17 julio 2012

Phoebe Snow


El 17 de julio de 1950 nació en Nueva York la cantante, guitarrista y compositora Phoebe Snow, recordada sobre todo por su tema 'Poetry Man', que fue un hit en 1975. Pasó su infancia rodeada de música de blues, jazz y clásica, que se escuchaba a diario en su casa, gracias a la afición de su padre. Su madre además era amiga de numerosos músicos de folk que tuvieron su esplendor en los años cincuenta y sesenta. Uno de ellos fue Pete Seeger, que le enseñó a Phoebe su primer blues y la puso en contacto con la música de artistas anteriores a ellos. Así, sus primeras influencias provenían de músicos como Seeger, Woody Guthrie y Leadbelly.

Al mismo tiempo, a través de programas de TV como 'American Bandstand', Phoebe se mantenía al día con la música pop. Aprendió a tocar la guitarra muy joven y con dieciocho años comenzó a tocar y cantar como amateur en los clubs de Greenwich Village. Fue en uno de estos clubes, The Bitter End, donde un ejecutivo de Shelter Records la descubrió y le ofreció un contrato. Cambiaron su verdadero nombre Laub por el más comercial Snow y en su primer álbum, 'Phoebe Snow' (1974) se incluía su éxito 'Poetry man', Top5 en las listas Billboard. El álbum también fue Top5 y por él le fue concedido a Phoebe el Grammy al mejor nuevo artista del año. Contenía otros grandes temas como 'Harpo's blues' y 'I don't want the night to end'.

Apareció en la portada del Rolling Stone y en numerosas ediciones de Saturday Night Live, algunas de ellas memorables. Le siguió el álbum 'Second Childhood', publicado en 1975 con temas como 'No regrets'. Ese mismo año nació, fruto de un matrimonio que duró poco, su hija Valerie. La niña sufría un grave daño cerebral, que ningún médico supo explicar y que, según la mayoría, la llevaría a la muerte en pocos meses. Phoebe se negó a admitirlo y, gracias a sus cuidados, Valerie vivió 31 años junto a su madre. Esta circunstancia le imposibilitó marcharse de gira para promocionar sus discos, lo que significó un bajón considerable de ventas.

Sus siguientes trabajos en Columbia, 'It Looks Like Snow' (1976), 'Never Letting Go' (1977) y 'Against the Grain' (1978) tampoco respondieron bien, aunque no paraba de colaborar con su magnífica voz -capaz de abarcar cuatro octavas-, en las grabaciones de todos los grandes del pop: Linda Ronstadt, Paul Simon, Donald Fagen, Billy Joel, Queen, David Sanborn, Jackson Browne y Michael McDonald, entre muchísimos otros.

A pesar de ello, Phoebe pasó unos malos años ochenta, superando ella misma una grave enfermedad y teniendo que grabar jingles publicitarios para poder seguir adelante con los cuidados de su hija. Tuvo cierto respiro económico gracias a una indemnización que recibió del hospital en el que dio a luz (Phoebe ganó el juicio demostrando que la causa de la enfermedad cerebral de su hija fue un error médico del hospital), y en 1989 publicó un nuevo álbum, 'Something Real'. En los noventa volvió a las giras apuntándose, entre otras con Donald Fagen a su 'New York Rock and Soul Revue'.

En 2003 publicó su primer álbum con temas nuevos tras catorce años sin grabar, 'Natural Wonder'. Siete años después, cuando tenía en proyecto volver a los estudios para grabar un nuevo disco tuvo que ser ingresada en un hospital a causa de una hemorragia cerebral. Murió en abril de 2011 a los 60 años.

Ron Asheton


El 17 de julio de 1948 nació en Washington D.C. el guitarrista Ron Asheton, conocido por su trabajo como guitarra solista del grupo de rock de Detroit, los Stooges, una banda de rock garaje fundada en 1967 y liderada por el carismático y salvaje Iggy Pop. Para muchos, su labor en los Stooges puede considerarse como el punto de despegue de lo que diez años más tarde se llamaría punk rock.

Asheton comenzó a tocar la guitarra con diez años, cansado quizás del acordeón que sabía tocar desde los cinco. Cuando cumplió dieciocho años ya vivía en Ann Harbor (Michigan) y tocaba junto a su hermano Scott, Iggy Pop y David Alexander en los Stooges. Muy pronto la banda adquirió gran renombre en los alrededores de Detroit gracias a sus agresivas interpretaciones y las impactantes apariciones de Iggy en escena.


En este punto hay que recalcar que aún corrían los años sesenta, en los que su oferta musical devastadoramente ruidosa y el estilo vocal desafiante de Iggy eran tragos difíciles para los oídos de la generación Woodstock.

Pero perseveraron y en 1969 consiguieron un contrato con Elektra Records que publicó su disco debut. Fue el estilo de Asheton a la guitarra el que ayudó a definir un sonido que fue característico en bandas como Sex Pistols, Clash, Ramones, etc. A mediados de los setenta los Stooges se separaron tras publicar tres grandes álbumes, que sin embargo tuvieron pésimas ventas.  Los años siguientes Asheton y su hermano continuaron tocando, juntos o acompañando a otros.
En 2003 los Stooges se reunieron para una gira y 30 años después de su ruptura grabaron el álbum 'The Wierdness'. En enero de 2009, Asheton fue encontrado muerto en su domicilio, aparentemente a causa de un infarto sucedido unos días antes.

Los Stooges en 2003

Nicolette Larson


El 17 de julio de 1952 nació en Helena (Montana) la cantante pop y country Nicolette Larson, conocida principalmente por el pequeño éxito que obtuvo en 1978 con su versión de 'Lotta love' de Neil Young, tema incluido en su álbum debut 'Nicolette', con el que se ganó la denominación de mejor vocalista femenina de 1978 según la revista Rolling Stone.

También se la puede oir esos años haciendo coros en grabaciones de Linda Ronstadt ('Mad love'), Doobie Brothers ('Sweet feelin''), Neil Young ('Four strong winds') o Emmylou Harris ('Hello stranger'). Otros éxitos menores de Larson fueron: 'Rhumba girl', 'Let me go, love' (1979) con Michael McDonald, 'Fool me again' (1981) de la banda sonora de 'Arthur' y 'I only want to be with you' (1982).

Su último éxito en las listas fue una canción country de 1985, 'That’s how you know when love is right', cantada a dúo con Steve Wariner. En 1988, Larson contribuyó a las bandas sonoras de los films 'Renegade' (Renegado Jim) y 'Twins' (Los Gemelos golpean dos veces) con los temas 'Let me be the one' y 'I'd die for this dance', esta última acompañada de Jeff Beck a la guitarra. Continuó como vocalista de sesión y trabajó con Dolly Parton, 'Weird Al' Yankovic y Jimmy Buffett. En los años noventa Larson sufrió fuertes depresiones que ella combatía ingiriendo numerosos tranquilizantes que le produjeron un fallo hepático, lo que le causó la muerte en diciembre de 1997 a los 45 años.

Julián Infante


El 17 de julio de 1957 nació en Fuente el Fresno (Ciudad Real) el guitarrista rock Julián Infante, conocido por su paso por dos grandes bandas del pop español, Tequila (1975-1982) y Los Rodríguez (1990-1996).

Tequila
Hacia 1977, junto con Ariel Rot, Felipe Lipe, Manolo Iglesias y Alejo Stivel, Julián forma el grupo Tequila, que con temas como 'Rock and roll en la plaza del pueblo', 'Quiero besarte', 'Me vuelvo loco', 'Mira a esa chica' y 'Dime que me quieres', fue una de las bandas míticas en los primeros años de democracia en España.

Tras la disolución del grupo en 1982, y pese a que siguió colaborando con distintos grupos y artistas en aportaciones menores, como Glutamato Ye-ye, Desperados, Pistones, Academia Parabütten o Martirio, Julián no vuelve a triunfar con ninguna banda hasta que en 1990 coincide de nuevo con Ariel Rot en otro grupo que sería uno de los de mayor éxito de aquella época, Los Rodríguez, integrado también por Germán Vilella y Andrés Calamaro.

Fue una de las bandas que mayor número de conciertos dio y más discos vendió en España en los primeros 90, dejando una enorme lista de grandes éxitos como 'Mucho mejor', 'Dulce condena', 'Sin documentos', 'Canal 69', 'Mi enfermedad', 'La milonga del marinero y el capitán', 'Palabras mas, palabras menos', 'Copa rota', 'Salud (Dinero y amor)' y 'Para no olvidar'. O 'Extraño' y 'Sol y sombra', las únicas dos canciones compuestas íntegramente por Julián, la primera, dedicada a su padre.


Tras el lanzamiento en 1996 de un disco de grandes éxitos, 'Hasta luego', Los Rodríguez se separan. Mientras que Ariel Rot y sobre todo, Andrés Calamaro, inician una fructífera carrera en solitario, Julián no consigue lanzar el que sería su primer disco, ya que murió víctima del sida en diciembre de 2000 a los 43 años.

Joe Morello


El 17 de julio de 1928 nació en Springfield (Massachussetts) el baterista de jazz Joe Morello, conocido por su pertenencia durante 12 años al cuarteto de Dave Brubeck. Tuvo de niño problemas de visión y con doce años aprendió a tocar el violín, instrumento con el que llegó a ser solista de la Boston Pops Orchestra interpretando a Mendelssohn. En 1943, sin embargo, se cambió a la batería y sus primeras jam-sessions las realizó con Phil Woods.

Estudió en Boston con Billy Gladstone y George Lawrence Stone, colaboró con Stan Kenton a principios de los cincuenta y se trasladó en 1952 a Nueva York. Aquí se une al trío de la pianista Marian McPartland hasta 1955. Al año siguiente comienza su colaboración con Dave Brubeck, a quien acompañará habitualmente hasta bien entrados los setenta y cuya pasión por las estructuras rítmicas complejas era compartida por Morello.

Junto a Brubeck, Morello grabó discos memorables del jazz como 'Time Out' (1959), 'Real Ambassadors' (1962), 'Bravo! Brubeck!' (1967) o '25th Anniversary Reunion' (1976). Desde finales de los sesenta se dedicó también a la enseñanza, escribiendo varios métodos y teniendo famosos alumnos como Max Weinberg o Conan O'Brien.
En su carrera de 50 años grabó por lo menos 120 álbumes, la mitad de ellos con Brubeck. Entre sus obras más destacables se encuentran 'Joe Morello Sextet' (1956), 'It's About Time' (1961) y 'Going Places' (1993). Morello murió en marzo de 2011 a los 82 años.

Vince Guaraldi


El 17 de julio de 1928 nació en San Francisco el pianista de jazz Vince Guaraldi, un apasionado del piano boogie, cuyas más grandes influencias provenían de Jimmy Yancey. Nacido como Vincent Anthony Guaraldi, Vince creció en una familia muy musical. Sus tíos, Muzzy Marcellino (un director musical de TV) y Joe Marcellino (violinista y director de banda) percibieron pronto el interés del pequeño en la música y con siete años ya estaba tomando lecciones de piano, que no abandonó en sus años adolescentes.

Cuando terminó la high school, entró como aprendiz en el Daily News de San Francisco. Allí sufrió en 1949 un accidente en el que casi pierde un dedo, y este incidente resultaría crucial en su vida, ya que gracias al apoyo familiar y su amor propio por desarrollar su talento, decidió dedicarse por entero a la música. Ese mismo año asistió al Conservatorio de San Francisco y realizó su primera actuación profesional. Su primer trabajo serio lo tuvo junto a Cal Tjader en 1950. A continuación tocó en las bandas de Bill Harris y Chubby Jackson y en 1953, con Georgie Auld. Dos años más tarde Guaraldi trabajó con Sonny Criss y se presentó en la escena beatnik con su propío trío. En 1956 pasa un año con Woody Herman, más tarde con Tjader de nuevo, y, en 1959 con los Lighthouse All Stars.

Su estilo al piano estaba lleno de energía, influido por el bebop y el boogie woogie. Pero a finales de los años cincuenta apareció la bossa nova, un híbrido entre la samba y el cool jazz con ritmos ligeramente sincopados y tenues melodías. Fue durante su estancia en Nueva York con Cal Tjader, cuando Guaraldi escuchó por primera vez las músicas latinoamericanas, algo que influiría poderosamente en su estilo al piano. Años antes de que la mayoría de los músicos norteamericanos fueran conscientes de la bossa nova, Guaraldi ya estaba buscando las maneras de fundir su piano en los hipnóticos ritmos y suaves texturas que requerían el estilo llegado de Brasil. Realizó varias grabaciones junto al guitarrista brasileño Bola Sete, así como con Conte Candoli y Frank Rosolino.

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El interés por la bossa y el que despertó la banda sonora del film 'Orfeo Negro', en el que se ponía al dia la leyenda de Orfeo y Eurídice situándola en el Carnaval de Rio, llevó a Guaraldi a grabar en 1962 el álbum 'Jazz Impressions of Black Orpheus'.

De él se extrajo un single, 'Samba de Orpheus', pero fue su cara B la que se hizo muy popular gracias a la insistencia de un disc-jockey californiano. 'Cast your fate to the wind' se incluyó a última hora y con prisa porque el álbum resultaba demasiado corto de tiempo, y el tema recibió el Grammy por mejor composición de jazz de 1962. El disco llegó a las manos de numerosos jóvenes compradores de discos y fue uno de los primeros temas de jazz que alcanzó el Top40 de las listas pop.

Debido al éxito del álbum, Guaraldi continuó experimentando nuevos campos para su música. Cuando la Archidiócesis Episcopal de California le encargó una pieza de jazz para acompañar la Sagrada Eucaristía, Guaraldi accedió y grabó en mayo de 1965 'Grace Cathedral Concert' con un coro de 200 voces que entonaban cantos gregorianos mientras Guaraldi y su grupo ejecutaban improvisaciones de jazz. Aunque algunas personas lo consideraron inapropiado, críticos de Time Magazine y el mismo obispo James A. Pike, cabeza de la diócesis de California, alabaron la obra.


Un nuevo horizonte musical se le abrió a Guaraldi cuando le encargaron la música para la serie de TV y la película basadas en la tira cómica del dibujante Schultz, 'The Peanuts', o 'Charlie Brown y Snoopy'.  

Ralph Gleason le presentó a Vince al productor de la serie Lee Mendelson, que deseaba una banda sonora de jazz, con el fin de diferenciar su serie animada de todas las anteriores. De su colaboración nacieron 16 shows de media hora y una película 'A boy named Charlie Brown', por cuya banda sonora Guaraldi fue nominado a un Oscar en 1970. Posteriormente, Vince volvió a actuar en clubes y bares de los alrededores de San Francisco. Realizó su último show el 6 de febrero de 1976 en el Butterfield's Bar de Menlo Park (California). En el descanso entre dos pases sufrió un ataque al corazón muriendo a los 47 años.