15 junio 2012

Edvard Grieg


El 15 de junio de 1843 nació en Bergen (Noruega) descendiente de una familia de escoceses, el pianista y compositor Edvard Grieg, considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. La música escandinava tiene en él a una de sus primeras figuras internacionales y fue el más importante músico y compositor de su país durante el siglo XIX.

El joven Edvard Grieg
Estudió piano con su madre, pianista profesional. Un amigo de los Grieg, el compositor y violinista Ole Bull, escuchó tocar el piano al joven Edvard y quedó tan impresionado que convenció a sus padres para que lo enviaran a estudiar al Conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. En la ciudad alemana, Grieg tuvo la oportunidad de asistir a importantes recitales como el que dio Clara Schumann en el Gewandhaus o a diversas representaciones de óperas de Wagner como “Tannhäuser”. En aquella época, alrededor de 1862, Grieg ya había escrito su “Opus 1”, que consistía en cuatro piezas para piano, además de sus “Cuatro canciones para contralto” con textos alemanes, que constituyen su “Opus 2”.

Rikard Nordraak
El contacto con su compatriota, y también compositor, Rikard Nordraak alentó en él, este temprano interés por los cantos y las danzas tradicionales de su tierra. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza”. Ambos fueron los fundadores de la Sociedad Euterpe, creada para promover la música nacional escandinava, pero la prematura muerte de Nordraak en 1866 dejó a Grieg como único impulsor y responsable del proyecto. El agradecimiento hacia su compatriota, le llevó a dedicarle su “Humoresker” Opus 6 para piano. La creación de una Academia de Música Noruega en 1867 dio mayor impulso a la labor de protección y difusión de la cultura musical autóctona.

Edvard Grieg
El compositor danés Niels Gade, líder de la escuela romántica escandinava, le animó a componer una sinfonía que Grieg llevó a cabo pero nunca quiso estrenar. También en la capital danesa entró en contacto con otros músicos como Emil Hartmann y Gottfred Matthison-Hansen, así como con los escritores Benjamin Feddersen y Hans Christian Andersen. Este último le proporcionó poemas para su obra “Hjertets melodier” (Melodías del corazón), Opus 5, Nº 3 “Ich liebe dich” (Elisabeth Schwarzkopf) que interpretaría magistralmente su prima y futura esposa, la cantante Nina Hagerup.

Nina y Edvard Grieg
Entre 1865 y 1866 vivió en Roma, donde conoció al dramaturgo Henrik Ibsen, a cuya obra Peer Gynt pondría música más adelante. El 15 de octubre de 1866 dio un concierto de música noruega en el Teatro de Christiania (la actual Oslo) junto a la cantante Nina Hagerup y la violinista Wilma Neruda. Al año siguiente se inauguró la Academia de Música Noruega que Grieg y el crítico Otto Winter-Hjelm habían proyectado fundar. Ese mismo año, el 11 de junio, se casó con Nina y pronto acabó de componer su segunda “Sonata para Violín” Opus 13, I., III. (Oliver Colbentson, Violín & Erich Appel, Piano)


En 1869, Franz Liszt le escribió elogiando una de sus sonatas para violín y piano y le mostró su deseo de conocerle personalmente. Ambos se encontraron en Roma meses más tarde.

En el verano de 1869 llegó a manos de Grieg una copia de la colección de canciones populares de Ludwig Mathias Lindeman (1812-1887), titulada “Aeldre og myere norske fjeldmelodier” (Viejas y nuevas canciones montañesas). Este descubrimiento le posibilitó seguir adentrándose en las posibilidades de la música popular noruega y escribir su Opus 17 para piano, Nº 22 (Einar Steen-Nokleberg), una serie de 25 piezas basadas en estas canciones. Grieg había ido haciéndose un nombre como compositor fuera de las fronteras de su patria: de 1869 data el estreno en Copenhague, con el propio compositor como solista, de una de sus composiciones más célebres, el “Concierto para piano y orquesta en la menor” Opus 16. I., II., III. (Evgeny Kissin), obra virtuosística y de gran desafío técnico para los intérpretes.

A comienzos de 1870 comenzó su fructífera colaboración con el dramaturgo Björnson en obras como “Foran sydens kloster” o diversas cantatas como “Arnlijot Gelline”, para voces femeninas, y “Landkjending”, para voces masculinas. En 1871, Grieg contribuyó a la fundación de una sociedad musical para promover la música orquestal. En 1874, el Estado le concedió una ayuda económica anual para que pudiera dedicarse de lleno a la composición. De esta época son, entre otras obras, su “Cuarteto de cuerda” en sol menor (Copenhagen String Quartet), “Den Bergtekne” para barítono y orquesta (Håkan Hagegård, barítono) y el “Álbum” para coro masculino.

En 1875, la composición de la música de escena para el “Peer Gynt”, es un drama del escritor Noruego Henrik Ibsen. Fue escrito en 1867, e interpretado por primera vez en Oslo (entonces llamada Christiania) el 24 de febrero de 1876. La partitura de la obra tenía un total de veintitrés movimientos, y más tarde, en 1888 y 1891, Grieg extrajo varios movimientos, hasta dejar los ocho definitivos, divididos en dos grupos: Suite nº1 (Opus 46) y Suite nº2 (Opus nº55): - Suite nº 1 Opus 46:
1. La mañana "Morning Mood" (Orchestre Symphonique de Berlin & Herbert von Karajan);
2. La muerte de Aase (Limburgs Symfonie Orkest, Otto Tausk)
3. La Danza de Anitra “Anitra's Dance” (Elena Kulagina)
4. En la gruta del rey de la montaña (Neeme Järvi, dir. & Berliner Philharmoniker)


- Suite Nº 2 opus 55 1. El secuestro de la novia. El lamento de Ingrid  2. Danza Arábiga  3. Peer Gynt de regreso a casa (la noche tormentosa en el mar)  (Orquesta del festival de Viena Director : Gianfranco Rivoli4. La canción de Solveig (Anna Nebretko).
Estas composiciones reflejan la frescura y la sencillez de las melodías populares, una armonía de constantes e inesperados cambios y una especial preferencia por el uso de armónicos anticipando el estilo de Bartok.

A partir de 1876 emprendió grandes giras de conciertos por Europa, en las que interpretó y dirigió sus propias obras. Su presentación en Londres en 1888 supuso el reconocimiento internacional de su obra. Entre 1880 y 1882 dirigió la orquesta del “Harmonien” (Sociedad Armónica) de su natal Bergen. Éste fue uno de los últimos compromisos oficiales que aceptaría, ya que el resto de su vida lo dedicó a otras tareas como la composición de su “Sonata para violonchelo” Opus 36” 1/3, 2/3, 3/3 (M.Maisky M.Argerich), así como su Sonata para Piano y Cello: I. Allegro agitato II. Andante molto tranquillo (Nikolaj Sajko, cello & Miha Haas, piano). Además, participó en el bicentenario del nacimiento del escritor Ludvig Holberg en 1884 con la suite “Fra Holbergs tid” (Del tiempo de Holberg) (Kristiansand Symfoniorkester & Lindesnes Lighthouse, Norway).

Casa de Grieg en Troldhaugen
En el verano de ese mismo año comenzó la construcción de su futuro hogar en Troldhaugen, actualmente casa-museo del compositor. Fue en esa localidad donde pasó el resto de sus años, componiendo y revisando antiguas partituras o paseando por las montañas noruegas. En 1898, sus esfuerzos para la difusión de la música de su país culminaron con la creación del primer festival de música de Noruega, que se celebró en Bergen.

Para este evento compuso sus populares “Danzas Sinfónicas” Opus 64 (Gothenburg Symphony Orchestra & Neeme Järvi) basadas en las canciones de Lindeman. Su salud se deterioró, pero continuó dando conciertos en ciudades extranjeras como Varsovia y París. En 1906 compuso su última obra, los “Fire salmer “(Cuatro salmos), basados en melodías populares. Murió el 4 de septiembre de 1907 a los 64 años.


La originalidad de su estilo se aprecia mejor en los diez volúmenes de “Piezas líricas” compuestos por 66 composiciones cortas llamadas “Piezas Líricas”: 8 piezas (Nicholas Roth) que publicó a lo largo de treinta y cuatro años: breves y melancólicas, de un sutil nacionalismo, le han valido el calificativo de 'Chopin del Norte'.

La música de Grieg en la cultura popular
- “En la gruta del rey de la montaña” Suite Nº 1 Opus 46
• Fue utilizada en 1931 para la película "M, el vampiro de Düsseldorf", de Fritz Lang.
• La Electric Light Orchestra grabó una versión rock de “En la gruta del Rey de la Montaña” (In the Hall of the Mountain King) en su disco "On the Third Day".
• En el álbum "The Circus" del dúo británico de synthpop Erasure del año 1987
• Es la quinta obra perfeccionada por Louis Clark incluida en el álbum "The Classics in Rhythm"
• En 1995, Ritchie Blackmore la recreó en el último trabajo de Rainbow ("Stranger in us all").
Rick Wakeman incluyó varios compases de esta obra al final de su "Journey to the Centre of the Earth".

• La banda finlandesa Apocalyptica la versionó en su álbum de 2001 "Cult"
• En la canción "(Reach) the Sun" del grupo de deathcore alemán Maroon se escucha un fragmento.
• La banda sueca de viking metal Vintersorg toca una versión en la canción "För Kung och Fosterland" del álbum "Till Fjälls".
• El grupo español Ska-P pone un fragmento en la canción "Simpático holgazán" del albúm 'Eurosis'.
• La banda holandesa Epica hizo un cover de esta canción en su álbum "The Classical Conspiracy" .
Anselmo Sacasas hizo una versión en mambo llamada “El Salón del Rey del Mambo”.

• La banda Inglesa de rock The Who hace un cover en la reedición de 1995 de su disco "The Who Sell Out".
• En 2010, una modificación de esta pieza fue parte de la banda sonora de la película "La Red Social".
• El mismo tema es retomado en el videojuego "Doriath" (1982) y "Manic Miner" (1983).
• Asímismo, es notoria la similitud de esta composición con el tema central de la película "El Inspector Gadget", basada en la serie de animación del mismo nombre.

- “La mañana” Suite Nº 1 Opus 46
• Fue una pieza favorita de Carl Stalling, quien a menudo la usó para algunos cortos en Warner Bros. También se nota cierto parecido con esta melodía en la banda sonora "El Señor de los Anillos", precisamente al principio del tema de "La comarca". Esta obra, al contrario de lo que muchos piensan, fue creada para representar un amanecer en el desierto del Sahara, no en los fiordos de Noruega.

• En abril de 2012 la Filarmónica de Copenhagen sorprendió a los pasajeros del metro con esta inesperada actuación:

Paul Gilson


El 15 de junio de 1865 nació en Bruselas el profesor, crítico, director de orquesta y compositor Paul Gilson, considerado como la figura musical más importante en la Bélgica de principios de siglo. Al año siguiente su familia se trasladó a Ruisbroek, en la provincia belga de Brabant. Allí recibe las primeras lecciones de música del organista local Auguste Cantillon

A los 17 años se trasladó a Bruselas donde escuchó los consejos de Gevaert, obteniendo en 1889 el Premio Roma (belga) con su cantata “Sinaï”. En el Teatro Real de la Monnaie presentó “Las Nibelungen” y en un concierto popular “Les Russes”. Se sintió tan atraído por la obra de Wagner - desde que escuchara “El anillo en La Monnaie”- como por la moderna escuela rusa, gracias a los conciertos populares que, financiados por la condesa de Mercy-Argenteau, introdujeron esta música en su país. Así, Gilson conocería personalmente a Borodin, Rimski-Korsakov y Scriabin. Precisamente del Grupo de los Cinco -pero también de su amistad con Albéniz, del que cuenta una divertida anécdota- habla mucho en sus simpáticas memorias “Notes de musique et souvenirs”, publicadas tan sólo tres meses antes de su muerte. La obra de Borodin y Rimski -su sensual melodismo y colorista orquestación- marca de modo rotundo el estilo del maestro belga.


Su obra “La Mer” puede considerarse su mayor logro en el terreno orquestal:
I. “Sunrise”, II. “Sailor´s Dance”, III. “Twilight” 1/22/2, IV “Storm” 

Sólo la celebridad de la excepcional (y posterior) página homónima de Debussy ha podido condenar al olvido los cuatro bocetos sinfónicos que, fechó Gilson en 1892. Esta espléndida composición, ya conocida por una anterior grabación de Devreese (Marco Polo, 1994) que prescindía del coro masculino sin palabras en la wagneriana "Tormenta" final, está construida en torno a un tema principal de carácter cíclico que recorre y unifica sus cuatro movimientos. Un contemporáneo señaló: “Es ésta una partitura que uno no puede abrir sin que el viento de la tempestad sople en sus oídos”. Esta obra dió la vuelta a Europa: Bruselas, Londres, San Petersburgo, Varsovia, Berlín (donde la dirigió Richard Strauss) y París.


Tuvo el mismo éxito en Amberes y Bruselas con el drama lírico “Princesse Rayon de Soleil”. Compuso una obra considerable: coros populares, páginas para fanfarrias, transcripciones y diversos arreglos, así como sus obras para piano I, II (Lode Backx). Con Jean Absil a la cabeza, los jóvenes belgas de los años veinte fueron sus discípulos y presidió la agrupación de los “Synthetistes” (Marcel Poot, Nicolas Bernier, Gaston Brenta y Maurice Schoemaker). Publicó obras de teoría musical, entre las que destaca un "Tratado de armonía". Gilson falleció en Bruselas, el 3 de abril de 1942 a los 76 años.

Otras composiciones:
Música vocal:
“Mélodies écossaises”:  I. “The Flowers Of The Forestby”, II. “Sweet May Morning”III. “Jig And Song”  canto y orquesta; “Cantate inaugurale”, estrenada en Bruselas en 1897; “Francesca da Rimini”, (1892) y oratorios, entre otras.
Música teatral:
“Princesa rayo de sol”, representada en Amberes en 1903, “La captive”, ballet, representado en Bruselas en 1902.

Waylon Jennings


El 15 de junio de 1937 nació en Littlefield (Texas) el músico y cantante country Waylon Jennings, uno de los pioneros del movimiento 'outlaw, un grupo informal de músicos que no comulgaban con el corporativismo musical de Nashville. Antes de cumplir los diez años ya tocaba la guitarra y formó su propio grupo.

Uno de sus primeros trabajos fue como disc-jockey en una emisora de radio local de Texas. Fue allí donde conoció a un joven músico de rockabilly llamado Buddy Holly y Jennings pasó a ser el bajista de su banda. El fatídico 3 de febrero de 1959, 'el día que murió la música', Waylon, que en principio era uno de los pasajeros del avión que les iba a trasladar al siguiente concierto, cedió su asiento al cantante Big Bopper, aquejado de un resfriado. La alternativa era un viaje en autobús a través de carreteras repletas de nieve. Buddy Holly, antes de subir al avión bromeó con Jennings: "Espero que no se os congele el bus", a lo que Waylon respondió con sorna: "Espero que no se estrelle vuestro avión". Ésta frase persiguió a Jennings durante años y dejó de actuar por un tiempo volviendo a su labor de DJ.

A mediados de los sesenta volvió a componer música y comenzó a encontrar detractores en la comunidad musical de Nashville por no utilizar a los clásicos músicos de sesión en sus grabaciones, prefiriendo usar su propia banda que le acompañaba en sus giras. De este modo su sonido, con ciertas concesiones al rock, se salía de la línea marcada por el tradicional country-pop de Nashville. Esta escisión de músicos 'fuera de la ley Nashville' fue aumentando con la llegada de Willie Nelson, Billy Joe Shaver, Johnny Cash y Kris Kristofferson, que preferían seguir las raíces honky tonk del country.

A lo largo de su carrera, Jennings publicó numerosos álbumes de gran influencia en el género como 'Good Hearted Woman' (1972), 'Lonesome', On’ry and Mean''Honky Tonk Heroes' (1973), 'Dreaming My Dreams' (1975), 'Waylon Live' y 'Are You Ready For The Country' (1976). Sus colaboraciones con Willie Nelson (con el que consiguió en 1978 un Grammy por su hit crossover 'Mamas don't let your babies grow up to be cowboys'), Jessi Colter o The Highwaymen (junto a Johnny Cash, Willie Nelson y Kris Kristofferson) fueron también bien recibidas por público y crítica. En los años ochenta superó una fuerte adicción a la cocaína y siguió actuando hasta bien entrados los noventa. Murió en febrero de 2002 a los 64 años.

Eddie Hinton


El 15 de junio de 1944 nació en Tuscaloosa (Alabama) el guitarrista y cantante de blues Eddie Hinton. Uno de tantos grandes músicos olvidados que, formando parte de la legendaria sección de ritmo de Muscle Shoals, participó en hits de Wilson Pickett, Arthur Conley, Aretha Franklin, Joe Tex, Solomon Burke, Percy Sledge, The Staple Singers, The Dells, Johnnie Taylor, Elvis Presley, the Box Tops, Boz Scaggs y Otis Redding.

Nieto de un predicador, usó sus influencias gospel en sus canciones en las que narraba historias de pena y redención. En Tuscaloosa formó su propia banda, The Five Minutes, que adquirió gran fama local. Como compositor tuvo un gran éxito con 'Breakfast in Bed', grabada por Dusty Springfield y UB40 con Chrissie Hynde. También era un extraordinario cantante y llegaron a llamarlo el 'Otis Redding blanco'. El legendario Jerry Wexler, cuando oyó a Hinton en las sesiones de Muscle Shoals lo bautizó como 'el próximo bombazo'. Desafortunadamente no fue así, ya que sus batallas personales con el alcohol y las drogas y cierta inestabilidad mental precipitaron su carrera y su vida personal a la ruina y acabó subsistiendo en la calle tocando por unos centavos.

Con la ayuda de amigos y colegas como su compañero de Universidad John D. Wyker se recuperó y volvió a componer y actuar en 1982 y el resultado fue 'Letters From Mississippi' publicado en Europa, que devolvió a Hinton a la primera línea recibiendo numerosas ofertas para tocar en el viejo Continente así como en el sur de Estados Unidos, donde seguían apreciando su magnífico blues vocal y su experimentada técnica con la guitarra. Siguieron 'Cry & Moan' (1991) y 'Very Blue Highway' (1993).

La salud de Hinton había mejorado mucho y se encontraba viviendo con su madre en Birmingham. Tras un gira por Italia se dispuso a grabar a principios de 1995 su siguiente álbum en los estudios Birdland. Cuando estaba dando los últimos toques a las mezclas finales sufrió un fatal ataque al corazón falleciendo a los 51 años. En las notas de 'Hard Luck Guy', su trabajo póstumo, Jerry Wexler comentaba: "Es un caso único, un chico blanco que cantaba con el mismo espíritu de aquellos grandes artistas negros del soul que veneraba. Y no era una simple imitación; era su propia creación impregnada con una intensidad y fiereza tan reales como las que mostraban Otis Redding y Wilson Pickett"


LP 'Back Home Again'


El 15 de junio de 1974 se publicó en EEUU bajo el sello RCA el álbum 'Back Home Again', octavo trabajo de estudio del cantautor norteamericano de origen alemán e hijo de un oficial de la Air Force estadounidense, John Denver. Los tres singles extraidos, 'Back home again', 'Annie's song' y 'Sweet surrender' fueron hits y el álbum alcanzó el nº1 el 10 de agosto siguiente.

"Me crié rodeado de música country", explicaba John, "mi padre era un gran aficionado al género y 'Back Home Again' iba a ser mi álbum country. Tanto 'Back home again' como 'Grandma's feather bed' o 'Thank God I'm a country boy' son temas country. Las otras canciones, aunque no se pueden considerar estrictamente del género, surgieron en un contexto campestre y de granja".
Denver utilizó además instrumentos acústicos para conservar la atmósfera casera, de recogimiento y quietud hogareña. "No hay una sola guitarra eléctrica en el disco", aseguraba y recalcaba que el título del álbum fue literal: "Trata de la vuelta a casa de la carretera y encontrar todas esas cosas con las que había soñado cuando era un chaval. Sobre todo, una mujer, mi compañera en la vida"

Esa mujer era su esposa y compañera desde el colegio Ann Martell, quien inspiró 'Annie's song', el corte del álbum que alcanzó el nº1 en varias listas. La idea de la canción le vino mientras esquiaba en Aspen (Colorado). La pareja había pasado por un período áspero en su relación, pero en ese momento su amor había renacido con más fuerza que nunca. "Me deslizé colina abajo y volví directamente al tele-silla. Mientras remontaba, noté como me ardían las piernas y el corazón me latía con fuerza y me dí cuenta de repente, ¡qué maravilloso era sentirse vivo! 


El aire era puro y olía tan bien y el azul del cielo era más intenso que nunca. Todo a mi alrededor llenaba mis sentidos. Y comenzé a pensar en otras cosas que llenasen mis sentidos y pensé en nuestra relación. Y pensé en las noches en el bosque y las montañas en primavera..."

Cuando John Denver alcanzó la cima, ya tenía la letra casi completa en su cabeza. "Volví a deslizarme colina abajo directamente hacia mi coche y cuando llegué a casa subí rápidamente las escaleras para agarrar mi guitarra y terminar la canción". El 27 de julio 'Annie's song' se convirtió en el segundo nº1 de la carrera de Denver. No terminan aquí los temas personales del álbum. 'This old guitar', es, como explica él mismo: "La historia de mi vida en tres minutos".

Otro tema que muchos consideran autobiográfico es 'Thank God I'm a country boy', pero en este caso el autor no fue Denver. La canción fue escrita por John Martin Sommers, un amigo de John que lideraba entonces un grupo de bluegrass llamado Liberty. "Los invité a una de mis giras como teloneros y cuando oí la canción, supe que estaba hecha para mí. Tenía una gran energía y funcionaba muy bien en los conciertos." A pesar de ello, nunca se pensó en ella como single. Un año después RCA editó una versión en directo, tomada del álbum 'An Evening with John Denver', que alcanzó también el nº1

1) 'Back home again' (J.Denver)
2) 'On the road' (Carl Franzen)
3) 'Grandma's feather bed' (Jim Connor)
4) 'Matthew' (J.Denver)
5) 'Thank God I'm a country boy'  (John Sommers)
6) 'The music Is you' (J.Denver)
7) 'Annie's song' (J.Denver)
8) 'It’s up to you' (Steve Weisberg)
9) 'Cool an'green an'shady' (Denver, Joe Henry)
10) 'Eclipse' (J.Denver)
11) 'Sweet surrender' (J.Denver)
12)'This old guitar' (J.Denver)

Harry Nilsson


El 15 de junio de 1941 nació en Nueva York, el compositor y cantante pop Harry Nilsson. Comenzó su carrera a principios de los sesenta como autor de canciones y en 1964 ya estaba en el equipo de Phil Spector. Compuso temas para Monkees, Glen Campbell, Shangri-Las y Yardbirds. A partir de 1966 comenzó a grabar bajo su nombre y cuando Paul McCartney y John Lennon manifestaron que Harry era su cantante norteamericano favorito, su fama se disparó.

Muchos calificaban a Harry Nilsson como un genio. Otros lo consideraban un caprichoso y auto-indulgente músico con aires de diva. Lo que ninguno pudo negarle es la singularidad de sus trabajos y, aunque su habilidad para incorporar un amplio abanico de estilos vocales y composición a su repertorio le procuró un amplio seguimiento, su personalidad bohemia e independiente (que en numerosas ocasiones fue vista como un obstáculo para su éxito) no permitió que la industria musical le considerara uno de los grandes. Un año después de su muerte, David Hiltbrand, del Entertainment Weekly escribió:  "El eclecticismo -en ocasiones anacrónico- de Nilsson y su debilidad por la botella le relegaron a una relativa oscuridad que, no obstante, no pudo eclipsar del todo su talento". Durante su etapa creativa más activa (1967-1978), jamás realizó giras o conciertos en vivo y sus apariciones en TV eran contadas, prefiriendo concentrar sus esfuerzos creando en los estudios de grabación.  Irónicamente, aunque muchas de sus canciones llegaron a ser hits en voces de otros, los mayores éxitos comerciales de Nilsson como cantante, estaban escritos por otros autores.

Harry Edward Nilsson III era nieto de artistas circenses suecos. Su padre, Harry Edward Nilsson Jr, abandonó la familia cuando el joven Harry tenía tres años, así que creció junto a su madre y sus hermanastros. Tras formar parte de los equipos de baseball y baloncesto de su colegio en Long Island, con dieciséis años, Harry y su madre se trasladaron a California para finalizar allí su etapa de high school. Allí su tío John, un mecánico de San Bernardino ayudó a Nilsson a mejorar sus habilidades vocales y musicales. La mala situación económica de la familia obligó a Harry a buscar empleo. Trabajó como asistente en el Paramount Theater de Los Angeles y, cuando este cerró en 1960, solicitó un puesto en un banco, presentando un curriculum falso, ya que no llegó a finalizar la high-school.

Tenía aptitudes y talento para los ordenadores, que comenzaban a usarse por entonces en las entidades bancarias y a pesar de descubrirse su engaño con su educación, lo mantuvieron en su puesto. En el banco, sus colegas le conocían como 'Harry Nelson' y al mismo tiempo, seguía practicando con la guitarra y el piano y componiendo bajo el nombre de Nilsson. Ya desde 1958 Nilsson se había visto atraído por formas de música popular como el R&B de Ray Charles y durante su etapa trabajando en el Paramount Theater formó un dúo vocal con su amigo Jerry Smith con el que cantaba temas de armonías vocales al estilo de los Everly Brothers. Las lecciones del tío John y su talento natural le ayudaron a conseguir en 1960 un trabajo con el compositor Scott Turner, cantando sus canciones y grabando demos. Turner le pagaba 5 dólares por canción.

En 1963, Nilsson comenzó a tener cierto nombre como compositor y trabajó junto a John Marscalco en un tema para Little Richard. Éste, cuando oyó cantar a Nilsson, exclamó: "¡Vaya! Cantas muy bien para ser blanco". Marascalco produjo y financió algunos singles publicados de forma independiente, como 'Baa baa blacksheep' y 'Donna, I understand', bajo seudónimos como Bo Pete o Johnny Niles. Su persistencia comenzó a dar frutos cuando tres de sus canciones fueron a parar a álbumes de artistas producidos por Phil Spector. En 1964 conoció al autor y editor musical Perry Botkin Jr, quien ayudó a Nilsson a encontrar un mercado para sus canciones. A través de Botkin, Harry entró en contacto con el compositor y arreglista George Tipton 

Tipton invirtió todos sus ahorros, 2.500$ en financiar la grabación de cuatro canciones de Nilsson con sus arreglos. Lograron vender las canciones a Tower Records, subsidiaria de Capitol y en 1966 apareció su primer álbum, 'Spotlight on Nilsson'Tipton seguiría siendo el arreglista de Nilsson hasta 1971, año en que terminó abruptamente su relación sin conocerse los motivos. El álbum no fue una sensación de ventas, pero ayudó a dar a conocer a Nilsson en la industria discográfica. No pasó mucho tiempo antes de que RCA le ofreciera un contrato exclusivo y en diciembre de 1967 se publicó 'Pandemonium Shadow Show', en el que incluía sus primeras versiones de temas de los Beatles'You can't do that' y 'She's leaving home' y un homenaje a Phil Spector con su versión de 'River deep, mountain high' de Ike & Tina Turner.


Asímismo incluía seis temas propios, entre ellos 'Without her''1941' y 'Cuddly toy'. Su segundo álbum tampoco logró tener unas ventas significativas, sin embargo, fue muy emitido por la radio y otros músicos contemporáneos estaban impresionados con su amplio abanico de estilos vocales y musicales.

Los Monkees incluyeron 'Cuddly toy' en su álbum 'Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd.' y los Yardbirds versionaron 'Ten little indians'. Pero el impacto más significativo y mediático fue el que produjo en John Lennon, quien al parecer lo estuvo oyendo con gran atención durante 36 horas seguidas, tras lo cual, llamó a Nilsson por teléfono para felicitarle. Cuando poco después Paul McCartney y John Lennon manifestaron que Nilsson era su cantante americano favorito, muchos ojos y oídos se tornaron hacia él.

Su siguiente trabajo, 'Aerial Ballet' también produjo más canciones para otros artistas como Three Dog Night, cuya versión de 'One' alcanzó el puesto nº5 en 1969 y significó el primer millón de ventas de un tema compuesto por Harry. El mismo Nilsson consiguió un Top10 con una canción de Fred Neil'Everybody's talkin', una de las dos únicas canciones contenidas en el álbum que no procedían de su autoría. El tema fue elegido como tema principal de la película 'Midnight Cowboy', ganando la partida a 'Lay Lady Lay' de Bob Dylan, y se grabó una nueva versión por la que Nilsson obtuvo su primer Grammy.

Su propia propuesta como tema para la película, 'I guess the Lord must be in New York City', fue un hit en 1970 y apareció junto a otros temas de éxito como 'Waiting' en el álbum 'Harry' (1969). Al mismo tiempo, Harry se dedicó a escribir música para el cine y la TV. En 1968 compuso la banda sonora de 'Skidoo', una comedia dirigida por Otto Preminger, en la que Nilsson se permitió un cameo como guardia de seguridad. El año siguiente compuso la música y el tema principal ('Best friend') para la serie de TV 'The Courtship of Eddie's Father'.

Su mayor éxito en TV fue la banda sonora que compuso para el film de animación 'The Point', que contenía el tema 'Me and my arrow'. Su carrera discográfica también iba viento en popa y en 1970 publicó 'Nilsson sings Newman', con temas de su colega de Los Angeles, Randy Newman, un cantautor todavía desconocido en aquellos días, con temas como 'I'll be home''Love Story''Dayton Ohio 1903' y 'So long Dad'. 1971 sería su gran año, cuando publicó el álbum 'Nilsson Schmilsson', que contenía el tema 'Without you', el cual le lanzaría al éxito internacional. Compuesto por Pete Ham y Tom Evans de Badfinger, 'Without you', interpretado con el personal estilo y la magnífica voz de Nilsson fue nº1 durante cuatro semanas, millonario en ventas y el mayor éxito comercial de su carrera, además de obtener por él su segundo Grammy.


Otros temas destacables del álbum fueron 'Coconut' y 'Jump into the fire'. Asimismo, con la publicación de 'Nilson Schmilsson', Harry sacó a escena a Schmillson, un alter-ego musical bajo el cual publicaría dos álbumes más, 'Son of Schmilsson' (1972) cuyo hit principal fue 'Spaceman' y 'A little Touch of Nilsson Schmilsson in the Night', en el que ofrecía una colección de standards del siglo XX como 'It had to be you', 'As time goes by' y 'I wonder who's kissing her now'.

Estas entregas fueron recibidas con críticas poco entusiastas, considerándolas obras menores. Unos atribuían el hecho a un bajón creativo; otros a un exceso de narcisismo autoindulgente. A pesar de las críticas, Nilsson permaneció activo y en 1974, gracias a sus buenas relaciones con los cuatro Beatles, colaboró con Ringo en el guión y la banda sonora del film de horror cómico 'Son of Drácula', en el que ambos aparecen. Uno de los temas de la banda sonora, 'Daybreak', sería el último hit de Nilsson, alcanzando con esfuerzo el Top40.

Lennon y Nilsson de fiesta
También en 1974 publicó un nuevo álbum de standards, 'Pussy Cats' ésta vez de rock'n'roll y producido por John Lennon, con temas como 'Rock around the clock' o 'Subterranean homesick blues' de Dylan. Fue por esta época -coincidente con el famoso 'lost weekend' de Lennon separado de Yoko Ono- cuando los dos amigos (que además del amor por la música compartían el mismo amor por la botella) protagonizaron más de un escándalo en las noches californianas, especialmente, un episodio en el que los echaron a ambos borrachos del Troubadour de Los Angeles. Para colmo, en las sesiones de grabación de 'Pussy Cats', Nilsson se dañó las cuerdas vocales, perdiendo sus tonos agudos para siempre.

El apartamento londinense de Nilsson
Harry también protagonizó indirectamente una de las páginas negras y tristes del rock'n'roll. Tras residir por un tiempo en Inglaterra con motivo de una grabación, cuando Harry volvió a California, alquiló su apartamento londinense a otros músicos que andaban de paso por la capital británica. En 1974, uno de sus inquilinos fue la cantante Mama Cass, de The Mamas and the Papas, que murió repentinamente mientras dormía en el apartamento. Cuatro años después, Keith Moon, de The Who, fallecía en la misma cama.

Los siguientes años siguió grabando álbumes como 'Duit on Mon Dei' (1975), 'Sandman''That's the Way It Is' (1976) y 'Knnillssonn' (1978) que no tuvieron gran repercusión en las listas de ventas. Finalmente, tras publicar un par de álbumes recopilatorios, RCA le rescindió el contrato. A partir de aquí su producción fue esporádica. Compuso el musical 'Zapata' junto a Perry Botkin Jr con libreto de Allan Katz, que se estrenó en East Haddam (Connecticut) como única representación. También compuso las canciones de la banda sonora del film 'Popeye' (1980), dirigido por Robert Altman.

'Flash Harry' (1980)
En 1980, Mercury Records le volvió a ofrecer una oportunidad y publicó 'Flash Harry', el cual, a pesar de contar con colaboraciones de John Lennon, Ringo Starr y Eric Idle de los Monty Python fue, de nuevo, un fracaso comercial. En el momento de la publicación de 'Flash Harry', fue asesinado John Lennon. A Nilsson le afectó profundamente y se apartó del mundo musical por un tiempo y concentró sus esfuerzos en recabar fondos para las organizaciones que propugnaban un mayor control de las armas de fuego. Asumiendo que su etapa creativa musical había llegado a su fin, en los años ochenta se dedicó al cine, aunque únicamente en su parte financiera, llegando a ser propietario de una compañía de distribución llamada Hawkeye, cuyo mayor éxito fue el film de Whoopi Goldberg 'The Telephone'. En 1991, su versión de 'How about you' se incluyó en la banda sonora del film de Terry Williams 'El rey pescador'

A principio de los años noventa, circularon rumores de que Nilsson estaba buscando sello para la publicación de un nuevo álbum. Este hecho era debido a la necesidad económica que tenía Harry a causa de que uno de sus asesores financieros malversó su fortuna dejándolo prácticamente en la bancarrota. El asistente fue detenido y encarcelado durante dos años, pero Harry y su familia pasaron momentos muy difíciles. La tragedia volvió a golpearle cuando el día de San Valentín de 1993 sufrió un ataque al corazón por el que hubo de ser hospitalizado durante dos semanas. Los planes de grabación del nuevo álbum quedaron aplazados. Una vez recuperado y en casa, comenzó a componer los temas para su hipotético nuevo álbum, pero a finales del año su salud empeoró y en enero de 1994 Harry murió en su domicilio de Los Angeles a los 52 años.

David Rose


El 15 de junio de 1910 nació el pianista, arreglista, compositor y director de orquesta norteamericano David Rose. Aunque nacido en Londres, creció en Chicago y en los años treinta se labró una buena reputación como arreglista de Frankie Trumbauer y liderando la banda de la emisora WGN. Fue invitado a trasladarse a Hollywood donde se hizo cargo de una orquesta con la que actuaba dos veces a la semana en un programa llamado 'California Melodies'.

En esta época compuso su primer gran éxito, 'Holiday for strings'. Durante la 2ª guerra mundial conoció a Red Skelton quien lo convenció para ser el director musical de su show televisivo, en el que Rose permaneció hasta 1968. En 1958 compuso el tema 'The stripper', que se ha convertido con el tiempo en un clásico tema para acompañar los striptease de cabaret. También compuso música para series  de TV como 'Bonanza', 'La casa de la pradera' y 'Autopista hacia el cielo'. Murió a los 80 años en agosto de 1990.