03 julio 2012

Fontella Bass



El 3 de julio de 1940 nació en St. Louis, (Missouri), la cantante de R&B Fontella Bass. Muchas veces confundida con Aretha Franklin, comenzó con seis años cantando en el coro de la iglesia. De adolescente comenzó a participar en varios concursos de talentos y en 1961 tocaba el piano en las grabaciones de Little Milton. Es conocida, sobre todo, por su hit 'Rescue Me', que fue nº1 en las listas de R&B y Top20 en las listas británicas y estadounidenses de pop, asegurándose un lugar entre las mejores cantantes femeninas de los años sesenta.

La madre de Fontella, Martha, era cantante profesional con los Clara Ward Singers, un grupo de gospel que solía acompañar al reverendo C.L. Franklin, padre de Aretha Franklin, por lo que cuando su madre se encontraba de gira, Fontella permanecía junto a su abuela Nevada Carter. Musicalmente muy precoz, la joven tenía cinco años cuando comenzó a acompañar a su abuela al piano cuando ésta cantaba en los servicios funerales. Antes de cumplir los diez, ya acompañaba a su madre en las giras con los Clara Ward Singers a través de los estados del Sur y Sureste del país. En la adolescencia conoció la música 'profana' y tras asistir a actuaciones de blues en los clubes de St Louis, la magia del escenario la atrapó y con diecisiete años comenzó a actuar profesionalmente en clubes a lo largo del río Mississippi.

Su madre no le permitió enrolarse en una feria ambulante y Fontella se quedó en St. Louis donde aceptó trabajar como pianista para el bluesman Little Milton Campbell. Cuando a este le ofrecieron grabar en Chess Records, a Bass le ofrecieron cantar además de tocar el piano. Más tarde, Little Milton y su director de orquesta, el saxofonista Oliver Sain se separaron y Fontella permaneció con Sain, que formó la Oliver Sain Soul Revue con el cantante Bobby McClure y el trompetista Lester Bowie, futuro marido de Bass.

Bobby McClure y Fontella Bass
Al mismo tiempo, Fontella también deseaba colaborar con otras bandas del área de St Louis como Ike y Tina Turner y sus Kings of Rhythm. A Sain no le gustaban estos escarceos e instó en 1965 a Bass, y a su nuevo marido Lester Bowie, a viajar a Chicago. Allí Fontella firmó con Checker Records, el sello de R&B de los hermanos Chess. Su primer éxito fue 'Don't mess up a good thing', un tema escrito por Sain, un dueto clásico interpretado con Bobby McClure, en el que interpretan a un hombre y una mujer que se presentan una lista mutua de fallos y errores de conducta y advirtiéndose uno al otro, que si las conductas erróneas persisten se puede estropear algo bueno y bonito. Este enfrentamiento dialéctico tenía reminiscencias de los temas country 'Wild side of life' de Hank Snow, y su respuesta 'It wasn't God who made the honky tonk angels' de Kitty Wells. Fue un Top5 de R&B que volvieron a grabar Ry Cooder y Chaka Khan en 1979. Le siguió otro dúo con McClure, 'You'll miss me (when I'm gone)' que tuvo un éxito más moderado.


El single que le siguió, 'Rescue me' la consolidó. Tenía el clásico estilo Stax del bajo conduciendo la melodía apoyado por los chispeantes metales y un juego vocal de llamada-respuesta -típico del gospel- en los coros.

En la grabación participaron un joven baterista llamado Maurice White (años después en Earth, Wind & Fire) y Minnie Riperton en los coros. Fue nº1 en las listas de R&B y alcanzó el Top20 en las listas de pop inglesas y estadounidenses. Además fue el primer millón de ventas que conseguía un artista de Chess desde que lo había logrado Chuck Berry diez años antes. El tema lo habían compuesto Fontella y Raynard Miner, pero en los créditos aparecieron como autores Miner y Carl Smith. En Chess le prometiron arreglarlo más adelante pero cuando recibió el cheque por sus derechos de autor, Bass tampoco estuvo de acuerdo con la cifra, que consideraba insuficiente, y siguió luchando por lo que ella consideraba justo. Esto le trajo cierta fama de problemática en el mundo discográfico, por lo que, tras grabar algunos temas más como 'Recovery' y 'You'll never know' en 1966, desapareció del mapa musical.

'Free' (1972)
Por aquel tiempo, su marido, el trompetista Lester Bowie se movía por la escena del jazz avant garde y con su banda Art Ensemble of Chicago viajó a Paris para un trabajo de tres años. Fontella le acompañó y grabó la banda sonora 'Les Stances a Sophie' (1970) y 'Art Ensemble of Chicago with Fontella Bass'. Más tarde regresó a Estados Unidos y grabó el álbum 'Free' (1972) con Oliver Sain, que fracasó en las listas de ventas. Desanimada, abandonó el mundo musical unos años para criar a sus cuatro hijos limitando sus actuaciones vocales a las iglesias locales.

En 1978 se divorvió de Bowie y durante los años ochenta grabó esporádicamente trabajando de nuevo con Oliver Sain, sin éxito. En 1991, cuando Bass se encontraba prácticamente arruinada, American Express usó la canción 'Rescue Me' en una campaña publicitaria. Fontella demandó a la compañía y a su agencia publicitaria por uso indebido de su canción, y en 1993 recibió una compensación de $50.000. En 1994 grabó 'Breath of Life' con el World Saxophone Quartet. El año siguiente se publicó en Nonesuch Records el álbum de gospel 'No Ways Tired' y en 2001 apareció 'Travelin', en el que colaboró su hijo Bahnamus Bowie a los teclados. Últimamente colaboró con The Cinematic Orchestra en su álbumes 'Every Day' (2002) y 'Ma Fleur' (2007). Fontella falleció el 26 de diciembre de 2012 tras haber sufrido unos días antes un ataque al corazón.

Mississippi John Hurt


El 3 de julio de 1893 nació en Carroll County (Mississippi) el cantante y guitarrista de blues Mississippi John Hurt. Aunque pequeño de estatura y con una voz que parecía más un susurro, su influencia en el folk y el blues fue importante. Disfrutó de dos carreras profesionales separadas por 35 años. En los años veinte le ofrecieron un contrato discográfico, gracias al cual viajó a Memphis y Nueva York. Posteriormente la Gran Depresión lo sumió en la oscuridad. En los años sesenta, jóvenes aficionados al folk y el blues, redescubrieron a Hurt y hasta su muerte en 1966, realizó giras con gran éxito por todo el país.

John Hurt nació en Teoc, una pequeña comunidad de granjeros situada en Carroll County, de la que hoy día sólo quedan apenas dos casas. La fecha de nacimiento de Hurt ha suscitado alguna controversia, ya que en su lápida aparece la fecha de 8 de marzo de 1892, pero los historiadores parecen haberse puesto de acuerdo en el 3 de julio de 1893. Siendo aún un niño, su familia se mudó a Avalon (Mississippi), donde creció junto a siete hermanos y dos hermanas. Hurt asistió al grado elemental de la escuela, lo suficiente para aprender a leer y escribir. La familia amaba la música y cuando John cumplió nueve años, su madre le regaló una guitarra que aprendió a tocar él mismo. Avalon se encontraba lejos de las rutas habituales de los bluesmen del Delta, por lo que Hurt desarrolló su propio estilo de 'fingerpicking' en el que usaba el pulgar para marcar el ritmo en las cuerdas graves, mientras tres dedos ejecutaban la melodía o los acordes.

La casa en la que creció
En 1910 realizó sus primeras apariciones públicas en fiestas o reuniones informales de vecinos y amigos que se juntaban para escuchar música y relajarse los fines de semana, tras el duro trabajo en la plantación. Aún así, Hurt no tocó en bailes, como la mayoría de sus contemporáneos. Su estilo con la guitarra era demasiado elaborado para proveer el ritmo insistente y machacón necesario para el baile. Además su registro vocal era muy limitado para destacar entre el gentío de los juke-joints nocturnos del Delta. En su edad adulta, Hurt trabajó primero en la plantación recogiendo maíz y algodón, y más tarde como vaquero y en el ferrocarril, colocando rieles. Allí fue donde aprendió canciones ferroviarias como 'Spike driver blues'.

Willie Narmour
En 1923, Willie Narmour, un granjero blanco de Avalon que tocaba el violín en bailes locales le pidió a Hurt que le acompañara con la guitarra cuando su habitual guitarrista no podía. En aquellos tiempos de fuerte segregación racial, ésto fue una muestra del respeto que había logrado Hurt gracias a su técnica y habilidad con el instrumento. Unos años más tarde, Narmour ganó un concurso de violín en Carroll County y atrajo la atención del cazatalentos Tommy Rockwell, que trabajaba para Okeh Records. Las compañías discográficas estaban barriendo el sur buscando a artistas, cuya música pudieran registrar en el nuevo invento que estaba causando furor: el fonógrafo. Cuando Rockwell conoció a Narmour en Avalon, le preguntó si sabía de alguien más en la zona que mereciese la pena grabar y el violinista les habló de John Hurt.

Ambos se acercaron a su casa y Rockwell, tras oir los primeros compases del segundo tema que les cantó Hurt, no necesitó oir más. Invitó a Hurt a Memphis para una sesión de grabación. El 14 de febrero de 1928 John Hurt se convirtió en Mississippi John Hurt y ese mismo año grabó ocho temas, dos de los cuales, 'Frankie' y 'Nobody's dirty business' fueron su debut discográfico en el sello Okeh. En Memphis conoció a numerosos cantantes de blues, como Lonnie Johnson, Blind Lemon Jefferson, Bessie Smith y muchos más. El mismo Hurt describió su primera sesión: "Estábamos los tres solos en una gran sala: Rockwell, el ingeniero y yo. Aquello me pareció mágico. Me senté en una silla y colocaron el micrófono frente a mi boca y me dijeron que no me moviera cuando por fin encontraron la posición ideal. Tuve que mantener mi cabeza quieta. Aquello me puso tan nervioso que sufrí dolor en el cuello durante varios días". Otros temas grabados por Hurt en Memphis fueron 'Stack O' Lee' y 'Candy man blues':


El blues del hombre de los dulces

Venid y acudid, mujeres del lugar
porque el hombre de los dulces ha llegado a la ciudad
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

Tiene una piruleta que mide 23 centímetros
y la vende más rápido que lo que tarda un cerdo en comerse una mazorca de maíz
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

Todas habéis oído a la hermana Jones
Ella siempre se lleva una piruleta a la cama
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

No te arrimes demasiado al hombre de las piruletas
porque te pondrá una piruleta en la mano
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

Le vendió una a la hermana Bad
Al día siguiente vino a por todas las que le quedaban
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

Si pruebas su dulce, amiga mía
Lo vas a estar deseando mucho mucho tiempo
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

Su piruleta nunca se derrite
Incluso mejora, es lo que dicen ellas
es el hombre de los dulces, el hombre de los dulces

A pesar de la escasa repercusión de sus grabaciones, Rockwell insistió y llevó a Hurt a Nueva York para una segunda sesión en diciembre de 1928, donde grabó temas para otros cinco discos de 78rpm. Era la segunda vez que Hurt se había alejado más de 30 km de su pueblo y en el último tema que grabó, 'Avalon blues', se percibe su nostalgia por su tierra en un frío Nueva York durante las Navidades: "Avalon's my home-town / always in my mind"

Las grabaciones de Hurt significaron una decepción en Okeh Records. Quizás el error que cometieron fue catalogar su música como blues, cuando la mayoría de las canciones de su repertorio nada o poco tenían que ver con la original forma de blues que nació a pocas millas de la puerta de su casa. Sus temas se podían calificar más como ragtimes procedentes de canciones populares folclóricas europeas y su estilo cantando estaba más próximo al country que al blues. Es muy probable que John Hurt hubiera encontrado su público entre los blancos, aunque los de Okeh Records se empeñaban en publicarlo bajo las colecciones de 'race records' (discos de raza). De todos modos dio igual, ya que la llegada de la Gran Depresión, que obligó a cerrar a Okeh Records, provocó que su prometedora carrera se viera truncada abruptamente, volviendo Hurt a Avalon a sus trabajos en la granja, donde se instaló con Jessie Lee, su segunda mujer y donde crió a su familia. Siempre encontró trabajo y de vez en cuando solía tocar en pequeñas reuniones o fiestas, pero permaneció años en el olvido.


El interés en su música resurgió a principio de los años cincuenta, tras la publicación de la monumental 'Antología de la Música Folk Americana'. El estuche de seis discos incluía los temas 'Frankie' y 'Spike Driver Blues', que Hurt había grabado para Okeh Records en 1928.

Como la mayoría de los intérpretes que aparecían en la Antología, Hurt era un misterio para todos. De hecho, muchos pensaban que era un músico blanco. Los guitarristas, sobre todo, estaban entusiasmados con la técnica de John Hurt y comenzaron a aprender, primero las canciones de la Antología, después las que surgían de viejos discos de 78rpm. Cuentan que un alumno de Andrés Segovia le llevó al maestro un disco de Hurt. Tras escucharlo, Segovia, que no podía imaginar que aquello lo tocara una sola persona, preguntó quién tocaba la segunda guitarra.

John Hurt y su familia en 1963
Cuando a principio de los años sesenta el blues y folk revival estaba en su apogeo, dos jóvenes músicos de folk de Washington D.C., Tom Hoskins y Mike Stewart escucharon el viejo 'Avalon Blues' en una cinta que un coleccionista les había prestado. ¿Y si existe de verdad un sitio llamado Avalon?, se preguntaron. Y si es así, ¿vivirá Mississippi John Hurt aún allí?. No hallaron el sitio en un mapa contemporáneo, pero tras consultar uno de 1878, descubrieron una pequeña localidad llamada Avalon en el Delta del Mississippi. Cuando llegaron allí, de Avalon sólo quedaba un almacén situado en la carretera entre Grenada y Greenwood. Preguntaron a unos hombres sentados en el porche si habían oído hablar de John Hurt. La respuesta no tardó en surgir: "Claro", dijo uno de ellos señalando en una dirección, "una milla más abajo, el tercer buzón de la derecha. No tiene pérdida" .

Cuando Hoskins y Stewart llegaron a su casa, Hurt se encontraba en el campo con el tractor. Se presentaron, explicaron que estaban interesados en su música y sacaron una grabadora portátil. De vuelta en Washington, Hoskins publicó dos álbumes conteniendo los temas que había grabado en casa de Hurt. No pasó mucho tiempo antes de que el mismo Hurt se trasladara a Washington a tocar en los clubes de folk. Fue la sensación del Festival de Newport en 1964 y en el Philadelphia Folk Festival, ese mismo año. Repentinamente, con 71 años. Mississippi John Hurt era una de las estrellas de la escena del folk americano.

Los siguientes tres años actuó en numerosos festivales y clubes de todo el país y publicó álbumes en los sellos Piedmont y Vanguard satisfaciendo a sus fans con su amplio repertorio de baladas, ragtimes, viejas canciones pop y canciones religiosas, salpicadas con sus anécdotas y su encantadora personalidad.  En su primer álbum se incluyeron varias de sus grabaciones de 78rpm y dos temas que Hurt aprendió de niño, 'Spanish fandango' y 'Salty dog'.

En 1963 grabó para la Librería del Congreso y en la mañana del 15 de julio registró 39 temas variados, entre los que se encontraban 'Talking Casey Jones', 'Trouble I've had it all my days', 'Oh Mary don't you weep' y un tema dedicado a su esposa Jessie, 'Waiting for you'. Su técnica de 'fingerpicking' era inusual entre los músicos negros de su tiempo, sólo Elizabeth Cotten, otra guitarrista autodidacta, usaba una técnica similar, aunque Cotten era zurda y tocaba con las cuerdas del revés. No obstante, la forma de tocar de Hurt influyó notablemente en músicos como Leo Kottke y Stefan Grossman. John Fahey, un guitarrista que ha llevado muchas de la técnicas de Hurt a campos desconocidos e inexplorados, compuso 'Requiem for Mississippi John Hurt', incluido en su trabajo 'Requia' publicado por Vanguard Records. Hurt murió en noviembre de 1966 a los 73 años.

Leoš Janáček


El 3 de julio de 1854 nació en Hukvaldy (Moravia del Norte) el compositor checo Leoš Janáček el más importante de su país de comienzos del siglo XX. De niño formó parte del coro de un monasterio de Brünn (hoy día Brno). Más tarde, estudió en San Petersburgo, Leipzig, Praga y Viena. Admirador de Antonín Dvorák, entre 1881 y 1888 fue director de la Filarmónica Checa.

Leoš Janáček en 1881
Asimismo fundó e impartió clases en la escuela de órgano de Brünn (1882-1920) y en el Conservatorio de Praga (1920-1925). Recogió muchas composiciones folclóricas y durante un breve periodo publicó una revista especializada. Consiguió reputación internacional con su ópera Jenufa (1904, revisada en 1916 y compuesta en un estilo vehemente y de gran fuerza dramática). Al igual que su Misa glagolítica (1926), está influida por los ritmos y acentos de la lengua morava. El lento desarrollo de su estilo personal, el hecho de padecer un amor no correspondido que le inspiró el Diario de un desaparecido y la aparición de un fuerte sentimiento nacionalista, en especial a partir de la proclamación de Checoslovaquia en 1918, suscitaron en él una desbordante capacidad creativa. Janácek realizó con el profesor František Bartos un importante trabajo de recopilación de canciones populares en Moravia pero su obra como compositor se retrasaba.

Leoš Janáček en 1904
No es fácil clasificar las obras de Janáček en un estilo concreto, pues su música es muy personal. En sus primeras obras se advierten influencias de la música alemana, pero pronto incorpora a su música el conocimiento que tenía de la música popular checa y eslava en general. Sus obras maduras muestran una construcción a base de breves motivos formados por pocas notas, que se repiten constantemente, apoyados en un uso sorprendente de la armonía más tradicional y con ritmos casi siempre irregulares y asimétricos. Las formas en Janacek tienden a la libertad de la rapsodia, sin utilizar nunca formas clásicas como las derivadas de la sonata o el rondó, pero no obstante a menudo consigue una gran unidad y coherencia dentro de cada obra.

Manuscrito de 'Sinfonietta' (1926)
Sus obras más famosas las compuso durante los últimos diez años de su vida. Por esta razón se le considera un compositor del siglo XX, a pesar de que tenía cuarenta y siete años cuando comenzó el siglo. Durante este período compuso:
- Dos cuartetos de cuerda, el primero inspirado por la “Sonata a Kreutzer de Liev Tolstoi” (The Australian Chamber Orchestra) y el segundo llamado “Cartas íntimas” 1/4, 2/4, 3/4 y 4/4 (The Vlach Quartet of Prague) en el que se consigue una gran expresión lírica en un lenguaje que se aparta tanto de la tradición clásico-romántica como de la vanguardia musical de su época;


- El dúo piano-cello “Pohadka” (Božo Paradžik, double bass & Hansjacob Staemmler, piano), y
- El Sexteto para viento “Mladi” (Kersten McCall - Flauta, Maurice Bourgue - Oboe, Harmen de Boer - clarinete, Kim Rijks - Bajo clarinete, Bram van Samebeek - Bajo, Radovan Vlatkovic - trompeta)

• Obras orquestales:
- “Taras Bulba” (Czech Philharmonic Orchestra, & dir. Sir Charles Mackerras)
- “Sinfonietta” (extracto) (Czech Philharmonic Orchestra & Jiří Kout). Completa (WDR Sinfonieorchester & dir. Jukka-Pekka Saraste), completa.

• Óperas:
- “Šárka” (1887), con libreto de Julius Zeyer. Dueto (Eva Urbanova - Sarka, Leo Marian Vodicka – Ctirad & The Janacek Philharmonic Orchestra of Europe)
- “El comienzo de un romance” (1894), con libreto de Jaroslav Tichý, basado en Gabriela Preissová.
- “Jenůfa” (1904), un drama acerca de la vida rural en Moravia, con libreto del compositor, Preludio (Rafael Kubelik & Orchestra of the Bavarian State Opera)
- “Osud” (Destino) (1904), con libreto de Fedora Bartošová (Mackerras - Welsh National Opera)

Escena de 'Katya Kabanova'
- “Las excursiones del señor Broucek” (1920), con libreto de Viktor Dyk y František Sarafínský Procházka.
- “Katya Kabanová” (1921), libreto de Vincenc Cervinka, basado en el drama "La Tempestad" de Aleksandr Ostrovski, Final (Soprano Christina Vasileva)
- “La zorrita astuta” (1924), fábula sobre animales en el bosque, con libreto del compositor (Gerald Finley, Bajo barítono, Sir Simon Rattle, dir. & Berliner Philharmoniker)
- “El caso Makropulos” (1926) (Anja Silja, Emilia Marty, The London Philharmonic & dir. Ancrew Davis), con libreto del compositor Karel Čapek
- “De la casa de los muertos” (1930), libreto del compositor, basado en la obra de Dostoyevski, Introducción (Czech Philharmonic & Václav Neumann)

• Música para piano:
El piano de Janáček
- “Sonata 1.X.1905” (1905) “From the street” 1/2 y 2/2 (Rudolf Firkusny)
- “En el sendero cubierto” (1908) 1/4, 2/4, 3/4 y 4/4 (Rudolf Firkušný, piano), un ciclo autobiográfico, diario muy privado de recuerdos e impresiones, sueños e imágenes.
- “En la niebla” (1921) (Rudolf Firkusny)
- "Concertino para piano, dos violines, viola, clarinete, trompa y fagot” (1925) (Oscar Oliver, piano. Ensemble Col legno & dir. Robert Ferrer). Originalmente concebido como concierto para piano y dedicado al pianista Jan Heřman.


También Janácek fue autor de excelentes composiciones corales sobre textos extraídos de poemas de Petr Bezruc. Es muy importante su producción operística por lo que hoy día se le considera una de las figuras importantes de la música del siglo XX. En sus óperas incorpora los recursos fonéticos de la lengua checa de forma muy sugestiva, y el uso que hace de la instrumentación orquestal es de gran originalidad, consiguiendo a veces impresionantes escenas de una enorme expresividad.

A pesar de su independencia estilística, la versatilidad del lenguaje inconfundible de Janáček le permite asimilar influencias tanto de la música francesa (Debussy) como de la vanguardia vienesa (Berg), sin perder su originalidad. Al igual que sucede con Béla Bartók o Zoltán Kodály, músicos a los que se parece en algunas ocasiones, Janacek fue un gran estudioso de la música popular eslava. Sus estudios aparecen reflejados en la edición de numerosas canciones folclóricas, como es el caso de su recopilación de canciones populares moravas.

Jacobus Gallus


El 3 de julio de 1550 nació en Reifnitz (hoy, Ribnica, Eslovenia) el compositor del Renacimiento Jacobus Gallus Carniolus. Usaba la forma latina de su nombre (Petelin significa "gallo" en esloveno), al que le agregaba el adjetivo Carniolus, referido a su lugar de nacimiento.

Gallus dejó Eslovenia en su juventud y como monje viajó por Austria, Bohemia, Moravia y Silesia. Por un tiempo vivió en Melk Abbey, Austria. Fue un miembro de la capilla de la Corte Vienesa en 1574, y el director de coro (Kapellmeister) para el obispo de Olomouc (Moravia) entre 1579 (o 1580) y 1585. Desde 1585 hasta su muerte trabajó como organista en Praga para la Iglesia Jana na Zábradlí. Gallus murió en 1591 en Praga. Su trabajo más notable fue la sexta parte de “Opus musicum”, 1577, una colección de 374 motetes que cubriría eventualmente las necesidades litúrgicas del año eclesiástico entero:

- “Opus musicum” (5 motetes) (Huelgas Ensemble & Paul Van Nevel)
- “Alleluia, Cantate Domino” (Göteborg Baroque Arts Ensemble)
- “Musica noster amor” (Ljubljanski madrigalisti & Matjaž Šček, dir.)
Los motetes fueron impresos en la imprenta Jiří Nigrin, en Praga. Su estilo vasto, ecléctico, mezcló arcaísmos y modernidad. Con poca frecuencia usó la técnica de canto firme, prefiriendo la manera policoral veneciana igualmente también usaba métodos más antiguos.

Sus ediciones seculares, cerca de 100 trozos cortos, fueron publicados en las colecciones de “Harmoniae morales” (Praga 1589 y 1590) y “Morales” (Nuremberg 1596).
Otras grabaciones destacadas:
“Ecce Quomodo Moritur” (The Slovene Madrigalist Chamber Choir)
“Pater Noster” (The Slovene Madrigalist Chamber Choir)
“Natus est Nobis” (Angelica Leánykar & Angelica Girls' Choir)
“O salutaris hostia” (Stanislav Předota)