30 agosto 2012

John Peel


El 30 de agosto de 1939 nació en Heswall (Inglaterra) el disc-jockey y presentadpr de radio John Robert Ravenscroft, más conocido por John Peel. Durante 37 años ininterrumpidos trabajó en BBC Radio 1, donde fue conocido por su cálido y personal estilo presentando y su eclecticismo musical. Fue de los primeros DJs en pinchar música psicodélica y rock progresivo en la radiodifusión británica y fue un entusiasta promotor de artistas en géneros tan diversos como reggae, indie pop, indie rock, hardcore punk, grindcore, death metal, hip hop británico, música electrónica y dance.

Sus programas en Radio 1 eran famosos por sus 'Peel Sessions', en las que todo artista o grupo que pasaba por el estudio dejaba por lo menos cuatro de sus temas grabados en directo. La primera sesión se realizó en septiembre de 1967 con el grupo Tomorrow y a continuación, fueron unos jóvenes Pink Floyd con Syd Barrett todavía en sus filas, quienes protagonizaron la segunda entrega del programa.

Se realizaron más de 4000 sesiones, de las cuales muchas acabaron en vinilo y CD publicadas por el sello Strange Fruit fundado por Peel. Asimismo, varios grupos repitieron visita, como uno de los grupos preferidos de Peel, The Fall, que asistió en 32 ocasiones a las Peel Sessions. La lista de músicos y bandas que le deben mucho a John y a su programa es interminable: Aphex Twin, Marc Bolan, David Bowie, The Clash, The Cure, Joy Division, Killing Joke, Napalm Death, New Order, New Model Army, Nirvana, P J Harvey, Pulp, Roxy Music, Sex Pistols, The Smiths, The Sugarcubes, Rod Stewart, U2, The Undertones, The Velvet Underground, The Wedding Present, The Shins, The White Stripes...

El 25 de octubre de 2004 John Peel murió repentinamente de un ataque al corazón mientras se encontraba en Perú. Unos días antes se despedía de sus oyentes hasta el siguiente mes de noviembre, esperando volver recuperado y con nuevos bríos de sus vacaciones...

LP 'Sweetheart of the Rodeo'


El 30 de agosto de 1968 se publicó en EEUU, 'Sweetheart of the Rodeo', el sexto álbum del grupo The Byrds. Con la colaboración de Gram Parsons, significó para muchos el primer álbum de country-rock de la historia y un cambio estilístico que se apartaba del sonido de rock psicodélico desplegado por The Byrds en su anterior trabajo, 'The Notorious Byrd Brothers'.

Roger McGuinn
El concepto inicial de Roger McGuinn para el siguiente álbum de la banda era un doble álbum en el que se repasara toda la música popular americana, desde la música de los Apalaches y el bluegrass, pasando por el country, jazz, rhythm& blues y rock, para culminar con la música proto-electrónica del futuro, presentando el sintetizador Moog, recién presentado en el mercado. Pero antes había que solucionar otros problemas. Tras la marcha de David Crosby y Michael Clarke a finales de 1967, dejando como líderes únicos a Roger y Chris Hillman, estos se encontraron sin grupo de acompañamiento para la gira promocional de su último trabajo 'The Notorious Byrd Brothers', por lo que enrolaron al primo de Hillman, Kevin Kelley a la batería. Pronto vieron que con la formación de trío no iban a ninguna parte y se hizo evidente la necesidad de un cuarto miembro. McGuinn, pensando en su proyecto, sugirió un pianista.

International Submarine Band
El candidato fue Gram Parsons, de 21 años, una figura marginal de la escena musical de Los Angeles. Su estilo jazzístico al piano y su gran personalidad impresionó a Hillman y McGuinn, por lo que fue contratado como cuarto miembro de la banda. Lo que no sabían Roger y Chris, es que Parsons tenía su propia idea de la línea musical que debía tener el grupo, en la que quería introducir su pasión por la música country. Ya tuvo un intento interesante y con cierto éxito como miembro de la International Submarine Band, en el álbum 'Safe at Home', pero su nuevo status como miembro de una banda de fama internacional, le ofrecía una plataforma ideal para reivindicar el country como parte importante de su generación.

Gram Parsons
Poco a poco Parsons le fue quitando a McGuinn su idea de abarcar toda la música popular norteamericana, para concentrarse en lo que él llamaría más tarde 'música cósmica americana'. Encontró un buen aliado en Hillman, que además de tener raíces musicales fuertemente arraigadas en el bluegrass, tuvo éxito en años anteriores persuadiendo a los Byrds de incluir sonidos country en su música, como el tema 'Satisfied mind' en su álbum 'Turn! Turn! Turn!' de 1965, así como los temas que firmó para los siguientes álbumes, algunos de ellos con Clarence White -afamado guitarrista de bluegrass- a la guitarra solista, en lugar de McGuinn. Gram Parsons sugirió que, para mayor autenticidad, el nuevo álbum lo grabaran en Nashville (Tennessee), como había hecho Dylan con sus discos 'Blonde on Blonde' y 'John Wesley Harding'. Cuando su productor Gary Usher, que tampoco estaba muy entusiasmado con la idea del doble álbum, manifestó su preferencia por la opción del álbum country, McGuinn accedió y se prepararon las sesiones en Nashville, para comenzar a grabar 'Sweetheart of the Rodeo'.

Kevin Kelley, Gram Parsons, Roger McGuinn y Chris Hillman

Entre el 9 y el 15 de marzo, The Byrds, acompañados de eminentes músicos de sesión, grabaron repetidas tomas de ocho canciones en los estudios de Columbia Records en Nashville. Las sesiones continuaron entre el 4 de abril hasta el 27 de mayo en los estudios de Hollywood, con otros siete temas grabados allí, así como toques finales aplicados a los masters grabados en Nashville.

Chris Hillman
El listado de temas para el álbum incluía dos versiones de sendos temas de Dylan, 'You ain't goin' nowhere' y 'Nothing was delivered', fuertemente influidas por el country y que -pertenecientes a las 'Basement Tapes'- aún no habían sido publicadas. Esto les permitía, a pesar del significativo giro que estaban dando a su música, conectar con su encarnación anterior de grupo folk-rock, en la que las versiones de Dylan jugaron un papel importante.
También incluyeron tres temas clásicos de country: 'I am a pilgrim', que popularizó Merle Travis a principio de los cuarenta; la canción escrita por Cindy Walker 'Blue canadian Rockies', que interpretó Gene Autry en el film del mismo nombre en 1952; y 'The christian life', la antítesis de una canción rock, en la que la letra insta a saborear los simples placeres de una vida cristiana.
A estos clásicos añadieron otras versiones de temas country contemporáneos como el lamento carcelero de Merle Haggard en 'Life in prison' y 'You're still on my mind', escrita por Luke McDaniel, la triste historia de un hombre buscando la razón de su corazón roto en el fondo de una botella.

Chris Hillman y Gram Parsons
Al hit de Stax, 'You don't miss your water' de William Bell, le dieron un tratamiento country, destacando las perfectas y limpias armonías vocales de los Byrds y las contribuciones de JayDee Maness y Earl P. Bay a la pedal steel y el piano honky-tonk, respectivamente. Esta fusión de country y soul era a la que se refería Parsons con su término 'música cósmica americana'.
Como Roger McGuinn carecía de temas propios, eligió uno de su repertorio pre-Byrds, el tema de Woody Guthrie, 'Pretty boy Floyd', un retrato romántico de la vida de un fuera de la ley y héroe del folk. Otros temas que se grabaron fueron 'All I have are memories', compuesta por Kelley, 'You got a reputation', de Tim Hardin y la tradicional 'Pretty Polly', pero ninguno de ellos se incluyó en el listado final de 'Sweetheart of the Rodeo'

Gram Parsons
Gram Parsons también trajo temas suyos a las sesiones: 'Lazy days', 'One hundred years from now' y 'Hickory wind', ésta última escrita por Parsons con su ex-colega de la International Submarine Band, Bob Buchanan en un viaje por ferrocarril entre Florida y Los Angeles. 'One hundred years from now' es la de tempo más rápido de todo el álbum y es una especulación acerca de la vanidad humana y como será vista en las generaciones futuras. 'Lazy days', influida por Chuck Berry, no se incluyó finalmente en el álbum pero fue rescatada al año siguiente para la siguiente banda de Parsons y Hillman: The Flying Burrito Brothers.

Ryman Auditorium en Nashville
Cuando los Byrds finalizaron las sesiones en Nashville, ofrecieron un concierto el 15 de marzo de 1968 en el Grand Ole Opry celebrado en el Ryman Auditorium, presentados por el artista country Tompall Glaser. La recepción no pudo ser peor. La ultraconservadora audiencia no podía soportar ver en el escenario de aquel venerable local a esos hippies melenudos. Aunque se habían recortado el pelo precisamente para esa ocasión, no fue de mucha ayuda. Abrieron el show con una versión de 'Sing me back home' de Merle Haggard, que fue recibida con pitos y abucheos por un público hostil. Cualquier intento de arreglo fue dinamitado por Parsons, cuando en vez de interpretar el tema anunciado por Glaser, se arrancó con 'Hickory wind', dedicándosela a su abuela. Esta ruptura de protocolo no agradó a nadie y menos a un avergonzado Tompall Glaser que aseguró que los Byrds jamás volverían a ser invitados para tocar en el show.

Ralph Emery en la WSM
Igualmente desastrosa fue su entrevista con el legendario DJ de Nashville Ralph Emery, que en su programa de la WSM no paró de burlarse de sus entrevistados y se negó en principio a radiar una copia de 'You ain't goin' nowhere'. Cuando al fín la pinchó, hizo comentarios despectivos, tachándola de mediocre. Bastante molestos por el tratamiento recibido, Parsons y McGuinn le dedicarían una canción, escrita en Londres en mayo de 1968, llamada 'Drug store truck drivin' man', que aparecería en el siguiente álbum de The Byrds, 'Dr. Byrds & Mr. Hyde', aunque en la grabación no figuró Parsons, que ya había abandonado el grupo. También Joan Baez grabaría una versión muy popular de ella, dedicada en este caso, al entonces gobernador de California, Ronald Reagan.

Hillman, Parsons y Roger McGuinn
En los conciertos que ofrecieron a continuación en la zona de Los Angeles, comenzaron a surgir los conflictos entre Parsons y McGuinn. Parsons presionaba a Roger para que contratara a un guitarrista de pedal steel como miembro fijo de la banda, para que el nuevo material sonara auténtico en los directos. McGuinn se negó y trabajaron unas veces con JayDee Maness y otras con Sneaky Pete Kleinow, ambos introducidos por Parsons. En mayo de 1968 realizaron una corta gira por Europa, en la que coincidieron con Mick Jagger y Keith Richards, quienes les comunicaron que no era buena idea ir a Sudáfrica -Los Byrds tenían previsto actuar allí en verano- a causa de la política del apartheid.

Lee Hazlewood
Cuando regresaron a California, la labor de post-producción del álbum se vio interrumpida cuando Lee Hazlewood puso impedimentos para que Parsons apareciera en los créditos del álbum, ya que Gram aún se debía a su contrato con LHI Records. Mientras los problemas legales se resolvían, McGuinn sustituyó la voz solista de Parsons por la suya en tres temas, una maniobra que Parsons todavía repudiaba enfurecido en una entrevista realizada por Cameron Crowe en 1973: "Borró mi pista y la sustituyó con su voz jodiéndolo todo...". No obstante, Parsons seguía figurando como voz principal en los temas 'Hickory wind', 'You're still on my mind' y 'Life in prison'.

Gary Usher
Según palabras del productor Gary Usher: "McGuinn estaba algo mosqueado con el protagonismo que Parsons estaba adquiriendo en el disco. No quería que el álbum se convirtiera en una obra de Gram Parsons. Queríamos mantener a Gram en la mezcla, pero asimismo queríamos obviamente que resaltara el trabajo de Hillman y McGuinn. No tienes un grupo de primera fila y contratas a un cantante solista sin motivo... Hubo problemas legales, sí; pero se resolvieron y el álbum tuvo la presencia de Parsons que Hillman, McGuinn y yo mismo decidimos."

Keith, Gram y unos amigos en Londres
Con los asuntos legales camino de resolverse, The Byrds volvieron a Inglaterra el 7 de julio para actuar en el Royal Albert Hall. Tras el concierto, Parsons anunció que no les acompañaba a Sudáfrica por su rechazo al apartheid. McGuinnn y Hillman dudaron de la sinceridad de Parsons y pensaron que su repentino compromiso político estaba más relacionado con su preferencia a quedarse en Londres con Mick y Keith, con los que Gram hizo muy buenas migas, sobre todo con Keith, a quien acompañaría posteriormente en descomunales borracheras. Cuando se publicó el álbum, Parsons llevaba ocho semanas siendo un exByrd. Tras la gira sudafricana, que solucionaron contratando a toda prisa a Carlos Bernal, Gram fue sustituido por Clarence White y poco después Kelley fue despedido. Así, la formación McGuinn, Hillman, Parsons y Kelley de los Byrds duró, como mucho, cinco meses.

Flying Burrito Brothers (1969)
Publicado en una época en la que la sorpresiva incursión de los Byrds en la música country coincidió con su declive de ventas, 'Sweetheart of the Rodeo' fue ciertamente una propuesta poco comercial en su momento. No obstante el álbum se ha establecido con el tiempo, además de ser el anteproyecto de los Flying Burrito Brothers,  precursores del movimiento country-rock que surgió en 1970 en Los Ángeles. Asimismo tuvo su influencia en los movimientos 'outlaw' y el así llamado country alternativo que surgió en los años noventa. Aunque no fue el primer álbum de country-rock ('Safe at Home' del grupo previo de Parsons, International Submarine Band fue anterior), sí es el primer trabajo de un grupo de rock internacionalmente conocido tocando pura música country, influyendo en numerosas bandas del futuro como The Eagles o Wilco.
La opinión de los seguidores y fans de The Byrds, estuvo muy dividida. Mientras que unos consideraron el álbum la consecuencia natural de las innovaciones musicales del grupo, otros rechazaban de pleno la adopción de un género asociado a los conservadores del sur y añoraban los sonidos de la Rickenbacker de 12 cuerdas y la atmósfera psicodélica de sus obras anteriores. De una manera o de otra, 'Sweetheart of the Rodeo' fue la última gran obra de The Byrds.

Roger McGuinn -guitarra acústica, banjo, voces
Chris Hillman - bajo eléctrico, mandolina, guitarra acústica y voces
Gram Parsons - guitarra acústica, piano, órgano, voces
Kevin Kelley - batería

Músicos adicionales:
Lloyd Green y JayDee Maness - guitarra pedal steel
Clarence White - guitarra eléctrica
John Hartford - banjo, violín, guitarra acústica
Roy Husky - contrabajo
Earl P. Ball y Barry Goldberg - piano

Producción:
Gary Usher - producción
Roy Halee - ingeniero

Clarence White
I am a pilgrim (Tradicional; Arreglo: Chris Hillman/Roger McGuinn)
The christian life (Charles Louvin/Ira Louvin)
You’re still on my mind (Luke McDaniel)
Pretty boy Floyd (Woody Guthrie)
Hickory wind (Gram Parsons/Bob Buchanan)
Blue canadian Rockies (Cindy Walker)
Life in prison (Merle Haggard/J. Sanders)

Kenny Dorham


El 30 de agosto de 1924 nació en Fairfield (Texas) el compositor, cantante y trompetista norteamericano de jazz Kenny Dorham, cuyo talento ha sido loado por críticos y otros músicos, pero nunca ha recibido la atención del mundo del jazz que otros contemporáneos suyos sí disfrutaron. Por ello su nombre se ha convertido -en palabras del crítico de jazz Gary Giddins- en sinónimo de 'infravalorado'.

Kenny se crió en una familia en la que la música ocupaba un lugar importante. Con siete años comenzó a tocar el piano y con 15 se pasó a la trompeta. Sus primeros modelos fueron Bix Beiderbecke, Roy Eldridge y Bunny Berigan. Tras interrumpir sus estudios de farmacia, debutó en 1944 en la bigband de Russell Jacquets y ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en habitual de las sesiones en el Minton's Playhouse. No tardó en caer un contrato con Dizzy Gillespie, al que siguieron otros: Billy Eckstine (1945), Lionel Hampton (1947), Coleman Hawkins (1948) y finalmente, Charlie Parker (1948-50).

Charlie Parker y Kenny
No sorprende que Dorham sustituyera aquí a Miles Davis, ya que Kenny se desenvolvía también extraordinariamente bien con la baladas y los temas de medio tiempo con un tono cálido y flexible. Además el estilo de Dorham era más terrenal que el de Miles, lo que hizo de él un trompetista ideal para los Jazz Messengers de Art Blakey. En 1955 ya tocaba con ellos en su primer éxito, 'Horace Silver and the Jazz Messengers'.

Dorham (2º por la izq) con Max Roach
En 1956 dirigió su propia banda, The Jazz Prophets, y siguió construyendo los fundamentos del hard bop en el quinteto de Max Roach, en el que reemplazó al fallecido Clifford Brown. La estética de esta banda, con sus piezas simples, pero cuidadosamente arregladas, colmó las expectaciones musicales de Dorham, quien se reveló como un compositor y director con un gusto exquisito, surgiendo sus mejores trabajos, 'Blue Spring' (1959, con Cannonball Adderley) y 'Whistle Stop' (1961, con Hank Mobley).

En 'El Matador' y 'Una Mas' (1963) recibe influencias de los sonidos latinos y brasileños. Muchas de sus composiciones son temas standard en los repertorios de jazz, como 'Blue bossa' (con Joe Henderson) o 'La villa'. A mediados de los años sesenta se dedicó también a la enseñanza y a escribir críticas de jazz en la revista Down Beat. A finales de la década tuvo que retirase de los escenarios a causa de una insuficiencia renal, de la que falleció en diciembre de 1972 a los 48 años.

Kitty Wells


El 30 de agosto de 1919 nació en Nashville (Tennessee) la cantante country Kitty Wells, que con su hit de 1952, 'It wasn't God who made honky tonk angels', fue la primera estrella femenina del country.

Comenzó su carrera con 17 años cantando con sus hermanas en las emisoras de radio locales bajo el nombre de Deason Sisters. Con 18 se casó con Johnnie Wright y siguió actuando junto a él. En 1952, cuando estaba a punto de dejar el show business, le pidieron en Decca Records que grabara el tema 'It wasn't God who made honky tonk angels' como respuesta al tema de Hank Thompson 'The wild side of life'. Los 125$ que pagaban por la sesión le venían muy bien y Kitty accedió. La joven no tenía ni la más remota idea del éxito que iba a tener la canción y lo que iba a suponer en su vida.

Producido por Owen Bradley, el single fue inicialmente vetado en muchas emisoras, debido al título y a la 'subversiva' idea de que Dios, efectivamente, no era el artífice de las 'ángeles de Honky Tonk'. Pero fue un éxito masivo, vendiendo más de 800.000 copias en las primeras semanas. Finalmente, alcanzó el nº1 de las listas country, convirtiendo a Kitty Wells en la primera mujer que lo lograba. Permaneció en el puesto de honor ocho semanas e incluso entró en las listas de pop llegando al nº30.

Denominada por su público 'La reina de la música country' sus éxitos se sucedieron hasta mitad de los sesenta inspirando una larga lista de mujeres cantantes de country que surgieron en esa década. Publicó 35 álbumes y 90 singles con temas como 'Making believe' (1955), 'Jealousy' (1958), 'Heartbreak U.S.A.' (1961) y 'You don't hear' (1965). En 1968 aparecieron un par de álbumes en los que Kitty canta a duo con su marido Johnnie Wright: 'Let's Stick Together' y 'Kitty Wells and Johnnie Wright Sing Heartwarming Gospel Songs'.

A finales de los años sesenta las ventas cayeron, por lo que decidió en 1969 producir su propio show de TV, 'The Kitty Wells/Johnnie Wright Family Show'. De nuevo fue pionera en esto también, siendo la primera mujer del country en hacerlo. Continuó grabando y actuando hasta bien entrados los años ochenta y aunque las audiencias eran menores, seguían acudiendo con entusiasmo a escuchar los viejos éxitos de Kitty.  En 1991 se le concedió el premio Grammy por toda su carrera. Ella y Johnnie Wright permanecieron casados hasta la muerte de Wright en 2011. Kitty murió el año siguiente, en julio de 2012 a los 92 años.

John Phillips


El 30 de agosto de 1935 nació en Parris Island (Carolina del Sur) el compositor, guitarrista y cantante John Phillips, fundador y líder del grupo norteamericano The Mamas & The Papas y uno de los más grandes compositores pop del pasado siglo.

Si hubo una banda que pudo hacer frente en Estados Unidos a la invasión de grupos británicos liderados por The Beatles a mediados de los sesenta, esa era The Mamas & The Papas (John Phillips, Michelle Phillips, Mama Cass Elliot y Denny Doherty) con sus éxitos 'California dreamin', 'Monday monday', 'I saw her again', 'Got a feeling', etc.

Con Michelle en Monterey
Mientras ayudaba en el verano de 1967 a organizar el Monterey Pop Festival del que fue promotor, John compuso un tema 'publicitando' el festival, 'San Francisco', que en voz de su amigo Scott McKenzie fue un gran hit, convirtiéndose en un himno generacional del 'verano del amor'. Tras la separación de The Mamas & The Papas publicó un disco en solitario, 'John Phillips (The Wolf king of L.A.)', con temas como 'April Anne', 'Topanga canyon', 'Down the beach', 'Holland tunnel', 'Malibu people', 'Lady Genevieve' y 'Mississippi', de escaso éxito, sin embargo con el tiempo, ha llegado a ser considerado un gran trabajo por numerosos críticos.

John y Genevieve Waite
En 1972 se casó con su tercera mujer, Genevieve Waite, con quien había estado escribiendo desde 1969 la música y el libreto de un musical basado en el alunizaje de la nave Apollo XI. En 1974, tras varios intentos fallidos de llevar la obra a los escenarios o la pantalla, el proyecto acabó en manos de Andy Warhol, quien contrató a Paul Morrissey para la dirección del musical, que se estrenó en enero de 1975 con un pésimo resultado. La obra duró únicamente dos días en cartel tras las demoledoras críticas del estreno. No queda constancia grabada de aquello, sólo unas partituras y una colección de maquetas que grabó Phillips, publicada en 2009.

Posteriores intentos de grabar un segundo álbum, incluso producido por los Rolling Stones (con colaboraciones de Keith Richards y Mick Taylor a las guitarras) se quedaron sin terminar a causa de su fuerte adicción a la cocaína y la heroína. En sus propias palabras: "me metía un tiro cada quince minutos durante al menos dos años". En 2001 se publicó un álbum, 'Pay Pack & Follow', con temas como 'Mr Blue', 'Oh Virginia' y 'Pussycat', que recoge todo el material grabado en Londres con los Stones.

The New Mamas and the Papas en los 90
En los años ochenta, Phillips fue condenado por tráfico de drogas. Posteriormente, él y su hija McKenzie realizaron una campaña por TV en la que instruían a los padres a evitar que sus hijos se convirtieran en adictos. Este hecho consiguió que le redujeran la condena a sólo un mes de cárcel. Seguidamente él y su hija reformaron The Mamas and the Papas con Elaine McFarlane (de Spanky and Our Gang) y Denny Doherty. El resto de su vida, Phillips siguió actuando con varias versiones de la banda, por la que también pasó Scott McKenzie. En los años noventa sufrió un trasplante de hígado debido a su continuado abuso de múltiples sustancias que, sin embargo, no abandonó hasta su muerte por insuficiencia cardíaca a los 65 años en marzo de 2001.

John y su hija Mackenzie
En septiembre de 2009 su hija Mackenzie relató en una entrevista con Oprah Winfrey una supuesta relación incestuosa que mantuvo durante años con su padre que ella cortó en seco cuando se quedó embarazada y no sabía quién era el padre. Según Mackenzie, su padre tambien se encargó de pagar el aborto, momento a partir del cual no le dejó tocarla más. Aunque su hermana Chynna manifestó que conocía la historia desde 1997, ni su otra hermana, Bijou, ni las dos últimas esposas de John, Michelle Phillips y Genevieve Waite dan crédito al relato de Mackenzie...