10 mayo 2012

Sid Vicious


El 10 de mayo de 1957 nació en Londres el músico e icono del punk Simon John Ritchie, más conocido por Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols tras la marcha de Glen Matlock en 1977. Aunque escaso en habilidades musicales (las partes de bajo en las grabaciones las realizó el guitarrista Steve Jones, y en las actuaciones, el volumen de su amplificador estaba al mínimo) capitalizó la imagen del arquetipo punk. "Si Rotten es la voz del punk, Vicious es la actitud" (Malcolm McLaren)

Su relación con la groupie Nancy Spungen y su consiguiente enganche a la heroína tuvo un efecto desastroso en la banda y en 1978 los Sex Pistols se separaron. Unos meses después, Sid, tras una larga noche abusando de las drogas, se despertó encontrándose a Nancy muerta de un navajazo en el baño de la habitación que compartían ambos en el hotel Chelsea de Nueva York. Aunque hay indicios de que los autores fueron unos traficantes de droga lo acusaron a él -que no recordaba nada de lo sucedido- e ingresó en prisión.

En Virgin Records, presionados por el mánager del grupo Malcolm McLaren, pagaron la fianza de 50.000$. El plan era que Vicious grabara un álbum con sus compañeros de los Pistols, Steve Jones y Paul Cook, con el fin de recaudar fondos para su defensa. En febrero de 1979, al día siguiente de celebrarse una fiesta festejando su liberación, fue encontrado muerto a los 21 años de una sobredosis de heroína, que irónicamente había llevado su madre -heroinómana como él- a la fiesta. 
Días después su madre encontró una nota de suicidio que decía: "Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte del trato. Por favor, enterradme al lado de mi chica con mi chaqueta de piel, vaqueros y las botas de motociclista. Adiós. Con amor, Sid". Como su chica había sido enterrada en un cementerio judío, los restos de Sid no pudieron reposar junto a ella, por lo que fue incinerado y sus cenizas esparcidas sobre la tumba de Nancy.

Arthur Alexander


El 10 de mayo de 1940 nació en Florence (Alabama) Arthur Alexander, cantante y compositor estadounidense de country-soul. Aunque sus canciones recibieron versiones de Beatles (Anna), Rolling Stones (You better move on), Dylan (Sally Sue Brown), Elvis y Bee Gees, entre muchos otros, y su influencia en el estilo vocal de John Lennon fue más que evidente, permaneció infravalorado y se vio obligado a dejar la industria musical durante muchos años. Cuando en 1993 volvió con éxito a los estudios de grabación, murió de un repentino infarto, tres días después de estrenarse en directo con su nueva banda.

Arthur Alexander se crió en Sheffield (Alabama) con un padre que fue guitarrista profesional y tocaba en los juke joints de la zona. En un Sur segregado, Arthur estuvo expuesto a sonidos que provenían tanto de negros como de blancos. El padre de Alexander abandonó su actividad musical cuando descubrió el interés de Arthur por la música "Renunció a algo que amaba para guiarme por el buen camino, pero yo no me despegaba de la radio, aunque sólo emitían música blanca: Red Foley, Patti Page y cosas de esas. A los cantantes negros los oía en la iglesia o por la calle. Hasta que cumplí los diez años, no escuché a cantantes negros profesionales"

En sus canciones, Alexander combinaba sus influencias country y soul. Robert Gordon escribía en Pulse!: "Hay un evidente sentimiento de blues y tristeza en su música, pero la steel guitar y el 'twang' les proporcionan un inequívoco matiz country". Durante los años sesenta, Arthur fue una de las figuras principales para el desarrollo del country-soul y R&B sureño. Antes de cumplir los veinte, ya lideraba un grupo de gospel llamado los Heartstrings y apareció cantando rock'n'roll en programas regionales de TV. Ya entonces comenzó a componer sus propias canciones. En 1962 publicó 'Sally Sue Brown' en el sello Judd de Memphis, acreditado como June (de Junior) Alexander, sin apenas repercusión.

Sin embargo, con 'You better move on', publicado en Dot Records el mismo año, alcanzó el Top40 de Billboard. El tema fue grabado en Muscle Shoals (Alabama) en un antiguo almacén de tabaco reconvertido en estudio de grabación, siendo Arthur uno delos pioneros de los famosos estudios FAME. "Cuando Dick Clark (presentador del popular show de TV American Bandstand) me dijo que estaba interesado en la canción, supe que era un éxito. El primer cheque que recibí por ella era de 1.700 dólares, más dinero del que había visto en toda mi vida. Pero, no sé como, mis derechos desaparecieron. Fui a ver a aquel tipo de Nashville, y desde entonces no he vuelto a ver un céntimo".

Mientras, su influencia se había extendido al otro lado del océano y grupos como Beatles y Rolling Stones versionaron en sus primeros trabajos las canciones de Alexander. McCartney, en una entrevista comentó: "Si los Beatles buscamos alguna vez un sonido concreto, ese fue el R&B. Queríamos sonar como Arthur Alexander" y Keith Richards afirmó en otro momento: "Cuando los Beatles y los Stones tuvimos ocasión de grabar profesionalmente, ellos eligieron 'Anna' y nosotros 'You better move on'. Con eso está dicho todo."

Más tarde, los Who versionaron 'Soldier of love', Dylan rehizo 'Sally Sue Brown' y Ry Cooder, 'Go home, girl'. Alexander continuó grabando, componiendo y trabajando con una serie de músicos que darían esplendor a Dot Records con sus discos y con los cuales Arthur mantendría los lazos durante el resto de su vida. En 1966 se pasó a un sello subsidiario de Monument Records, Sound Stage Seven, donde publicó temas como 'Baby for you', 'Show me the road', 'Cry like a baby' y 'Glory road'.
 En 1972 lo intentó en Warner Records y publicó temas como 'I'm coming home', 'It hurts to want it so bad', 'Burning love' y 'Lover please'.

En 1975, sus problemas económicos eran cada vez más graves. "Me llevé muchos disgustos por no cobrar mi trabajo. Nunca había dinero, y menos, si no tenías un hit. Pero yo tuve más de uno y jamás cobré por ellos. En 1976 estaba harto, y lo dejé. Después de regrabar 'Everyday I have to cry'  para Buddah Records en 1975 -otro Top50 por el que no cobré un céntimo- volví a Alabama, me uní a la Iglesia y comenzé a trabajar con los jóvenes de la parroquia en las escuelas dominicales." Dos años más tarde, se mudó a Cleveland donde conocería a su futura segunda mujer y a su hija. Nada más llegar a la ciudad, dejó de tocar y comenzó a trabajar como conductor de autobús para el centro de Servicios Sociales de Cleveland.

Quince años después, en 1991, recibió una llamada de Rick Hall, propietario de los FAME Studios que logró convencerle para que cantara en el Salón de la Fama de la Música de Alabama, donde eventualmente iba a ser admitido Alexander. Más tarde conoció a Danny Kahn, uno de los directores de Elektra Records que le ofreció grabar bajo la serie Elektra's American Explorer, pensada para presentar clásicos de la música Americana. Alexander grabó el álbum 'Lonely just like me' con 12 temas que incluían remakes de hits antiguos y algunas canciones originales inéditas.

En ellas Arthur mantenía la misma línea de historias de vidas problemáticas y relaciones rotas. "Me gustan las letras con historia. Roy Rogers, Rex Allen, Louis Jordan, todos ellos contaban historias. Las mías tienen lugar en una época en la que me encontraba solo, pero ahora no lo estoy. Tengo cuatro nietos, un puñado de hijos y estoy rodeado de críos todo el día". A pesar del entusiasmo con el que acometió la grabación, lo hizo con precaución y tras publicarse el disco, en abril de 1993 seguía asistiendo a su trabajo habitual.

Ya tenía apalabradas varias fechas de conciertos para ese verano de 1993. Tres días despúes de debutar en Austin (Texas) presentado por Jimmie Dale Gilmore, Arthur murió en 9 de junio de 1993 de un ataque al corazón a los 53 años. Tras su muerte se publicó 'The Ultimate Arthur Alexander', una colección de sus hits clásicos de los sesenta que en la revista de Billboard fue descrita como un "Monumento a un talento singular".

Dimitri Tiomkin


El 10 de mayo de 1894 nació en Poltava (actualmente en Ucrania) el compositor de bandas sonoras ruso Dimitri Tiomkin, que emigrado a América, en 1937 se convirtió en ciudadano de EEUU. Comenzó trabajando para Frank Capra y fue autor de la música de varios de sus films como ‘Vive como quieras’ (1938), ‘Caballero sin espada’ (1939), ‘Juan Nadie’ (1941) y ‘¡Qué bello es vivir!’ (1946).

Compuso la música de innumerables westerns de Hollywood como 'Duelo al sol' (1946), 'Solo ante el peligro' (1952), 'OK Corral' (1957) 'Rio Bravo' (1959) y 'El Alamo' (1960). Fue nominado al Oscar en 22 ocasiones y recibió cuatro estatuillas, tres por mejor banda sonora original, (’Solo ante el peligro’, ‘The high and the mighty’ en 1954 y ‘El viejo y el mar’ en 1958) y otro por mejor canción original (’Do not forsake me, oh my darling’, contenida en la banda de ‘Solo ante el peligro’.

Fue autor de la música de cuatro films de Alfred Hitchcock:  'La sombra de una duda' (1943), 'Extraños en un tren' (1951), 'Confieso' (1953) y 'Crimen perfecto' (1954) y otras bandas sonoras conocidas de Tiomkin fueron las de ‘Gigante’ (1956), 'Los cañones de Navarone' (1961), '55 días en Pekin' (1963) y 'La caída del Imperio Romano' (1964) entre muchas otras.  Murió en 1979 a los 85 años.

Fred Astaire


El 10 de mayo de 1899 nació en Omaha (Nebraska) Fred Astaire, cantante, actor, bailarín y coreógrafo que en una carrera que abarcó 76 años protagonizó 31 películas musicales, diez de ellas con Ginger Rogers, que revolucionaron el género. Como dijo Gene Kelly: "La historia de la danza en el cine comienza por Fred Astaire"

Aunque no poseía una gran voz -frecuentemente, Fred afirmaba no saber cantar- la utilizó con elegancia y los mejores autores confiaron en él para que estrenara y presentara algunas de las canciones más célebres del cancionero popular norteamericano como 'Night and day' y 'All of you' de Cole Porter; 'Isn't this a lovely day?', 'Cheek to cheek', 'Top hat, white tie and tails', 'Let's face the music and dance' y 'Change partners' de Irving Berlin; 'The way you look tonight' de Jerome Kern; 'They can't take that away from me', 'A foggy day', 'Let's call the whole thing off' y 'Nice work if you can get it' de los hermanos Gershwin; 'One for my baby' y 'Something's gotta give' de Johnny Mercer y 'This heart of mine' de Harry Warren y Arthur Freed. Murió en junio de 1987 a los 88 años.

Jean-Marie Leclair


El 10 de mayo de 1697 nació en París el violinista y compositor francés del Barroco, Jean-Marie Leclair. Se le considera el fundador de la escuela francesa de violín. Su padre había sido trabajador del arte de la seda y músico en sus ratos libres, y le había inculcado, a él y a sus hermanos, junto con su oficio, la pasión por la música (uno de ellos llevaba su mismo nombre y era también violinista, Jean-Marie Leclair Le Cadet).

Giovanni Battista Somis
Leclair abandona su Lyon natal para estudiar danza y violín en Turín, donde se convierte en discípulo de Giovanni Battista Somis, el cual a su vez fue alumno de Arcangelo Corelli, por lo cual se le conoce como "El Corelli de Francia". En 1716 se casa con Marie-Rose Casthanie, una bailarina que falleció en 1728.  En 1723 realizó una visita a París, donde publicó su primer libro de Sonatas, Sonata No.3 En Do-Mayor Opus 2  (1730) (New Comma Baroque) dedicado a un alto oficial de la Hacienda Real en Languedoc, su protector. Pero aunque este libro de sonatas fue bien recibido, volvió pronto a Turín porque le habían contratado de nuevo como maestro de baile (se sabe, al menos, de dos coreografías suyas para óperas turinesas en 1727). Pero esta vez, Somis le hizo olvidar definitivamente la danza.

Y cuando en 1728 llegó por segunda y definitiva vez a París, ya sólo tocaba -¡y de qué forma!- el violín. Su éxito fue tal, que apareció doce veces en el “Concert Spirituel”. Pronto viajó a Londres, donde el impresor J. Walsh publicó uno de sus primeros libros de sonatas, y a Kassel (Prusia), donde intervino en un concierto con P.A. Locatelli. Fue entonces cuando J.W. Lustig dijo que Leclair había tocado “como un ángel” y Locatelli, “como un diablo”, enfrentando la libertad rítmica y limpieza de sonido del francés a la aspereza de sonido y las acrobacias virtuosísticas del italiano.

No sólo triunfó como intérprete, Leclair fue muy apreciado como profesor (hoy se le considera el gran fundador de la escuela francesa de violín) y dio a la imprenta nuevas obras, todas con un refrescante aire transalpino en sus notas. “Fue el primero que, sin imitar a nadie, creó algo nuevo y bello que puede reclamar como suyo”, escribió un contemporáneo. Y otro: “Es el primer buen sinfonista que hemos tenido y el primero cuyas obras hayan sido estimadas en Italia”. La persona que realizó la impresión de sus Opus 2 y 3: Sonata para dos violines Opus 3 nº 3 (Elizaveta Gilels & Leonid Kogan), fue Louise-Catherine Roussel (había heredado la imprenta de su padre). Leclair era ya viudo y pronto la relación laboral se amplió a ámbitos más personales. Se casaron en 1730. El contrato matrimonial refleja las buenas relaciones sociales del novio y la sólida posición económica de la novia, quien mantenía al matrimonio. El músico, desde este punto de vista, apenas llevaba consigo más que la opción de futuro representada por su violín y su talento como compositor. Tuvieron una sola hija, Louise, que ejerció también el oficio de la madre.


En 1734 entró junto con J.P. Guignon en la música del rey. Pero aunque compartía pupitre con los mejores instrumentistas de Francia y -honor infrecuente- pudo interpretar uno de sus conciertos ante la corte, no duró mucho allí. Abandonó en 1737 por la rivalidad con su colega Jean Pierre Guignon.

Jean Pierre Guignon
Mantenían ambos, el parecer, una agria disputa por actuar como primer violín, llegando finalmente a un acuerdo: lo harían por meses. Guignon, muy cortés, dejó a Leclair abrir el turno. Cuando acabó el primer mes, éste no soportó la idea de ser segundón e hizo mutis por el foro. Pero, de ser cierta, la anécdota no aclara qué ocurrió antes, durante los dos años en que estuvieron juntos. Además, la desaparición de Leclair del “Concert Spirituel”, donde hasta entonces había intervenido habitualmente -prácticamente simultánea a la salida de la música del rey- y su casi inmediata marcha de París hacen pensar en que aquella retirada formaba parte de todo un plan de huida motivado, quizás, por razones más personales, posiblemente, desavenencias conyugales.

Pietro Locatelli
Estuvo fuera seis o siete años, primero en Holanda donde se encontró con Locatelli -también alumno de Corelli- al que admiraba como violinista y de quien recibe lecciones. Pero documentalmente sólo se sabe que estuvo al servicio de la princesa Anne de Orange (la discípula preferida de Haendel en Londres cuando era jovencita), siendo condecorado por ella, y que firmó un sustancioso contrato por cinco años con el financiero François du Liz, un banquero judío. En 1743 se traslada a Madrid donde entra al servicio del Infante Don Felipe, gran apasionado de la música francesa, a quien dedica su 2º libro de conciertos.

Leclair fue muy apreciado como profesor (hoy se le considera el gran fundador de la escuela francesa de violín) pero con el tiempo dio un giro a su carrera y probó suerte con la ópera, estrenando “Scylla et Glaucus” (1746): Acto IV (Les Talens Lyriques & dir. Christophe Rousset) que no fue un fracaso, pero tampoco un éxito arrollador por lo que no volvió a tratar el género. Entró al servicio de uno de los personajes más alegremente vividores, derrochadores y escandalosos de la época: el duque de Gramont, que había sido alumno suyo en la niñez. Dirigió su orquesta y compuso para su teatro privado de Puteaux (a las afueras de París) un puñado de obras teatrales. Leclair apoyó a los franceses en la “Querelle des bouffons”. En 1758 se separó, sin formalismos jurídicos, de su mujer. Ella alquiló un apartamento amplio que amuebló confortablemente y él se trasladó una casita en un barrio inseguro. Se dice que sus allegados (sus pocos amigos más que sus familiares) estaban intranquilos y que el duque de Gramont le había convencido ya para abandonar el barrio e instalarse en su residencia. Demasiado tarde, sin duda.

Su muerte, ocurrida en octubre de 1764 (el mismo año que Rameau), por asesinato, está rodeada de misterio. La noche anterior había estado jugando una partida de billar con un amigo. Por la mañana, el jardinero acudió como era habitual y le resultó extraño ver el sombrero de Leclair tirado en el jardín. Al entrar en la vivienda lo encontraron muerto por heridas de arma blanca, sobre un charco de sangre. El caso causó gran conmoción, pues Leclair era un músico muy conocido. La policía encontró tres sospechosos: el jardinero, su segunda mujer de la que se había separado y un sobrino también violinista con el que mantenía serias desavenencias, pues lo acusaba de entorpecer su carrera por no recomendarlo. Nunca se averiguó la verdad y Leclair pasó a ser el segundo músico asesinado antes del siglo XX, después de Alessandro Stradella.


Obra
Sus composiciones se interpretan y graban con regularidad. Lo más destacado de su obra son sus 4 libros de 12 sonatas para violín, 6 sonatas a trío y 12 conciertos para violín.

• Opus 1: Primer Libro de sonatas (1723)
• Op. 1 No. 1 – Sonata para violín en la menor (Adrian Butterfield, violín Alison McGillivray, viola da gamba & Laurence Cummings, clavicémbalo)
• Op. 1 No. 2 – Sonata para violín en do mayor
• Op. 1 No. 3 – Sonata para violín en si bemol mayor (Andre Hadges, Violín)
• Op. 1 No. 4 – Sonata para violín en re mayor
• Op. 1 No. 5 – Sonata para violín en sol mayor
• Op. 1 No. 6 – Sonata para violín en mi menor
Op. 1 No. 7 – Sonata para violín en fa mayor (Vladimir Weisman & Andre Hadges, violines)

Op. 1 No. 8 – Sonata para violín en sol mayor I. Largo, II. Vivace, III. Musette, AffetuosoIV. Tempo Gavotta, Allegro (Biondi & Alessandrini)
• Op. 1 No. 9 – Sonata para violín en la mayor
• Op. 1 No. 10 – Sonata para violín en re mayor
• Op. 1 No. 11 – Sonata para violín en si bemol mayor
• Op. 1 No. 12 – Sonata para violín en si menor
• Opus 2: Segundo Libro de sonatas (1728)
Opus 3: Sonatas para dos violines sin bajo (1730) (Elizaveta Gilels & Leonid Kogan).
Opus 4: Seis sonatas a trío para dos violines y bajo continuo (1731-1732) Sonata en re menor (Música Alta Ripa)
• Opus 5: Tercer Libro de sonatas (1734)
• Opus 6: Música para dos flautas o dos violines (1736)

Opus 7: Seis conciertos para violín y otros instrumentos (1737) Concierto en do mayor para flauta y violín (Jean Pierre Rampal)
Opus 8: Música para dos flautas o dos violines (1737) "Première récréation de musique en sol mineur: Chaconne" (Les Nièces de Rameau)
Opus 9: Cuarto Libro de sonatas (1743) Nº 3 I. Un poco andante. II Allegro, III. Sarabanda: Largo IV. Tambourin: Presto (David Fiodorovich Oistrakh, Violín & Vladimir Yampolsky, Piano)
Opus 10: Seis conciertos para violín (1745) Concerto en sol menor (Jaap Schroeder, violín y dir. & Concerto Amsterdam)
• Opus 12: Segundo libro de sonatas para dos violines sin bajo (1747-1749)
• Opus 13: Tres oberturas y tres sonatas a trío para dos violines (1753)
• Opus 14: Trío para 2 violines y bajo continuo (1766)
• Opus 15: Sonata para violín y bajo continuo (1767)
La ópera "Scylla y Glaucus" (1746) Obertura ; Actos I, II y III, Acto IV  (Les Talens Lyriques & dir.Christophe Rousset)