08 mayo 2012

Ricky Nelson


El 8 de mayo de 1940 nació en Teaneck (New Jersey) Ricky Nelson, cantante y actor norteamericano. Fue él quien provocó que se acuñara el término 'teen idol' (ídolo de adolescentes) para denominar a los pulcros, aseados y jóvenes cantantes como Fabian y Frankie Avalon que la industria discográfica presentó al principio de la década de los sesenta. Pero Nelson parecía poseer algo más tras esa cara de adolescente de buena familia. "El aparentemente simplón Ricky Nelson ayudó a introducir el rock'n'roll en las salas de estar de los americanos blancos de clase media", aseguraba el crítico David Hinkley y John Fogerty, tras la muerte de Nelson afirmó: "Residía en Hollywood pero los discos que grabó eran rockabilly legítimo, tan buenos como cualquier material de la primera época de Sun Records"

La familia Nelson
Nacido Eric Hilliard Nelson, se estrenó en el mundo del espectáculo cuando debutó con nueve años en el programa de radio que sus padres (Ozzie y Harriet) realizaban, 'The adventures of Ozzie and Harriet'. En 1952 la familia protagonizó un film llamado  'Here come the Nelsons', que les sirvió de trampolín para debutar con su show en TV, una sitcom en directo de su vida familiar, en la que como en el show radiofónico mostraban las alegrías y sinsabores de su día a día como famlia en clave cómica. Fue una de las series de TV más duraderas de la historia de la pequeña pantalla en Estados Unidos.

De adolescente, Ricky ya tocaba la batería y el clarinete y conocía los acordes básicos de guitarra. En casa, en la ducha, trataba de imitar a sus ídolos, entre ellos, Carl Perkins. Cuando cumplió los dieciséis años, con el fin de impresionar a una chica fan de Elvis, le dijo que él también estaba en camino de grabar un disco. Con la ayuda de su padre logró un contrato para un sólo disco con Verve Records y, en marzo de 1957 grabó tres temas: una versión del hit de Fats Domino 'I'm walking', 'A teenager's romance' (su primer single publicado que alcanzó el nº2) y 'You're my one and only love'. Ricky estrenó 'I'm walking', la cara B de 'A teenager's romance' en la serie de TV y a continuación se vendieron más de un millón de copias del disco en sólo una semana.

Seguidamente, Ricky cambió de sello discográfico y firmó con Imperial, donde comenzó a publicar éxito tras éxito, comenzando por 'Be bop baby' (1957), seguido de 'Stood up' y 'Believe what you say' (1958), todos ellos Top5. Ozzie Nelson, muy comprometido con la carrera de su hijo, procuró estrenar las canciones de Ricky aprovechando la popularidad de la serie de TV, lo que hizo de Ricky Nelson uno de las primeras 'videoestrellas' de la historia. Continuó grabando hits como 'Lonesome town' (1958), 'Never be anyone else but you' 'It's late' (1959).


En 1958 llegó su primer nº1 con 'Poor little fool' y en 1959 apareció junto a John Wayne y Dean Martin en el western de Howard Hawks 'Rio Bravo'.

Aunque Nelson prefería cantar temas de rockabilly y con ritmo como 'I got a feeling', 'My bucket's got a hole in it', 'Hello Mary Lou', 'Waitin' in school' y 'Just a little too much', su calmado tono de voz con las baladas le reportaron mayores éxitos como 'Travelin' man', su segundo nº1 en 1961, 'Young world', 'Sweeter than you', 'It's up to you' y 'Teenage idol'. Entre 1957 y 1962 Ricky tuvo 30 canciones en el top40 de Billboard, sólo superado por Elvis Presley.

Rick y Kris Nelson
El día que cumplió 21 años modificó su nombre artístico a Rick Nelson. El pequeño Ricky había crecido y Nelson reivindicaba su mayoría de edad. En 1963 firmó un contrato de 20 años con Decca Records. Ese mismo año, Rick se casó con Sharon Kris Hermon, hija de una estrella del fútbol americano, que estaba embarazada. La revista Life la llamó la 'boda del año'. Kris, así como la esposa en la vida real del hermano de Rick, David, fueron incorporados como nuevos personajes a la serie de TV que seguía triunfando en los hogares estadounidenses. En cambio, no se hacía mención en ella a la carrera triunfal de Rick, cuyo personaje en la sitcom tenía fama de moverse poco. Tras unos pocos hits con Decca, como 'Fools rush in' y 'For you', su carrera cayó en picado debido a la llegada de los grupos británicos.

Fuera del Top40 y de la televisión (la popular serie familiar dejó de emitirse en 1966), Nelson lo intentó en el mercado country con el tema 'You just can't quit'. Cuando escuchó 'Nashville Skyline' de Bob Dylan, decidió formar un grupo de country-rock llamado Stone Canyon Band. Con ellos grabó el álbum 'Rudy the Fifth' en 1969 y obtuvo otro hit moderado con una versión del tema de Dylan 'She belongs to me'. Estos trabajos no tuvieron el más mínimo impacto en la época, pero serían una influencia directa en posteriores trabajos de los Eagles y Fleetwood Mac.

En 1971 fue invitado a un concierto de oldies en el Madison Square Garden. En este periodo de su vida, Nelson evitaba los conciertos nostálgicos en los que estaba obligado a cantar sus hits de adolescente. Sin embargo el marco que le brindaba el Madison Square Garden le hizo olvidar sus reticencias y aceptó. Cantó algunos de sus antiguos éxitos, pero cuando intercalaba temas nuevos entre ellos, una parte del público le abucheó. Dolido, expresó su queja en su single de 1972, 'Garden party' (que sería su último Top10) en el que cantaba: "If you gotta play at garden parties/ I wish you a lotta luck/ But if memories were all I sang/ I'd rather drive a truck." (Si has de cantar en garden-parties, te deseo toda la suerte del mundo. Pero si todo lo que puedes cantar son viejos recuerdos, yo prefiero conducir un camión).

A finales de los setenta ya no grababa más canciones y el controvertido y publicitado divorcio en 1977 de su esposa Sharon que se llevó consigo a sus cuatro hijos, lo terminó de hundir. En 1980 conoció a la modelo y domadora de animales exóticos Helen Blair, quien se convirtió en su acompañante habitual en los viajes y en su secretaria. Parecía que entonces se había reconciliado con su pasado y empezó a participar en shows nostálgicos de oldies. Cuando estaba preparando una gira por el sur de Estados Unidos, en diciembre de 1985, se estrelló con su novia y su grupo en su avión privado. Volaban hacia Dallas para actuar en una fiesta de Nochevieja. Ricky tenía 45 años.

Robert Johnson


El 8 de mayo de 1911 nació cerca de la ciudad de Hazlehurst (Mississippi) Robert Johnson, el 'rey del Delta blues', para muchos 'el abuelo del rock' y el más influyente músico de blues de todos los tiempos. Aunque su carrera discográfica duró únicamente un año y su catálogo entero de canciones cabe en dos CDs, la revista Rolling Stone le considera el 5º mejor guitarrista de todos los tiempos y grandes músicos como Muddy Waters, Eric Clapton, Jimi Hendrix o Keith Richards han confesado su admiración por él.

Cuando se publicó en 1961 el primer álbum con sus grabaciones, poco o nada se sabía del legendario cantante y guitarrista del Delta que supo unir la tradición rural de Mississippi con el blues moderno de Chicago. Casi treinta años después, cuando Columbia publicó 'Robert Johnson: The Complete Recordings' (1990), se sabía algo más, pero el misterio y las leyendas acerca de su vida y obra permanecen aún hoy.
Como otros bluesmen del Delta, Robert Johnson fue parte de una tradición oral que comenzó con una mezcla de cantos de trabajo, melodías de violín y cantos religiosos que generaron el blues. El Delta del río Mississippi -300 km de terreno llano y fértil desde Memphis (Tennessee) hasta Vicksburg (Mississippi)- fue una de las zonas principales en las que surgió y se desarrolló el blues.

Johnson está considerado como el músico que culminó la tradición del blues del Delta, que hasta entonces estaba representado por músicos como Charley Patton, Son House y Skip James, entre otros. La siguiente generación de bluesmen, aunque nacidos y criados en el Delta, viajaron en su gran mayoría al norte y se establecieron en Chicago. Muddy Waters y Howlin' Wolf, ambos originarios del Delta, llegaron a conocer la música de Johnson, cuyo estilo les influyó considerablemente.

Calle de Hazlehurst a principios de siglo
La madre de Robert Johnson, Julia Ann Majors, cuyos padres habían sido esclavos, se casó en 1889 con Charles Dodds, un carpintero y constructor de muebles, también hijo de ex-esclavos. Poseían su propio terreno y no les iba mal, hasta que Dodds se vio envuelto en una pelea en la que golpeó a una persona influyente del pueblo y tuvo que cambiar de nombre y emigrar a Memphis. Julia permaneció en Hazlehurst y fue enviando en los dos años siguientes a sus diez hijos con su padre a Memphis. Allí Charlie tuvo dos hijos con otra mujer. Julia, mientras tanto, tuvo una  relación con Noah Johnson, un aparcero itinerante con el que concibió a Robert.

Cuando Robert Johnson tenia 4 o 5 años, vivía con su madre y su segundo esposo, Willie 'Dusty' Willis, en Robinsonville (Mississippi). Robert no mostraba ningún interés en la granja, prefiriendo tocar música con la armónica e intercambiar canciones con sus amigos. Fue enviado al colegio pero no demostró demasiado interés por el estudio, abandonándolo bajo la excusa de un problema en la vista en 1927.

Son House
En la zona había dos guitarristas de blues experimentados, Son House y Willie Brown, a los que Robert intentaba ir a ver cada vez que tenía ocasión. Son House recuerda: "Entonces no era más que un chiquillo. Soplaba muy bien la armónica, pero quería ser guitarrista. Cuando salíamos de noche para ir a tocar a algún baile, él solía escabullirse de su casa y aparecía donde estábamos. Ni a su madre ni a su padrastro les gustaba que frecuentara aquellos bailes del sábado por la noche. Allí solía haber tipos realmente violentos". Robert se dedicaba a observar con toda atención a sus dos maestros, pero lo cierto es que, cuando intentaba imitarles, lo hacía francamente mal. De vez en cuando aprovechaba el descanso de los músicos para agarrar una guitarra y castigar a la audiencia con su inexperta forma de tocar. House le dijo en una ocasión: "No deberías hacer eso, Robert. Estás molestando a la gente. No sabes tocar y lo único que consigues es hacer mucho ruido"

En 1929, a la edad de 18 años, Robert Johnson se enamoró de Virginia Travis, de 16 años. Se casaron el 16 de febrero y se mudaron a la casa de la hermanastra de Robert, Carrie. La madre de Robert le había revelado poco antes la identidad de su verdadero padre y en el certificado de matrimonio ya firma como Robert Johnson. En agosto, Virginia quedó embarazada y el 10 de abril de 1930, Virginia y su bebé mueren durante el parto. Los familiares de Virginia culpan a Johnson y consideran la tragedia un castigo divino por su afición a tocar música 'secular' o del diablo, como muchos denominaban el blues, pero Robert lo toma como una señal del destino y se marcha en busca de su padre a Hazlehurst dando comienzo una de las misteriosas y oscuras etapas de su vida que dio lugar a la leyenda más famosa del blues.

Ike Zinneman
Cuando Robert Johnson llega a Martinsville, en las cercanías de Hazlehurst, conoce a Isaiah 'Ike' Zinnerman, un guitarrista de blues mayor que él con fama de poseer 'cualidades diabólicas', reputación que seguramente le venía por su afición a tocar de noche en los cementerios. Parece ser que le gustaba tocar allí por la acústica y por ser el único sitio tranquilo donde no iba a ser molestado. Fue allí donde el viejo Ike le enseñó todo lo que sabía. Las fuentes difieren en el tiempo que estuvo ausente; unas aseguran que fueron seis meses, otras, dos años. El caso es que, cuando Robert Johnson volvió a Robinsonville, sus habilidades con la guitarra habían mejorado tan drásticamente que la gente comenzó a especular con que se había encontrado con el mismísimo diablo y había intercambiado su alma por tal habilidad sobrehumana.

La leyenda que se acuñó fue la siguiente:
Alguien le sugirió a Robert ir con su guitarra a medianoche al cruce de carreteras de la autopista 61 con la 49 en Clarksdale. Una vez allí se encontró con un hombre negro y de gran altura (el diablo) que tomó su guitarra y la afinó. La siniestra figura tocó un par de canciones con ella y se la devolvió a Johnson traspasándole con ella su magia. Todo un pacto con el diablo que, como en el mito de Fausto, concedió a Johnson la habilidad y el talento para crear el blues que le hizo famoso a cambio de su alma. Aunque Johnson jamás confirmó la historia, otro músico del Delta, Tommy Johnson, le contó a su hermano una historia similar. Hay algunos historiadores que trazan un paralelismo del papel del diablo en la leyenda citada con la deidad africana de los Yoruba, Elegua el 'tramposo', que también usaba un cruce de caminos para atraer a sus víctimas.

Son House no lo podía creer: "vendió su alma al diablo para conseguir tocar de esa manera". Ciertamente no necesitó mas clases. El torpe muchacho, que apenas tocaba la armónica y aún menos la guitarra, se había transformado en un magnífico músico que se hacía respetar. En una sociedad tan supersticiosa como la del Delta del Mississippi en los treinta, algunos de los rasgos mas peculiares de Robert Johnson pueden haber sido vistos como ligeramente demoníacos, como la catarata en su ojo, y su manera de tocar dándole la espalda a los otros músicos, normalmente contra un rincón de la habitación. Esta costumbre reafirmó la leyenda de que tenía algo que ocultar, aunque lo más probable es que buscara una mejor acústica tocando 'contra el rincón', como señalaron otros guitarristas que compartían esa práctica.

Robert Johnson y Johnny Shines
Se decía que Robert Johnson tenía uno de los oidos mas rápidos del Delta del Mississippi. Johnny Shines -que viajó frecuentemente con Johnson- contaba que podia tener una conversación mientras escuchaba una canción en la radio y luego tocarla nota por nota, horas o incluso dias después. Shines tambien decía que, cuando tocaba por dinero en las esquinas, Robert Johnson tocaba tanto una canción de Bing Crosby o una melodia de jazz de moda, asi como una canción propia. Johnson tomó algunos de sus blues de otros cantantes (a los que había escuchado, bien en directo, bien en disco). Estuvo directamente influido por Son House y por los discos de Lonnie Johnson, Leroy Carr e, incluso Kokomo Arnold. No obstante, dotado de una excepcional originalidad, transformaba cualquier composición en un producto verdaderamente propio.

Robert Johnson tenia una reputación de mujeriego, para él las mujeres "eran como moteles o habitaciones de hotel" en las palabras de Johnny Shines. Sin embargo, en mayo de 1931, durante su estancia en Hazelhurst, se casó con Calleta 'Callie' Craft, una mujer afectuosa, casada dos veces, con tres hijos. Con Callie, Johnson estableció un patrón que iba a seguir durante los años siguientes en sus viajes. Buscaba mujeres maduras, frecuentemente poco atractivas, o una jovencita local, por las que no hubiera mucha competencia, e intercambiaba sus atenciones por un lugar en el que quedarse. Un investigador encontró por lo menos media docena de mujeres que habían tenido esta clase de relación con Robert Johnson, la mayoría durando dos o tres semanas. Mientras muchos artistas de blues solamente conseguían una comida o unas copas por su trabajo, Robert usualmente lograba algo de dinero también, lo que atraía a muchas mujeres locales.

Según Shines: "su hogar estaba donde descansaba su sombrero, y la mayoría de la veces ni él mismo sabía donde estaba. No parábamos de movernos, viajando en trenes de mercancías y tocando en bailes, tabernas y avenidas". Así como sus viajes y experiencias refinaron y enriquecieron las letras de sus canciones, fue la disciplina de los estudios de grabación la que le hizo construir canciones con un formato más comercial. Entonces la duración de las canciones estaban limitadas a tres minutos por tema (lo que cabía en un disco de 78rpm).

Hotel Gunter en San Antonio
Durante el período en el que vagaba como cantante itinerante de blues, Robert Johnson fue escuchado por H.C. Speir, un ojeador de talentos y vendedor de discos local de la Corporación Americana de Discos (ARC), quien le ofreció grabar. Lo recomendó a su colega Ernoe Oertle, quien a su vez se lo presentó a Don Law, quien llevó a Johnson a Texas en dos ocasiones. Más tarde le recordaría como "un joven tímido y desconsolado", siempre en busca de medio dólar para pagar a la mujer con la que estaba en ese momento. Robert Johnson grabó 29 canciones para Vocalion en cinco sesiones, 16 de ellas en un estudio en una habitación del hotel Gunter en San Antonio (Texas), en noviembre de 1936, y las otras 13 en Dallas (Texas), en el mes de junio siguiente. Solo doce de estas canciones fueron editadas durante su vida.
Muchas de las letras de Robert estan llenas de imaginería oscura y demoníaca. Diablos y demonios aparecen en sus visiones, como en 'Me and the devil blues' y en 'Hellhound on my trail'.

Early this morning you knocked upon my door (2)
And I said: "Hello Satan, I believe it's time to go"

Me and the Devil was walking side by side (2)
I'm goin' to beat my woman until I get satisfied

You may bury my body down by the highway side (2)
So my old evil spirit can catch a Greyhound bus and ride


Esta mañana temprano llamaste a mi puerta (2)
Y contesté: "Hola Satanás, creo que es tiempo de irse"

Yo y el demonio andábamos uno junto al otro (2)
Voy a pegar a mi mujer hasta quedarme satisfecho.

Puedes enterrar mi cuerpo al borde de la carretera (2)
para que mi malvado espíritu pueda subirse a un autobús (Greyhound) y alejarse.

Johnson conocía la obra de Skip James y de Hambone Willie Newburn, cuyos temas adaptó en '32-20 blues' y en 'If I had posession over judgement day'. La voz de Johnson era tensa y, a veces forzada, pero también usaba el falsete con buenos resultados como en 'Kind hearted woman'. El persistente ritmo de walking bass de 'I believe I'll dust my broom' o 'Ramblin' on my mind', una de las grandes contribuciones de Johnson al género, tuvo una gran influencia en la generación de cantantes de blues de posguerra, entre ellos Elmore James y Johnny Shines.

David 'Honeyboy' Edwards
Robert Johnson fue considerado un genio musical por casi todos los que lo conocieron y su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Se cuenta que un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba, le ofreció whisky envenenado, aunque existen diversas versiones. El viernes 12 de agosto de 1938, Robert Johnson y David 'Honeyboy' Edwards estaban listos para tocar en un baile en Three Forks, cerca de Greenwood. Robert aparentemente estaba mostrando demasiado interés en la esposa o novia de otro y alguien le ofreció una botella de whisky.

Honeyboy Edwards aseguró que alrededor de la 1:00 am, Robert se sintió enfermo mientras tocaba, aún así, la audiencia le pedía que continuara. A las 2:00 am, estaba tan enfermo que lo tuvieron que llevar a Greenwood, pero no habia dinero para un médico. Robert Johnson sobrevivió varios dias, pero finalmente murió el martes 16 de agosto de 1938. Otros afirman que murió de neumonía, otros, de sífilis. Investigadores e historiadores tampoco se han puesto de acuerdo en el lugar donde reposan sus restos. En 1990 Columbia Records instaló un monolito en su memoria en el cementerio de la iglesia baptista del Monte Zion cerca de Morgan City.

Ese mismo año colocaron una lápida en el cementerio de la capilla de Payne, cerca de Quito y recientes investigaciones aseguran que Robert está enterrado bajo un gran árbol en el cementerio de la iglesia Little Zion, al norte de Greenwood.

A pesar de todo, la influencia de la música de Johnson en su época fue mínima. Esto fue debido a que en su corta e itinerante vida, grabó sólo un puñado de canciones y, aunque admirado y aclamado en sus actuaciones, en su propio tiempo y lugar no fue un personaje muy conocido y, menos aún, sus discos. 'Terraplane blues', que pasa por ser su mayor hit en la época, tuvo un éxito que podría calificarse en el mejor de los casos de moderado. Los veinte años siguientes a su muerte siguió siendo un perfecto desconocido entre los aficionados al blues, incluso de la población negra. Fue con la publicación en 1961 del primer volumen de 'King of the Delta blues singers', cuando llamó la atención de una nueva generación de músicos. Asimismo, gracias al blues-folk revival de los años sesenta, viejos bluesmen que habían hecho carrera en los años treinta, desempolvaban sus guitarras y disfrutaban de una segunda juventud.

El álbum de Johnson contenía una selección de sus sesiones de 1936 y 1937 y algunos de los temas no habían sido publicados hasta entonces. Revelaba a un artista con un extraordinario talento con la guitarra y cantando, así como demostraba la calidad de las letras de sus propias composiciones. Fue un desafío para los jóvenes músicos de la época, que descubrieron el verdadero blues a través de Johnson. Bob Dylan aseguró que Johnson fue uno de los dos músicos (el otro fue Woody Guthrie) que más le han influenciado. Numerosos grupos de rock versionaron sus canciones, como 'Love in vain' y 'Stop breakin' down' por los Rolling Stones o 'Crossroad blues', por Eric Clapton en su etapa con Cream.

En 1969 se reeditó 'King of the Delta blues' y al año siguiente apareció el segundo volumen con más temas como 'Sweet home Chicago', 'They're red hot' y 'Malted milk' que recibirían, entre otras, versiones de Blues Brothers, Red Hot Chili Peppers y Eric Clapton, respectivamente. Numerosos músicos grabaron álbumes con sus canciones como tributo a Johnson. El mismo Clapton publicó 'Me and Mr Johnson'  en 2004.
Para celebrar el centenario de su aniversario, el 8 de mayo de 2011, Sony Legacy publicó un doble CD con las sesiones completas (29 temas y 12 tomas alternativas), titulado 'Robert Johnson. The Centennial Collection'.

John Fred


El 8 de mayo de 1941 nació en Baton Rouge (Louisiana) el músico y cantante pop norteamericano John Fred, conocido por 'Judy in disguise (With glasses)', el hit compuesto por él que obtuvo con su grupo Playboy Band en 1968. Vendió más de un millón de copias y fue disco de oro. Aunque el grupo no era novato -se había formado doce años antes- no consiguió repetir el éxito.

Tras años de litigios con la discográfica, John Fred consiguió recuperar los derechos y los royalties de la canción, que se compuso inspirada en el título 'Lucy in the sky with diamonds' de los Beatles. Fred recuerda como fue: "Traje el LP 'Seargent Pepper' a casa y lo puse en el tocadiscos. Mientras me afeitaba oí por primera vez 'Lucy in the sky with diamonds' y yo entendí 'Lucy in disguise with diamonds' (Lucy disfrazada con diamantes). Así es cómo se almacenó en mi cabeza y pensé: Estos Beatles si que saben... qué gran título. Cuando me fijé en la cubierta y leí 'Lucy in the sky...' estaba realmente cabreado".

Unos meses después transformó el enfado en un hit que -ironías del destino- desbancó del nº1 a 'Hello goodbye' de los Beatles. John Fred siguió tocando en grupos alternando con su otro hobby: entrenar equipos de baloncesto. Murió a los 63 años en abril de 2005.

Red Nichols


El 8 de mayo de 1905 nació en Ogden (Utah) el cornetista y trompetista de jazz Red Nichols, uno de los más importantes representantes del jazz de Chicago de los años 20. Muy influenciado por Bix Beiderbecke, con el que se le confundía a menudo, era de hecho, el único cornetista a su altura. Grabó con varias formaciones bajo distintos nombres, el más habitual, Red Nichols & his Five Pennies.

Con ellos consiguió su primer éxito en 1927: 'Washboard blues', seguido de 'Ida, sweet as apple cider'. En sus bandas militaron entre otros Benny Goodman, Jimmy Dorsey, Jack Teagarden, Glenn Miller, Pee Wee Russell y Gene Krupa. En 1929 grabó '(Back home in) Indiana', un standard del jazz. Era conocido en el gremio como un adicto al trabajo y se dice que apareció -sólo en la década de los veinte- en más de 4000 grabaciones. En las décadas siguientes trabajó fundamentalmente dirigiendo orquestas de Broadway y en TV. En 1959 se estrenó una película basada en su vida (muy idealizada), 'The Five Pennies' protagonizada por Danny Kaye en el papel de Nichols y con la participación de Louis Armstrong.

Esto reavivó su carrera y Red, que había vuelto a formar sus Five Pennies reapareció en los escenarios con su corneta. En 1965 fueron contratados para tocar en la inauguración del hotel Mint en Las Vegas. Pocos días antes del show, un 28 de junio de 1965, Red se despertó en su suite con fuertes dolores en el pecho. Se llamó a una ambulancia pero llegó tarde. El concierto se celebró como estaba previsto, pero en el centro del escenario había una silla vacía iluminada por un foco en el sitio que ocupaba habitualmente Red. Sobre ella brillaba solitaria su corneta. A su alrededor sonaba el alegre sonido 'dixie' que Nichols adoró durante toda su vida.

Danny Whitten


El 8 de mayo de 1943 nació en Columbus (Georgia) Danny Whitten, músico y compositor norteamericano que formó parte del grupo Crazy Horse que acompañó a Neil Young en sus primeros álbumes. En 'Everybody knows this is nowhere' Danny comparte con Neil las guitarras solistas y le dobla la voz en algunos temas pero Danny comienza a abusar de la heroína y eso empieza a perjudicar al grupo. En ésta época Neil Young escribe 'The needle and the damage done' con referencias directas a Danny.

Neil Young y Dany Whitten en escena
En 1971 Crazy Horse consigue un contrato para grabar un álbum y en él se incluyen cinco composiciones de Whitten. Una de ellas es 'I don't want to talk about it', una joya que demuestra el talento que tenía y que recibió magníficas versiones de Rod Stewart y Everything But The Girl. Whitten murió de sobredosis de alcohol y tranquilizantes en noviembre de 1972 con 29 años.

LP 'Let It Be'


El 8 de mayo de 1970 se publicó en el Reino Unido bajo el sello Apple Records, 'Let it Be', el último álbum de The Beatles. Fue, efectivamente el último disco con material nuevo de la banda, pero no fue lo último que grabaron. Aunque el grueso de 'Let it Be' se grabó durante los primeros cuatro meses de 1969 con la idea de grabar un álbum (cuyo nombre iba a ser 'Get Back'), el proyecto fue aparcado para acometer la grabación de 'Abbey Road'.

Los Beatles y Yoko Ono
El concepto original de 'Get Back' fue capturar a los Beatles tocando en directo, sin recordings o remezclas para un especial de TV. El grupo comenzó los ensayos el 2 de enero de 1969, pero ocho días después, tras una discusión con Paul, George se fue, dejando el grupo temporalmente. Esa misma tarde, en su casa, compuso 'Wah Wah', que publicaría en su primer trabajo en solitario 'All Things Must Pass'. El proyecto para el programa de TV dio lugar al proyecto para el LP, cuya preparación y ensayos iban a ser filmados. "No era exactamente como estar en un estudio de grabación con un grupo  intentando grabar un álbum", recuerda Glyn Johns, uno de los ingenieros de las sesiones, "Había tantos otros aspectos de lo que querían conseguir además del álbum, y hubo todo tipo de circunstancias y cambios personales que influyeron en aquello".

Billy Preston
Harrison añade: "No era nada divertido. Todos estabamos hartos y todos queríamos dejar el grupo. Aunque salvamos el tipo y logramos grabar algunos temas interesantes, todo el disco está producido bajo una gran depresión". Para ayudar a la distensión de la cargada atmósfera de trabajo, George llamó a su viejo amigo de la etapa de Hamburgo, Billy Preston, para que colaborara con ellos. Llegó a ser tan intensa su colaboración, que en el tema 'Get Back' recibió derechos de coautoría. "Traje a Billy, y eso ayudó a que los otros se controlaran un poco más. Sobre todo John y Paul, que tuvieron que comportarse con más generosidad."
Publicado el 11 de abril de 1969, 'Get Back' se convirtió en el decimoséptimo nº1 en EEUU. Tuvo que pasar un año para que el álbum que lo contenía viera la luz.


'Get Back' no tenía créditos de producción. Fueron Glyn Johns y George Martin los que supervisaron las sesiones, pero su trabajo sería ensombrecido durante años por otro gran productor proveniente de EEUU: Phil Spector, conocido por su labor con Ike & Tina Turner, Crystals y Ronettes, además de su legendario 'muro de sonido'. Aunque se editaron algunas impresiones promocionales del álbum 'Get Back', los Beatles no estaban muy satisfechos con su trabajo y las cintas fueron aparcadas, mientras la banda se concentraba en la grabacion de 'Abbey Road'.

Phil Spector y John Lennon
"16 meses después, tras la ruptura del grupo, John decidió entregar las cintas a Phil Spector para que produjera un álbum con ellas, que básicamente eran grabaciones de ensayos," rememora Glyn Johns, "y Spector convirtió aquello en un pedazo de mierda edulcorada con violines y coros."
Mientras los historiadores del rock siguen discutiendo hoy aún acerca de la 'spectorización' del disco 'en directo desde el estudio' de los Fab Four, el público lo compró encantado y no les importó que una semana antes Paul McCartney anunciara que los Beatles se habían acabado para siempre.
Se dio la circunstancia de que mientras Spector estaba remezclando partes de 'Let it Be' en los estudios de Abbey Road, McCartney estaba masterizando su primer álbum en solitario 'McCartney' en una sala contigua. Precisamente fue 'Let it Be' el álbum que desplazó el trabajo debut de Paul del primer puesto de las listas.

McCartney, que siempre repudió las mezclas de Spector, se tomó su pequeña venganza logrando publicar una edición 'desnuda' del álbum en 2003, 'Let it Be...Naked', sin los arreglos orquestales añadidos por el productor americano: "La mejor versión fue la primera, antes de que nadie la manipulara; las primeras mezclas de Glyn John eran fantásticas, aunque muy espartanas; hubiera sido un disco muy avanzado si hubiera salido tal cual entonces. Antes de que lo pulieran, era de los mejores álbumes de los Beatles porque era vanguardista. Me encantaba."

La última actuación de los Beatles en la azotea del edificio Apple en Savile Row

Tres de los temas del álbum proceden de la grabación efectuada el 30 de enero de 1969 en la última actuación en directo de los Beatles en la azotea de los estudios Apple. El primero, 'Dig a pony', composición de Lennon que al principio eran dos temas diferentes, 'All I want is You' y 'Dig a pony'.

Paul McCartney
'Ive got a feeling' y 'One after 909' son dos de las pocas canciones de Lennon/McCartney en las que realmente colaboraron Paul y John. (La mayoría son de uno o de otro, aunque las firmen los dos). En el caso de la primera, McCartney compuso la primera parte: "I've got a feeling..." y Lennon la segunda: "Everybody had a..." y la otra, 'One after 909', fue compuesta en 1959 una de las tardes en las que John y Paul se reunían a ensayar en casa de Julia, la madre de John.

George Harrison
Harrison aportó dos temas. El primero 'I me mine', se grabó a toda prisa en enero de 1970, cuando vieron en las primeras pruebas de la película que se mostraban escenas del ensayo de la canción, por lo que fue la última sesión de grabación de los Beatles, aunque John no participó esta vez. George se refería al tema como un 'vals pesado' y según él trataba sobre el ego: "Tras mis primeras experiencias con el ácido, miré a mi alrededor y todo lo que veía tenía que ver con mi ego, ya sabes 'mi hoja de papel', 'mi ropa', 'dámelo a mí', 'yo soy'. Me volvió loco; odiaba todo lo que tenía que ver con mi ego; fue un flash sobre todo lo falso y precario que tanto me desagradaba."
El segundo tema de George, 'For you blue', otra de las canciones inspiradas por Patti Boyd, se grabó en enero de 1969 en los estudios Apple con John a la slide steel guitar y Paul al piano.

John Lennon
Otro tema de Lennon, uno de sus favoritos, 'Across the universe', había sido grabado en febrero de 1968, antes de las sesiones del álbum 'Blanco'. No se usó durante meses hasta que se incluyó en un álbum benéfico de la World Wildlife Fund (a esta edición le añadieron sonidos de animales salvajes en la mezcla) y en 'Let it Be'. Lennon recuerda: "Estaba acostado al lado de mi primera mujer y estaba bastante irritado. Supongo que ella me había dado la lata con algo, luego se había dormido y yo seguía oyendo sus palabras una y otra vez, como si fuera un río sin fin. Bajé las escaleras y aquello se convirtió en una especia de melodía cósmica más que en una canción de cabreo... Me sacó de la cama. Yo no quería escribirla, sólo estaba algo irritado y fui abajo, pero no pude volver a la cama hasta que la acabé. No es mía. Llegó a mí."

Ringo Starr
'Two of us' es uno de los temas que aportó McCartney. La compuso pensando en él mismo y en su mujer, Linda. "Two of us riding nowhere..." Se grabó el 31 de enero de 1969 y George sustituye el bajo tocando notas graves con la guitarra.
Para 'Let it be' se grabaron dos versiones, una para el single y otra para el LP. En la versión single se incluye a Billy Preston al órgano y en la del álbum Harrison cambia de guitarra y el solo es diferente al de la versión en sencillo.



John se limita a tocar el bajo, así como en 'The long and winding road', que se grabó el 31 de enero. Fue una de las más afectadas por la edulcoración de Phil Spector. La grabación original se grabó 'en directo' en una sola toma. Tres meses después, el productor americano añadió cuerdas, arpa y batería además de un grupo coral.


Completan el álbum dos bromas musicales, 'Dig it', una letanía de nombres de personalidades e instituciones improvisada por Lennon en el estudio sobre un acompañamiento musical igualmente improvisado y acreditado a los cuatro músicos. La interpretación inicial duraba cinco minutos y debía aparecer íntegramente en el álbum. El montaje final fue de 51 segundos. La otra pieza es una versión de una canción tradicional, 'Maggie May', que se grabó espontáneamente entre toma y toma de 'Two of us'. Era una de las canciones que los Beatles usaban en sus primeros tiempos para calentar las voces antes de grabar.