28 mayo 2012

T-Bone Walker


El 28 de mayo de 1910 nació en Linden (Texas) T-Bone Walker, cantante, compositor, guitarrista y pianista de blues y uno de los más importantes pioneros de la guitarra eléctrica. De hecho, fue uno de los primeros músicos de blues en usarla y darle el mismo protagonismo que, hasta entonces, sólo habían tenido los pianos y los instrumentos de viento. Sus solos fueron el fundamento de lo que se dio en llamar blues urbano, un estilo sobre el que crecieron futuros discípulos como Chuck Berry, B.B. King, Jimi Hendrix o Stevie Ray Vaughan.

Blind Lemon Jefferson
Nacido Aaron Thibeaux Walker (el apodo T-Bone es una contracción slang de su segundo nombre), a los dos años, sus padres -ambos músicos profesionales- se trasladaron a Dallas. Con trece años aprendió a tocar la guitarra y otros instrumentos de cuerdas como el ukulele, el violín, el banjo y la mandolina. Tuvo entre sus primeras influencias la música de Lonnie Johnson, Scrapper Blackwell, Leroy Carr y Blind Lemon Jefferson, todos ellos grandes estilistas de su tiempo. En sus principios, Walker hizo de lazarillo para Blind Lemon Jefferson, ayudando al guitarrista invidente a tocar ante las multitudes y pasar el sombrero. Con 16 años, Walker ya ganaba suficiente dinero en Dallas como para convertirse en músico profesional, amenizando bailes y fiestas populares.

En 1929 grabó dos singles para Columbia Records, 'Trinity river blues' y 'Wichita Falls blues' acreditado como Oak Cliff T-Bone. (Walker residía en un suburbio de Dallas llamado Oak Cliff), pero la llegada de la Gran Depresión le cerraría las puertas de los estudios de grabación durante más de diez años. Poco después, el joven Walker descubrió el jazz y la guitarra eléctrica. A través de su amigo Charlie Christian tuvo acceso a los primeros prototipos y, fascinado por el estilo de Lonnie Johnson que tocaba nota a nota, decidió perfeccionar su técnica asistiendo a clases de guitarra con el profesor de Charlie, Chuck Richardson.

Siguió tocando con una orquesta de 16 músicos formada con Lawson Brooks y en 1934 la abandonó para trasladarse a Los Angeles. Dejó su puesto en la orquesta a Charlie Christian, que daría mucho que hablar en el futuro. Walker se casó en 1935 con ida Lee y la pareja tuvo tres hijos. Se ganaba la vida en la costa Oeste tocando en pequeños combos de Los Angeles y en 1939 se unió a la Les Hite's Coton Club Orchestra como compositor, guitarrista y cantante. En este punto, es difícl asegurar quién fue el primero en usar una guitarra eléctrica, pero tanto Walker, como Christian, Eddie Durham y Floyd Smith comenzaron a verle muchas ventajas al sonido eléctrico amplificado de las guitarras. "Antes de que todo el mundo usara la amplificación, yo ya llevada un tiempo con ella. Grabé mi 'T-Bone Bues' en 1939 con Les Hite, pero ya había estado tocando unos años con la eléctrica"

Independientemente de quien fue el primero, su estilo a la guitarra lo hizo grande. "Walker posee una asombrosa originalidad y un gran poder expresivo", escribía Pete Welding en Guitar World, "con un estilo veloz, lleno de recursos armónicos y habilidad rítmica y sobre todo, tremendamente apasionante." Por si fuera poco, Walker era un consumado showman. Tocaba una Gibson de caja ancha que sostenía frente a su pecho paralela al suelo (lo que contribuía en parte a su personal sonido) y de repente se giraba y la tocaba detrás de su cabeza entre las piernas, al estilo de Charlie Patton, con los dientes o como fuera para animar al público. "Tenía esa extraña habilidad de encender a la gente manteníéndose él mismo frío y calmado".

Para cuando llegaron los años cuarenta, Walker ya se había ganado una reputación como artista y emprendió carrera en solitario. Incorporó temas de blues y R&B a su repertorio y obtuvo un hit con 'Mean old world' (1942) en Capitol Records. La mayoría de su catálogo lo grabó entre 1945 y 1948 en Black & White Records, incluido su tema más conocido, 'Call It stormy monday (But tuesday is just as bad)', probablemente uno de los temas más universales y eternos del blues, favorito de numerosos músicos como B.B. King, Eric Clapton y los Allman Brothers.

"Es como un himno; dice la verdad" comentaba el cantante Jimmy Witherspoon en The Guitar Player, "Cuenta el tipo de vida que llevan los obreros que cobran los viernes y salen los sábados de fiesta". Walker tocó en el álbum 'Evenin' de Whiterspoon y, obviamente, causó una gran impresión en el cantante. "Es de lo pocos que le confieren dignidad al blues... nadie puede igualarle". Otros temas notables de la época fueron 'Bobby Sox blues' (1946) y 'West side baby' (1948)

Entre 1950 y 1954 grabó principalmente para Imperial Records (acompañado por Dave Bartolomew). Permaneció en California durante los años cincuenta y no paró de realizar giras y conciertos. Durante esos cuatro años Walker volvió a grabar una impresionante lista de obras maestras como 'You´re my best poker hand', 'Strollin´ with bone', 'West side baby', 'Life is too short', 'I get so weary' o 'Hard way'. Pese a la enorme calidad de la mayoría de sus obras para Imperial, ninguno de estos temas tuvo el éxito comercial que se merecían.

En 1959 Atlantic Records publica uno de sus discos referencia, el soberbio 'T-Bone Blues'. Grabado en tres sesiones diferentes entre 1955 y 1957, se nos presenta un álbum que recoge diferentes estilos: muy jazz con Barney Kessel, muy blues con Junior Wells y Jimmie Rogers o muy T-Bone con su guitarra concisa y elegante. En los años sesenta su música pasó de moda y Walker vivió su peor momento. Durante toda su vida T-Bone Walker había despilfarrado grandes cantidades de dinero en mujeres, coches y guitarras y llegó a pasar serios apuros económicos.

Decidió prescindir de una banda fija y contrataba a músicos locales dondequiera que iba. En 1962 apareció junto a Memphis Slim y Willie Dixon, entre otros, en una actuación memorable en el American Folk Blues Festival. Realizó una gira por Europa que le reportó un gran éxito y acabaría volviendo al Viejo Continente unas cuantas veces más, como en 1966, cuando, formando parte del show 'Jazz at the Philarmonic' de Norman Granz, actuó en el Reino Unido.


Siguió grabando magníficos álbumes como 'I want a little girl' (1968) grabado para Delmark Records. A comienzos de los setenta, publicó 'Good Feelin' (1970) con el que consiguió su único Grammy, seguido de 'Fly Walker Airlines' en 1973, ambos producidos por Robin Hemingway.
El stress de los viajes, combinado con su afición por la bebida y el juego, a lo que habría que añadir sus malas gestiones profesionales y financieras, pudieron con él y en octubre de 1975 T-Bone Walker murió de neumonía en marzo de 1975 a los 64 años.

György Ligeti


El 28 de mayo de 1923 nació en en Dicsoszentmárton, en la región de Transilvania de Rumania, el compositor húngaro -nacionalizado austríaco- György Ligeti, considerado uno de los más grandes del siglo XX.

Después de dejar su pueblo natal, no regresaría sino hasta los años 90. Ligeti recibió su primera educación musical en el Conservatorio de Cluj/Kolozsvár, una gran ciudad en el centro de Transilvania. Su educación se interrumpió en 1943 cuando, dado que era judío, fue forzado a trabajar para los nazis. Sus padres, su hermano y otros parientes fueron deportados al campo de concentración de Auschwitz; su madre fue la única sobreviviente. Terminada la Segunda Guerra Mundial, Ligeti regresó a estudiar a Budapest, graduándose en 1949. Estudió con Pál Kadosa, Ferenc Farkas, Zoltán Kodály y Sándor Veress. Se desplazó para realizar un trabajo etnomusicológico sobre la música rumana folclórica, pero después de un año regresó a su antigua escuela en Budapest, nombrado profesor de armonía, contrapunto y análisis musical. En aquel tiempo, las comunicaciones entre Hungría y Occidente habían sido cortadas por el entonces gobierno comunista, y Ligeti tenía que escuchar en secreto las difusiones de la radio para estar al corriente de los progresos musicales en el mundo. En diciembre de 1956, dos meses después de que el Renacimiento Húngaro fuese aplastado por la armada soviética, viajó a Viena y eventualmente tomó la ciudadanía austríaca.

Karlheinz Stockhausen
Allí se puso en contacto con varias de las figuras clave de la vanguardia que no eran conocidas en la Hungría aislada de su tiempo. Entre ellas estaban los compositores Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig, ambos entonces trabajando en la avanzada música electrónica. Ligeti trabajó en ella en el mismo estudio que había en Colonia, y se inspiró con los sonidos que pudo crear allí. Sin embargo, produjo poca música electrónica propia, concentrándose más en obras instrumentales que pudieran contener aquellas texturas de sonoridad electrónica. Estudió en Budapest, donde impartió clases hasta 1956. En ese año y como consecuencia de los acontecimientos políticos de su país, abandonó Hungría. Había sido profesor en Budapest de armonía, contrapunto y análisis de las formas. También, con Béla Bartók, se había dedicado al estudio del folclore de su tierra natal, Transilvania.

Las primeras obras de Ligeti son una extensión del lenguaje musical de su compatriota Béla Bartók. Por ejemplo, sus piezas para piano “Música ricercata” (1951-1953) (II. Mesto, rigido e cerimoniale), han sido comparadas con las del Mikrokosmos de Bartók . La colección de Ligeti tiene once piezas en total.
La primera usa casi exclusivamente una sola nota, La, oída en distintas octavas. Sólo al final de la pieza se puede oír la segunda nota, Re. La segunda pieza, emplea tres sonidos diferentes, la tercera cuatro, y así hasta el final, de tal modo que la undécima pieza emplea las doce notas de la escala cromática. En esta primera etapa de su carrera, Ligeti fue afectado por el régimen comunista de Hungría de aquel tiempo, que imponía la estética del realismo socialista.


La décima pieza de “Música ricercata” (X. Vivace Capriccioso) fue prohibida por las autoridades por considerarla "decadente". Esto se debió probablemente al uso muy libre de los intervalos de segunda menor. Dada la audaz dirección que Ligeti pensaba tomar en su producción musical, no sorprende que decidiera abandonar Hungría. Una vez en Colonia, comenzó a componer música electrónica junto a Karlheinz Stockhausen.

Sin embargo, sólo produjo tres obras de este género, en las que se incluyen “Glissandi” (1957) y “Artikulation” (1958), antes de regresar a la música instrumental y vocal. Sus composiciones entonces aparecieron subsecuentemente influidas por sus experimentos electrónicos, y muchos de los efectos sonoros que ha creado recuerdan a obras electrónicas. “Apparitions” (1958-1959) fue la primera obra que le atrajo la atención de la crítica, pero fue su obra siguiente, “Atmosphères”, la mejor conocida hoy en día. Fue usada, junto con fragmentos del “Requiem” (1965) y “Lux aeterna” (1966) en la banda sonora de la película Año “2001: Una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick, donde empleó diferentes voces para alcanzar un efecto similar y enormes bloques sonoros cambiantes que crean una amplia sensación de espacio.

“Atmosphères” (1961) (Abbado & Viena Philharmonic) para gran orquesta sinfónica, es considerada una pieza clave en la producción de Ligeti, y contiene muchos de los recursos que exploró por los años 1960. Abandonó virtualmente la melodía, la armonía y el ritmo, para concentrarse exclusivamente en el timbre de los sonidos, una técnica conocida como masa de sonido. Comienza con el que debe ser uno de los clúster más amplios que hayan sido escritos: cada altura de la escala cromática suena en un rango de cinco octavas. La pieza se desarrolla a partir de este acorde masivo pero suave, con texturas siempre cambiantes. Ligeti acuñó el término "micropolifonía" a la técnica compositiva que usó en las obras de aquella época. Explicó así la micropolifonía: La compleja polifonía de las partes individuales está plasmada en un flujo armónico-musical, en el cual las armonías no cambian súbitamente, sino que se mezclan con otras; una combinación interválica claramente reconocible se va haciendo gradualmente borrosa, y en esta nubosidad es posible discernir una nueva combinación interválica tomando forma.

A partir de los años setenta, Ligeti se alejó del cromatismo total y comenzó a concentrarse en el ritmo. Obras como “Continuum” (1970), “Clocks and Clouds” (1972-1973) fueron escritas antes de oír la música de Steve Reich y Terry Riley en 1972, si bien la segunda de sus “Tres piezas para dos pianos”, conmemoró esta afirmación e influencia. Comenzó a interesarse en los aspectos rítmicos de la música africana, específicamente en la de los pigmeos. A mediados de los años 1970 compuso su primera ópera, “Le Grand Macabre” (1978) (Michel de Ghelderode Opera) basado en una obra del teatro del absurdo con muchas referencias escatológicas, utiliza tanto elementos experimentales (el preludio se interpreta con bocinas de automóvil) como tradicionales, sirviéndose de todo tipo de técnicas instrumentales y vocales.


Su música de los años 1980 y 90 ha seguido dando énfasis a complejos mecanismos rítmicos, sin bien en un idioma menos densamente cromático (tiende a favorecer las tríadas mayores y menores desplazadas y estructuras polimodales). Particularmente significativos son los “Études pour piano” (Libro I, 1985; Libro II, 1988-1994; Libro III 1995-2001) Libro I. IV. “Fanfares" (Pierre-Laurent Aimard), donde muestra diversas influencias como el gamelan, polirritmos africanos, Béla Bartók, Conlon Nancarrow y Bill Evans.

Otras obras notables en este estilo incluyen el “Trío con Corno” (1982), el “Concierto para piano” (1985-1988), el “Concierto para Violín” (1992) cuya primera grabación fue hecha por Saschko Gawriloff en violín acompañado por el Ensemble InterContemporain dirigido por Pierre Boulez, y los “Nonsense Madrigals” (1993) para sexteto vocal, uno de los cuales musicaliza al alfabeto, mientras que en los restantes musicaliza textos de Lewis Carroll, William Brighty Rands y Heinrich Hoffmann. La última obra de Ligeti fue el “Concierto de Hamburgo para corno y orquesta de cámara” (1998-1999, revisado en 2003).

Ligeti fue un artista refinado y un gran investigador de las posibilidades del arte musical que ha contribuido ampliamente al desarrollo del arte del siglo XX. Aparte de sus intereses musicales, Ligeti ha manifestado su interés y hallazgos en la geometría fractal de Benoît Mandelbrot, y en las obras de Lewis Carroll y Douglas R. Hofstadter. Ligeti era sobrino nieto del gran violinista Leopold Auer. Estuvo casado con Vera Ligeti, con la que tuvo un hijo, Lukas Ligeti, que también es compositor y percusionista, y vive en Nueva York. El compositor falleció el día 12 de junio de 2006 en Austria.

Obras destacables
• Andante y Allegro, para cuarteto de cuerda (1950)
Sonata para violonchelo solo (1948-53) Mov. 1 (Jens Peter Maintz)
Baladi joc, para dos violines (1950)
• Concert românesc, para orquesta (1951)
Música ricercata, para piano (1951-1953) (Pierre-Laurent Aimard, Piano)
Seis bagatelas para quinteto de viento (1953) (Farkas Quintet Amsterdam)


Cuarteto de cuerdas nº 1 "Métamorphoses nocturnes" (1953-1954) (Keller Quartet)
• Glissandi, música electrónica (1957)
Artikulation, música electrónica (1958)
• Apparitions, para orquesta (1958-1959)

Atmosphères, para orquesta (1961) (Sir Simon Rattle, dir. & Berliner Philharmoniker)
• Volumina, para órgano (1961-1962, revisado en 1966)
Poème Symphonique para 100 metrónomos (1962)
Requiem, para soprano y mezzosoprano solistas, coro mixto y orquesta (1963-1965) “Introitus”“ Kyrie”;  “Dies Irae” (Barbara Hannigan -soprano, Virpi Räisänen Midth –mezzosoprano & Choeur de Radio France & Michel Tranchant Orchestre Philharmonique de Radio France, dir. Esa-Pekka Salonen)
Concierto para violonchelo y orquesta (1966) (Mikolaj Konopelski, cello
Peter Eotvos, dir. & Orquesta de Cámara Sony)
Lux Æterna, para 16 voces a capella (1966) (A Cappella Amsterdam, Daniel Reuss & Susanne Van Els)

Lontano, para orquesta (1967)
• Dos estudios para órgano, (1967, 1969)
• Continuum, para clavecín (1968)
Ramifications, para 12 instrumentos de cuerda solistas (1968-1969) (Sinfonie-Orchester des Südwestfunks, Baden-Baden & dir. Ernest Bour)
• Cuarteto de cuerdas nº 2 (1968)
• Diez piezas para quinteto de viento (1968)
Concierto de cámara para 13 instrumentos (1969-1970) (Ensemble Intercontemporaine)

Melodien, para orquesta (1971) 1/22/2 (Schönberg Ensemble & Reinbert de Leeuw)
• Doble concierto para flauta, oboe y orquesta (1972)
• Clocks and Clouds, para 12 voces femeninas (1973)
• San Francisco Polyphony, para orquesta (1973-1974)
Le Grand Macabre, ópera (estrenada en 1978) (Barbara Hannigan, soprano · Sir Simon Rattle, dir. & Berliner Philharmoniker), “Gepopo” (The New York Philharmonic, Gepopo: Barbara Hannigan)

“Hungarian rock” (Pierre Charial)
Études pour piano, Premier livre (1985) IV. “Fanfares"  V. “Arc-en-ciel" (Giuseppe Andaloro).
• Concierto para piano y orquesta (1985-1988)
Concierto para violín y orquesta (1992) 2/5 (Renaud Capuçon, violín · David Robertson, dir. & Berliner Philharmoniker)
Études pour piano, Deuxième livre (1988-1994) (Francesco Libetta)
Concierto de Hamburgo para trompa y orquesta de cámara con 4 trompas naturales obligato (1998-1999, revisado en 2003) (Denes Varjon, Piano; Tamas Major, Violin; Zora Slokar, Horn)
• Síppal, dobbal, nádihegeduvel: (‘Con pipas, tambores, violines’) Weöres Sándor verseire (2000)
Études pour piano, Troisième livre (1995-2001) "Pour Irina", (Nicolas Namoradze, piano)


Música de películas
• 1968 – 2001: Odisea del Espacio, (2001: A Space Odyssey) – Director: Stanley KubrickLux Aeterna, Atmosphères, Aventures & Requiem
• 1980 – El resplandor, (Shining) – Director: Stanley Kubrick - Lontano
• 1984 – 2010 – Odisea dos – Director: Peter Hyams – Lux Aeterna
• 1991 – Merci la vie – Director: Bertrand Blier
• 1995 – Heat – Director: Michael Mann – Concerto für Violoncello und Orchester

• 1999 – Eyes Wide Shut – Director: Stanley Kubrick – No. 2: Mesto, Rigido e Cerimonale aus Música ricercata
• 2002 – Reflections of Evil – Director: Damon Packard
• 2002 – The Future Is Not What It Used to Be – Director: Mika Taanila
• 2004 – After the Day Before – Director: Attila Janisch
• 2005 – Lemming (película) - Director: Dominik Moll - Continuum: Etüde für Klavier

Premios
1986 - Premio Grawemeyer de Composición, por la obra Etudes for Piano
1991 - Premio Balzan
1995 - Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Música
1995/96 - Premio de la Fundación Wolf de las Artes
2001 - Premio Kyoto (Fundación Inamori)
2003 - Premio Theodor W. Adorno (Theodor W. Adorno Preis) de la ciudad de Fráncfort del Meno (Alemania)
2004 - Polar Music Prize

Riccardo Zandonai


El 28 de mayo de 1885 (otras fuentes fijan la fecha el 30 de mayo) nació en Sacco di Rovereto (antiguo Imperio Austro-Húngaro) el compositor italo-austriaco Riccardo Zandonai. Siendo un chico ya mostró especiales aptitudes en los estudios musicales, y fue admitido al Conservatorio de Pesaro en 1899, completando sus estudios en 1902 (Cursó los estudios correspondientes a 9 años en sólo 3).

Entre sus profesores cabe mencionar a Pietro Mascagni, que lo estimaba mucho. Durante este periodo compuso el “Inno degli studenti trentini”, que se convirtió en el himno de la organización de jóvenes irredentistas de su provincia natal. Su trabajo de graduación fue la ópera “Il ritorno di Odisseo”, (El regreso de Ulisses) basada en un poema de Giovanni Pascoli. El mismo año 1902 puso música a otra obra de Pascoli: “Il sogno di Rosetta”.

Su fama se asentó con la ópera “Francesca da Rimini”, una adaptación libre de una tragedia de Gabriele d'Annunzio que había sido escrita expandiendo un pasaje de La Divina Comedia de Dante: “Francesca da Rimini, libreto adaptado del drama de Gabriele d'Annunzio (1914) Paolo, datemi pace". Esta ópera nunca ha caído completamente del repertorio y ha disfrutado de varias grabaciones. Al poco del estreno, Zandonai se casó con la soprano Tarquinia Tarquini, para la cual creó el papel de Conchita en la ópera homónima (sobre un tema que anteriormente Puccini había considerado y rechazado).

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Pero pronto estalló la guerra mundial. El patriótico Zandonai compuso en el año 1916 la canción, “Alla Patria”, dedicada en Italia, con el resultado que su casa y propiedades en Sacco, entonces bajo el dominio Austro-Húngaro, fueron confiscadas. Después de la guerra le fueron devueltas.

En 1919 compuso el “Concierto romántico para violín” (Stefano Zanchetta, violín & Haydn Orchestra di Trento e Bolzano & dir. Maurizio Dini Ciacci). En 1922 compuso en 1922 la ópera “Giulietta e Romeo”, libreto de Arturo Rossato sobre el drama de William Shakespeare; existe una versión en alemán con libreto de Alfred Brüggemann. La ópera “I Cavalieri di Ekebù” fué compuesta en 1925 Duetto "Notte serena" (Fedora Barbieri, Nicola Zaccaria, Cesare Ferraresi, violín solista & Orcheste Rai Milano & dir. A.Simonetto).
Compuso obras de cámara como el “Cuarteto de cuerda en sol mayor” I. Allegro Moderato, II. Presto, III. Adagio 1/2, 2/2, IV. Allegro (Quartetto d'archi di Venezia). La última ópera que escribió fue “Il Bacio” (1944), dejando el último acto incompleto (Orchestra Sinfonico di Milano della RAI & Francesco Molinari Pradelli)

Cuando Puccini murió dejando inacabado el último acto de “Turandot”, Zandonai estuvo entre los compositores que el editor Ricordi consideraba competentes para completarlo. Incluso parece que el mismo Puccini, en sus últimos días, había recomendado a Zandonai -y ciertamente Arturo Toscanini encontró adecuada esta decisión- pero Tonio, el hijo de Puccini, por razones que todavía son oscuras, vetó a Zandonai. Finalmente, fue Franco Alfano el encargado de acabar la ópera, y es la versión de este, que Toscanini arregló y alteró, la que habitualmente se escucha.

El 1935 Zandonai fue nombrado director del Conservatorio de su estimada Pesaro. Aquí recuperó algunas óperas olvidadas de Rossini, como “Il viaggio a Reims” y la apertura de “Maometto secondo”. En 1941 reorquestó y reorganizó en tres actos “La gazza ladra.”
Tres años más tarde, en 1944, murió en Pesaro, después de someterse a una cirugía biliar. Sus últimas palabras fueron para el sacerdote que le anunció que el día anterior, Roma había sido liberada. El compositor antes de morir, dijo, en su dialecto nativo: "!Bien …Viva Italia, y su sonido!".