06 junio 2012

Primera grabación de The Beatles en los estudios EMI de Abbey Road

Pete Best, George Harrison, Paul McCartney y John Lennon
El 6 de junio de 1962, entre las 7 y las diez de la noche, tuvo lugar la primera sesión de grabación de los Beatles en los estudios EMI de Abbey Road, en la que grabaron cuatro temas, 'Besame mucho', 'Love me do', 'PS I love you' y 'Ask me why'. El baterista aún era Pete Best y los cuatro músicos recibieron un pago en libras equivalente a 10€ cada uno.

Brian Epstein
Hasta ese momento, Brian Epstein, que se había hecho cargo de los asuntos del grupo, había agotado varias posibilidades de conseguir un contrato de grabación para The Beatles. Conocidas son las grabaciones que realizaron con Decca y que fueron rechazadas por alguien que todavía debe estar dándose cabezazos contra la pared por ser tan poco visionario. Por fin Brian -a través del editor musical Sid Coleman- había concertado una entrevista el 9 de mayo de 1962 con George Martin, el director artístico de Parlophone, un pequeño sello subsidiario de EMI que publicaba a arrtistas de todo tipo, como Peter Sellers, The Temperance Seven o Matt Monro. Epstein pretendía mostrarle la cinta con una selección de los temas que Decca había rechazado. Se encontraron en Abbey Road a media mañana y Martin no recuerda haberse sentido especialmente impresionado con la cinta.

Telegrama que Epstein mandó a los Beatles

Sin embargo, debió descubrir algo interesante, cuando le sugirió a Epstein que trajera a sus pupilos al estudio para hacerles una prueba en persona. Brian no perdió el tiempo e inmediatamente mandó un telegrama al grupo -que se encontraba en Hamburgo- para que se apresuraran en volver.

The Beatles, a comienzos de 1962
En aquel momento de euforia, Epstein exageró la nota comentando que el contrato discográfico estaba asegurado, por lo que los Beatles, cuando entraron con su vieja furgoneta aquel día a las seis de la tarde en el aparcamiento de Abbey Road, estaban plenamente convencidos de que aquella sesión era para grabar un disco.

George Martin
Gran parte de la documentación de las sesiones se destruyó, pero se sabe que fue producida por George Martin aunque en realidad la grabación la comenzó dirigiendo su asistente Ron Richards con Norman Smith y Chris Neil como ingenieros. Se grabaron cuatro canciones: 'Bésame mucho', 'Love me do', 'P.S. I love you' y 'Ask me why'. Martin se encargaba preferentemente de otro tipo de producciones y cuando se trataba de grupos de rock'n'roll, dejaba que Richards se hiciera cargo. A este le llamó la atención 'Love me do' y mandó llamar a Martin, que se encontraba en la cantina tomando café, para que los escuchara personalmente. George se hizo cargo del resto de la sesión y cuando acabó les dijo a los chicos que se reunieran con él en la sala de control.


George Harrison: "La sesión no estuvo mal. Creo que George Martin pensó que sonábamos un tanto ásperos pero que poseíamos alguna cualidad interesante. Tocamos 'Love me do', 'PS I love you', 'Ask me why' y 'Bésame mucho', entre otras, pero sólo se grabaron esas cuatro.
Recuerdo el acento de Martin cuando lo conocimos. No hablaba como un cockney, ni con acento de Liverpool o Birmingham, y considerábamos muy 'finos' a quienes no hablaban así. Era amable y nos trataba como si fuéramos sus alumnos: debíamos respetarle aunque también nos daba la impresión de que no era rígido, que podíamos bromear con él."



Norman Smith: "Les dimos una larga charla sobre equipos e instrumentos que necesitarían si iban a convertirse en artistas que grabasen discos. Nos miraban sin articular palabras, ni siquiera asentían con la cabeza. Cuando acabamos, George Martin les dijo: '¿Hay algo con lo que no estéis satisfechos?'. Recuerdo que los cuatro se miraron unos a otros arrastrando los pies. Entonces George Harrison miró fijamente a George y dijo: 'Bueno. Para empezar, no me gusta tu corbata!. Aquello rompió el hielo y los siguientes 20 minutos fueron delirantes. Cuando se fueron a casa, todavía me corrían las lágrimas por la cara del buen rato que pasamos"

'The Beatles Anthology Vol 1'
Sólo las grabaciones de 'Bésame mucho' y 'Love me do' han sobrevivido. Ambas aparecieron en colecciones privadas en los ochenta y noventa y están incluídas en la recopilación 'Beatles Anthology Vol 1'. El resto de las tomas fue destruído cuando se decidió que no iba a publicarse nada procedente de esas sesiones, una práctica muy común a principios de los sesenta.
Poco después, Martin les firmó un contrato oficial de grabación cuya fecha fue fijada el 4 de junio, dos días antes de realizar la primera sesión. Esto seguramente se hizo así para asegurarse los derechos de publicación de los temas grabados en dicha sesión los cuales, de otro modo, hubieran pertenecido al grupo. Fue la única sesión de EMI en la que participó Pete Best. Cuando el grupo volvió el 4 de septiembre a Abbey Road, Ringo ya era el nuevo baterista de los Beatles.

Paul, Pete, George y John
Paul McCartney: "A George Martin le gustaban los 'insignificantes' y nosotros encajábamos en esa categoría. Aceptó hacernos la audición, pero nuestra actuación no fue demasiado potente y él no quedó muy satisfecho con Pete Best...
George Martin estaba acostumbrado a que los bateristas estuvieran muy bien 'sincronizados' porque todos los baterías de sesiones de big band que él había empleado poseían un gran sentido del ritmo. No obstante, nuestros baterías de Liverpool poseían un sentido más espiritual, de la economía, de la emoción, pero no del ritmo. Esto preocupaba a los productores que querían grabar un disco. George nos llevó a un lado y nos dijo 'Estoy muy descontento con el baterista. ¿Estaríais dispuestos a cambiarlo?' Nosotros respondimos 'No, no podemos!'. Cómo ibamos a traicionarle?. Pero nuestra carrera estaba en juego. Quizá cancelaran nuestro contrato. Fue una de la decisiones más difíciles que tuvimos que tomar"

Pete Best en el Cavern
John Lennon: "Pete entró en el grupo porque necesitábamos un batería para ir a Hamburgo. La intención era despedirlo en cuanto encontráramos a un buen batería, pero para cuando volvimos de Alemania, le habíamos enseñado a no dejar de mover las baquetas (aunque apenas se sabía un par de ritmos) y era guapo y gustaba a las chicas, así que estaba bien. Fuimos unos cobardes cuando lo despedimos. Le dejamos el 'marrón' a Brian. Si se lo hubiésemos dicho a la cara, hubiese resultado mucho más desagradable. Hubiéramos terminado peleándonos."

Primera foto de los Beatles con Ringo, el 22 de agosto de 1962 en el Cavern Club

LP 'The Cars'


El 6 de junio de 1978 se publicó en EEUU el álbum debut homónimo del grupo norteamericano The Cars. Tardaron sólo 12 días en grabar el disco, pero crearon un clásico que abrió el camino para la new wave en las radios estadounidenses. Producido por Thomas Baker, el productor de Queen, y grabado en Londres, el álbum tardó diez meses en alcanzar su puesto más alto, el nº 18; sin embargo, ante la sorpresa de todos, se mantuvo 139 semanas en las listas.


Los Cars aparecieron en escena cuando empezaba a despuntar un género conocido como new wave, con un puñado de inteligentes canciones, un dominio musical superlativo y un atractivo visual que en aquel tiempo sólo podía igualar Blondie.

Con su álbum de presentación crearon una obra maestra del pop con un brillante envoltorio new wave. Mientras otras bandas de finales de los setenta o bien practicaban punk/new wave o hard rock, The Cars fue de los primeros grupos en realizar lo inimaginable: fusionar los dos estilos. El oyente, atraído por una cubierta en la que aparece una modelo delirantemente alegre (la modelo, periodista y música rusa Natalya Medvedeva) que parece haber perdido el control al volante de un coche, se ve de pronto arrastrado por la declaración de intenciones de 'Good times roll'.

A partir de ahí, el álbum proporciona una joya tras otra. A pesar de que los Cars tuvieron más éxito en las listas con singles posteriores, los temas de este disco pueden leerse como una colección de sus mejores temas. Éxitos radiofónicos como 'My Best Friend Girl' y 'Just what I needed' aparecen junto a los favoritos de los fans como 'Bye Bye Love' y 'All mixed up'.

Ric Ocasek
Los temas de Ric Ocasek demuestran una gran variedad de estilos, cambiando de ánimo y tiempo desde el contagioso pop de 'My best friend's girl' hasta rarezas como 'I'm in touch with your world', donde emplea una cantidad de efectos de sonido, pasando por el lento 'Moving in stereo'. El guitarrista Elliot Easton es el héroe en la sombra, marcando canciones como 'Bye bye love' con asombrosas aportaciones. Completan el disco 'Don't cha stop' y 'You're all I've got tonight'. Nadie imaginaba que este álbum, que vendería un millón de copias, iba a permanecer 139 semanas en las listas USA. Una estilizada mezcla de influencias (Velvet, Bowie) se filtran a través de este descarado álbum pop. El debut de los Cars fue un manual introductorio a los sonidos de la new wave, que han sobrevivido hasta más de treinta años después. (Fuente: Jaime Welton)

'Moving in Stereo' (Greg Hawkes, Ocasek)

 

Ric Ocasek – voz principal, guitarra rítmica
Elliot Easton – guitarra solista, voces
Greg Hawkes – teclados, percusión, saxofón, voces
Benjamin Orr – bajo, vox principal
David Robinson – batería, percusión, voces

Jimmie Lunceford


El 6 de junio de 1902 nació en Fulton (Mississippi) el saxofonista y director de banda de jazz Jimmie Lunceford. Su orquesta fue famosa en los años treinta y cuarenta por sus elaboradas puestas en escena y a pesar de no contar con solistas clásicos de renombre, destacó musicalmente por los originales arreglos que aportaba Sy Oliver.

Lunceford estudió música en Denver y en 1922 ya tocaba el saxo alto en una banda local dirigida por George Morrison, que también incluía a Andy Kirk. Tras graduarse en la Universidad de Fisk en 1927, mientras trabajaba como profesor de música en Memphis, Lunceford formó una banda llamada Chicksaw SyncopatorsGrabaron por primera vez en 1930 y tras cuatro años de gira obtuvieron la residencia en el Cotton Club, ya como The Jimmie Lunceford Orchestra, considerados a la altura de otros grandes de la era del swing como Count Basie o Duke Ellington. La orquesta, famosa por su pulida presencia en el escenario, estaba musicalmente muy unida y los arreglos del trompetista Sy Oliver aseguraban un característico 'sonido Lunceford'. Lograron varios hits como 'Rhythm is our business' (1935), 'Organ's grinder swing' (1936), 'My last affair', 'For dancers only' y 'Posin' (1937), entre otros.


En 1939 surgieron discusiones financieras que acabaron deshaciendo la formación original. Sy Oliver fue tentado por Tommy Dorsey, y en 1942 el saxofonista Will Smith también abandonó la orquesta. Ese mismo año aparecía su último hit, 'Blues in the night'.

Jimmie continuó liderando la banda hasta su muerte, acaecida en el verano de 1947 de un infarto en plena gira por Oregón, mientras firmaba autógrafos. Se ha especulado con que la causa de la muerte pudo haber sido el envenenamiento de la comida que ingirió ese día. El dueño del restaurante, bastante molesto por tener que servir la comida a un 'negro', estuvo tiempo bajo sospecha de haber intoxicado la comida. Lunceford acababa de cumplir 45 años.

Adrien-François Servais


El 6 de junio de 1807 nació en Halle, cerca de Bruselas, el violonchelista y compositor belga Adrien-François Servais, hijo de un modesto organista de iglesia. Considerado el mayor de los intérpretes de su instrumento por sus contemporáneos, es conocido como "el Paganini del violonchelo". Nace en una familia de músicos, su padre era un modesto organista de iglesia. 

Estudia primero violín, pero decide en 1819 abandonar ese instrumento y pasarse al violonchelo, que estudia con el iniciador de la escuela violonchelística belga, Nicolas Joseph Platel (1777-1835). En 1829 pasa a ser profesor ayudante de su maestro en la Escuela Real de Música de Bruselas. En 1833 realiza su primera gira mundial, que comienza en París y continúa por otras ciudades francesas e Inglaterra. Después de unos años de enseñanza en Bruselas, reaparece en París en 1836 que continúa una triunfante gira europea. En 1848 ocupa la cátedra del Real Conservatorio de Bruselas y la plaza de solista de la Corte. Sus continuadas giras internacionales (durante sus cuarenta años de actividad daría más de 10.000 conciertos), le dan una fama incomparable en su tiempo.

'Chelo Servais'
Uno de sus destinos favoritos es Rusia, donde obtiene en 1848 de la princesa Youssopov su famoso chelo Stradivarius (llamado después "chelo Servais", y actualmente propiedad del Smithsonian Institute). En San Petersburgo se casa en 1849 con Sophie Féguine, gran amante de la música.

Su obra como compositor se circunscribe a la música de salón de gran factura técnica, destacando su Concierto para violonchelo y orquesta, (Seeli Toivio, violonchelo, dir. Sasha Mäkilä & Celeb Orchestra), sus fantasías para violonchelo y orquesta sobre motivos de óperas celebérrimas, así como sus dúos para violonchelo y violín, escritos a cuatro manos junto a otros virtuosos del arco. Compuso dieciséis fantasías para violonchelo y orquesta sobre temas rusos. Murió en Halle el 22 de noviembre de 1866.


Otras obras son:
- “Souvenir de Spa” Opus 2 1/2, 2/2 (Anner Bylsma & The Smithsonian Chamber Players).
- “Cinco conciertos para violonchelo y orquesta Opus 5 : “Concierto para violoncello y orquesta” en La menor I., II., III. (Seeli Toivio, violonchelo, dir. Sasha Mäkilä & Celeb Orchestra)
- “Seis Caprichos” para dos violonchelos: “Caprice Op.11 Nº 2 para 2 violonchelos” (Anner Bylsma), “Caprice Op.11 Nº 4 para 2 violonchelos” (Anner Bylsma)
- “Souvenir de Bade” Gran Fantasía Opus 20 (Anner Bylsma & The Smithsonian Chamber Players).

Aram Khachaturian


El 6 de Junio de 1903 nació en Tbilisi, Rusia (hoy Georgia) Aram Khachaturian, compositor soviético de ascendencia armenia. Era hijo de un encuadernador y estudió en el Conservatorio de Moscú.

Aram Khachaturian
Su padre, Aram Jachaturián Eguia, dejó su país de origen, Armenia, hacia 1870, estableciéndose en Tiflis como encuadernador. Aram fue el más pequeño de los cinco hermanos y empezó a desarrollar su gusto por la música oyendo canturrear a su madre y escuchando a los músicos callejeros. Más tarde, (1912-1921) en el pensionado, empezó sus estudios de piano a los que dedicó dos años, después se decantó por la carrera de económicas pero prosiguió estudiando piano de manera autónoma. A los once años acudió, por vez primera, a una representación de ópera que le produjo un gran impacto y lo dejó fascinado. En 1921, aceptó la invitación de su hermano que residía en Moscú y allí continuó sus estudios en la universidad. Pese a sus escasos conocimientos de solfeo y piano, demostró tener tanto talento musical y fue admitido en el Instituto Gnésiny donde estudió violonchelo bajo la dirección de Mijaíl Gnesin, comenzando las clases de composición en 1925. En 1929 se trasladó al Conservatorio de Moscú y fue alumno de Nikolái Miaskovski, un compositor muy popular de la época.

Nina Makárova
En la década de 1930 se casó con la compositora y compañera de estudios, Nina Makárova y, en 1951, pasó a ser profesor del Instituto Pedagógico Estatal de Música Gnésiny. Mantuvo importantes debates en la Unión de Compositores lo que, más tarde, le reportaría graves denuncias sobre algunas de sus obras por considerar que su música era una “música formalista”, lo mismo que las de Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich. No obstante estos tres compositores se convirtieron en los denominados “titanes” de la música soviética, disfrutando de reputación mundial como destacados compositores del siglo XX.


Khachaturian ya había compuesto en 1932, un “Trío para clarinete, violín y piano”, (G.Hauer - piano, A.Kostecki – violín, H.Pallushek -clarinete) en el que se refleja la influencia de Prokófiev quien le indujo a interpretarlo en París.

En 1933 compone una “Suite para la danza” III. Largo-Allegretto-Largo (Warsaw Philharmonic Symphony Orchestra - dir. Donn Laurence Mills) inspirada en todo tipo de bailes: armenios, azerbaiyanos, georgianos, y en la que se descubre su gusto por la música folclórica. Asimismo compuso una Sinfonía dedicada a su país, con la que obtuvo el diploma en el conservatorio. Esta sinfonía fue compuesta en el año 1935 y está inspirada en la música occidental y armenia. En ese mismo año compuso la música para la película “Pepo”.

El Concierto para piano (1936), (Aram Avetan – piano & Armenian Philharmonic Orchestra , dir. Eduard Topchjan) de carácter heroico, fue su primer gran éxito. A partir de ese momento, su carrera como compositor empezó a desarrollarse. Escribió más de cuarenta obras para el cine y el teatro. Dotado de un excelente sentido melódico, Aram destacó, sobre todo, por sus composiciones para ballet, y por su sentido de la orquestación, llena de colorido, melodiosa, sensual y lírica. Fue el primer compositor que integró la música moderna y el ballet clásico. Estaba convencido de que el público debía sentir las mismas emociones y sensaciones que los bailarines trataban de transmitir.

En 1938 escribió “Poema para Stalin” (Hayk Melikyan) y en 1940 el Concierto para violín y orquesta (David Oistrakh & The Philharmonia Orchestra) que es una expresión clara de la sabiduría compositiva del autor con un uso inteligente de elementos de inspiración popular, un tratamiento muy consciente de la forma —por ejemplo, la vuelta del tema principal del primer movimiento en el último— y una escritura para el solista que le permite mostrar todas sus cualidades virtuosísticas.


Destacan el ballet “Gayaneh” (1942) con su Adagio (Pianista - Christian Zwarg) utilizado en las películas '2001 Una Odisea del Espacio', 'Juego de Patriotas' y 'Aliens?', asi como la famosa “Danza del Sable” (The National Philharmonic Orchestra, dir. Loris Tjeknavorian) y su Lullaby (St. Petersburg State Symphony Orchestra & dir. Andre Anichanov)

Con el tiempo su armonía se volvió más experimental en obras como la Sinfonía nº 2 (1943) y el Concierto para violonchelo (1946) (Karine Georgian).
El encargo para componer la música incidental para “Masquerade”, de Mikhail Lermontov, data de 1939 pero la suite no se estrenaría en su versión para gran orquesta hasta 1944 en Moscú. La composición se abre con la que es junto con la 'Danza del Sable', la pieza más famosa de Khachaturian, un vals (The London Symphony Orchestra & Stanley Black) apasionado que queda en la memoria del oyente desde la primera vez que lo escucha.

El Nocturno de Masquerade (Aram Khachaturian, dir) hace honor a su nombre, con su carácter ensoñador sostenido en la melodía que corre a cargo del violín con el que dialogan por momentos las maderas. La Mazurca (The Sofia Symphony Orchestra & Ivan Marinov) tiene un carácter festivo y luminoso al que aporta un plus de brillantez la graciosa y repetida llamada de las flautas. En la suave Romanza (Aram Khachaturian, dir) volvemos al clima del Nocturno de la mano de la melodía de la cuerda puntuada por las maderas a la que responderá suavemente la trompeta. Cierra la suite un brillantísimo Galop (The Sofia Symphony Orchestra & Ivan Marinov) basado en dos temas y que incluye, como un respiro, una breve cadenza para clarinete.


El ballet "Spartacus" (1956), donde destaca el famoso Adagio de Spartacus y Phrygia (Yuri Simonov, dir), se consideró su obra maestra la misma noche del estreno

En 1961, Aram empieza a escribir la música orquestal y compone una Sonata para piano, Andante (Emils Gilels). Al año siguiente continúa con “Tres conciertos-rapsodia” 1/2, 2/2 (Oxana Yablonskaya, piano & Moscow Symphony Orchestra, dir. Dmitri Yablonsky) que quería unificar en un solo concierto. Durante los últimos años de su vida compuso tres sonatas para violonchelo y viola. Estas obras no fueron registradas y son casi desconocidas, por lo que han sido interpretadas en muy pocas ocasiones.
Aram Khachaturian murió a los 74 años el 1 de mayo de 1978 en Moscú.

Khachaturian ha sido el primer compositor armenio en alcanzar fama internacional y de hecho el himno nacional armenio lleva su firma. Dotado de un prodigioso sentido melódico, Khachaturian bebió de las fuentes populares armenias a la hora de componer su música, muy caracterizada por los frecuentes ostinati, con acordes de cuarta y quinta que se inspiran en la apertura del saz armenio, y la elevada improvisación de sus desarrollos melódicos a la manera de una inacabable rapsodia. Su aportación al ballet, en la tradición de Rimski-Korsakov y Stravinski, es fundamental para el estudio de la música rusa. En definitiva, un gran compositor que justamente se revaloriza día a día.