08 agosto 2012

LP 'Another Side of Bob Dylan'


El 8 de agosto de 1964 apareció en Estados Unidos 'Another Side of Bob Dylan', el cuarto álbum del cantautor publicado por Columbia Records. El título -que no era muy del agrado de Dylan- fue impuesto por el productor Tom Wilson que pretendía definir ese 'otro lado de Bob Dylan' en el que el artista, alejado de las raíces folk tradicionales, ofrecía once nuevos temas que ilustraban, con letras introspectivas en las que se percibían influencias de sus lecturas de Baudelaire y Rimbaud, sus últimas reflexiones. Incluía varias canciones de amor y, exceptuando 'Chimes of freedom', carecía de las 'canciones protesta' tan esperadas por sus acólitos. A la crítica no le gustó este giro y a Bob comenzaron a lloverle reproches de "haberse dejado capturar por la parafernalia de la fama, abandonando las raíces puras del folk", hecho que fomentaría que el artista se sintiera cada vez más alejado de los críticos y de los que decían ser sus fans, y desarrollara esa actitud cínica, escéptica y distante con los medios y su público en los años siguientes.

En la primera mitad del año 1964 Dylan tuvo varias experiencias decisivas que marcarían en cierto modo el contenido del álbum. En primer lugar, durante una gira que Dylan realizó por los estados del Sur, escuchó por la radio por primera vez a los Beatles, que en febrero efectuaban su primera visita a Norteamérica, rompiendo todos los récords de audiencia en su aparición en el Ed Sullivan Show. El sonido de los Fab Four le impresionó profundamente: "Cuando los oí por primera vez lo supe: esta música es solo para nosotros, para los jóvenes. Sus acordes eran innovadores y sus armonías vocales encajaban todo a la perfección. Todo el mundo pensó que eran flor de un solo día, pero yo estaba convencido de que durarían. ¡¡Llegaron a tener ocho títulos en el top10!!. Establecieron nuevas escalas de valores y nuevos caminos. Todos te decían entonces: 'O haces folk, o haces rock'. Ellos demostraron que no tenía que ser necesariamente así."

Con la primavera llegó otro hecho fundamental en la vida de Dylan: Su ruptura definitiva con Suzie Rotolo. El continuado flirteo de Bob con Joan Baez terminó incomodando a Suze, que un día de finales de marzo se lo reprochó a su pareja. Suze residía en aquel momento en casa de su hermana Carla, la cual intervino en la discusión. Bob se enfureció y la increpó para que no se metiera en sus asuntos, a lo que Carla reaccionó echándolo de su casa. El cantante explica los hechos en el tema 'Ballad in Plain D', escrito con toda la visceralidad del momento. Es una de las pocas canciones que el cantante se arrepiente de haber compuesto, pero en su día fue su modo de exorcizar sus demonios emocionales.

En abril de 1964 Bob tuvo su primera experiencia con el LSD y unos días después viajó a Inglaterra para dar unos conciertos. Posteriormente visitó Paris donde conoció a la modelo alemana Christa Paffgen 'Nico', quien le acompañó en un viaje por Europa que finalizó en Grecia en un pequeño pueblo cercano a Atenas, donde Dylan permaneció una semana más dando los últimos toques a sus nuevas canciones destinadas a su próximo álbum. Una de ellas fue 'I'll keep it with mine', que Bob regaló a Nico, quien la grabaría en su álbum 'Chelsea Girl' de 1967.

De vuelta en Nueva York, Dylan no pierde el tiempo y el 9 de junio graba catorce temas en una sola sesión en la que Bob comparte sendas botellas de 'Beaujolais' con Tom Wilson y los miembros del equipo. Como en los anteriores álbumes, Dylan se acompaña con su guitarra y armónica, y en 'Black crow blues' se sienta él mismo al piano. Varias piezas del álbum tratan de una u otra manera sobre separaciones y relaciones rotas como 'To Ramona', 'I don't believe you (She acts like we never have met' o 'It ain't me, babe'. Esta última, versionada por numerosos artistas, también se puede interpretar como un mensaje a sus exacerbados y puristas fans, a los que el cantautor advierte: "No soy yo quien buscáis". No está dispuesto a convertirse en héroe o mártir de nadie ni de nada...

'Chimes of Freedom', aunque la inclusión en el título de la palabra 'freedom' pueda sugerir que se trata de una canción protesta, es, según Tom Wilson: "una canción que trata sobre los sentimientos y estados de ánimo de las personas en general". Inspirada en un encuentro del cantante con defensores de los derechos civiles en los estados del Sur norteamericano, Dylan desarrolla con imágenes surrealistas sus versos con un estilo influido por Rimbaud que definiría el estilo de composición y escritura en sus próximos trabajos.

'Motorpsycho nightmare' es un tema satírico en el que Dylan despliega todo su humor utilizando arquetipos de la época como Fidel Castro o la 'hija del granjero' para desarrollar un divertido y extravagante relato de aventuras digno de Hitchcock y 'I shall be free no 10' es un blues hablado similar al que ya publicó en 'The Freewheelin'. Con él cierra simbólicamente la etapa de sus primeros trabajos y su última reminiscencia con Woody Guthrie.
En 'Spanish harlem incident' aparece la 'desconocida, bella y enigmática', personificada en una joven de vida bohemia, fruto de la imaginación del autor, un personaje recurrente en la obra de Dylan. 'All I really want to do', también inspirada en la relación del cantante con Suze Rotolo, fue uno de los temas más populares del álbum gracias a las versiones que realizaron Cher y los Byrds en 1965.


La última canción en grabarse aquel 9 de junio fue 'My back pages', que se puede considerar la canción que resume la clave y el leit-motiv de la carrera de Dylan: Nada es tan constante e inherente a la vida misma como el cambio.

Bob examina (sin entrar en demasiados detalles) su vida, sus ideas y expectativas hasta el momento presente. No se siente obligado a renegar de ellas, pero a estas alturas, algunas frases del pasado ya le resultan algo patéticas y cargadas de mesianismo. Con la frase del estribillo: "Antes era bastante mayor, soy más joven desde entonces" pretende cerrar una etapa en la que le habían elevado (a su pesar) a la cúspide del politizado movimiento folk.


Así como en su álbum anterior, en la contraportada aparecían cinco poemas de Dylan bajo el título 'Otro tipo de canciones'. Esto llevaría al autor a firmar un contrato con el editor Bob Markel para la edición de su primera novela, 'Tarantula', la cual, aunque lista para publicar en 1966, no vio la luz hasta 1971.

Benny Carter


El 8 de agosto de 1907 nació en Harlem (New York) el trompetista, clarinetista, saxofonista, compositor, arreglista y director de orquesta de jazz Benny Carter, una de las principales figuras del jazz desde los años 30 hasta los 90, reconocido por otros músicos de jazz como 'el Rey'. Junto a Johnny Hodges y Charlie Parker, Carter estableció el standard para los saxofonistas altos de todos los estilos. También fue un consumado trombonista y pianista y sus arreglos de viento para las primeras big band de los años veinte ayudaron a la creación y desarrollo del swing.

Aunque comenzó estudiando piano con su madre y trompeta con su primo Cuban Bennett así como con el trompetista de Duke Ellington, Bubber Miley, Benny, aconsejado por Frankie Trumbauer, eligió finalmente el saxo alto. Comenzó su carrera profesional con los Wilberforce Collegians de Horace Henderson. Formó brevemente en la banda de Duke Ellington y tocó con Charlie Johnson, Fletcher Henderson y Chick Webb. Con una escisión de la banda de Webb, Carter fundó en 1932 una big band en la que militaron, entre otros, Wilbur De Paris, Chu Berry, Sid Catlett y Teddy Wilson.

Sus acompañamientos al saxo eran suaves proyecciones de su estilo solista, 'Lonesome nights' y 'Symphony in riffs' eran tan avanzadas cuando Carter las grabó en 1933, que todavía sonaban actuales a finales de los años treinta y principios de los cuarenta, cuando Artie Shaw, Tommy Dorsey, Gene Krupa y Cab Calloway grabaron sus versiones. En 1935 se trasladó a Paris con Willie Lewis y al año siguiente trabajó como arreglista de la Henry Hall Band de la BBC. En 1937 participó en una banda multiracial en Holanda y grabó junto a Django Reinhardt y Coleman Hawkins el tema 'Honeysuckle rose', considerada una de las grabaciones más influyentes del jazz.

Nuevamente en Estados Unidos en 1938, rápidamente formó otra soberbia orquesta, con la cual pasó gran parte de los años 1939 y 1940 en el famoso Savoy Ballroom de Harlem. Sus arreglos eran muy solicitados y podían escucharse en grabaciones de Benny Goodman, Count Basie, Duke Ellington, Lena Horne, Glenn Miller, Gene Krupa, y Tommy Dorsey. Aunque solamente tuvo un gran éxito en la época de las big band (una canción humorística titulada 'Cow-cow boogie', cantada por Ella Mae Morse), en los años treinta Carter compuso y/o arregló muchas de las piezas que llegaron a ser clásicos de la era del swing, entre ellas 'When lights are low', 'Blues in my heart' y 'Lonesome nights'.

Benny Carter y Louis Armstrong en 1941
En 1943 se mudó a Los Ángeles, realizando cada vez más trabajos de estudio y ayudando a los músicos a integrarse en Hollywood. Empezando con 'Stormy Weather' en 1943, arregló docenas de bandas sonoras de producciones cinematográficas y televisivas. En Hollywood escribió arreglos para Billie Holiday, Sarah Vaughan, Billy Eckstine, Pearl Bailey, Ray Charles, Peggy Lee, Lou Rawls, Louis Armstrong, Freddie Slack y Mel Torme. Escribió la música de varios films, entre ellos 'The Gene Krupa Story' y 'A Man Called Adam' y apareció en 'Las nieves del Kilimanjaro'.

Carter fue uno de los primeros músicos negros en componer música para el cine, sirviendo como inspiración a Quincy Jones en los primeros trabajos cinematográficos de este en los años sesenta. En 1945 el trompetista Miles Davis hizo sus primeras grabaciones como acompañante de Carter en el disco 'Benny Carter and His Orchestra', considerándole como un buen amigo y como su mentor.

En 1969 Carter fue convencido por un profesor de sociología de la Universidad de Princeton que había hecho una tesis dedicada al jazz, para pasar un fin de semana interviniendo en clases, seminarios y un concierto. Esto fue el inicio de una nueva actividad de Carter: la enseñanza. En los siguientes nueve años visitó la Universidad en varias ocasiones. En 1974 Princeton le recompensó con un master honorario en humanidades. Dirigió talleres y seminarios en varias otras universidades, y fue conferenciante en Harvard en 1987. Continuó grabando y actuando en los noventa convirtiéndose probablemente en el único músico que grabó en ocho décadas diferentes. Benny Carter murió el 12 de julio de 2003 a los 95 años de edad.

Jimmy Witherspoon


El 8 de agosto de 1920 nació en Gurdon (Arkansas) el cantante de blues Jimmy Witherspoon. Atrajo la atención durante la segunda guerra mundial, cuando cantaba con la banda de Teddy Weatherford cuyas actuaciones se radiaban con regularidad por las emisoras de las fuerzas armadas. A lo largo de su carrera grabó o participó en más de 200 discos.

Sus primeras grabaciones las realizó en 1945 con la banda de Jay McShann. Cuatro años después publicó bajo su propio nombre el tema 'Ain't nobody's business', que se convirtió en un hit y en su canción estrella. Al año siguiente todavía tuvo otro par de hits: 'No rollin' blues' y 'Big fine girl', acompañado por el cuarteto de Gene Gilbeaux. A mediados de la década su estilo de 'blues shouter' estaba pasado de moda, pero en 1959 volvió al primer plano gracias a su álbum 'Jimmy Witherspoon at the Monterey Jazz Festival', que incluía, entre otros, a Roy Eldridge, Woody Herman, Ben Webster, Coleman Hawkins, Earl Hines y Mel Lewis. También grabaría con Gerry Mulligan, Leroy Vinnegar, Richard 'Groove' Holmes y T-Bone Walker.


En los años sesenta realizó giras por Europa con Buck Clayton y volvió en repetidas ocasiones al Reino Unido, donde grabó en 1966 'Spoon Sings and Swings' con el cuarteto del saxo tenor Dick Morrissey. Grabaciones destacables de la década fueron los álbumes 'Baby, Baby, Baby', 'Evenin' Blues' (1963) con T-Bone Walker a la guitarra y Clifford Scott al saxo y 'Blue Spoon' (1964)

En 1970 apareció en el disco 'To seek a new home', junto a músicos británicos, así como 'Guilty' (renombrado a 'Black & White Blues' en su edición CD) junto a Eric Burdon y presentando a Ike White & the San Quentin Prison Band. En 1974 tuvo su último éxito en las listas 'Love is a five letter word'. Continuó actuando y grabando magníficos discos como 'Spoonful' (1975) y 'Patcha, Patcha, All Night Long' (con Joe Turner, 1985) hasta los años noventa. Murió a los 77 años en septiembre de 1997.

Joe Tex


El 8 de agosto de 1933 nació en Baytown (Texas) el cantante y compositor de soul sureño Joe Tex, nacido en Baytown (Texas). Muy popular en los años sesenta y setenta, fue un predecesor del rap.

Es recordado por sus cuatro éxitos de los sesenta y setenta. 'Hold on what you've got' (1965) llegó al nº5 de Billboard y vendió más de un millón de copias. En 1967, 'Skinny legs and all' repitió ventas mientras que 'I gotcha' consiguió un nº2 en las listas pop de 1972. Finalmente, en 1977, su último hit reseñable fue 'Ain't gonna bump no more (With no big fat woman)'. Tenía un estilo único de cantar y hablar sobre las melodías a modo de predicador que él mismo denominaba 'rap'. Muchos historiadores están de acuerdo en afirmar que Joe Tex fue uno de los pioneros del hip hop y rap que conocemos hoy. Ya en los sesenta, Tex se había convertido al Islam y cambió su nombre por Yusuf Hazziez. En los ochenta se retiró de la música y dedicó todo su tiempo a la religión. Murió de un infarto en agosto de 1982, cinco días después de haber cumplido los 49 años.

Webb Pierce


El 8 de agosto de 1921 nació en West Monroe (Louisiana) Webb Pierce, un músico country muy popular cuya carrera se extendió desde los 50 hasta finales de los 70. Si nos atenemos a su presencia en las listas, fue el artista country más popular de los años cincuenta.

Su mayor éxito 'In the jailhouse now' (1955) está considerado una de las grandes canciones del género y ha recibido versiones de Willie Nelson, Wanda Jackson, Van Morrison y Jerry Lee Lewis. Hasta su retiro en 1982, Pierce colocó 96 singles en las listas. Otros temas de éxito fueron  'There stands the glass' (1953), 'More and more', 'Slowly' (1954), 'Love love love' (1955) y 'Teenage boogie' (1956), un clásico de rockabilly'. En los años sesenta su popularidad continuó con temas como 'I ain't never' (1960), 'Sweet lips' (1961), 'Finally' (1964, con Kitty Wells) y 'Fool, fool, fool' (1967).


Además de por su música Pierce era conocido por su estrafalaria forma de vida. Vestía unos extravagantes y coloridos trajes diseñados por Nudie Cohn, conducía dos Cadillac decorados con dólares de plata y poseía una piscina valorada en 30.000 $ con forma de guitarra gigantesca. Murió a los 69 años en febrero de 1981.

Webb Pierce y su piscina

André Jolivet

 
El 8 de Agosto de 1905 nació en París el músico y compositor André Jolivet, notable por su dedicación a la cultura y al pensamiento musical francés. Su música se caracteriza por su interés en la acústica y la tonalidad, así como en las influencias, tanto del presente como del pasado de la música, particularmente la de los instrumentos antiguos. 

Recibió sus primeras lecciones de piano de su madre. A los 13 años escribió el texto y la música de un “Romance Barbare”, a los 14 estudió cello con Louis Feuillard y al año siguiente concibió un ballet, diseñando la escenografía, el vestuario y la música. El director coral de Notre Dame de Clignancourt le recibe en el coro y le enseña órgano y armonía. Siguiendo el consejo de sus padres deja a los 15 años la escuela para ser preparado como maestro y desde 1927 enseña en diversas escuelas parisinas. Pero no deja la música y toma lecciones con Le Flem de 1928 a 1933 que le introduce a las bases de la composición con un exhaustivo estudio de armonía, contrapunto y formas clásicas, así como el análisis de la polifonía de los siglos XV y XVI.

Los tres conciertos realizados en 1927 con motivo de la visita de Schoenberg a París conectan a Jolivet con la música atonal, pero el hito que marcaría su destino vendría en 1929 al escuchar algunas obras de Varese, sobretodo “Ameriques”. Le Flem envía a Jolivet a estudiar con Varese entre 1930 y 1933. Entonces aprende nuevas técnicas y absorbe el concepto de masas sonoras del maestro, así como su manera de orquestal y la importancia otorgada a los instrumentos de percusión.
Una primera manifestación de las lecciones de Jolivet con Varese apareció en el “Cuarteto de Cuerdas” (1934), en el que descarta la tonalidad tradicional sin adoptar el serialismo. Más bien extiende el sistema tonal incorporando armónicos lejanos y subarmónicos putativos, tal como Jolivet relató en su ensayo “Contrepoints” (1939) escrito en conexión con las “Cinco Danzas Rituales” (1939)

Tales ideas fueron concretadas con éxito en “Mana” (1935), donde la individualidad de Jolivet queda confirmada. Esta suite para piano, cuyo título tiene que ver con aquella fuerza “primitiva” que perpetúa la existencia, apunta a una de las preocupaciones esenciales de Jolivet: la expresión musical de las fuerzas que regulan el mundo y la existencia metafísica de los objetos. Es un retorno a los poderes y propósitos más primordiales y mágicos de la música. Jolivet recogió de Varese una comprensión pitagórica de la armonía universal basada en proporciones numéricas, aspecto que otorga a 'Mana' un extraño clima armónico y una decisiva importancia rítmica.

Messiaen, muy interesado en "Mana", escribió un entusiasta artículo sobre la obra y entró en contacto con Jolivet. Gracias a la iniciativa de Yves Baudrier, y con la adición de un cuarto miembro, Daniel Lesur, se fundó el grupo La Jeune France. Su primer concierto (junio de 1936) fue conducido por Desormiere y causó bastante alboroto. Además editaron un manifiesto delineando, de manera más bien imprecisa, su intención de “propagar una música viva que contenga sinceridad, generosidad y conciencia artística”. En realidad ellos se oponían a ciertos experimentos estériles realizados por compositores de Europa Central y a las últimas tendencias de Stravinsky, buscando “rehumanizar” un arte que a menudo se convertía en algo muy abstracto.


El cuarteto y "Mana" fueron seguidos por las obras “Cinq Incantations para flauta sola” (1936) “Incantation nº 3” (Jean Pierre Rampal), “Cosmogonie” (1938) y “Cinq Danses Rituelles” (1939), estas últimas para piano u orquesta. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jolivet produjo menos música y su estilo se volvió menos esotérico y más convencional. Escribió el "Ballet des Etoiles” (1941), pero el cambio lo determinó “Les Trois Complaintes du Soldat” (1941), cuyo texto escribió él mismo recogiendo sus experiencias en el ejército, “Cinq Danses Rituelles, per orchestra" (1940/1941), la ópera bufa “Dolores” (1942), el ballet “Guignol et Pandore” (1943), los “Poemes Intimes” (1944) y “Chant de Linos para flauta, violín, viola, violonchelo y arpa” (1944).

Olivier Messiaen, Yves Baudrier, Daniel-Lesur y André Jolivet

Una nueva fase, iniciada con la “Primera Sonata para piano” (1945) escrita en memoria de Bartok, reveló una síntesis de su estilo temprano más aventurado con su manera más directa, una síntesis caracterizada por armonías y ritmos individuales, un magistral manejo instrumental y la percusión como principal preocupación.

Entre dos polos aparentemente opuestos, las disciplinas clásicas impartidas por Le Flem y el arte iconoclasta de Varese, Jolivet encontró un punto de balance y estableció su propio territorio. A través de Varese se beneficiaba de la liquidación de la tonalidad de Schoenberg, mientras que en forma directa recogía elementos de Stravinsky. El gusto por el tumulto organizado de La Consagración de la Primavera se percibe en el Concierto para Ondas Martenot. Nunca usó el principio serial y se oponía al arte de Webern mientras valoraba los refinamientos de otros compositores como Debussy.

A pesar de su habitual hostilidad hacia los sistemas de composición, Jolivet trabajó ocasionalmente dentro de una disciplina particular, como en su neoclásico “Concertino para Trompeta” (1948), una obra atractiva cuyas secciones lentas desarrollan una melodía muy expresiva.
Si hubo un compositor hacia quien mantuvo fidelidad y cercanía, ese compositor fue Bartok, cuya obra mostró la misma libertad de expresión, el mismo interés por la variedad dentro de la unidad y el mismo dinamismo.
Al considerar las bases del estilo de Jolivet se puede delinear su capacidad de integración. Entre las técnicas originales que introdujo en su música están el empleo de acordes de apoyo y los modos parciales que empleó melódica y armónicamente, por ejemplo, en su Concierto para Violín.

Su arte retuvo una preocupación por la naturaleza elemental y la expresión humana, con las fuerzas primordiales reveladas a través de la danza humana. Esto se relaciona con su referencia ocasional al exotismo: música india, canto árabe y artes mágicas de pueblos ecuatoriales. Por lo mismo sus instrumentos importantes son la flauta y la percusión, ambos elementales en la música primitiva. Después de establecer su estilo maduro en 1945, Jolivet compuso prolíficamente apoyado por la “Association pour la Difusión de la Pensée Française”. Además fue director musical de la Comedie Française desde 1943 a 1959, debutando como director con la partitura de “Honegger para Le Soulier de Satin de Claudel”. Él mismo escribió una gran cantidad de música incidental y dirigió otras durante ese periodo. 

Jolivet también fue consultor técnico de la Direction Generale des Arts et Lettres (1959-62), fundó el Centre Français d’Humanisme Musical en Aix-en-Provence (1959) y enseñó composición en el Conservatorio de París (1966-70). En 1951 recibió el Grand Prix otorgado por la ciudad de París. Durante los 50 y 60 su producción estuvo dominada por una serie de conciertos, cada uno demandante de gran virtuosidad tanto del solista como de la orquesta. El primero fue el “Concierto para Ondas Martenot” (1947). El “Concierto para Piano” provocó tumulto en su estreno en Estrasburgo. El “Concierto para Arpa” tiene una parte solista de cantilena simple y balanceada. Los dos “conciertos para cello” y el “concierto para violín” se caracterizan por violentos contrastes, un ingenioso uso de la orquesta, calor y vitalidad. Su ”Primera Sinfonía” (1953) también hace uso de estos contrastes.

La escritura virtuosa también aparece en la sinfonía vocal “Epithalame” (1953) para 12 voces, obra escrita para la esposa de Jolivet con motivo de su vigésimo aniversario de matrimonio. El texto, del mismo Jolivet, está decorado con efectos onomatopéyicos a la manera de las chansons polifónicas del Renacimiento francés. La obra más grande del periodo es el conmovedor oratorio “La Verité de Jeanne” (1956), compuesto sobre el texto de 1456 del proceso de rehabilitación de la heroína, que se estrenó para los 500 años en su localidad natal de Domremy. Sus últimas obras fueron “La flèche du temps” (1973) y "Ying-Yang" del mismo año, una composición de 11 instrumentos de arco (seis violines, dos violas, dos violoncelos y un contrabajo). Falleció en su ciudad natal el 20 de diciembre en 1974, dejando inconclusa su ópera "Bogomilé ou Le lieutenant perdu".

Cécile Chaminade


El 8 de agosto de 1857, al pie de la colina de Montmartre, nació en París la compositora y pianista francesa Cécile Chaminade. Su madre, pianista excelente y dotada de una hermosa voz, observará muy temprano que Cécile posee un oído asombroso así como una gran sensibilidad musical.

En 1863, su padre, director de una compañía de seguros, compra una propiedad en Vésinet y es allí donde la pequeña Cécile conocerá a Bizet, que asombrado por las disposiciones precoces de la que llama "mi pequeña Mozart" aconseja dejarse escuchar por Couppey, profesor de piano del Conservatorio. Quedando estupefacto por sus dones, éste propone inscribirla en su clase pero se topa con la negativa muy tajante del padre: "en la burguesía", dirá, "las chicas son destinadas a ser esposas y madres"... Viendo a la madre y la niña sumergidas en la desesperación, Bizet discute más firmemente y obtiene que Cécile pueda seguir la enseñanza del Conservatorio, con profesores como El Couppey para el piano y Savard para la armonía.

Su popularidad aumentó a lo largo de su vida, desde su primer concierto, que dio con 18 años. Escribió sobre todo piezas para piano y canciones de salón. Fue una concertista muy apreciada en Francia e Inglaterra. En 1901 Cécile se casó con un editor musical de Marsella, Louis-Mathieu Carbonel. Debido a la avanzada edad de Carbonel corrieron rumores de que el matrimonio fue de conveniencia. De hecho, el editor murió seis años después y Cécile no volvió a casarse. Falleció a los 86 años en Montecarlo el 13 de abril de 1944 y está enterrada en el Cementerio de Passy.

Su obra fue considerable, y en ella se puede mencionar una sinfonía dramática: “Las Amazonas” opus 26; una “Suite de orquesta”, una ópera cómica “La Sevillana” opus 10; un “Scherzo movimiento del Trío No. 1 in Sol menor” (Daniel Cher, violín; Michel Flexer, cello & Russell Hancock, piano); “Trío n.° 2 para violón, violonchelo y piano” opus 34 y un “Concertino para flauta y orquesta”, opus 107


Entre sus 200 piezas para piano, en estilo romántico, destacan:
“Trío para Piano Nº 2" Opus 34  (Atos Trio)
“Air de Ballet No. 3”, Op. 37 (Michael Broadway, piano)
“L´Automne” opus 35  (Jérôme Ducros, piano)

“Tarantelle no. 6” opus. 36 (Michael Broadway, piano)
“Piano toccata” opus 39 (Enid Katahn, piano)
“Concierto para piano y orquesta opus 40” (Pianista: Rosario Marciano & Radio Luxembourg Symphony Orchestra)
"Les Sylvains" opus 60 (Francesco Libetta, piano)
“Seis Romances sin palabras” opus 76 (Silvio Mauri, piano)
“Theme Varie in La mayor” opus 89 (Peter Jacobs, piano)
“Tristesse" opus 104 (Peter Jacobs, piano)

“Concertino" opus 107 (Caen Thomason-Redus, flute
Elena Abend, piano)
“Estudio Patético", opus 124 (Peter Jacobs, piano)
“Etude Scholsatique” opus 139 (Peter Jacobs, piano)
“Nocturne” Op. 165 (Peter Jacobs, piano)
"Mignonne" (1894): Melodía con Texto de Pierre de Ronsard (1524-1585) (Philippe Jaroussky, contratenor & Jérôme Ducros, piano)

"Mignonne, allons voir si la rose"

A Cassandre

Mignonne, allons voir si la rose
Qui ce matin avoit desclose
Sa robe de pourpre au Soleil,
A point perdu ceste vesprée
Les plis de sa robe pourprée,
Et son teint au vostre pareil.

Las ! voyez comme en peu d'espace,
Mignonne, elle a dessus la place
Las ! las ses beautez laissé cheoir !
Ô vrayment marastre Nature,
Puis qu'une telle fleur ne dure
Que du matin jusques au soir !

Donc, si vous me croyez, mignonne,
Tandis que vostre âge fleuronne
En sa plus verte nouveauté,
Cueillez, cueillez vostre jeunesse :
Comme à ceste fleur la vieillesse
Fera ternir vostre beauté.