18 julio 2012

Henri Salvador


El 18 de julio de 1917 nació en Cayenne, la capital de la Guayana francesa, el cantante y guitarrista francés Henri Salvador. Con una carrera que abarcó cinco décadas, fue una figura crucial y muy querida en la música popular francesa. Cantaba jazz clásico con un estilo vocal de crooner, acompañado de un inmenso ingenio y una risa contagiosa. Numerosas veces comparado con Frank Sinatra o Nat King Cole, Salvador fue conocido por su gran versatilidad.

Henri a los 13 años
Sus padres procedían de isla caribeña de Guadalupe, perteneciente a las Antillas francesas. El padre tenía ascendencia española y era recaudador de impuestos. Su madre, indígena afrocaribeña, "tenía una voz preciosa" recordaba Salvador, "eso lo heredé de ella". Llevaron a Henri a Paris siendo joven con la intención de que siguiera una carrera de médico o abogado. Un primo de Henri, que lo introdujo en la música jazz, dio al traste con sus planes. Salvador tenía doce años cuando escuchó por primera vez la trompeta de Louis Armstrong y la orquesta de Duke Ellington. "Estaba completamente extasiado. Me compré una guitarra por 100 francos y me enamoré del instrumento. La tocaba día y noche, hasta el punto que mi madre pensó que había perdido la cabeza".

Tras años de práctica y teniendo como modelo al guitarrista de jazz Django Reinhardt, Henri estaba en condiciones de exponerse al público tocando en los cafés y clubs de Paris. Durante la década de los años treinta muchos músicos de jazz afroamericanos se habían afincado en Francia, huyendo del fuerte racismo imperante en su país. Salvador entró a formar parte de la banda del violinista Eddie South, donde siguió perfeccionando su estilo. Antes de iniciarse la Segunda Guerra Mundial, Henri sirvió durante unos años en el ejército francés y, en 1940 recibió una oferta de Ray Ventura para unirse a su banda y realizar una gira por Sudamérica.

Ray Ventura et ses Collégiens
La seguridad de Ventura, que era judío, no estaba garantizada en el gobierno pro-nazi de Vichy y Henri, con su piel oscura y nacido en el extranjero, no lo tenía mucho mejor. Gracias a la intervención de un oficial francés -al que hubo que sobornar-, Ventura consiguió el permiso para salir del país para todos los miembros de su orquesta, incluido Salvador, que vio una buena oportunidad para abandonar Paris.

De gira por Brasil, Salvador cantaba en la orquesta de Ventura temas de Sinatra y otros importantes vocalistas norteamericanos. Al mismo tiempo absorbía la esencia de la música popular brasileña, que comenzó a impregnar algunas de sus canciones, las cuales había comenzado a componer en colaboración con otro miembro de la banda, Paul Misraki. Cuando, tras la guerra, Henri volvió a Francia, se encontraba preparado para iniciar una carrera en solitario. En 1949 ganó el Grand Prix du Disque, un equivalente francés al Grammy, por el tema 'Hey-ba-ba-re-pop'.


Su éxito continuó en los años cincuenta con temas como 'Maladie d'amour' (1950), 'Je vous'aime' (1955), 'Bonjour sourire' (1956) y 'Le loup, la biche et le chevalier (Une chanson douce)' (1957). Incluso se le escuchaba en Estados Unidos, aunque Salvador no había grabado en inglés. Dio una serie de recitales en el Waldorf Astoria de Nueva York el año 1956 y apareció en el Ed Sullivan Show.

Su visita a Norteamérica coincidió con la aparición del rock'n'roll y Henri tomó buena nota del nuevo ritmo, aún desconocido en Francia. Formó un grupo llamado los Original Rock and Roll Boys y, junto con Boris Vian y Michel Legrand escribió 'Le blues du dentiste' (1956), con arreglos de un joven Quincy Jones, y otros hits que combinaban las influencias rock con el característico sentido del humor de Salvador. Por otro lado, en 1957 compuso el tema 'Dans mon ile', donde se perciben sus reminiscencias brasileñas. Antonio Carlos Jobim, cuando la escuchó dijo: "Esta es la dirección a tomar: cambiar el tempo de la samba, transformar la armonía e introducir bellas melodías." Es por ello que muchos afirman que 'Dans mon ile', inspiró a Jobim para terminar de definir la bossa nova.

La carrera de Salvador tomó un rumbo determinante en los años sesenta, en gran parte gracias a las emisiones de variedades de Maritie y Gilbert Carpentier, en las que Henri daba rienda suelta a su faceta cómica e interpretaba sus canciones que le consagrarían como cantante popular: 'Faut rigoler' (1960), 'Syracuse', 'Le lion est mort ce soir' (1962), 'Zorro est arrivé' (1964), 'Le travail c'est la santé' (1965), 'Juanita Banana' (1966), etc. Como consecuencia de estos éxitos, consiguió su propio programa de radio vespertino titulado 'Salves d'Or'.

En los años setenta se dedicó a escribir canciones para los niños y en 1971 publicó 'Les aristochats', basada en el film de Disney, a la que siguió un tema sobre Blancanieves. Seguidamente se retiró unos años de la escena, apareciendo esporádicamente en la TV francesa. Volvió a actuar en 1982 y publicó el álbum 'Henri' con el sello EMI/Pathé Marconi. Fue el primero de una serie de álbumes que mostraban una renovada etapa creativa de Salvador. En 1988 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y en 1989 se publicó 'Des Goûts et des Couleurs', su último trabajo con EMI.

'Monsieur Henri' (1994)
En los años noventa retornó a su raíces de jazz y blues y apareció en el Festival de Jazz de Montreaux en 1991. Dos años después realizaba actuaciones con el pianista Michel Petrucciani. En 1994 firmó un nuevo contrato con Sony y viajó a Nueva York para grabar el jazzístico 'Monsieur Henri'. En el año 2000 volvió a grabar y publicó 'Chambre avec vue', que incluía temas de nuevos autores prometedores, un dueto con Françoise Hardy y algunas de las primeras composiciones de Salvador en mucho tiempo. El álbum, una delicada y romántica fusión de los sonidos de la bossa nova y el pop francés, fue un enorme éxito en Francia.

'Ma Chère et Tendre' (2003)
Blue Note editó el álbum en Estados Unidos con título en inglés, 'Room With a View' y Salvador se embarcó en una triunfal gira por Francia y Norteamérica.  En 2003 publicó en una línea similar 'Ma Chère et Tendre'. Tres años más tarde salió a la venta 'Révérence', grabado en su mayor parte en Brasil, que incluía sendos duetos con Caetano Veloso y Gilberto Gil.
Henri murió en su domicilio parisino el 13 de febrero de 2008 a los 90 años.

LP 'Fifth Dimension'


El 18 de julio de 1966 se publicó en EEUU, 'Fifth Dimension', el tercer álbum de The Byrds. El disco alcanzó el puesto 24 en las listas Billboard americanas y el nº 27 en las listas británicas. Le precedieron dos singles, 'Eight Miles High' y '5D (Fifth Dimension)', ambos incluidos en el álbum. Posteriormente también se publicó en single 'Mr Spaceman', que alcanzó el Top40. Fue en su día el álbum más experimental de The Byrds, y hoy en día continúa siendo un referente del origen del rock psicodélico.

The Byrds, todavía con Gene Clark
En diciembre de 1965, poco después de la publicación de su segundo álbum 'Turn! Turn! Turn!', The Byrds entraron en los estudios RCA de Los Angeles para grabar dos nuevos temas que habían compuesto: 'Eight Miles High' y 'Why'. Pero cuando quisieron publicarlos tuvieron problemas con su compañía discográfica Columbia, que no estaba dispuesta a publicar un trabajo que no estuviese grabado en sus propios estudios. Por lo tanto, The Byrds tuvieron que regrabar las canciones en los estudios Columbia de Hollywood, lo que les llevó a grabar un álbum completo.

Crosby, McGuinn, Clarke y Hillman
Las nuevas grabaciones de 'Eight Miles High' y 'Why' fueron producidas por Allen Stanton, el vicepresidente de Columbia en la Costa Oeste, quien había sido designado recientemente para ello, ante el deseo de los Byrds de prescindir de su antiguo productor, Terry Melcher. Melcher había guiado los pasos de la banda en sus dos primeros trabajos, que incluían los hits internacionales 'Mr Tambourine Man' y 'Turn! Turn! Turn!', ambas nº1 en EEUU. Pero durante las sesiones del segundo álbum, Terry tuvo conflictos con el manager Jim Dickson, que abrigaba en secreto esperanzas de producir él mismo al grupo. Finalmente ésto no le fue posible, ya que las normas de Columbia exigían que el productor fuera alguien de la casa, por lo que designaron a Stanton. Tras producir 'Fifth Dimension', Allen Stanton dejó Columbia para trabajar en A&M Records.

McGuinn, Hillman, Clarke y Crosby
Las grabaciones en los estudios de Hollywood comenzaron en enero de 1966 y poco después el principal compositor de los Byrds, Gene Clark, dejó la banda. En aquel momento la versión oficial para explicar su marcha,  fue que su miedo a volar no le permitía cumplir sus obligaciones con el grupo. Más tarde se supo que hubo otros factores que habían generado tensiones, como el resentimiento que tenían sus compañeros al ver que Gene, como autor de la mayoría de sus canciones, ganaba bastante más dinero que ellos.

Gene Clark
'Eight Miles High' fue el único tema del álbum en el que todavía toca Clark. El resto se grabó tras su partida, aunque hizo de 'invitado estelar' en el tema 'Captain Soul'. Para suplir su marcha, los guitarristas Jim McGuinn (se cambiaría el nombre a Roger el año siguiente) y David Crosby dieron un paso al frente e incrementaron su producción musical. A pesar de ello, la pérdida de Clark originó un álbum irregular que incluía cuatro versiones y un instrumental. No obstante uno de sus puntos notables es que fue el primero de sus trabajos que no incluía una versión de Bob Dylan, cuyas canciones habían sido hasta entonces parte fundamental de su repertorio.


'Eight miles high', es sin duda el tema más famoso y significativo  del álbum. Musicalmente era una fusión de la guitarra de McGuinn -fuertemente influido por John Coltrane- y las voces y estructuras rítmicas de los raga, inspiradas por la música tradicional india de Ravi Shankar.

Escrita casi enteramente por Gene Clark durante la gira del grupo por Estados Unidos en noviembre de 1965, el tema fue fundamental en el proceso de transición del folk rock al rock psicodélico y al raga rock. Sin embargo, estuvo vetado en numerosas emisoras de radio que interpretaban en el título (ocho millas en lo alto) una apología del consumo de drogas. (Estar 'high' [alto] en el mundo anglosajón es estar 'colocado'). En realidad la letra hacía referencia a la altitud a la que vuelan los aviones comerciales, como el que les llevó a su gira por el Reino Unido en 1965 y a su primera visita a Londres.

Dos canciones compuestas por McGuinn fueron '5D (Fifth Dimension)' y 'Mr spaceman', esta última, una muestra temprana de country rock y una meditación sobre la existencia de vida extraterrestre. McGuinn y David Crosby estaban convencidos de la posibilidad de comunciación con los extraterrestres a través de las ondas de radio. McGuinn, especialmente pensaba que si la canción se emitía por la radio, existía la posibilidad de que un extraterrestre captara las ondas y se pusiera en contacto. Años después McGuinn admitió: "Hubiera sido imposible, ya que las ondas radiofónicas en la Onda Media se dispersan con demasiada rapidez".

'5D (Fifth dimension', por otro lado, fue un intento de explicar de modo resumido la teoría de la relatividad de Einstein, algo que fue malinterpretado por muchos como un 'viaje' bajo los efectos del LSD. La revista Variety en concreto la nombró como "una más de la serie de canciones pop con veladas alusiones a las drogas en su letra". Estas acusaciones produjeron que el single también fuera vetado en muchas emisoras del país.

Jim McGuinn
Otro tema de McGuinn es la pieza que cierra el álbum, '2-4-2 Fox trot (The Lear jet song)', un intento de crear una aproximación auditiva a un vuelo en un jet Lear. Inspirado en la amistad de los miembros del grupo con John Lear, famoso constructor aeronáuico y el título hace referencia a la matrícula de su jet privado: N242FT. La canción ofrece un extenso muestrario de efectos sonoros, incluyendo el recitado de la lista de comprobación pre-despegue en la cabina y el sonido de las turbinas al despegar. Aunque se puede catalogar la canción como uno de esos improvisado y rápidos temas de cierre como 'Oh Susannah' y 'We'll meet again' de sus álbumes anteriores, Crosby y McGuinn se tomaron la grabación de '2-4-2' con una tremenda seriedad argumentando que era un intento innovador de incorporar sonidos mecánicos a una canción pop.

David Crosby
La contribución como autor de David Crosby fue 'What's happening?!?!', una de las primeras de una serie de canciones con temas abstractos y preguntas irresolubles tan características de Crosby en su futura carrera con Stills y Nash y en solitario. En una entrevista semanas después de aparecer el disco Crosby admitió que era una canción extraña: "Las preguntas son: qué está pasando, porqué está pasando y a quién pertenece lo que está pasando. En la canción me hago preguntas porque realmente no conozco las respuestas". Como en 'Eight miles high', aquí también hay fuertes influencias de la música india en la melodía y la guitarra. Fue la primera canción en un disco de The Byrds compuesta únicamente por David Crosby.

Jim McGuinn y David Crosby
Crosby y McGuinn colaboraron en 'I see you', otro ejemplo de letra con conceptos abstractos combinada con solos de guitarra con influencias indias. Johnny Rogan, uno de los biógrafos de The Byrds comenta: "'I See You' fue una de las muestras del salto que hicieron los Byrds de las canciones de contenido romántico-depresivo de Gene Clark hacia material con contenidos psicológicos".

Chris Hillman
El instrumental 'Captain soul' está acreditado a los cuatro miembros de la banda y surgió de una jam-session en el estudio interpretando el tema de Lee Dorsey 'Get Out of my Life, Woman'. Gene Clark les acompaña a la armónica.
Las versiones del álbum incluyen el tema 'Hey Joe (Where you gonna go)' de Billy Roberts, que Crosby había intentado grabar con los Byrds sin éxito desde 1964. Cuando otras bandas de San Francisco como Love o The Leaves obtuvieron éxito con sus respectivas versiones, el enfado de Crosby con sus compañeros, que no habían confiado previamente en las posibilidades del tema, fue considerable. Estos finalmente accedieron y 'Hey Joe' se grabó con Crosby a la voz solista.


Otra de las versiones del álbum, 'I come and stand at every door', es seguramente la canción más macabra en el repertorio de Byrds. En la letra, una adaptación de un poema de Nâzim Hikmet, se cuenta la historia de un niño de siete años víctima del bombardeo de Hiroshima. La canción describe cómo el espíritu del niño vaga por el mundo de puerta en puerta en busca de la paz en plena era nuclear.

Michael Clarke
Completan el álbum dos canciones tradicionales folk, 'John Riley' y 'Wild mountain thyme', que McGuinn había aprendido de Joan Baez y Pete Seeger, respectivamente. En 1996 se publicó una reedicion en CD con seis temas extra que incluían las versiones grabadas en RCA de 'Eight miles high' y 'Why', además de dos temas inéditos, el tradicional 'I know my rider (I know you rider)' y 'Psychodrama city' compuesta por David Crosby. Completaban el bonus la versión oficial en single de 'Why' y una versión instrumental de 'John Riley'

Glenn Hughes


El 18 de julio de 1950 nació en Nueva York el actor y cantante Glenn Hughes (no confundir con el músico de mismo nombre, bajista de Black Sabbath y Deep Purple). Hugues es conocido por haber sido uno de los cantantes originales del grupo de música disco Village People.

Village People
Glenn fue uno de los que en 1976 se presentó al anuncio: "Se buscan bailarines/cantantes con pinta de 'macho' y con mostacho" que el compositor Jacques Morali publicó en la prensa. Morali tuvo la idea, ante la gran población de gays que existía entonces en el barrio de Greenwich Village de crear un grupo vocal masculino basado en los atuendos que estos solían llevar. Así crearon los personajes del 'policía', 'el obrero', 'el soldado', 'el indio', 'el vaquero' y 'el motero'. A Hughes, aficionado a las motos en la vida real, le correspondió el papel de 'motero' enfundado en cuero negro.

Tras ser entrenado con las coreografías, su voz de bajo puede oirse en temas tan populares en las discotecas de la época como 'In the navy''Y.M.C.A.' y 'Macho man'. Estos temas, además de numerosas apariciones en las televisiones de todo el mundo, les convirtieron en iconos de la era disco y, por supuesto, han sido parodiados numerosas veces. En 1996, Hughes dejó las actuaciones con el grupo y montó su propio espectáculo en Nueva York. Durante estos años se podía ver a Hughes atravesando la ciudad sobre su Harley Davidson y ataviado con su traje de cuero negro. Murió en marzo de 2001 a los 50 años.

Ian Stewart


El 18 de julio de 1938 nació en Fife (Escocia) el pianista Ian Stewart, uno de los músicos más injustamente olvidados del rock and roll. Fue el primero en responder el anuncio que había puesto Brian Jones en la revista Jazz News buscando músicos para formar un grupo. Más tarde se apuntaron Mick Jagger, Keith Richards, Tony Chapman y Dick Taylor y en 1962 nació la primera formación de los Rolling Stones.

Ian Stewart y Keith Richards
En unos pocos meses Charlie Watts y Bill Wyman sustituirían a Taylor y Chapman quedando el grupo definido. Sin embargo el mánager del grupo, Andrew Loog Oldham, consideró que seis eran demasiados para un grupo de rock and roll, además de que la imagen de Ian, con su 1,80 de estatura, sus 90 kg y sus camisas siempre limpias y planchadas, no era la más adecuada para la imagen de la banda, por lo que decidieron apartarlo. Donde cualquier otro hubiera hecho un mundo, Stu, como le llamaban sus amigos, simplemente decidió quedarse. Su presencia se convirtió entonces en algo constante que nunca se veía sobre el escenario. Un hombre que afinaba instrumentos y llevaba a los chicos de concierto en concierto por toda Inglaterra. Road manager, chófer, asesor y confidente.

A partir de ese momento y afincado siempre en un segundo plano, Ian pasó a trabajar como guía personal en las giras y como músico de estudio en los discos. El órgano de 'Time is on my side' (1964) y el piano de 'Brown sugar', 'Let it bleed', 'Honky tonk women', 'Dead flowers', 'Sweet Virginia', 'Star, star' o 'It's only rock 'n roll (But I like it)', son solo algunas de sus aportaciones más aclamadas pero sus manos suenan en prácticamente todos los álbumes de los Stones (exceptuando 'Their Satanic Majesties Request' y 'Beggars Banquet'), desde las primeras grabaciones hasta 'Dirty Work', trabajo que no llegaría a ver editado debido a su repentina muerte en 1985, poco antes del lanzamiento del disco. Su estilo preferido era el boogie y como muestra, 'Stu Ball', un tema que grabaron en una pausa de estudio en 1966 bajo el nombre Ian Stewart & the Rail Roaders. Bill Wyman toca el bajo y produce, Keith Richards toca la guitarra y a la batería está Tony Meehan, un ex-Shadows.

Los acordes menores le "ofendían estéticamente" y si aparecía alguno en un tema, Stu se negaba a tocarlo. Por eso sus pianos siempre suenan alegres, siempre con acordes mayores. Además de los Stones, Stewart tocó el piano en dos temas de Led Zeppelin, 'Rock and Roll' y 'Boogie with Stu' (dedicado a Ian), así como en las sesiones londinenses de Howlin' Wolf. En diciembre de 1985 Ian, aquejado de un problema respiratorio, acudió a un hospital local. Mientras se encontraba en la sala de espera sufrió un infarto mortal a los 47 años.

Screamin' Jay Hawkins


El 18 de julio de 1929 nació en Cleveland (Ohio) el actor y cantante de blues y rock 'n roll Screamin' Jay Hawkins cuyo mayor éxito, 'I put a spell on you' y sus extravagantes y a veces macabros montajes escénicos influyeron en artistas posteriores como Alice Cooper, Black Sabbath y Marilyn Manson.

Sirvió en el ejército en la 2ª guerra mundial, durante la cual fue capturado y torturado. De vuelta en casa, se dedicó al boxeo, llegando a ser campeón de los pesos medios pero, en 1950, abandonó el ring para comenzar a ganarse la vida como pianista de rhythm and blues. En 1952 consiguió empleo como chófer para el músico de jazz Tiny Grimes y poco después formaba parte de la banda, los Rockin' Highlanders, como vocalista y pianista. Grimes, que por entonces grababa para Atlantic Records, le ofreció a Hawkins la oportunidad de grabar una de sus composiciones en alguno de sus discos como 'Why did you waste my time'. Posteriormente, en 1954, Hawkins tocó el piano en la banda de Fats Domino hasta que surgieron problemas entre ambos. Cuando Hawkins apareció un día enfundado en un traje de piel de leopardo, Domino tuvo bastante y lo echó.

Hawkins debutó como artista en solitario en Small's Paradise, un local de Harlem y seguidamente se trasladó a Atlantic City. En 1955 firmó con Okeh Records y grabó su primer éxito, 'I put a spell on you'. La canción, un lamento de un amor no correspondido, fue escrito en clave de balada blues. Sin embargo, el día de la grabación, el productor convirtió aquello en una fiesta y se grabó en un estado etílico considerable, además de que añadieron alaridos diversos y extraños efectos especiales como sonidos de huesos agitándose. Cuando Hawkins escuchó la versión grabada no recordaba nada. El año siguiente grabó una nueva versión para Columbia Records. Ambas versiones fueron editadas para emitir por la radio, aunque eliminaron los sonidos de huesos por considerarlos ofensivos ya que rememoraban la cultura caníbal.

Fue Alan Freed, el popular disc-jockey de Nueva York al que se le ocurrió un gag para llamar más la atención. Convenció a Hawkins para que apareciese en escena, a menudo vestido como un vampiro, surgiendo de un ataúd forrado de piel de cebra. Otros elementos de su parafernalia cómico-terrorrífica consistían en una calavera -llamada Henry- que fumaba, explosiones, y llamas que le surgían del pelo. A veces aparecía con un hueso atravesándole la nariz, otras con un taparrabos o portando un escudo y una lanza con un turbante. Estos espectáculos contribuyeron a aumentar su popularidad, pero también le llovieron las críticas de sectores conservadores. La NAACP (Asociación Nacional para el Fomento de la Población de Color) mostró su desagrado, ya que consideraban que se podían asociar las imágenes de canibalismo con la población afroamericana. Incluso los fabricantes de ataúdes se quejaron, alegando que Hawkins se mofaba del serio asunto y negocio de la muerte.


Hawkins confesó que a él mismo le chirriaba el show. Pero no podía hacer ascos a 2.000$ por actuación, y en más de una ocasión tuvo que ayudarse con las drogas y el alcohol para realizar su número. A pesar de todo, 'I put a spell on you' vendió más de un millón de copias.

Sus espectáculos inspirados en el vudú alcanzaron el punto máximo de popularidad a finales de los años cincuenta. En la década siguiente, aunque grabó algunos hits menores como 'I hear voices' y 'Feast of the Mau Mau', sus ventas cayeron y Hawkins se dedicó a realizar giras por Europa donde encontró una entregada audiencia avant garde. También giró por Asia, donde visitó las bases norteamericanas desplegadas allí. Continuó actuando en los años setenta y en 1980 actuó abriendo el espectáculo de los Rolling Stones en el Madison Square Garden. Cuatro años después, volvió a cobrar protagonismo gracias a la inclusión de su famoso éxito en la banda sonora del film 'Stranger than Paradise' de Jim Jarmusch. Asimismo apareció como actor en otro film de Jarmusch, 'Mystery Train' en 1990 y en 'Perdita Durango' (1997) de Alex de la Iglesia.

En 1990 formó el grupo Fuzztones, con los que realizó giras por los Estados Unidos y Europa. En julio de 1991 publicó el álbum 'Black Music for White People' que contenía dos versiones de Tom Waits, 'Heart attack and wine' y 'Ice cream man'. La primera, usada ese mismo año en una campaña publicitaria europea de Levi's sin permiso de Waits, fue objeto de una denuncia del cantautor, que ganó en los Tribunales. En Japón, donde su popularidad era inmensa, Hawkins grabó numerosos spots publicitarios y a mediados de los años noventa se instaló en Paris. Allí murió en febrero de 2000 a los 70 años. Encargó que su cuerpo fuese incinerado y sus cenizas vertidas al océano, porque "ya había estado en demasiados ataúdes" en su vida. Se estima que dejó alrededor de unos 75 hijos de diferentes madres.

Giovanni Battista Bononcini


El 18 de julio de 1670 nació en Módena el compositor y violonchelista italiano del Barroco, Giovanni Battista Bononcini quien dio a conocer en Europa el estilo napolitano, del que, junto con Vinci y Leo, y después de Scarlatti, es el mayor representante a pesar de su origen boloñés. Recibió sus primeras lecciones musicales de su padre Giovanni Maria Bononcini, violinista y compositor. También fue discípulo de G. Buoni y G. P. Colonna.

En 1685 publicó sus primeros trabajos para violonchelo, y dos años más tarde era violonchelista en San Petronio de Bolonia. En esta ciudad dio a conocer sus primeras composiciones religiosas: misas a ocho voces (1688), los oratorios “David”, “Josué” y La “Maddalena a piedi di Cristo” (1690) (Lavinia Bertotti) y estrenó con notable éxito varias sinfonías. Ingresó en la Academia Filarmónica y en 1688 era maestro de capilla de San Giovanni in Monte.

Posteriormente abandonó Bolonia y se instaló en Roma, donde permaneció entre 1692 y 1697. En 1700 fue nombrado compositor de la Corte Imperial de Viena y fue invitado a Berlín por la reina Sofía Carlota. Después de permanecer durante varios años en Italia, partió hacia Londres, donde sus óperas ya eran famosas. Fue protegido por el duque de Marlborough y rivalizó con Haendel. Un escándalo, en el que se le acusaba de plagio cuando se conoció que había firmado y dado a conocer como suyo un madrigal de Lotti, le obligó a abandonar Inglaterra en 1727 y, después de algunas giras de conciertos en París y Lisboa, se retiró a Viena donde murió en la pobreza el 8 de julio de 1747.

Música instrumental:
Musica de Cámara a tres instrumentos “Serenata a tre, Amor e Doppio Preludio” (Lauten Compagney & dir. Wolfgang Katschner), conciertos, sinfonías; piezas de clavecín, sonatas “Sonata para violonchelo en La menor” (Anner Bylsma: violonchelo & Gustav Leonhardt: clavicordio) entre otras.
Música vocal:
“Cantata per alto, due violini e basso continuo” (1721) (Gloria Banditelli, Ensemble Aurora & Enrico Gatti)
“Cantata “Siedi, Amarilli mia” 1/2, 2/2 (Gérard Lesne & Il Seminario Musicale), “Anthem fúnebre” (1722), “Te Deum” (1748);
oratorios, entre ellos “San Nicola de Bari” (1699) (Les Muffatti & Peter van Heyghen) ,“La Conversione di Maddalena” (1701) y 20 serenatas


Música teatral: Operas
“Xerxe” (1694) aria “Ombra mai fu” (Simone Kermes, mezzosoprano),
“Trionfo di Camilla”, (1696) (Marcel Rejans & Ensemble La Borea);
“Polifemo - Dove sei, dove t'ascondi”, 1 acto (1703) (René Jacobs & Schola Cantorum Basiliensis), “Astarto” (1720); “L’Amore de L’odio” (1721); “Crispo”, representada en Londres (1722);
“Griselda, Per la gloria d'adorarvi" (1722) (Luciano Pavarotti, tenor & Orchestra del Teatro Comunale di Bologna, dir. Richard Bonynge), “Erminia” (1723); “Astiantte” representada en Londres (1727); “Alessandro in Sidone”, “Zenobia” ambas representadas en Viena (1737).