16 agosto 2012

Bill Evans


El 16 de agosto de 1929 nació en Plainfield (New Jersey) el pianista de jazz Bill Evans, uno de los pocos músicos blancos en ser admitido en los círculos del hard bop. Señalado por la crítica como 'el Chopin del moderno piano de jazz', Evans fue, además, el primer pianista de jazz modal, y hoy es considerado, junto a McCoy Tyner, como el pianista más influyente de todos los tiempos.

El uso de armonías impresionistas influidas por Debussy y Ravel, sus reinterpretaciones inventivas del repertorio clásico de jazz y sus líneas melódicas independientes del ritmo inspiraron a toda una generación de pianistas. Fue el punto de conexión entre la vieja escuela de Art Tatum y Bud Powell hacia los innovadores Chick Corea, Herbie Hancock, Brad Mehldau, John Taylor, Steve Kuhn y Keith Jarrett, entre otros. Una de sus principales aportaciones fue la formación de tríos jazzísticos en los que el piano mantiene un auténtico diálogo con la batería y el bajo.
A pesar de las voces críticas que le achacaban ausencia de swing y excesivo alejamiento de las raíces africanas del género, a Evans se le ha considerado siempre uno de los pianistas de jazz más importantes de la historia.

Su padre dirigía un campo de golf y amaba la música de sus ancestros galeses. Su madre procedía de una familia minera de origen ruso de Pittsburgh y como devota ortodoxa, prefería los sonidos de los cánticos de iglesia del este de Europa. Bill y su hermano mayor Harry crecieron en un ambiente en el que la música era parte importante de la educación. Con seis años, Bill comenzó a tocar la flauta y el violín, aunque se cambió rápidamente al piano. Animado por su profesor de la North Plainfield High School, apareció con trece años como solista de la banda del colegio. Su hermano Harry se decidió por la carrera de docente y estudió musicología. Bill, en cambio, eligió la incierta vida del artista.

Hasta 1950 estudió en el Southeastern Louisiana College y descubrió, realizando sesiones con Mundell Lowe y Red Mitchell, su pasión por el jazz. Escuchó con fruición a Nat King Cole y a Lenny Tristano y se enroló en 1950 en la banda de Herbie Fields. Tras servir entre 1951 y 1954 en el ejército en un cuartel de las cercanías de Chicago, Evans se trasladó a Nueva York, donde estudió en el Mannes College y publicó su debut discográfico, 'New Jazz Conceptions' (1956) con Teddy Kotick al bajo y Paul Motian a la batería. Tocó unos meses con Charles Mingus ('East Coastin', 1957) y poco menos de un año con Miles Davis ('Jazz at the Plaza', 1958) a cuyo 'Kind Of Blue' (1959) impregnó de su estilo modal.

The Bill Evans Trio: Scott LaFaro, Bill Evans y Paul Motian

A partir de aquí, Evans se concentró en formaciones reducidas y presentó con 'Portrait in Jazz' (1960) un concepto de trío, en el que Motian y Scott LaFaro (bajo) se alejaban bastante del esquema habitual solista/acompañantes. Pero antes de que la banda se consolidara, LaFaro murió en un accidente de automóvil. Por su puesto desfilaron Chuck Israels, Gary Peacock, Eddie Gomez (1966-1977) y Marc Johnson (1980).

Siempre activo, aunque dependiente de la heroína (más tarde de cocaína) desde su colaboración con Miles, Evans publicó numerosos álbumes que son hitos en la historia del jazz como 'Waltz for Debbie' (1961), 'How my heart sings!' (1962), 'Conversations with myself' (1963), 'Alone' (1968), 'Live in Paris' (1974) y trabajó con Cannonball Adderley, Chet Baker, Ornette Coleman, Stan Getz, Jim Hall, Jeremy Steig ('What's New', 1969), Tony Bennett ('The Tony Bennett - Bill Evans Album', 1975) y, repetidas veces, con Eddie Gomez ('Intuiton', 1972). A pesar de sus crecientes problemas de salud, Evans siguió grabando y haciendo giras hasta pocos días antes de morir en septiembre de 1980 debido a una insuficiencia hepática. Tenía 51 años.

Eydie Gormé


El 16 de agosto de 1928 nació en el Bronx de Nueva York la cantante norteamericana Eydie Gormé, de padre siciliano y madre turca (ambos judíos sefardíes). Eydie se graduó en la William Howard Taft High School, compartiendo clase con Stanley Kubrick. Posteriormente trabajó como intérprete de español en las Naciones Unidas.

En 1950 tuvo su debut discográfico junto a las orquestas de Tommy Tucker y Don Brown. A continuación cantó un tiempo con la big band de Tex Beneke y en 1952 grabó sus primeros discos como solista bajo el sello Coral Records. Al año siguiente fue contratada junto al cantante Steve Lawrence para el programa de TV 'The Tonight Show', presentado entonces por Steve Allen. Eydie y Steve se casaron en diciembre de 1957 en Las Vegas. Fueron muy populares en EEUU debido a sus bromas en el escenario, que incluían referencias -tiernas, amargas y, en ocasiones, subidas de tono- de su vida en común.

Desde 1956 Eydie empezó a aparecer en las listas de éxitos con temas como 'Mama, teach me to dance' (1956), 'Love me forever' (1957) y 'You need hands' (1958). Su mayor éxito lo obtuvo con el tema 'Blame it on the Bossa Nova' (1963), que fue disco de oro, millonario en ventas y, su última entrada en el Top40. Con su marido Steve Lawrence tuvo otro par de medianos éxitos al año siguiente, 'I want to stay here' y 'I can't stop talking about you', pero la 'invasión británica' pudo con ellos y no volvieron a aparecer en las listas de ventas.

A pesar de ello, seguía siendo una cantante muy apreciada -sobre todo en directo- por un público maduro y Gormé no dejo de actuar y grabar numerosos álbumes, entre los que se encuentran los que grabó cantando en español con el Trío Los Panchos, 'Amor' (1964) y 'Cuatro Vidas' (1965), trabajos que fueron muy populares en los países de habla hispana con temas como 'Sabor a mi', 'Nosotros', 'Y...' o 'Cuando vuelva a tu lado'. En 1966, también con el Trío Los Panchos siguió un álbum con villancicos, 'Navidad means Christmas'.

Desde la década de 1970, la pareja centró su trabajo casi exclusivamente en el repertorio de música pop estadounidense, grabando varios álbumes con temas de compositores pop norteamericanos. En 2009 Eydie se retiró de los escenarios y se hizo blogera. Desde su blog, además de contestar a preguntas de sus fans e incluir videos antiguos de actuaciones junto a Steve Lawrence, lanzaba proclamas patrióticas americanas en las que instaba a todos a celebrar con orgullo y banderas estadounidenses el 4 de julio.
Eydie Gormè murió el 10 de agosto de 2013 en Las Vegas.

Al Hibbler


El 16 de agosto de 1915 nació en Tyro (Mississippi) el cantante ciego Al Hibbler que pasó gran parte de la década de los cuarenta cantando en la orquesta de Duke Ellington, hasta que a mediados de los cincuenta firmó un contrato con Decca Records donde grabó varios hits como 'Unchained Melody' y 'He', vendiendo ambos un millón de copias.

Con Ellington cantó la voz solista de varios standards como 'Do nothin' till you hear from me' (1944), 'I ain't got nothin but the blues' y 'I'm just a lucky so-and-so'. Aunque su estilo se consideró en su momento como amanerado, sobreactuado y repleto de 'pirotecnias vocales' extravagantes, Hibbler fue sin duda el mejor de los vocalistas que tuvo Duke. En 1951, tras una disputa de 50$ por su salario, Al decidió abandonar la banda de Ellington y grabó con varias bandas, entre ellas las de Johnny Hodges y Count Basie.


Tras varios intentos fallidos en solitario en diferentes sellos, en 1955 firma con Decca Records, y la primera grabación, 'Unchained Melody' se convierte en su mayor éxito. A este le siguieron 'He', '11th hour melody', 'Never turn back' y 'After the lights go down low' (todos en 1956), su último Top10.

Al se manifiesta por los Derechos Civiles
A finales de la década Hibbler empezó a centrar su atención en el movimiento de Derechos Civiles y fue arrestado un par de veces por participar en marchas anti-segrecionistas. A causa de esto las discográficas empezaron a apartarse de él. Todas, menos una. Frank Sinatra le firmó un contrato con Reprise Records en 1961, sello en el que publicó 'Sings the Blues (Monday Every Day)'.

Once años después grabó junto al instrumentista Rahsaan Rolnd Kirk el álbum 'A Meeting of the Times' que, a pesar de posteriores apariciones esporádicas en ocasiones especiales, marcó el fin de su carrera. Murió en abril de 2001 a la edad de 85 años.

Gabriel Pierné


El 16 de agosto de 1863 nace en Metz el compositor francés, director de orquesta y organista Gabriel Henri Constant Pierné, cuyos progenitores eran profesora de piano y profesor de canto (madre y padre respectivamente). Gabriel Pierné fué una gran promesa musical desde pequeño y estudió en el Conservatorio de París desde 1871 hasta 1882, donde sus maestros fueron Marmontel (piano), César Franck (órgano), y Massenet (composición).

A los 11 años ganó una medalla por sus habilidades de solfeo y más tarde obtuvo la primera medalla para piano (1879), contrapunto y fuga (1881) y órgano (1882). A la edad de 16 años ganó el primer premio de piano en el Conservatorio. Tres años después obtuvo el gran premio de Roma y el primer lugar en el concurso de órgano. En 1882 obtuvo también el Segundo Grand Prix de Rome, con la cantata “Edith”. En el Conservatorio conoció a Claude Debussy al que le uniría siempre un fuerte vínculo. En 1910 ascendió a director de los “Concerts Colonne” tras haber sido director suplente desde 1903.

En 1890, Gabriel Pierné sucedió a su maestro, Franck, como organista en la catedral de Santa Clotilde, un gran honor para un joven de 27 años. Ocupó este cargo hasta 1898 (sucedido por otro distinguido alumno de Franck, Charles Tournemire), posteriormente abandonó su carrera como organista y a partir de entonces se concentra en composición y dirección. En 1903 hizo su debut como director asistente de la “Colonne Conciertos”, siendo director principal (en sustitución de E. Colonne a su muerte) desde 1910 hasta 1934, dedicando una gran cantidad de tiempo de ensayo para la preparación de nuevas obras. Además de sus actividades en el podio como miembro del comité de dirección de los estudios en el Conservatorio de París, en 1925 fue elegido miembro de la "Académie des Beaux Arts" y más tarde fue nombrado Caballero de la Legión de Honor. Murió en julio de 1937 a los 73 años.

Gabriel Pierné, ha sido llamado el músico francés más completo del tardío romántico a principios del siglo XX. En su propia música Pierné mezcla una seriedad en sus propósitos (adquirida en parte a través de sus estudios con César Franck) con un sabor ligeramente popular que recuerda a Jules Massenet (su otro maestro). Su dedicación a la música de los compositores franceses contemporáneos le dió una gran reputación como director integral en la profundidad de su música.
Pierné soportó, a lo largo de toda su vida, el eclipse que, su brillante carrera como director de orquesta, proyectó sobre su faceta de compositor.
René Dumesnil escribió a este respecto que: «Todos aquellos que se fijen en las partituras de Gabriel Pierné tienen garantizados un gran provecho y un gran placer».



Obras
• Dramático: Óperas:
“La Coupe enchantée” (Royan, 24 de agosto, 1895, versión revisada, París, 26 de diciembre de 1905) , “Vendée” (Lyon, 11 de marzo de 1897), “La Fille de Ta Barin” (París, 20 de febrero de 1901), “On ne pas avec l'Badine un mour” (París, 30 de mayo de 1910), “Sophie Arnould”, comedia lírica, basada en episodios de la vida de la famosa cantante (París, 21 de febrero de 1927)

• Ballets y pantomimas:
“Fantaisie-Ballet, Op. 6” (1885),“Le Collier de saphirs” (1891), “Les Joyeuses Commères de París” (1892), “Bouton d'or” (1893) “Le Docteur Blanc” (1893), “Salomé” (1895), “Cydalise et le chèvre-pied” (1919, París, 15 de enero de 1923; Impresiones de Music-Hall "Ballet à l'américaine" (París, 6 de abril de 1927), “Gyration” (1934), “Fragonard” (1934), “Imágenes ", “Divertiment sur un thème pastoral" (París, 19 de junio de 1935).

• Orquesta:
“Suite de concierto” (1883), “Première Suite d'orchestre”(1883), “Ouverture Sinfónica” (1885), “Concierto de Piano en do menor Op. 12" (1886), “Concierto para piano y orquesta en sol major, Op. 12” (1887), “Marcas solonnelle” (1889), “Pantomima” (1889), “Scherzo-Caprice para piano y orquesta” (1890), “ Poema Sinfónico para piano y orquesta” (1901) ,“Ballet de cour” (1901), “Paysages franciscains” (1920), “Gulliver au pays de Lilliput” (París, 23 de junio de 1937).


• Cámara:
“Pastorale variée” en el antiguo estilo para instrumentos de viento (también para piano), “Berceuse para violín y piano”, “Capricho para violonchelo y piano”, “Canzonetta para clarinete y piano”, “Solo de concierto para fagot y piano”,” Variaciones fibras y Final” para flauta, violín, viola, violonchelo y arpa, “Sonata para flauta y piano, opus 36”.

• Piano y órgano:
“15 piezas” (1883), El “estudio sinfónico para piano”, “Album verter mes petits amis” que contiene el famoso “Marche des petits soldats de plomb”, “Humoresque” ,” Rêverie” ,” Ariette” en el estilo antiguo, “Pastorale variée”, “Una serenata a una Colombine”, “Sérénade Vénitienne” ,” Barcarolle” para 2 pianos, “Passacaille”, ”Etude de concert op. 13", “Preludio op. 29 Nº 1 para órgano” (Olivier Latry en el órgano de la Catedral de Notre Dame)

• Vocal: Oratorios y canciones.
“La Croisade des enfants” Coro de Niños y Adultos (París, 18 de enero de 1905), “Les Enfants à Beth-lehem” para solistas, coro infantil y orquesta (Amsterdam, 13 de abril de 1907), “Las Florecillas” de San Francisco de Asís (1912), “Preludio Las catedrales con coro”,“Contes” (1897), “3 Adaptaciones musicales” (1902), “3 melodías” (1904)