01 septiembre 2012

Alton Ellis


El 1 de septiembre de 1938 nació en Kingston el músico jamaicano Alton Ellis, conocido como 'el padrino del rock-steady', estilo sucesor del ska, y precursor directo del reggae.

Creció en el barrio de Trench Town en una familia muy aficionada a la música, por lo que aprendió a tocar el piano muy joven. Sus inicios como artista fueron de bailarín, ganando varios concursos de talentos, pero en 1959 se pasó a la música junto a Eddy Perkins, como parte del dúo Alton and Eddy. Con un estilo R&B cosecharon éxitos locales como 'Muriel', 'My heaven', 'Lullaby angel', 'I am never gonna cry' y 'Yours'. Perkins dejó el dúo para seguir en solitario en Estados Unidos y Ellis permaneció en Jamaica reemplazando a Perkins por John Holt.

Cuando este se unió a The Paragons a principios de los años sesenta, Ellis formó un nuevo grupo, The Flames, justo cuando el ska empezaba a dominar la música jamaicana. Le redujo el tempo y el ritmo y grabó un tema llamado 'Rock steady'. Así fue bautizado el nuevo estilo que acababa de nacer. En 1967 grabó su álbum debut, 'Mr Soul of Jamaica', con temas como 'If I could rule this world', 'You make me happy', 'Why birds follow spring' y 'Sun of Man', considerado el álbum de rocksteady definitivo.

En 1967 grabó el tema 'Mad mad', que incluía unos vientos ejecutando una línea descendente de tres notas, que se convirtió en una constante en más de un centenar de temas reggae que le siguieron. También aparece de nuevo en temas hip hop de Tupac Shakur, KRS-One, y Notorious B.I.G.. Ellis continuó activo hasta que su salud comenzó a deteriorarse en 2005. Murió en octubre de 2008 a los 70 años.


EL ROCKSTEADY
El rocksteady utiliza varios elementos musicales típicos del rhythm and blues y del ska. Uno de esos elementos son los ritmos offbeat: dos o tres acordes mayores tocados a la guitarra que crean un sonido claro, vibrante y típicamente alto. El rocksteady es más lento y relajado que el ska.

La caja en la batería juega un rol esencial en el mantenimiento del tempo, y se caracteriza por un poderoso golpe en el tercer tiempo de cada compás ('one drop'). El bajo es pesado y más prominente que en el ska, y las líneas de bajo reemplazaron el estilo 'caminante' (walking style) del ska por figuras más rotas y sincopadas. En el rocksteady se reducía (pero no eliminaba) el uso de vientos. A cambio, la guitarra eléctrica, el bajo y el piano cobraron más protagonismo. La guitarra eléctrica toca la principal melodía, generalmente imitando la línea de bajo, en el estilo característico de Lynn Taitt. El bajo eléctrico es el principal instrumento rítmico, ayudando a crear un sonido más percusivo.

Bailando el rocksteady
Hubo varios factores que influyeron en la evolución del Rocksteady al Reggae a finales de los años 60. La migración de los músicos y productores Jackie Mittoo y Lynn Taitt - y el proceso de modernización tecnológica de los estudios jamaicanos - tuvo un efecto marcado en el sonido y el estilo de las grabaciones. Los patrones de bajo se volvieron más complejos, los arreglos incrementaron su dominio y el piano dio paso al órgano eléctrico. Otros desarrollos incluyen instrumentos de viento velados como fondo; una guitarra más 'rascada' y percusiva; y un estilo más preciso e intrincado del uso de la batería.

Para inicios de los años 70, conforme el movimiento Rastafari ganaba popularidad, las canciones se enfocaron menos en los temas románticos que en la conciencia racial, la política y la protesta. Pese al hecho de que el Rocksteady fue una fase transitoria muy corta dentro de la música popular jamaicana, tuvo una gran influencia en los estilos Reggae y Dancehall que le sucedieron. Muchas líneas de bajo siguen siendo utilizadas en la música jamaicana contemporánea.

Conway Twitty


El 1 de septiembre de 1933 nació en Friars Point (Mississippi) el cantante country Harold Lloyd Jenkins, conocido como Conway Twitty. Fue uno de los artistas de mayor éxito en la música country consiguiendo 40 nº1, ostentando el récord hasta el año 2000.

De adolescente ya cantaba en emisoras de radio locales, y tras servir en el ejército y escuchar 'Mystery Train' de Elvis, comenzó a escribir temas de rock'n'roll. Viajó a Memphis para adquirir el sonido adecuado junto a Sam Phillips. Su primer single 'It's only make believe' (1958) -que muchos creían que estaba grabado por Elvis bajo otro nombre- alcanzó el nº1 y vendió nada menos que ocho millones de copias. Le siguieron hits como 'Lonely blue boy', 'Danny boy' (1959) y 'C'est si bon' (1960). A partir de 1966 ya sólo se le podía encontrar en las listas country, donde publicó hasta 1986 más de un centenar de discos, entre ellos, cuarenta nº1, como 'Next in line' (1968), 'To see my angel cry' (1969), 'Hello darlin' (1970), 'You've never been this far before' (1973), 'Touch the hand' (1975), 'Happy birthday darlin' (1979) o 'Slow hand' (1982).

Conway Twitty y Loretta Lynn
En los años setenta fue elegido seis años consecutivos como parte del dúo vocal del año, por sus grabaciones junto a Loretta Lynn, como 'After the fire is gone''Lead me on' (1971), 'Louisiana woman, Mississippi man' (1973) y 'Feelings' (1975). En 1982 Jenkins inauguró 'Twitty City', un parque temático del country en Hendersonville, al norte de Nashville, que se ha convertido en una de las mayores atracciones turísticas del estado. Conway Twitty murió en junio de 1993 tras sentirse mal durante una gira a los 59 años.

Art Pepper


El 1 de septiembre de 1925 nació en Gardena (California) Art Pepper, uno de los grandes saxofonistas de jazz de los cuarenta y cincuenta. Junto a Lee Konitz y Paul Desmond fue uno de los que desarrolló un sonido estrictamente personal que prácticamente no recibió influencias de Charlie Parker.

Muy joven ya participaba en jams con los grandes de la escena (Ben Webster, Dexter Gordon y Art Tatum) en los clubes negros de la Central Avenue en Los Ángeles. En 1943 se unió a Stan Kenton, a cuya banda volvió en 1947 tras cumplir con el servicio militar (1944-46). En sus filas grabó 'Summer of 51' (1951) y un año después dejó la banda para seguir tocando en pequeñas formaciones. Tomó parte en las famosas primeras grabaciones West Coast de Shorty Rogers en diciembre de1951, lo que le facilitó la ocasión de crecer como solista. También publicó con su propio nombre, como los magníficos 'Meets the Rhythm Section' (1957),  'Art Pepper + Eleven: Modern Jazz Classics' (1959), 'Gettin' Together' y 'Smack Up' (1960) y grabó dos álbumes con Chet Baker.

Ficha policial de Pepper
Pero a principios de los cincuenta Blakey ya sufría fuertes dependencias al alcohol, las pastillas y la heroína, lo que le llevó a un estilo de vida errático y a tener problemas con la ley. Estos comenzaron en 1952 con la primera de sus entradas en prisión, las cuales se repitieron a lo largo de los años sesenta (cuatro años en San Quentin), que culminaron en tres años de rehabilitación voluntaria en el centro de drogodependientes Synanon a partir de 1969.

En 1975, tras una terapia con metadona y con la ayuda de su tercera esposa Laurie, Pepper pudo regresar a su carrera musical y grabó una serie de discos muy elogiados. Sus primeras apariciones en la costa Este y en Japón atrajeron nueva atención sobre él y fue aclamado como una leyenda viviente. En 1978 firmó con el sello Galaxy, donde publicó una serie de grandes trabajos en los que demostraba que los años de sufrimiento físico y emocional habían hecho madurar excelentemente el tono de Pepper, como 'Landscape' (1979), 'Winter Moon' y 'Straight Life' (1980).

Su autobiografía, también llamada 'Straight Life' (Una vida ejemplar) (1980), co-escrita con Laurie Pepper, es una excepcional exploración en el mundo del jazz y en las subculturas de las drogas y lo criminal de la California de mediados del siglo XX. Tampoco su publicación logró alejar del todo los demonios interiores de Art pero continuó liderando las listas y encuestas, así como acometiendo ambiciosos proyectos con orquesta de cuerdas o dúos íntimos con su acompañante favorito, el pianista George Cables. Murió a los 56 años de una apoplejía en junio de 1982.

Othmar Schoeck


El 1 de septiembre de 1886, nació en Brunnen, cerca de Lucerna, el compositor y director de orquesta suizo Othmar Schoeck. Hijo del pintor Alfred Schoeck, Othmar se dedicó a la música después de haber realizado estudios de pintura durante un breve periodo de tiempo.

Trabajó en el Conservatorio de Zurich, y posteriormente pasó algún tiempo en Leipzig donde estudió con Max Reger, organista, pianista y profesor alemán. A su regreso a Suiza, emprendió una intensa actividad práctica en el campo musical: dirigió diferentes coros en Zurich y fue sobre todo fue el director de orquesta de los «Conciertos sinfónicos de Saint Gall», título que conservó durante muchos años. Esta ocupación sustituyó poco a poco su actividad creadora.

Para su ópera “El castillo”, durante 1943 viajó a Berlín en plena guerra lo que le provocó problemas por posibles asociaciones con el régimen nazi, pero Schoeck ni siquiera fue simpatizante. Tuvo el honor de recibir, en 1945, el Premio de los compositores de la «Association des Musiciens suisses». Schoeck, gran maestro del “lied” en lengua alemana, fue el representante de un género que expresa musicalmente los sentimientos y las atmósferas más sutiles e íntimas de un poema. Compuso mas de 100 canciones. Falleció en Zúrich, el 8 de marzo de 1957.

• Obras para escena y óperas
- “Erwin und Elmire” op. 25, cantos para la opereta de Goethe (1916);
- “Don Ranudo de Colibrados” (primera representación: 16 de abril de 1919, Zurich).
- “Venus” op. 32, ópera en tres actos Armin Rüeger, inspirada por la novela de Mérimée (primera representación: 10 de mayo de 1922, Stadttheater Zurich).


- “Penthesilea” op. 39, ópera en un acto según la tragedia de Heinrich von Kleist (primera representación: 8 de enero de 1927, Staatsoper Dresden).

- “Vom Fischer und syner Fru” (primera representación: 3 de octubre de 1930, Staatsoper Dresden).
- “Massimilla Doni” op. 50, opéra en 4 actos (6 escenas), texto d'Armin Rüeger según la novela del mismo título de Honoré de Balzac (primera representación: 2 de marzo de 1937, Staatsoper Dresden).
- “Das Schloss Dürande” op. 53, ópera en 4 actos; poema de Hermann Burte según la novela de Joseph von Eichendorff (primera representación: 1 de abril de 1943, Staatsoper Berlin).
- Recientemente han sido descubiertos fragmentos de una obra de juventud “Der Schatz im Silbersee”, una ópera según Karl May.

• Música de cámara
“Sonata para violín en Re mayor”, Op. 16; “Sonata para violín en Mi mayor”, Op. 46; “Sonata para violín en Re mayor”, WoO 22; “Sonata para violonchelo”, WoO 47; “Cuarteto de cuerdas #1 en Re mayor”, Op. 23; “Cuarteto de cuerdas #2 en Do mayor”, Op. 37; “Cuarteto de cuerdas movimiento en Re mayor”, WoO 75; “Sonata para Clarinete bajo y Piano”, Op. 41; “Andante para Clarinete y Piano”.

• Música sinfónica
“Concierto para violín en Si bemol mayor”, Op. 21; “Serenata para pequeña orquesta”, Op. 1; “Serenata para Oboe, cuerno inglés (trompa) y cuerdas”, Op. 27; “Preludio para Orquesta”, Op. 48; “Summernight” para Orquesta de cuerdas, Op. 58; “Suite en La bemol mayor para orquesta de cuerdas”, Op. 59; “Concierto para Violonchelo y orquesta de cuerdas”, Op. 61; “Festlicher Hymnus” para orquesta, Op. 64; “Concierto para Trompa y orquesta de cuerdas”, Op. 65

• Música incidental
“Eichendorff Lieder", para barítono e pianoforte op. 20 (1905/1914); “Erwin and Elmire”, canciones & música incidental para 4 voces y Orquesta, Op. 25; “Das Wandbild”, Op. 28
“Der Schatz im Silbersee”.

• Obra para piano
“Zwei Klavierstücke”, Op. 29
“Ritornelle und Fughetten”, Op. 68

• Música coral
“Der Postillon” (Lenau), Coro, tenor y Orquesta, Op.18 (1909); “Vom Fischer un syner fru” (Cantata), Op. 43; “Eichendorf Cantana”, Op. 49; “Maschinenschlacht”, Op. 67ª; “Seeli for Men’s Choir”; “Zimmerspruch for Men’s Choir”

• Ciclos de Lieder
“Lebendig begraben” para barítono y orquesta (1927) “Nachklang” de Goethe, «Alle meine Wünsche schweigen» de «Sechs Lieder op.6» - tocada por violoncello y piano, o “Notturno” para barítono y cuarteto de cuerda  (1933).

Johann Pachelbel


El 1 de septiembre de 1653 fue bautizado en Nuremberg el destacado organista, clavicembalista y compositor, Johann Pachelbel (la fecha exacta de su nacimiento es desconocida). Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo.

Universidad de Altdorf
Johann Pachelbel recibió de niño las primeras lecciones de música, en su ciudad natal, de Heinrich Schwemmer y Georg Kaspar Wecker, quienes le enseñaron composición e interpretación. Tras terminar sus estudios en la Academia de San Lorenzo, en 1669 ingresó en la Universidad de Altdorf, compaginando las clases con sus actividades como organista en la Lorenzkirche; sin embargo, la precariedad económica de la familia impidió al joven músico seguir estudiando en la universidad, en la cual apenas permaneció un año. Parece que en la primavera de 1670 empezó a frecuentar la escuela poética de Ratisbona y a asistir a las clases particulares de Kaspar Prentz, quien le introdujo en el conocimiento de los grandes compositores italianos de la época.

Catedral de San Esteban (Viena)
Influido por Prentz, en 1673 se trasladó a Viena para asumir el cargo de organista suplente en la catedral de San Esteban. Cuatro años después fue nombrado organista de la corte de Eisenbach, al servicio del príncipe Johann Georg, duque de Saxe-Eisenach. En junio de 1678 fue contratado por la iglesia protestante de Erfurt; allí contrajo matrimonio con Barbara Gabler en 1681, pero al cabo de dos años quedó viudo, al morir su esposa y su hijo en una epidemia. En 1684 se casó en segundas nupcias con Judith Drommer, con la que tuvo siete hijos, dos de los cuales, Wilhelm Hieronymus y Carl Theodorus, fueron también músicos.
En 1690 fue llamado a la corte de Württemberg en Stuttgart, para ocupar el cargo de músico y organista. Obligado a huir de ella en 1692 debido a una invasión francesa, se instaló en Nuremberg y pocos meses más tarde regresó a su región natal, Turingia, donde fue nombrado organista de la ciudad de Gotha.


En 1695, tras el fallecimiento de su antiguo maestro Wecker, organista de San Sebaldo en Nuremberg, le fue concedido dicho puesto, en el cual se mantuvo hasta su muerte.

Pachelbel falleció en su ciudad natal a la edad de 52 años, el 3 de marzo de 1706, y fue enterrado el 9 de marzo. Algunos comentaristas opinan que es poco probable que hayan dejado su cadáver tanto tiempo sin enterrarse. La costumbre era enterrar a los muertos en el tercero o cuarto día post-mortem, de modo que, se estima el 6 o 7 de marzo 1706 como fecha más probable de su muerte. Johann Pachelbel se encuentra sepultado en el cementerio de San Rochus en Núremberg, Alemania.

Pachelbel es autor de numerosas obras, entre las cuales destacan: “Musikalisches Sterbensgedanken” (1683), “Musikalisches Erzätzung” (1691), ocho preludios para corales (1693), el conjunto de seis arias para clavicémbalo con variaciones “Hexachordum Apollinis” (1966) y sus muchas composiciones para órgano chaconas : “Chaconne en fa menor”, fugas y tocatas: “Preludio y Fuga en Re menor", “Fuga en Do mayor”; “Preludio en Re menor”; sus “lieders” espirituales, diversas piezas para clavicémbalo, corales variados, cantatas, fantasías: “Fantasía en Sol menor”, misas, motetes y el conjunto de más de noventa “Magnificat's” para fuga.

A pesar de que fue un maestro del estilo “cantabile” (regularidad del desarrollo de las voces, armonía y ritmo), su música, tanto la instrumental como la vocal, fue olvidada poco después de su muerte y no se recuperó hasta la primera mitad del siglo XIX, cuando Franz Commer publicó la mayor parte de su obra escrita para órgano en Música Sacra. En 1901 se editó la serie completa de sus 95 fugas sobre el “Magníficat” en Denkmälern der Torkunst in Österreich, y muchas de sus obras para clavicémbalo fueron posteriormente incluidas en Denkmälern der Torkunst in Bayern.

• El Canon
La obra más conocida de Pachelbel es el “Canon en Re mayor”, (cuyo nombre completo es “Canon y Giga en re mayor para tres violines y bajo continuo” (instrumentos originales).

Pachelbel escribió esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente una obra de música de cámara para tres violines y bajo continuo; posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. Originalmente, una giga en la misma tonalidad (re mayor) sigue al canon, pero esta última danza se ejecuta o graba con mucha menos frecuencia. El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música popular contemporánea. Suele incluirse en compilaciones musicales con otras piezas de la época barroca junto con el Adagio de Tomaso Albinoni y el Aria de Johann Sebastian Bach; también se utiliza frecuentemente en las celebraciones de bodas.

La versión original es interpretada por tres violines que tocan sobre la melodía del contrabajo. Al inicio, el bajo solo toca dos compases, que, de acuerdo a la técnica del bajo continuo, se interpreta con el acorde. Al principio, el primer violín ejecuta la primera variación. Al llegar al final, comienza la segunda variación, mientras que el segundo violín arranca con la primera variación. Al final de la segunda variación, el primer violín comienza la tercera variación, el segundo la segunda, el tercero la primera, y se sigue esa pauta. La complejidad de la estructura del Canon aumenta hacia la parte central de la pieza cuando las variaciones se van haciendo más complejas. Después, la pieza vuelve gradualmente a una estructura menos compleja. En total hay 28 variaciones. El Canon es relativamente simple y no utiliza, por ejemplo, aumentos o disminuciones del ritmo.
Los nueve primeros compases del Canon en re mayor: los violines tocan el Canon a tres voces por encima de la línea de bajo que interpreta el motivo central. Los colores se utilizan para indicar las variaciones individuales, de las que se ven aquí 3 de las 28:


Aunque la obra es denominada como Canon en re mayor se refiere únicamente a una parte de su estructura. Si bien es un canon perfecto o cerrado a tres voces, una forma polifónica previa a la Fuga, posee las características de otra forma musical barroca (tema con variaciones) que usaron danzas en tiempos ternarios como la “Chacona” o el “Pasacalle”.

 
En conclusión, esta obra está estructurada como un “canon”, tema con variaciones, y además está basada, tanto armónica como estructuralmente, sobre un diseño melódico “ostinato” (Obstinado, forma musical basada en la repetición constante de un fragmento musical) que se repite durante toda la composición en la línea de bajo de dos compases:


Este mismo “ostinato” se repite 28 veces. Los acordes de la pieza son: re mayor (tónica), la mayor (dominante), si menor (tónica paralela), fa# menor (dominante paralela), sol mayor (subdominante), re mayor (tónica), sol mayor (subdominante), la mayor (dominante). La progresión de acordes es I  V VI III IV I IV V. Esta secuencia o similares se pueden ver en otros cánones de música clásica. Mozart utilizó esa secuencia en un pasaje de “La flauta mágica (1791). Haydn podría haberse inspirado también en la secuencia para su Minueto para cuarteto de cuerdas op. 50 n.º 2, compuesto en 1785. Sin embargo, estos pasajes de Haydn y Mozart no concuerdan exactamente con el de Pachelbel, siendo ambos diferentes en los dos últimos compases.



• El Canon de Pachelbel en la cultura popular
La popularización de la pieza a gran escala comenzó con la publicación de dos grabaciones que contenían la pieza en 1970, una de la Orquesta de Cámara Jean-François Paillard y otra de la Orquesta de Cámara de Stuttgart, adaptada y dirigida por Karl Münchinger, que continúa siendo considerada como una de las mejores grabaciones de la pieza.

El Canon de Pachelbel es quizá la pieza que más variaciones y versiones tiene de la historia de la música. En un periodo muy corto al comienzo de los años setenta, pasó de ser una obra bastante oscura de música barroca a objeto cultural conocido universalmente por todo el mundo. Se ha interpretado en innumerables versiones, tanto utilizando las partituras y los instrumentos originales como adaptándola para otros instrumentos y otros géneros musicales, y este proceso parece no perder ímpetu.

El Canon aún hoy puede ser reconocido por mucha gente sin tener idea de quién es su autor ni cómo se titula, algo que generalmente sucede con muchas canciones pop. Es, en definitiva, un precursor ejemplo de lo que la industria denomina "catchy” (pegadizo). Pero ésa es sólo una de las razones de su vigencia.
No tiene sentido insinuar que se trata de plagios, porque en muchos casos ni siquiera hay influencia: la armonía de los Canones es sencillamente perfecta y cualquier músico que la descubre por primera vez experimenta algo único.


Es un ensamble de acordes tan natural que un oído humano promedio puede detectar, casi por instinto, que el acorde que escucha es el justo continuador del anterior y así sucesivamente.
Podemos decir que la unión de esos ocho acordes mágicos ha fundado una de las grandes tradiciones de la música occidental. Es un caso extraño, una melodía que llama la atención a más de un melómano, ansioso por comprender si el fenómeno tiene alguna explicación racional.

• Temas musicales basados en el “Canon”
La armonía hace referencia a las notas de una canción, pero no a las notas concretas, sino a las relaciones entre ellas. No importa si una partitura está en Re y otra está en Si bemol, ambas pueden tener la misma armonía. El análisis armónico es abstracto con respecto al tiempo. Se trata de asociar acordes con compases o unidades métricas arbitrarias. Una canción puede estar a distintos “tempos” y sin embargo tener la misma armonía. Una puede ser un canon barroco y lento, la otra un punk-rock furioso, y ambas compartir la misma armonía. Con estas premisas se expone esta lista de temas musicales, entre muchos más, que pueden considerarse por algunos analistas, inspirados o basados en el Canon de Pachelbel, aunque existan variaciones con respecto a la armonía y estructura originales del mismo.


Otros temas, por orden alfabético:
"All together now" - The Farm
“Ambient” - Brian Eno
"Basket Case" - Green Day
"Beach Baby" - The First Class
"Cryin" - Aerosmith
"Domain" on the album "Lifeforms" - The Future Sounds of London
"Don't let it be love" - Bowling for Soup

"Forever Young" - Alphaville (1984)
"Graduation (Friends forever)" - Vitamin C (1999)
"Hook" - Blues Traveler
“I believe in love” - O. Benton Blues Band
"I should be so lucky" - Kylie Minogue
"I'll C U when U get there" - Coolio
"Ladies and gentlemen we are floating in space" - Spritiualized
"Lemon Tree" - Fool's Garden
“Let it Be”- The Beatles
"Machine Head" - Bush
"Mushi no Onna" - Jun Togawa
"Push" - Matchbox 20

"No woman, No cry" - Bob Marley
"O Lord, Why Lord?" - Pop Tops (1968)
"On & On & On" - Catch 22 (Coros)(1998)
"One Tin Soldier" – Coven
"Paloma" (Andrés Calamaro)
"Piano Man" - Billy Joel (1973)
"Presente" (1973) (Vox Dei)
"Rain and Tears" - Aphrodite's Child (1968)
"Rocket Surgery" - Amy Kuney
"Salve Regina" - All Angels
"Sk8ter boy" - Avril Lavigne

"Streets of London" - Ralph McTell
"That's the way God planned it" - Billy Preston
"Torn" - Natalie Imbruglia
"Tunnel of Love" - Dire Straits (1980)
"Valley of the Damned" - Dragonforce
"Walking on the Milky Way" - OMD
"Welcome to the black parade" - My Chemical Romance
"We're not gonna take it" - Twisted Sister
"When a Man loves a Woman" - Percy Sledge (1966)
"With or without you" - U2
En 2005, tuvo gran impacto un vídeo colgado en Google Video donde un joven guitarrista taiwanés, Jerry Chang, interpretaba el Canon a la guitarra en una adaptación libre en versión rock. The New York Times inició una investigación hasta encontrarle y poderle hacer una entrevista.

• Temas de Películas o series TV
"13 going on 30" directed - Gary Winick (2004)
"A princess diaries - Royal engagement" (2004), (escena de la boda)
"Arthur's Perfect Christmas" (2000)
"Bob the butler" - Gary Sinyor (2005)
"Evangelion: Death and Rebirth" (1997)
"Atracción Fatal" - Adrian Lyne (1987)
"Ichigo 100%" (serie 'manga' de animación)
"Kanon" (serie de animación) - Canon D (episodio 1 y 14)
"My Sassy Girl" (2002) (comedia coreana)

"Gente corriente" - Robert Redford (1980)
"Runaway bride" - Garry Marshall (1999)
"Seul contre tous" - Caspar Noé (1998)
"Step Up" – (En una escena)
"Super Android 13" - (Dragonball Z movie)
"The Classic" (film coreano)
"The Enigma of Kaspar Hauser" - Werner Herzog
"The Persistence of Memory" - un episodio de la serie Cosmos de Carl Sagan
"The Sweetest Thing" - Roger Kumble (2002)
"The Wedding Planner" - Adam Shankman (2001)
"Vietnam" - Serie de TV australiana con Nicole Kidman (1988).
“Volver a empezar” (1981) – J.L. Garci
"Wedding Crashers" - David Dobkin (2005)
"Wedding Wars" (TV-series) - Jim Fall (2006)

• Música de anuncios publicitarios

Coca Cola - spot TV para la “Copa del Mundo 2006”
General Electric - spot TV de bombillas (1980s)
Pantene, en el anuncio de “Pantene Crysalids”

• Música de vídeo-juegos
"Audition Online" - juego online
“BauTz's epic FAIL 2010”
"FFX AMV" - (originalmente 'Faraway' de Nickelback)
"Gran Turismo 4" – juego Play
"Mother 3" para la Gameboy Advance
"Pokémon Silver/Gold/Chrystal" en Goldenrod City
"Pump It Up Exceed 2" – BanYa, Canon-D
"Super Smash “Brothers" - Nintendo 64
"Utopia" - Amiga y Super Nintendo