15 agosto 2012

Oscar Peterson


El 15 de agosto de 1925 nació en Montreal (Canadá) Oscar Peterson, pianista y compositor de jazz que, en el curso de más de 60 años de carrera, actuó en miles de conciertos ante audiencias de todo el mundo y publicó más de 200 álbumes, consiguiendo con siete de ellos un premio Grammy. Duke Ellington le llamaba 'el maharajá del piano', sus amigos, 'OP'.

Su estilo, formado durante los años cuarenta como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop, y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Inspirado por Nat King Cole y seguidor de Art Tatum, era un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Son elogiadas tanto sus interpretaciones en grupos pequeños como acompañando a cantantes, aunque sus mejores momentos fueron como solista.

Peterson ha sido criticado a lo largo de toda su carrera por lo que algunos entienden como una exuberancia innecesaria, tanto por lo que se refiere a la profusión de notas en sus interpretaciones como a la gran cantidad de discos grabados. Comenzó tocando la trompeta pero una tubercuosis contraida a los siete años le impidió seguir con ella y se pasó al piano. Con catorce años ganó un concurso de amateurs, lo que le permitió tocar con regularidad en la emisora de radio local. En 1944 se unió a la Johnny Holmes Big Band y comenzó a actuar con sus propios tríos en pequeños clubes. En 1949 se ganó un nombre con la giras de 'Jazz at the Philarmonic' de Norman Granz, con quien Peterson se vería ligado durante décadas.

Ray Brown, Peterson y Herb Ellis
Desde 1950 tocó en formato de dúo con Ray Brown y entre 1952 y 1957, ambos trabajaron con diversos guitarristas como Irving Ashby, Barney Kessel y Herb Ellis, siendo con éste último la formación más famosa del trío. Gracias a su reputación como pianista, trabajó con todos los grandes del jazz de la época, desde Louis Armstrong hasta Ella Fitzgerald. En 1958 reemplazó en su trío la guitarra por una batería y entró en la formación Ed Thigpen.

Al trió se añadía de vez en cuando de forma experimental otro eminente solista de jazz como el saxofonista Ben Webster, el trompetista Clark Terry y el vibrafonista Milt Jackson, cuya colaboración con el trío dio lugar a la grabación de 'Very Tall'. Unos años después, en 1965, Sam Jones y Louis Hayes reemplazarían a Ray Brown y Thigpen, respectivamente. Desde finales de los sesenta, la formación en el trío varió mucho, contando entre otros, con el bajista Niels Henning Orsted Pedersen, el batería Martin Drew y el guitarrista Joe Pass.

Peterson además ejercía de profesor en escuelas profesionales de música y facultades universitarias en Canadá. En ellas instaba a sus alumnos a profundizar en la música de Bach, especialmente en 'El clave bien temperado', las 'Variaciones Goldberg', y 'El Arte de la Fuga', que Peterson consideraba piezas esenciales para cualquier pianista que se considerara serio. Tuvo entre sus alumnos a pianistas como Benny Green y Oliver Jones.
Se mantuvo activo hasta pocos meses antes de su muerte en diciembre de 2007 a los 82 años.

Bobby Helms


El 15 de agosto de 1933 nació en Bloomington (Indiana) el músico y cantante de rockabilly y country Bobby Helms. Comenzó actuando con su hermano Freddie antes de emprender carrera en solitario. En 1956 se traslada a Nashville donde consigue un contrato discográfico con el sello Decca Records.

Al año siguiente, su primer single 'Fraulein' (1957), alcanza el nº1 de las listas country y el Top40 de las listas pop. Ese mismo año publica 'My special angel', que repite nº1 en las listas del género y alcanza el Top10 de Billboard. Unos días antes de las Navidades de 1957, Helms graba 'Jingle bell rock', tema que se convirtió en un gran éxito, no sólo durante esas Navidades;  también en las cinco siguientes estuvo en las listas, convirtiéndose en un clásico navideño que aún hoy se puede oir por esas fechas.

Helms continuó actuando y grabando las tres décadas siguientes. Sus últimas entradas en listas fueron 'So long' (1969) y 'Mary goes 'round' (1970). Su condición de pionero y su contribución al género merecieron un reconocimiento del Rockabilly Hall of Fame. Murió en junio de 1997 a los 63 años.

Alfredo Gil


El 15 de agosto de 1915 nació en Teziutlan, Puebla el músico y cantante Alfredo Gil, 'El Güero', hijo de un emigrante libanés, radicado en México desde los 16 años, que contrajo matrimonio con una mexicana llamada Carmen Gil. El matrimonio tuvo 6 hijos, tres varones y tres mujeres, todos con algo en común, el amor por la música y la necesidad de quitarse el apellido Bojalil,  poco comercial, por lo que adoptaron el apellido de la madre.

Desde pequeño amó la música; a instancias de su padre aprendió el oficio de peluquero y fue allí donde recibió sus primeras clases de música en mandolina. Luego descubrió su afición por la guitarra, la que aprendió a ejecutar en sus tiempos libres. Pero fue su primer amor, la mandolina, sobre la que dio forma a su inspiración como compositor. En 1940 su hermano Felipe Gil que ya por ese entonces comenzaba a ser popular, como El Charro Gil y sus Caporales, lo convocó para unirse a el en una gira a New York. Allí conoció a Jesús 'Chucho' Navarro Moreno, otro mexicano, que desde 1936 formó parte de los Caporales. Después del regreso del Charro Gil a México, Alfredo y Chucho se quedaron en New York, hasta alcanzar fama a partir de 1944, en que fundaron el Trio Los Panchos junto al puertorriqueño Hernando Avilés.

Avilés, Navarro y Alfredo Gil
Tercera voz y melodía con el requinto, instrumento creado por él ante la necesidad de reforzar las introducciones y los pasajes sin voz de las canciones; afinado una cuarta mas alta que la guitarra normal, se asemeja a una guitarra pequeña pero con un sonido mas agudo, muy característico del Trío Los Panchos. Alfredo fue un prolífico autor de éxitos como 'Lodo', 'Hija de la mala vida', 'Basura', 'Tu ausencia' y 'Solo', entre muchos mas.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trío (entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino) el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense Eydie Gormé. De la colaboración entre Gorme y Los Panchos, nació el álbum 'Great Love Songs In Spanish' (titulado Amor, en español). El éxito de este intento, hizo que CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes 'Cuatro Vidas' y 'Blanca Navidad'.

Hacia 1970, a propuesta de la filial mexicana de CBS Columbia, Los Panchos, con ayuda de la tecnología de audio fueron convocados a un estudio de grabación para acoplar sus voces y guitarras, y los sonidos de mariachis a la voz de Javier Solís en un álbum denominado 'Dos ídolos cantando juntos' el cual se convirtió en la primera reconstrucción técnica postmórtem de la música de Solís y que no fue desvinculado del género del bolero ranchero. Este álbum precedería a uno dedicado a la música ranchera mexicana. Después de esto, Los Panchos vuelven a colaborar con vocalistas femeninas haciendo papel acompañante. Es el caso de los LP grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti y Estela Raval.

Basurto, Gil y Navarro
En 1980 el trío grabo con CBS el disco 'Aviles y Basurto recordando siempre a Los Panchos'. Durante su promoción la salud de 'El Güero' se resintió, con lo cual, al llegar a Venezuela, anuncio su retiro definitivo, pero a su regreso a México, CBS les propuso grabar un último álbum del Trío bajo el nombre de 'Esencia Romántica' con la participación de la cantante argentina Maria Martha Serra Lima. Este fue realmente el ultimo disco del Trío Los Panchos integrado por entonces por Chucho Navarro, Alfredo Gil y Rafael Basurto Lara,

Basurto, Navarro y Gil
El alejamiento definitivo de  Alfredo 'Guero' Gil marco el cierre del Trío Los Panchos. La continuación del grupo fue como 'Los Panchos', Chucho Navarro en la segunda voz y armonía y Rafael Basurto Lara 1ª voz y melodía. Para la ejecución del requinto los artistas incorporaron músicos acompañantes; entre ellos, Willy Fonseca, Eladio Ayala Salazar, Gabriel Vargas y José Luis Sánchez Camacho. Alfredo Gil murió en octubre de 1999 a los 84 años.

Lukas Foss


El 15 de agosto de 1922 nació en Berlín, Alemania el pianista, profesor, compositor y director de orquesta Lukas Foss. Nacido Fuchs, se nacionalizó estadounidense donde modificó su nombre. Ha escrito abundante obra sinfónica, coral e instrumental en un estilo clásico, pero con variaciones vanguardistas.

Lukas Foss en 1944
Su familia huyó de la Alemania nazi en 1933. Se trasladó a París donde estudia con Lazare Lévy composición con Noël Gallon, instrumentación con Felix Wolfes, y flauta con Louis Moyse. En 1937 arriba a Estados Unidos como un niño prodigio -componía desde los 8 años- para estudiar en el Instituto Curtis de Música en Filadelfia, y estudió composición con Randall Thompson y Paul Hindemith. A los 15 años se publicó su primer trabajo, una serie de piezas para piano escritas en su mayoría en el Metro de Nueva York. A los 18 años ya se había graduado con honores en Curtis y continuó con estudios avanzados con Sergei Koussevitzky (en realización), y en la Universidad de Yale con Paul Hindemith en composición. En 1945 fue el compositor más joven en recibir una beca Guggenheim.

En 1983 fue nombrado miembro de la Academia Americana y del Instituto de la Artes y las Letras. Antes de ello (entre 1963 y 1970), fue director de la Orquesta Filarmónica de Buffalo y en 1953 designado docente de la Universidad de California. Más adelante lo sería también de la Universidad de Boston. Entre sus estudiantes figuró Claire Polin. Distinguido además con ocho doctorados honoris causa, dirigió también la Orquesta Filarmónica de Brooklyn y la Orquesta Sinfónica de Milwaukee dando nueva vida a los repertorios estándares, con programas inusuales.

Como compositor, Foss tiene como ídolo a J.S. Bach. En 1943 compuso “Capricho para violonchelo y piano” (Steven Honigberg, violonchello & Kathryn Brake, piano) y en 1944 “Three American Pieces” (1944) - I. Early Song, II Dedication, III. Composer's Holiday (Philippe Quint, violín & Lukas Foss, piano) Sus primeras obras son de estilo neoclásico “The Song of Songs” (1946), 1/2, 2/2 (Jennie Tourel, mezzosoprano, The New York Philharmonic & dir. Leonard Bernstein), y poseen una improvisación controlada.


En 1950 ganó el Rome Prize con 28 años de edad y al año siguiente compuso el “Concierto para pianoforte y orquesta nº2” (Lukas Foss, pianoforte & Los Angeles Festival Orchestra & dir. Franz Waxman).

Muchas de sus obras - “El héroe de calaveras”(1956), “Time Cycle” (1960) para soprano y orquesta (Jan Williams, dir & Soprano: Amanda De Boer), “Variaciones del Barroco” (1960) para orquesta, “Echoi” (1963) (The Group for Contemporary Music: Charles Wuorinen), “Geod” (1969) (Buffalo Philharmonic Orchestra & dir. Lukas Foss), “American cantata” (1977), “13 maneras de mirar un mirlo” (1978) para soprano, “Orpheus and Euridice, para dos violines y orchestra” (1983) (Yehudi Menuhin, Edna Michell, violines & Brooklyn Philharmonic dir. da Lukas Foss), “Tashi” (1986), para piano, clarinete y cuerdas cuarteto, y el “Renacimiento Concierto” (1985), para flauta y orquesta (Flauta: Jiyoun Hur & dir. Kevin Noe) son hitos del repertorio del siglo XX.

En obras, citadas anteriormente, como “Time Cycle “para soprano y orquesta y “Barroque Variations” para orquesta, puede verse el trabajo que desarrolló estudiando el uso de las probabilidades matemáticas adaptadas a la música, la improvisación, el sistema dodecafónico y la música aleatoria. En sus últimos trabajos ya se ve claramente su carácter poliestético, como en la “Música de la noche de John Lennon” Preludio, Fuga y coral (1978) Parte 1, Parte 2. Lukas Foss murió en febrero de 2009 a los 86 años

Jacques Ibert


El 15 de agosto de 1890 nació en París el compositor Jacques Ibert, ganador en 1919 del primer Gran Premio de Roma en el Conservatorio de París con la cantata “Le poète et la fée”. Su padre era financiero, su madre pianista. Comenzó sus estudios musicales a los cuatro años de edad, con una clara oposición por parte de su padre, pero siguió con su ambición de convertirse en un músico. Se matriculó en el Conservatorio de París a los 20 años, donde estudió con E. Pessard (armonía), A. Gédalge (contrapunto) y Paul Vidal (composición) además de Gabriel Faurè, entre otros. Escribió bajo las influencias del neoclasicismo y del impresionismo. Fue director de la Academia Francesa de Roma (1937-1960) y también administrador de la Ópera de París y de la Opéra Comique (1955-1957). Murió en París, febrero de 1962 a los 71 años.

Su producción abarca casi todos los géneros: escribió óperas, ballets y música para el teatro, cine y radio, además de obras vocales e instrumentales, todos ellos igualmente maravillosos, con un manejo especial en la idiomática de los instrumentos de viento. Compositor de vivaz ingenio, con un marcado tinte pintoresco; su música muestra la influencia de Claude Debussy y Maurice Ravel pero siempre se negó a aliarse con cualquier moda musical o de escuela, afirmando que “todos los sistemas son válidos”.

La música de Ibert se considera ser típicamente muy "ligera" de carácter, a menudo ingeniosa, orquestada coloridamente con melodías atractivas. Aunque no era un miembro de “Les Six”, su música comparte algunas características con las de los miembros del grupo. En su primera época compuso, entre otras obras, el poema sinfónico “La ballade de la geôle de Reading” (Slovak Radio Symphony Orchestra) y  “Escales” (1924) Parte I, Parte II (Rene Leibowitz dir. & The Orchestra di Roma).

En esta última obra es menos característico el impresionismo que en otros trabajos posteriores, como en las óperas “Angélique” (1926), ópera bufa; “Rey d'Yvetot” (1928), ópera cómica; y “Diane de Poitiers” (1934) (Orchestra Sinfonica di Mosca & dir. Adriano). El ingenio de Ibert también se encuentra en las obras orquestales “Féderique, ouverture de fête” (Orchestre des Concerts Lamoureux & dir. Yutaka Sado), o “Bacchanale” (Orchestre des Concerts Lamoureux & dir. Yutaka Sado), mientras que la “Symphonie Marine” (Camerata Venia & dir. Gleb Skvortsoves) una rica obra romántica es un canto del amor y de la muerte.

Entre sus otras obras instrumentales, el “Concierto para Flauta”  (Emmanuel Pahud & Tonhalle-Orchester Zurich), es reconocido como una obra maestra en el género y sobre todo, en su música ambiental para la comedia, “El sombrero de paja italiano” de Labich, obra que también utilizó años después en “Divertissement para orquesta” (1930) (Arthur Fiedler & The Boston Pops Orchestra) en la que incorpora parodias a otros compositores, como Mendelssohn y J. Strauss, en la que se manifiestan estilos pertenecientes al jazz y al vodevil.


Otras obras destacables son “Seis piezas para arpa solista” (Charlotte Balzereit, Arpa); el “Concertino de Camera para saxofón y orquesta” (John-Edward Kelly, saxofón Ostrobothnian Chamber Orchestra & dir. Juha Kangas); “Histories” diez obras para piano, siendo el famoso tema “Le petit âne blanc” para piano la 2ª de éstas, Parte 1, Parte 2 (Jean Yves Sebilotte, piano); la “Suite Elisabéthaine" (Daniela Kubrická, soprano & Slovak Philharmonic Choir e Slovak Radio Symphony Orchestra).

El sublime “Entr´acte” (1937) (Flautista Jonathan Brahms y guitarrista Benjamin Moran) constituye una de las piezas más famosas de guitarra y flauta. Dentro de la música de cámara de Ibert sobresale por su brillantez y profundidad el “Cuarteto para Cuerdas” completado bajo las terribles circunstancias de la Segunda Guerra Mundial. El “Trío para flauta, cello y arpa” (Yeon Vee Kim - Flauta, Caroline Wu- Cello & Daria Sarraf - arpa) también pertenece a esos años y fue escrito para la hija del compositor, una talentosa arpista. Es el autor de los ballets “Le chevalier errant” (sobre el tema de Don Quijote) obra coreográfica en cuatro escenas, una suerte de ópera-ballet en el estilo del siglo XVII ó la obra “Trois Pièces de Ballet” (Les Rencontres) (Slovak Radio Symphony Orchestra)

Para el teatro y el cine, Ibert fue un prolífico compositor de música incidental. Escribió para más de una docena de películas francesas, como “Golgotha”, suite de la banda sonora para el film de Julien Duvivier (1935) y para directores americanos por ejemplo la partitura para la película de Orson Welles sobre 'Macbeth' (1948) (Slovak Radio Symphony Orchestra). También la producción “Mil años de historia francesa” o el ballet del circo de Gene Kelly “Invitación a la danza” (1952).