar de no ser editado en single- el tema más popular del LP.

John Lodge
Le sigue 'Dear diary', compuesta por el flautista Ray Thomas. Describe un día en la vida de una persona solitaria que le cuenta a su diario su desesperación por ser ignorado por el resto del mundo. 'Send me no wine' y 'To share our love' son las contribuciones del bajista John Lodge. Son las más 'rockeras' del disco y las que más se apartan de la línea espiritual de la obra. En 'To share our love' es Mike Pinder quien se hace cargo de la voz solista, cosa poco habitual en los Moody Blues, donde cada compositor solía cantar sus propios temas. La primera aportación del teclista Mike Pinder es 'So deep within you' una canción de 'desamor' que habla del amor no correspondido.


Abre la cara B la magnífica 'Never comes a day' de Hayward, que sin embargo, editada en single, no pasó del puesto 91 en las listas Billboard (en Inglaterra no alcanzó el Top40).

Graeme Edge
En 'Lazy day', Ray Thomas nos describe un típico domingo por la tarde con actividades como "poner los pies sobre la mesa y ver la TV". Al final de la canción se puede oir a Hayward cantar "es una lástima, semana tras semana, siempre lo mismo" y "Así es como pasa tu vida, hasta el día en que mueras"...
Les sigue 'Are you sitting comfortably', un tema escrito por Hayward y Thomas. Cantado por Justin hace referencias épicas a la leyenda del rey Arturo y en la letra aparecen Merlín, Camelot y Guinnevere.

Mike Pinder
Un nuevo recitado de Edge, 'The Dream', ésta vez ejecutado por Mike Pinder, da paso a la ambiciosa suite de tres partes escrita por el teclista de la banda compuesta por 'Have you heard, partes I y II' con una pieza instrumental en medio de ambas partes, 'The Voyage', fuertemente inspirada en el 'Zarathustra' de Richard Strauss con interesantes arreglos de melotrón, flauta, cello, órgano y piano. Culmina con otro recitado que reafirma la esperanza de libertad expresada al comienzo de la obra: “Life's ours for the making, eternity's waiting, waiting for you and me. Now you know that you are real, show your friends that you and me belong to the same world, turned on to the same word, have you heard?"

The Moody Blues en 1969

'In the beginning' (Graeme Edge)
'Lovely to see you' (Justin Hayward)
'Dear diary' (Ray Thomas)
'Send me no wine' (John Lodge)
'So deep within you' (Mike Pinder)
'Lazy day' (Thomas)
'The dream' (Edge)
'The voyage' (Pinder)


Justin Hayward: voces, guitarras
John Lodge: voces, bajo, chelo
Ray Thomas: voces, armónica, flauta, percusión
Graeme Edge: batería, percusión, voces
Mike Pinder: voces, mellotron, órgano Hammond, piano, chelo

Earl Bostic


El 25 de abril de 1913 nació en Tulsa (Oklahoma) el saxofonista alto de jazz y R&B norteamericano Earl Bostic. Pionero del R&B surgido tras la 2ª Guerra, logró varios hits en las listas estadounidenses como 'Temptation' y 'Flamingo'. Muy influido por Sidney Bechet, Bostic, a su vez, influyó notablemente en John Coltrane, que formó parte de una de sus bandas.

Estudió en la Xavier University de Nueva Orleans y con 18 años ya era músico profesional tocando con Charlie Creath y Fate Marable en los barcos del Mississippi hasta que, a finales de los años treinta, se trasladó a Nueva York donde además de ser solista en combos de Don Redman, Edgar Hayes, 'Hot Lips' Page y Cab Calloway, realizó sus primeras grabaciones con Lionel Hampton en 1939. Formó parte de su banda entre los años 1943 y 1945 y en esa época también escribió arreglos para Paul Whiteman y Louis Prima.

A partir de 1945 comenzó a publicar discos con su banda, en la que promocionó a músicos como Jimmy Cobb, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Benny Golson y John Coltrane. Logró su primer hit en 1948 con 'Temptation'. Siguieron una serie de temas de R&B simplificado con ritmos acentuados y melodías a base de riffs, cuyo sonido era más cercano al pop, logrando que temas como 'Sleep''Harlem nocturne''Cherokee'  y, sobre todo, 'Flamingo' (1951), fueran éxitos internacionales. Earl murió de un infarto mientras tocaba en octubre de 1965 a los 52 años.

Albert King


El 25 de abril de 1923 nació en Indianola (Mississippi) Albert King, uno de los tres 'reyes' de la guitarra del blues, junto a B.B.King y Freddie King. Con sus 192 cm de altura y 118 kg de peso -le llamaban el bulldozer de terciopelo- grabó para Stax Records, acompañado por Booker T. & the MG's, una colección de temas que ya son standards del blues como 'Crosscut Saw' y 'Born under a bad sign'.

En 1982 firmó con el sello Fantasy, donde grabó dos de sus mejores álbumes, 'San Francisco 83' y 'I'm In A Phone Booth, Baby', ambos de 1984. Su reconocible estilo con la guitarra era ciertamente poco ortodoxo. Albert era zurdo y tocaba con una guitarra de diestro sin cambiar el orden de las cuerdas. Además la tenía afinada con un acorde de mi menor y la cuerda más grave en do. Aún así influyó poderosamente en músicos como Gary Moore, Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, con quien grabó una memorable sesión en 1983 capturada por TV y que se publicó en 1999, siete años tras la muerte de Albert King en diciembre de 1992.