09 septiembre 2012

LP 'Imagine'


El 9 de septiembre se 1971 se publicó en Estados Unidos (en el Reino Unido salió a la venta el 8 de octubre), 'Imagine', el segundo álbum en solitario de John Lennon y su trabajo más popular. Alcanzó el nº1 en las listas de álbumes de numerosos países, siendo el tercer Beatle, tras McCartney y Harrison, en lograrlo.

Tras la ruptura de los Beatles, John Lennon dio en principio más que hablar por sus diversas 'actividades' que por su obra musical post-cuarteto. Sus álbumes experimentales grabados en 1969 con Yoko Ono, 'Unfinished Music No 1: Two Virgins' con su controvertida portada de la pareja desnuda y los posteriores trabajos 'Unfinished Music No 2: Life with the Lions' y 'The Wedding Album', no dejaron de ser lo que eran: extravagantes experimentos que no tuvieron la menor repercusión comercial. Sin embargo, John y Yoko ocupaban las portadas de los medios gracias a su encierro de 8 días en un hotel canadiense solicitando la paz mundial.

John Lennon en Toronto (1969)
Por fin, con el single 'Give peace a chance' y su concierto en Toronto, se volvió a poner las pilas creativas y publicó su verdadero primer álbum en solitario en 1970: 'John Lennon / Plastic Ono Band', muy bien recibido por crítica y público.
Para su continuación, Lennon optó por dar un tratamiento más comercial a los arreglos. Yoko recuerda: "El primer álbum fue básicamente una guitarra un bajo y una batería, con algún detalle de piano. Con 'Imagine', John decidió añadir arreglos de cuerda con el fin de que sonara más pop". Lennon calificaria en 1972 el álbum "de clase obrera con azúcar añadido para el gusto de los conservadores".

Aunque las pistas básicas se grabaron en su estudio casero situado en su mansión de Tittenhurst Park, muchos de los instrumentos fueron regrabados en los estudios Record Plant de Nueva York, donde se añadieron las cuerdas y el saxo de King Curtis. Phil Spector repitió como co-productor y Lennon contó con la ayuda de su viejo colega de la etapa de Hamburgo Klaus Voorman al bajo, Nicky Hopkins al piano, Jim Keltner a la batería y George Harrison a la guitarra solista, que hizo un hueco en su agenda antes de organizar los conciertos de Bangla-Desh.

El tema que dio título al álbum está considerada hoy día una de las canciones más universales de la historia. Rolling Stone la coloca como tercera en su lista de 'las mejores 500 canciones de todos los tiempos'. En su día, aunque fue Top5 en Estados Unidos y nº1 en Canada y Australia, no recibió la veneración que recibe en el presente. Fue tras la muerte de Lennon cuando se convirtió en un himno universal de la paz. Yoko manifestaba años más tarde: "John se sentía verdaderamente eufórico con esa canción en concreto. Sentía que era importante que la gente conociera su mensaje y la escribió con una estructura musical fácil, casi infantil, para que llegara a todo el mundo."


Lennon escribió la letra en el dorso de una factura de hotel durante un viaje en avión. Cuando llegó a casa, compuso la música. En una entrevista con David Sheff para Playboy, comentó: "El concepto es una plegaria que desprende un mensaje positivo. Si eres capaz de imaginar un mundo en paz, sin fronteras, sin denominaciones de religiones (y no me refiero a 'sin religión' sino una que no lleve esa rancia coletilla de 'mi-dios-es-más-grande-que-el-tuyo'), entonces sería posible. 

Un tipo de una iglesia de Estados Unidos me llamó una vez y me dijo '¿Podemos usar la letra de tu canción, cambiando una de las frases a 'imagina una sola religión?'. Eso me demostró que no lo habían entendido en absoluto." En otra entrevista, Lennon explicaba el gancho comercial de la canción: "Es un tema anti-religioso, anti-nacionalista, anti-convencionalismos y anti-capitalista... pero como está amilbarado y envuelto en celofán, se acepta. Ahora sé lo que hay que hacer: Echarle un poco de miel a tus mensajes políticos".

Otra de las canciones más conocidas del álbum fue 'Jealous guy', originalmente compuesta con el título de 'Child of nature' en la India en 1968 y a la que John cambió la letra. Dos de los temas del álbum, 'How?' y 'Oh my love' fueron inspiradas por sus experiencias con la terapia primal que siguió en Nueva York. Mientras la primera enumera las preguntas que se hacía mientras estuvo bajo terapia, la segunda fue escrita para comunicar la alegría y la madurez que el músico experimentó tras el tratamiento.


Pero además de estos temas con mensajes positivos, Lennon incluyó canciones con mordaces y cáusticos mensajes como 'Give me some truth', uno de los temas que le traerían problemas con la administración Nixon, 'Crippled inside' y 'How do you sleep', su 'recado' lleno de ira dirigido a su ex-socio Paul.

Las canciones para 'Imagine' fueron escritas en un periodo en el que las relaciones entre John y Paul se habían deteriorado hasta un extremo límite. La ruptura de la banda y el triunfo de Paul en los tribunales para disolver su sociedad provocaron en Lennon un resentimiento que no tuvo el menor interés en ocultar, escribiendo frases como: "Aquellos pirados tenían razón cuando decían que habías muerto", "Lo único decente que hiciste fue 'yesterday', y ahora sólo eres 'Another day'" o "Una cara bonita puede durar un año o dos, pero pronto verán lo que eres capaz de hacer".

Para colmo, en las primeras ediciones del álbum, se incluía una fotografía tamaño postal en la que se veía a John agarrando las orejas a un cerdo en clara alusión al álbum 'Ram' de McCartney, en cuya portada aparecía Paul sujetando un carnero por los cuernos. Yoko Ono le quitaba hierro a todo el asunto: "Estaba todo hecho en clave de humor, pero la gente se lo tomó muy en serio. Tanto John como Paul apreciaban el humor negro y cuando estaban juntos no paraban de lanzarse pullas, pero ambos sabían que no llevaban mala intención."


 1- 'Imagine'
 7- 'Oh my love' (Lennon−Ono)'
 9- 'How?'

Klaus Voorman, Lennon y Nicky Hopkins, durante las sesiones

John Lennon – voz, guitarras acústicas y eléctricas, piano, armonica (10), silbido (3)
George Harrison – guitarra eléctrica (6, 7), guitarra slide (5, 6, 8), dobro (2)
Klaus Voormann – bajo y contrabajo
Nicky Hopkins – piano (todas excepto 1, 4 y 7), piano eléctrico (7)
Alan White – batería (1, 6, 7, 8, 9, 10), Tibetan cymbals (7), vibráfono (3)
Jim Keltner – batería (2, 3, 5)
Jim Gordon – batería (4)



John Barham – armonio (3), vibráfono (9)
King Curtis – saxo (4, 5)
Joey Molland – guitarra acústica (5)
Tom Evans – guitarra acústica (5)
John Tout – guitarra acústica (2)
Ted Turner – guitarra acústica (2)
Rod Linton – guitarra acústica (2, 6, 10)
Andy Davis – guitarra acústica (6, 10)
The New York Philharmonic (The Flux Fiddlers) – orquesta de cuerdas
Phil Spector – coros (10)
Michael Pinder – pandereta (5)
Steve Brendell – contrabajo (2), maracas (5)
Producción: John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector

Otis Redding


El 9 de septiembre de 1941 nació en Dawson (Georgia) Otis Redding, llamado con todo merecimiento el 'Rey del soul', gracias a su habilidad de inyectar poderío e intensa emoción en cada canción que cantaba. Redding comenzó participando en el coro de la iglesia y conforme se hizo mayor cayó bajo la influencia de otro cantante local de la época: Little Richard.

Los primeros años de su carrera profesional los pasó haciendo giras por los estados del sur como road manager, conductor y cantante ocasional del grupo del guitarrista Johnny Jenkins. En 1962 Otis se encontraba con Jenkins grabando en un estudio de grabación y como les sobró tiempo, Otis aprovechó para registrar la canción 'These arms of mine'. Se publicó en un sello filial de STAX Records y se vendieron 800.000 copias. Redding, estimulado por ello, continuó grabando hits como 'I can't turn you loose', 'Satisfaction', 'A change is gonna come', 'Mr pitiful' y, por supuesto 'Respect', que más tarde se convertiría en el tema estrella de Aretha Franklin.

Redding compuso muchas de las canciones que cantaba, a veces con la ayuda del guitarrista Steve Cropper, integrante de Booker T. and the MG's. Al principio su música sólo se podía encontrar en las listas de R&B, apareciendo sus singles tímidamente en los últimos puestos de las listas pop. Sin embargo, era una figura respetada por muchos grupos blancos, entre ellos los Rolling Stones que versionaron 'That's how strong my love is' y 'Pain in my heart'. Otis les devolvería el favor con su versión de 'Satisfaction'. En 1966 publicó dos álbumes imprescindibles 'The Dictionary of Soul' y 'Otis Blue'.

Uno de sus mayores éxitos fue un álbum de duetos con su compañera de sello discográfico Carla Thomas, 'King & Queen', en 1967, del que se extrajo el single 'Tramp'. Ese año, Otis comenzó a dar muestras de que calaba cada vez más entre el público blanco, sobre todo tras su aclamada aparición en el Monterey Pop Festival. La poderosa presencia escénica y el carisma que desprendía Otis le convirtió en uno de los artistas más apreciados de la época por sus actuaciones en directo.

Desgraciadamente su vida tuvo un final trágico justo cuando estaba empezando a saborear las mieles de la popularidad y el éxito. En diciembre de 1967, la pequeña avioneta que le trasladaba a él y a su grupo de acompañamiento, los Bar-Kays, se estrelló en un lago de Wisconsin. Otis y cuatro de sus músicos fallecieron en el acto. Otis tenía 26 años. Su canción 'Sittin' on the dock of the bay' se publicó justo tras su muerte y llegó directamente al nº1.

Elvin Jones


El 9 de septiembre de 1927 nació en Pontiac (Michigan), el baterista de jazz Elvin Jones. Ya con dos años observaba entusiasmado el paso de las bandas de circo que pasaban por la ciudad, fijándose particularmente en los tamborileros. Siguiendo su pasión infantil, Elvin formó parte de la banda de la escuela, donde aprendió los fundamentos del redoble.

Hermano menor del pianista Hank y el trompetista Thad Jones, entre 1946 y 1949 sirvió en el ejército y cuando regresó a casa lo primero que hizo fue pedirle prestados 35 dólares a su hermana para comprarse su primera batería. Comenzó como autodidacta y pronto fue contratado como baterista residente en el club Bluebird Inn de Detroit. Allí permaneció hasta 1952 y entró en contacto con numerosos músicos. Su primera actuación fuera del ámbito regional fue en el Festival de Newport de 1955, acompañando a Charles Mingus. Al año siguiente se trasladó a Nueva York y se unió a los músicos de sesión de la ciudad, tocando junto a Bud Powell (1956), Pepper Adams / Donald Byrd (1959) y Harry Edison (1959-60).

John Coltrane y Elvin Jones
En abril de 1960 se une a John Coltrane y forma con él su clásico cuarteto. El estilo de Elvin se adaptó perfectamente a los experimentos modales y libres de estructuras de Coltrane, participando en trabajos como 'My favorite Things' (1960), 'Africa/Brass' (1961), 'Impressions' (1963), 'A Love Supreme' (1965) y 'Ascension' (1965). Al mismo tiempo, Jones grabó con formaciones propias álbumes como 'Elvin!' (1961).

Herido en su orgullo cuando Coltrane sugirió la entrada en la banda de Rashied Ali, un segundo batería, y en desacuerdo con la línea musical 'polirítmica' que pretendía Coltrane, Jones dejó el grupo en 1966 y a continuación siguió trabajando como baterista de sesión. Protagonizó con Art Blakey y Max Roach varias 'batallas' de baterías, realizó giras con Duke Ellington y grabó junto a Tony Scott, Joe Farrell o Frank Foster ('Heavy Sounds', 1968), pero con ninguno de ellos logró recuperar la popularidad de su época con Coltrane. A pesar de ello continuó activo, dio clases y participó en numerosos conciertos benéficos en escuelas y prisiones.

A comienzos de los años noventa disfrutó de un retorno de éxito acompañado de su Jazz Machine con unos magníficos álbumes publicados por el sello Enya: 'The Elvin Jones Jazz Machine in Europe' (1991), 'Youngblood' (1992) y 'It don't mean a thing' (1993), en los que presentó a nuevos músicos con talento como Ravi Coltrane, Nicolas Payton, Joshua Redman y David Sanchez.
Elvin Jones murió de insuficiencia cardíaca en mayo de 2004 a los 76 años.