02 septiembre 2012

Clifford Jordan


El 2 de septiembre de 1931 nació en Chicago el saxofonista de jazz Clifford Jordan. Comenzó su carrera con actuaciones en el entorno de Chicago con músicos como Max Roach, Sonny Stitt y con algunos grupos de rhythm and blues; posteriormente, se trasladó en 1957 a Nueva York.

Allí causó una extraordinaria impresión y lideró tres álbumes para Blue Note (entre ellos, uno con John Gilmore) y realizó giras con Horace Silver (1957-1958), J.J. Johnson (1959-1960), Kenny Dorham (1961-1962) y Max Roach (1962-1964), músicos con los que también grabaría. Tras actuar en Europa con Eric Dolphy en el sexteto de Charles Mingus (1964), Jordan trabajó especialmente como líder, ('Spellbound', 1960 y 'Starting Time', 1961), pero fue siempre infravalorado debido a que no terminó de involucrarse plenamente en la vanguardia jazzística.

En 1965 grabó un álbum tributo a Leadbelly, 'These Are My Roots' y siguió realizando giras por todo el mundo. En los años setenta se quiso centrar en la producción y la enseñanza, incluso lo intentó en el mundo de la fotografía, pero el gusanillo del jazz le hizo volver a los estudios y en 1973 publicó 'Glass Bead Games' y dos años más tarde 'Highest Mountain', junto a Cedar Walton. En los ochenta grabó junto a Barry Harris ('Repetition', 1984), Walter Booker y Vernell Fournier ('Down through the years, 1991). Sus últimos años estuvo al frente de una big band. Murió en marzo de 1993 a los 61 años.

Billy Preston


El 2 de septiembre de 1946 nació en Houston (Texas) el músico, cantante y organista Billy Preston. Además de ganar un Grammy por su propio trabajo, Billy contribuyó con su música a muchos de los grandes nombres de la música pop. Se le puede oir tocando en grabaciones de los Rolling Stones, Little Richard, Ray Charles, Elton John, Eric Clapton, Bob Dylan, Sam Cooke, Jackson 5, Red Hot Chili Peppers, y por supuesto, The Beatles.

Billy haciendo dúo con Nat King Cole
Cuando Billy tenía tres años, su familia se mudó a Los Ángeles, donde aprendió a tocar el piano sentado sobre el regazo de su madre. Su talento era tal, que a los once años ya estaba considerado un niño prodigio apareciendo incluso junto a Nat King Cole en su show de TV y en el biopic de W.C.Handy, 'St Louis Blues', protagonizado por Nat y cuya etapa de niño interpretó Billy.

En 1962 se unió como organista a la banda de Little Richard y fue actuando con él en Hamburgo cuando entró por primera vez en contacto con los Beatles. A continuación tocó con Sam Cooke y en 1965 grabó su primer álbum, 'The Most Exciting Organ Ever' con temas instrumentales propios y versiones de clásicos pop. En 1967 fue contratado por Ray Charles para su banda y tras ello, fue requerido por numerosos artistas como músico de sesión, especialmente The Beatles. Cuando éstos se encontraban grabando material para 'Let it Be', surgieron tensiones entre los cuatro de Liverpool. En uno de esos momentos tensos, George Harrison dió la 'espantada' durante unos días los cuales aprovechó, entre otras cosas, para asistir a un concierto de Ray Charles. Allí coincidió con Billy y recordaron los viejos tiempos en Hamburgo.

Billy Preston grabando con los Beatles
A George se le ocurrió que invitarlo a tomar parte en las sesiones de grabación sería de gran ayuda para aliviar los malos rollos y Preston colaboró en 'Let it Be' y, posteriormente en 'Abbey Road' -que fue el primero en ser publicado- editándose el single como 'The Beatles with Billy Preston', algo que hasta entonces sólo había ocurrido con Tony Sheridan. También participó en el famoso último concierto de los Beatles en la azotea de Apple.

Por todo ello también recibió -como antes Pete Best, Stu Sutcliffe y George Martin- el título de 5º Beatle. John tuvo incluso la tentación de invitarle a entrar como miembro de pleno derecho en el grupo, pero Paul se negó diciendo que ya era suficientemente duro y difícil con cuatro. Preston firmó contrato con el sello de los Beatles, Apple Records y publicó el álbum 'That's the Way God Planned it' (1969), en el que contó como banda de acompañamiento a todo un lujo de colaboradores: Ginger Baker a la batería, Keith Richards al bajo, George Harrison a la guitarra rítmica y Eric Clapton a la solista.

Tras la separación del cuarteto de Liverpool, siguió colaborando con George Harrison y fue el primer artista en grabar 'My sweet Lord', contenido en su magnífico álbum 'Encouraging Words' (1970) en el que volvió a contar con sus famosos amigos. Asimismo colaboró con George en su 'Concert for Bangla Desh'.
Sus mayores éxitos comenzaron a llegar en 1972 -ya con A&M Records-, con el tema 'Outa-space', una pieza instrumental funk interpretada con un clavinet cuyo sonido se pasó a través de un 'wah wah'. Fue disco de oro y recibió el premio Grammy al mejor tema de pop instrumental. Los dos años siguientes siguieron más nº1 con 'Will it go round in circles' y 'Nothing from nothing'. Otro de sus hits, 'Space Race' (1973) fue usado por Dick Clark en su show de TV American Bandstand hasta el fin de su emisión en 1989.

También con los Rolling tuvo trabajo: Preston aparece en los álbumes 'Sticky Fingers', 'Exile on Main Street', 'Goats Head Soup', 'It's Only Rock'n Roll' y 'Black and Blue'.  En 1973 publicó su álbum 'Live European Tour', con Mick Taylor a la guitarra solista y al año siguiente compuso uno de los mayores éxitos de Joe Cocker: 'You are so beautiful'.

Billy con los Stones en 1975
En 1976 fue el primer músico invitado (junto a Janis Ian) del estreno de Saturday Night Live y ese mismo año volvió a acompañar a los Stones en su gira. Aunque tuvieron una disputa económica en 1977, que los mantuvo separados algún tiempo, Billy volvió a colaborar con ellos en los álbumes 'Tatoo You' (1981) y 'Bridges to Babylon' (1997). A partir de 1976 su carrera sufrió un bajón y tras años con A&M Records, fichó por Motown Records, con los que obtuvo un solo hit, haciendo dueto con Syreeta Wright en la balada 'With you I'm born again'.

Los ochenta fueron tiempos duros para Billy ya que se vio envuelto en problemas con la justicia. Fue arrestado y condenado por fraude por incendiar su casa para cobrar el seguro y en 1991 de nuevo fue arrestado por agredir a una prostituta cuando descubrió que resultó ser un travesti y además, menor de edad. Muchos de sus problemas personales venían dados por su dependencia del alcohol y la cocaína.
En los noventa Preston logró ahuyentar estos demonios y volvió al trabajo acompañando con sus teclados a Ringo Starr, Eric Clapton y Steve Winwood.

En 2002 uno de sus riñones empieza a fallar y es necesario un trasplante. El 29 de noviembre de ese mismo año participa en el concierto en homenaje a George Harrison interpretando 'My sweet Lord' e 'Isn't it a pity' con Dhani Harrison y Eric Clapton a las guitarras, Ringo Starr en la batería y Paul McCartney al piano, entre muchos otros. Preston haría su última aparición pública a finales de 2005 en Los Ángeles con motivo de la reedición de la película 'The Concert for Bangla Desh'. Murió seis meses después de insuficiencia renal a los 59 años.

Russ Conway


El 2 de septiembre de 1925 nació en Bristol (Inglaterra) el pianista británico Russ Conway. De formación autodidacta y tras servir en la Royal Navy entre 1942 y 1948, firmó contrato con Columbia Records y en los cincuenta acompañaba al piano a artistas como Grace Fields y Joan Regan.

Sirvió en la marina mercante inglesa entre 1942 y 1948 y fue condecorado con la Medalla de Servicios Distinguidos por su trabajo como vigía en la flota de limpieza de minas en el mar Egeo y las operaciones de liberación de Grecia. Durante el servicio perdió parte de un dedo usando un cortador de pan. Una vez de vuelta en Londres fue descubierto mientras tocaba en uno de los numerosos clubes de la ciudad y fue contratado por el sello Columbia (perteneciente a EMI) para acompañar a las artistas del sello, Grace Fileds y Joan Regan. Su personal y único estilo percusivo de interpretación pronto le trajo al primer plano y Conway grabó su primer single en 1957 con 'Party Pops', un 'medley' de standards del pop, al que siguieron 'More Party Pops' (1958) y 'Even more Party Pops' (1960)

Hasta 1963, Conway obtuvo 20 hits en las listas inglesas, entre ellos dos composiciones suyas, que llegaron al nº1: 'Side saddle' y 'Roulette', desbancando ésta última a Elvis y su 'A fool such as I' del puesto de honor.
Gracias a su inconfundible estilo, Russ se mantuvo a principios de los sesenta presente en las listas británicas y durante años siguió apareciendo en radio y TV. Superó un cáncer en 1989 y al año siguiente volvió al trabajo y creó la Fundación Russ Conway contra el cáncer celebrando galas benéficas para recaudar fondos. Sin embargo, su salud comenzó a deteriorarse nuevamente y murió a los 75 años en noviembre de 2000.

Hugo Montenegro


El 2 de septiembre de 1925 nació en Nueva York Hugo Montenegro, director de orquesta y compositor de bandas sonoras cuya obra más popular se publicó en los años sesenta y setenta con sus versiones de la música de los films de 'spaguetti western'.

A mediados de los cincuenta, Hugo se encontraba trabajando como arreglista y director de orquesta para Eliot Glen y sus sellos discográficos Dragon y Caprice Records. A continuación fue contratado por Time Records, produciendo una serie de álbumes para el sello y posteriormente se trasladó a Los Ángeles, donde trabajó para RCA Records. Con ellos grabó varios álbumes, entre los que se encontraban: uno con la banda sonora de la serie de TV 'The Man from UNCLE'  (1966) (en España traducida como 'El Agente de CIPOL'); otro con versiones de temas de espías, 'Come Spy with Me', y un tercero, 'Hang 'em high' (1968), con versiones de los temas compuestos por Ennio Morricone para las películas de spaguetti western que habían rodado Sergio Leone y Clint Eastwood en Almería (España).

En este último se incluía su mayor éxito en las listas: su versión del tema de 'El bueno, el feo y el malo' (1966). Fue contratado seguidamente por Columbia Pictures y compuso la música para varias películas como 'La noche deseada' (1967) de Otto Preminger y produjo la banda sonora de 'Charro!' (1969), el western protagonizado por Elvis y único film en el que Presley no canta.

El particular uso que hizo Montenegro de los sintetizadores -sobre todo del 'Moog'- en sus grabaciones, tuvo gran influencia en los grupos contemporáneos de música electrónica y en los noventa fue descubierto por los aficionados al lounge y al pop espacial. No llegó a conocer a sus nuevos seguidores ya que murió en febrero de 1981 a los 55 años.

Laurindo Almeida


El 2 de septiembre de 1917 nació en Sao Paulo el guitarrista brasileño Laurindo Almeida. En 1947 Almeida era uno de los guitarristas clásicos más populares de Rio de Janeiro cuando fue invitado a unirse a la banda de Stan Kenton y trasladadarse a Estados Unidos.

Almeida y Garoto en la radio (1939)
Hijo de una concertista de piano, creció aprendiendo a tocarlo junto a su madre. Posteriormente eligió la guitarra y se matriculó en la Escola Nacional de Música en Río de Janeiro. En los años treinta comenzó a conseguir trabajos como guitarrista profesional y en un viaje que realizó a Europa trabajando en el crucero transatlántico 'Cuyaba', entró en contacto con el jazz y con Django Reinhardt.
Cuando estalló la segunda guerra mundial, tuvo que regresar a Brasil, donde trabajó como director de orquesta en la radio brasileña (1939-46).

Almeida en 1948




En 1947 se trasladó a EEUU acompañando a la violinista clásica Elisabeth Waldo. Una vez allí, fue contratado por Stan Kenton, con el que permaneció hasta 1950, para concentrarse en su propio trabajo y en componer música para el cine. A través de sus trabajos con Bud Shank, 'L.A. Quartet feat. Bud Shank' (1954) y 'Brazilliance Vol 1 y 2' (1958),  la música brasileña comenzó a sonar en el mundo antes de que aparecieran Jobim y la bossa nova.


Se convirtió en un músico de sesión muy solicitado y su guitarra se puede oir en varios films clásicos como 'El Padrino', 'Camelot', 'Ha nacido una estrella' y 'El viejo y el mar'.

Grabó numerosos álbumes a lo largo de su carrera, entre ellos, dos con Stan Getz, uno con Sammy Davis Jr, 'Laurindo Almeida plays Sammy Davis Jr sings' (1966) y otros con todo tipo de versiones de éxitos pop como 'Laurindo Almeida Plays For A Man And A Woman' (1967). Su grabación de duetos 'For My True Love', con la vocalista Salli Terri y el flautista Ruderman Martin, ganó los premios Grammy por Mejor Ingeniería de Álbum Clásico en 1959, y por Mejor Interpretación de Música de Cámara en 1961. También realizó grabaciones con Baden Powell y Herbie Mann, entre otros.

Al año siguiente, como compositor y artista de 'Discantus', ganó un premio Grammy por Mejor Composición Clásica Contemporánea. En 1964 grabó con el Modern Jazz Quartet el álbum 'Collaboration', que combinaba jazz con música clásica y en 1965 ganó el Grammy por Mejor Interpretación Instrumental de Jazz - Gran Grupo o Solista con grupo grande .
En los años setenta trabajó principalmente como compositor para la TV y arreglista de temas para guitarra. Asimismo se reunió con Bud Shank para formar los LA Four junto a Ray Brown y Chuck Flores (más tarde, Shelly Manne y Jeff Hamilton). Entre 1974 y 1982 realizaron giras internacionales y grabaron una serie de álbumes para Concorde Jazz, como 'The Four Scores!', un aclamado disco en directo.

Almeida y Charlie Byrd
En 1980 Almeida unió fuerzas con Charlie Byrd en otra serie de álbumes muy bien recibidos, entre ellos, 'Brazilian Soul' (1080), 'Latin Odyssey' (1982) y 'Tango' (1985). En los años noventa volvió a realizar giras con el Modern Jazz Quartet y en 1992 publicó el álbum 'Outra Vez', una grabación en directo realizada en 1991 con el bajista Bob Magnusson y el baterista Jim Plank. Murió a los 77 años en julio de 1995.

Georg Böhm

El 2 de septiembre de 1661 nació en Hohenkirchen, Turingia, el compositor y organista alemán, Georg Böhm. Su padre, un organista de la ciudad, fue su primer profesor de música. Posteriormente estudió en la universidad de Jena. El 1693 se instala en Hamburgo, un centro de música importante entonces y muy receptivo a la música italiana, gracias a la Opera de Hamburgo.

Órgano de la Johanneskirche
Böhm trabajó allí durante algunos años y se cree que realizó sus estudios con el célebre organista Johann Adam Reincken. Más tarde se traslada a Lüneburg, una ciudad dónde se apreciaba y se tocaba música francesa. El 1698 se convertía en el organista residente en la Iglesia de San Juan (Johanneskirche) en Lüneburg, una posición que ocupó hasta su muerte el 18 de mayo de 1733.
Böhm es conocido principalmente por sus composiciones para órgano y clavicordio principalmente preludios, fugas y partitas. Muchas de sus obras estaban escritas sin determinar el instrumento; una pieza en particular se podría tocar con el órgano, el clavecín o el clavicordio, dependiendo de la situación en la cual se encontraba el artista. La música de Böhm es notable por su uso del “stylus phantasticus”, una manera de interpretar basada en la improvisación.
La contribución más importante de Böhm a la música de teclado del norte de Alemania es la "partita coral", una composición a gran escala que consta de unas cuantas variaciones- sobre una melodía de una coral luterana- que inventó a partir de unas cuantas partitas de varias duraciones y en tonalidades diferentes.
Las partitas corales de Böhm presentan sofisticadas figuraciones en todas las voces, las cuales se construyen sobre la estructura armónica de la coral. Los compositores posteriores dieron continuidad a esta forma, especialmente Johann Sebastian Bach. Carl Philipp Emmanuel Bach señaló que su padre “amaba y estudiaba las obras del organista de Lüneburg, Georg Böhm”.
La obra de Böhm contiene Música para teclado, Preludios corales, Obra libre y Música vocal religiosa (Cantatas y Motetes)
Su obra más emblemática, el “Preludio, fuga y postludio” en Sol menor, posee una construcción musical tan sorprendente como singular, con una única nota que el bajo repite insistentemente una y otra vez a través de los cambios armónicos. Posee un carácter hipnótico y resulta extremadamente potente.



Otras obras destacadas:

Música para teclado

• Partitas:
“Ach wie nichtig, ach wie flüchtig”; “Auf meinen lieben Gott”; “Aus tiefer Not schrei ich zu Dir”; “Christe der du bist Tag und Licht”; “Freu dich sehr, o meine Seele”; “Gelobet seist du, Jesu Christ”; “Herr Jesu Christ, dich zu uns wend”; “Jesu du bist allzu schöne”; “Vater unser im Himmelreich”; “Wer nur den lieben Gott lässt walten”.
• Preludios corales:
“Allein Gott in der Höhe sei Ehr”; “Christ lag in Todesbanden”; “Christum wir sollen loben schon” ;“Erhalt uns, Herr, bei deinem Wort” (dudoso, atribuido a Dietrich Buxtehude); “Gelobet seist du, Jesu Christ”; “Nun bitten wir den heilgen Geist”; “Vater unser im Himmelreich” (dos versiones); “Vom Himmel hoch”.

• Obra libre:
Preludio y fuga en do mayor; Preludio y fuga en re menor; Preludio y fuga en la menor; Preludio y fuga en fa mayor.
11 Suites: Nº 1 en do menor; Nº 2 en re mayor; Nº 3 en re menor; Nº 4 en re menor; Nº 5 en mi bemol mayor (dudoso); Nº 6 en mi bemol mayor; Nº 7 en fa mayor, Nº 8 en fa menor, Nº 9 en fa menor, Nº 10 en sol mayor y Nº 11 en la menor;
Capriccio en re mayor; Chaconne en sol mayor; Preludio, Fuga, y Postlude en sol menor; Minueto en sol mayor (cuaderno de ejercicios de teclado II de Anna Magdalena Bach)
Música vocal religiosa

• Cantatas
“Ach Herr, komme hinab und hilfe meinem Sohn”, para 5 voces, 2 violines, 2 violas, bajo y continuo; “Jauchzet Gott, alle Land” para 5 voces, 2 cornetas, 3 trombones, 2 violines, 2 violas, fagot y continuo; “Mein Freund ist mein” para 4 voces, 2 violines, 2 violas, fagot y continuo; “Nun komm der Heiden Heiland” para 5 voces, 3 trombones, 2 violines, fagot y continuo; “Sanctus est Dominus Deus Sabaoth” 4 voces, 2 violines, fagot y continuo (probablemente de Friedrich Nicolaus Bruhns); “Satanas und sein Getümmel” para 4 voces, 2 oboes (o 2 violines, 2 violas, fagot y continuo (probablemente de Friedrich Nicolaus Bruhns); “Warum toben die Heiden” para 4 voces, 2 flautas, 2 oboes, 2 trombones, timbal, 2 violines, viola y continuo (dudosa); “Wie lieblich sind deine Wohnungen” para 4 voces, 2 trombones, 2 violines, 2 violas, fagot y continuo.

• Motetes
“Auf, ihr Völker, danket Gott”, para 5 voces; “Jesus schwebt mir in Gedanken”, para 4 voces (perdida), “Jesu, teure Gnadensonne”, para 4 voces (perdida); “Nun danket alle Gott”, para 5 voces.

• Otra música vocal religiosa

“Pasión según San Lucas” (1711, perdida); “23 himnos sagrados del Geistreiche Lieder”; “Musica per a la dedicación” de la Casa de Barmherzigkeit, Grahl, Lüneburg, 5 Dec 1708.