17 agosto 2012

Luther Allison


El 17 de agosto de 1939 nació en Widener (Arkansas) el guitarrista de blues norteamericano Luther Allison. En el momento de su muerte, ocurrida en 1977, Luther Allison estaba en la cima de la escena del blues. Los dos años anteriores el cantante y guitarrista había recibido ocho premios W.C.Handy y realizaba giras por todo el mundo llenando las salas en las que actuaba. Durante 40 años -muchos de los cuales los pasó en Europa-, permaneció prácticamente en el anonimato, y cuando el éxito y la fama parecían sonreírle al fin, murió repentinamente a los 57 años.

Durante un tiempo tocó en la bandas de Howlin' Wolf y James Cotton, pero su oportunidad llegó en 1957 cuando Muddy Waters le invitó a subir al escenario, pudiendo mostrar sus habilidades con la guitarra. Pronto formó su propia banda a la que llamó los Rolling Stones, inspirándose -como lo harían unos años después unos chicos británicos- en el título de una canción de Muddy Waters. Incorporó al grupo a otro de sus hermanos, Grant y, tras cambiar el nombre a The Four Jivers, se convirtieron en un grupo habitual del circuito. El fogoso estilo de Luther con la guitarra llamó enseguida la atención de bluesmen del lado oeste de la ciudad como Magic Sam o Freddie King, con cuyas bandas trabajó Allison a lo largo de la siguiente década. Cuando King (él fue quien animó a cantar a Luther) comenzó a realizar giras por todo el país, fue Allison y su banda quienes ocuparon su lugar en el club de Chicago. A finales de la década, Luther era uno de los artistas de blues más célebres de la ciudad.

En 1967 su música tuvo exposición nacional cuando una de sus piezas fue incluída en un álbum compilatorio publicado por Delmar Records llamado 'Sweet Home Chicago'- A este le siguió un álbum en el mismo sello editado con su nombre, 'Love me Mama' (1969). Para entonces, Luther había recibido la etiqueta de 'próxima estrella del blues', entre una generación de bluesmen surgidos del lado oeste de Chicago como Otis Rush y Buddy Guy, quienes habían encontrado el medio de incorporar el rock'n'roll a su música sin sacrificar su esencia blues.

Mientras tanto, Luther comenzaba a realizar por primera vez actuaciones fuera de Chicago, en ocasiones con el armonicista Shakey Jake. Sus actuaciones en las ediciones de 1969 y 1979 del Ann Arbor Blues Festival en Michigan parecían indicar que sólo era cuestión de tiempo para que el nombre de Luther Allison brillara como merecía. Luther firmó un contrato con el sello Motown de Barry Gordy. Era la primera ocasión en la que el gigante discográfico del soul fichaba a una estrella del blues. Se editaron tres álbumes: 'Bad News Is Coming' (1972), 'Luther's Blues' (1974) y 'Night Life' (1976). Desafortunadamente, en Motown no tenían ni idea de como promocionar un producto de blues, y ninguno de los álbumes se vendió bien. Por otro lado, a Luther le desagradaban los excesivos arreglos de la producciones Motown prefiriendo grabar de una forma mucho más simple, con atmósfera de directo.

Desilusionado con sus grabaciones en Motown, Allison recogió sus cosas y sentó su base de operaciones en Europa, siguiendo los pasos de otros expatriados del blues como Memphis Slim y Champion Jack Dupree. Se instaló en Paris en 1977 y revitalizó su carrera concentrándose en lo que sabía hacer mejor: realizando excelentes shows en directo, en los cuales exhibía una energía inagotable. No obstante, no dejó de grabar en varios sellos europeos como Melodie o Black & Blues álbumes como 'Love me Papa' (1977) y, a mediados de los ochenta, era uno de los más grandes bluesmen en Europa. Sin embargo, mientras su nombre crecía en Europa, en Estados Unidos, la mayoría de la gente se habia olvidado de él.

En Europa, Luther atraía cada vez más a público más joven por lo que Luther incorporaba también más a menudo elementos del rock, lo que llevaba en ocasiones a comparaciones con Hendrix, algo que nunca incomodó al guitarrista. Sin embargo, a finales de los años ochenta volvió a sus auténticas raíces de blues, combinando los riffs de guitarra que había perfeccionado a lo largo de los años con un maduro estilo vocal que capturaba perfectamente la esencia del aguerrido, veterano y experimentado bluesman. Su álbum 'Serious' de 1988, llamó la atención en Estados Unidos, concretamente en el sello Alligator Records, basado en Chicago.


En 1994 Alligator publicó el álbum con el que Luther realizó su regreso triunfal a Estados Unidos, 'Soul Fixin' Man', su primer álbum americano en casi 20 años. Fue un gran éxito entre los aficionados al blues, generando comentarios como: "los abrasadores solos de Allison combinan la sabiduría de un veterano contador de historias con la elegancia de B.B.King, la elasticidad de Buddy Guy y el gancho de Albert King".

En 1995, Luther publicó un nuevo trabajo con Alligator Records, 'Blue Streak'. El álbum no sólo consolidó su celebrado retorno, también lo devolvió a la cúspide de la escena norteamericana del blues, recibiendo cinco premios W.C. Handy, la distinción más prestigiosa para un músico de blues. 'Blue Streak' permaneció en el nº1 de las listas de blues durante 19 semanas. Luther siguió incansable con las giras, actuando en Norteamérica, Europa y Japan ofreciendo sus habituales shows llenos de energía. Ya entrado en la cincuentena, treinta años después de sus primeras grabaciones, aseguraba en el Chicago Blues Festival de 1995: "He vuelto y me siento imparable"

Dos años después se publicó 'Reckless', el que sería su último álbum. Durante una actuación en el mes de julio de 1997, Luther se sintió indispuesto y fue llevado a un hospital, donde le descubrieron una enfermedad terminal, falleciendo semanas más tarde en agosto de 1997, cinco días antes de cumplir 58 años. En 1998 recibió, a título póstumo, el premio al mejor cantante y guitarrista de blues del año.

Mark Dinning


El 17 de agosto de 1933 nació en Grant (Oklahoma) el cantante pop Mark Dinning, el menor de nueve hermanos. Se crió en un rancho cercano a Nashville y siguió el ejemplo de sus hermanas que hicieron carrera en el country como las Dinning Sisters, por lo que en 1957 firmó un contrato discográfico con el productor Wesley Rose.

Sus grabaciones no tuvieron repercusión, hasta que en 1959 recicló una antigua canción de los años cuarenta compuesta por una de sus hermanas y la convirtió en un gran éxito. El tema se llamaba 'Teen Angel' y era una de las clásicas tragedias que narra la triste historia de una joven que muere en su coche atropellada por un tren. Alcanzó el nº1 de las listas y vendió más de un millón de copias a pesar de que muchas emisoras de radio se negaban a radiarlo por considerarlo demasiado 'morboso'. Un rotativo inglés tituló un artículo sobre el disco con la frase "La sangre fluye por sus surcos". Dinning murió de un infarto en marzo de 1986 a los 52 años.

Georgia Gibbs


El 17 de agosto de 1919 nació en Worcester (Massachussetts) la cantante Georgia Gibbs, muy popular en Estados Unidos durante la década de los años cincuenta. Ya en los cuarenta había cantado y grabado con las orquestas de Artie Shaw y Tommy Dorsey y a partir de 1950, fecha de su primera grabación como solista, logró 40 entradas en lista con todo tipo de temas como baladas, pop tradicional, jazz, cha cha cha, adaptándose a lo que demandara el mercado.

Nacida Frieda Lipschitz como la menor de cuatro hermanos de una familia judía procedente de Rusia, en 1936 se trasladó a Boston y con 17 años se unió a la Hudson-DeLange Orchestra. Durante 10 meses estuvo de gira con la orquesta bajo el nombre de Fredda Gibson. Ella lo recordaba así: "No sabes lo que significa la soledad hasta que trabajas en una banda de un show por noche. Cantas hasta las 2 de la madrugada, subes al autobús y viajas 500 kilómetros parando por el camino para comer una grasienta hamburguesa. Llegas a otra ciudad. Intentas dormir unas horas, te levantas, comes y otra vez lo mismo."

Seguidamente logró trabajar en varias emisora de radio y a principios de los años cuarenta cantó con las orquestas de Tommy Dorsey, Hal Kemp, Artie Shaw y Frankie Trumbauer. En 1943 cambió su nombre por el de Georgia Gibbs y comenzó a aparecer en el programa de radio presentado por Jimmy Durante, Camel Caravan, donde fue una artista habitual hasta 1947. Un año antes Gibbs había firmado con Majestic Records y grabó numerosos discos. Sin embargo su primer hit tardó en llegar cuatro años.

En 1950 su canción 'If I knew you were comin' I'd've baked a cake', alcanzó el Top5 de las listas USA. Le siguieron 'While you danced, danced, danced' (1951) y 'Kiss of fire' (1952), una adaptación del tango argentino 'El Choclo'. Incluso hizo un par de 'covers' de éxitos R&B para la audiencia blanca, como 'Tweedle dee' y 'Dance with me Henry'.

Poseedora de una voz palpitante y sensual, con un toque de vibrato, Gibbs se desenvolvía mejor con las baladas románticas como 'Melancholy bay', 'I'll be seeing you', 'Autumn leaves' y 'You keep coming back like a song', aunque interpretaba igualmente temas de jazz como 'After you've gone', 'A-razz-a-ma-tazz', temas swing como 'Shoo shoo baby' o rockeros como 'I want you to be my baby'. Con la llegada del rock and roll la carrera de Gibbs se fue eclipsando, aunque siguió apareciendo numerosas veces en el Ed Sullivan Show hasta mediados de los sesenta. Murió en diciembre de 2006 a los 87 años.

 

Nicola Porpora


El 17 de agosto de 1686, nació en Nápoles Nicola Porpora, el "primer maestro de canto del universo", como lo llamó en el siglo XIX George Sand, pues con él se formaron Farinelli, Caffarelli, Salimbeni, Appiani y Porporino, cinco de los grandes astros del canto barroco, además del famoso libretista Metastasio o dos genios de la composición como Hasse y Haydn. Del napolitano y errante Nicola Porpora no sólo conocemos la delicada belleza de su música instrumental o que Haydn le tuviera como referencia magistral, sino también su enconada rivalidad londinense con el gran Haendel en materia operística.

Nicola Porpora se graduó en el conservatorio de música Poveri di Gesù Cristo de su ciudad natal, donde se dominaba la escena de la ópera cívica de Alessandro Scarlatti. En la juventud de Nicola Porpora había mucha alegría, espíritu y una respuesta preparada, pero con la edad tenía arrebatos de mal humor que era excusable debido a su extrema pobreza. Cuando regresó a Nápoles en 1759, su carrera sufrió una serie de infortunios: su estilo florido se estaba convirtiendo en pasado de moda, su última ópera, “Camilla”, no tuvo repercusión, dejó de recibir su pensión de Dresden (donde había ejercido de Kapellmeister) y los gastos de su entierro fueron pagados por una suscripción de conciertos.

Sin embargo, en el momento de su muerte (marzo de 1768), Farinelli y Caffarelli vivían una espléndida jubilación en gran parte basada en la excelencia de la enseñanza del viejo maestro. Escribió poesía y hablaba francés, alemán e inglés. Un buen lingüista, que era admirado por la fluidez idiomática de sus recitativos, y un hombre de una cultura literaria considerable. Dirigió 50 óperas y compuso para diversas cortes europeas, sobre todo en Dresden, en Londres (donde compitió con Händel entre 1729 y el 1736) y en Viena. También compuso doce cantatas, serenatas y música de cámara.

Obras destacables:

Óperas:
- “Agripina” (1708)
- “Arianna e Teseo” (1714) (Anna Maria di Micco, mezzosoprano)
- “Berenice reina de Egipto” (1718), junto a Domenico Scarlatti.
- “Faramondo” (1719)
- “Orlando” (1720) - “L´Angelica” "Il piè s'allontana", "Se infida tu mi chiami" (RCOC, Juan Batista Otero)
- "Gli Orti Esperidi" (1721) Act I, Scene 7. Aria "Venere" (Verónica Cangemi, soprano & Ensemble Una Stella)
- “ Eumene” (1721)
- "Flavio Anicio Olibrio" (1722) (Simone Kermes, soprano & Le Musique Nove)
- “Didone abbandonata” (1725)
- “ Ezio” (1728)
- "Lucio Papirio"- Morte amare (1729) (Simone Kermes, soprano & Le Musique Nove)
- “La Semiramide riconosciuta” (1729) (Cecilia Bartoli, Il Giardino Armonico & Giovanni Antonini)

- “Germanico in Germania” (1732) (Il giardino Armonico & dir. Giovanni Antonini)
- “Arianna in Nasso” (1733) (Karina Gauvin & Il Complesso Barocco)
- “Il Trionfo di Camilla”- “Va per le vene” (1760), su última ópera (Andrea Scholl, contratenor & Academia Bizantina)

Cantatas:
- “Or che una nube ingrata” (1735) (Contratenor Iestyn Davies)
- “Or che d'orrido Verno” (Elena Cecchi Fedi, soprano & Auser Musici, Carlo Ipata)
- “Parto, ti lascio, o cara” (Mezzosoprano Cecilia Bartoli, Il giardino armonico & dir. Giovanni Antonini)


Parto, ti lascio, o cara,
Ma nel partire io sento
Troppo crudel tormento.
Non sarà tanto amara
La pena del morir.
Perfide, stelle ingrate,
Se non volete, oh Dio,
Aver di me pietade,
Non date all’idol mio
Sì barbaro martir.

- “Come nave in mezzo all’onde” (Mezzosoprano Cecilia Bartoli, Il giardino armonico & dir. Giovanni Antonini)

Serenatas:
- “Angelica en Nápoles” (1720),
- “Gli orti esperidi” (1721),
- “Nasso Arianna” (1733) Karina Gauvin, soprano & Alan Curtis & Il Complesso Barroco)
- “Polifemo" “Alto Giove, Aci's aria” acto III, sc. 5. (Philippe Jaroussky, contratenor; Australian Brandenburg Orchestra & dir. Paul Dyer, harpsichord), "Dolci fresche aurette" (Vivica Genaud & René Jacobs)
- “La Fiesta de Imeneo” (1736)


Alto Giove, è tua grazia,
è tuo vanto il gran dono
di vita immortale
che il tuo cenno sovrano mi fa.

Oratorios:
- “David y Betsabé “ (1734)
- “La Nascita di Nostro Signore” (Orfei Farnesiani & Maurizio Cadossi)
- “Salve Regina” (Elina Garancia, soprano, Orquesta Nacional de Francia & Ricardo Muti)
- "Laetatus Sum" (Les Passions, Poulenard, Laurens, Andrieu)

Música de cámara:
- “Concerto para cello, cuerdas y bajo continuo en Sol mayor” Mov 1, 2/4, Mov 3,4/4 (Ensemble 415 & Featuring Gaetano Nasillo, violonchello & dir. Chiara Banchini)
- “Sinfonía de Cámara Op.2 No.1 in Sol mayor” (I Virtuosi delle Muse & Stefano Molardi).
- “Sonata para violín y clavicordio, sonata IX en re mayor” (Endimione & Jerome Martin Langlois)
- “XII Sonatas para violín, violonchelo y clavicordio” (Violín: Giovanni Guglielmo, Cello: Pietro Bosnan, Harpsicord: Andrea Coen)