13 septiembre 2012

Mel Tormé


El 13 de septiembre de 1925 nació en Chicago Mel Tormé, uno de las grandes voces de jazz de la historia. Llamado familarmente 'The velvet fog' (neblina de terciopelo), apodo que siempre detestó, Mel grabó en los cincuenta numerosos discos de jazz vocal bastante populares y compuso más de 250 canciones de las cuales muchas son ya clásicos como 'The Christmas song' (Canción de Navidad), un gran éxito en la voz de Nat King Cole.

Hijo de emigrantes rusos, con cuatro años ya se mostró como niño prodigio, cantando con la Coon-Sanders Orchestra. Trabajó junto con Mickey Rooney y Sammy Davis Jr, como estrella infantil en las series raidofónicas. Con siete años flirteó con la batería para volver a cantar poco después. Con 15 años realizó sus primeras grabaciones con la orquesta de Harry James.

Los Mel-Tones
En 1943 debutó en el cine junto a Frank Sinatra en el film 'Higher and higher' y, tras cumplir con sus obligaciones militares con el país, forma en 1947 el grupo vocal Mel-Tones, con el que Tormé realizó grabaciones en Decca y Musicraft Records, generalmente acompañados por la orquesta de Artie Shaw.

Carlos Gastel, el descubridor de Nat King Cole y Peggy Lee lo trajo a Capitol Records y MGM, que le querían lanzar como estrella pop, pero Tormé prefería la escena del jazz y a los dos años volvió de nuevo a los sellos pequeños grabando numerosos álbumes durante los años cincuenta y sesenta como 'It's a blue world' (1955), 'Lulu's back in town' (1956), 'Sings Fred Astaire' (1956), 'Back in town' (1959), 'Mel Tormé swings Shubert Alley' (1960) y 'The Duke Ellington and Count Basie Songbooks' (1961)

Tormé en 1979
Cuando irrumpió el rock and roll su popularidad menguó, pero con el resurgimiento del jazz vocal en los 70 tuvo una época fértil en actuaciones -llegó a realizar una media de 200 al año- que consagró su fama como vocalista. En los ochenta continuó grabando espléndidos álbumes para Concord Jazz con versiones de standards pop como 'Walk between the raindrops''The goodbye look' de Donald Fagen o 'New York state of mind' de Billy Joel. Mel murió de un ictus cerebral en 1999 a los 73 años.

Maurice Jarre


El 13 de septiembre de 1924 nació en Lyon el compositor y director de orquesta francés Maurice Jarre nominado ocho veces al premio de la Academia y ganador del Oscar en tres ocasiones por las bandas sonoras de 'Lawrence de Arabia' (1962), 'Dr Zhivago' (1965) y 'Pasaje a la India' (1984), todas ellas del director británico David Lean.

Contra los deseos de su padre, Maurice abandonó los estudios de ingeniería en la Sorbona y se matriculó en el Conservatorio de París para estudiar composición y armonía, eligiendo la percusión como instrumento. Llegó a ser director del Théâtre National Populaire y produjo su primera banda sonora en 1951. Su vida cambió radicalmente cuando el director David Lean le pidió en 1961 que escribiera la música de su siguiente film 'Lawrence de Arabia'. Con ella Jarre obtuvo su primer Oscar y seguiría componiendo la música de toda la filmografía de Lean.

Otras obras memorables de Jarre -durante su carrera compuso más de 150 bandas sonoras- fue la música de las siguientes películas:
'Los profesionales' (1966) de Richard Brooks
'¿Arde Paris?' (1966) de René Clément
'El hombre de Kiev' (1968) de John Frankenheimer
'Topaz' (1969) de Alfred Hitchcock
'La hija de Ryan' (1970) de David Lean
'El hombre que pudo reinar' ( 1975) de John Huston
'El año que vivimos peligrosamente' (1982) de Peter Weir

'Mad Max, más allá de la cúpula del trueno' (1985) de George Miller y George Ogilvie
'Enemigo mío' (1985) de Wolfgang Petersen
'Único testigo' (1985) de Peter Weir
'No hay salida' (1987) de Roger Donaldson
'Atracción Fatal' (1987) de Adrian Lyne
'Gorilas en la niebla' (1988) de Michael Apted
'El club de los poetas muertos' (1989) de Peter Weir
'Ghost' (1990) de Jerry Zucker
'La escalera de Jacob' (1990) de Adrian Lyne
'Un paseo por las nubes' (1995) de Alfonso Aráu
'Sunshine' (1999) de István Szabó

Jarre recoge su Oscar en 1985 por su banda sonora de 'Pasaje a la India'

Uno de sus hijos, Jean-Michel, es un afamado músico pionero de la música electrónica. Maurice se retiró definitivamente de la dirección y composición en el año 2003 y seis años después, en marzo de 2009, murió a los 84 años.

Charles Brown


El 13 de septiembre de 1922 nació en Texas City el pianista y cantante de blues Charles Brown, recordado principalmente por sus éxitos 'Driftin' blues' y 'Please come home for Christmas'. Contribuyó con un tono más relajado y tranquilo al blues vocal de los cuarenta, década en la que grabó una serie de hits de R&B en el sello Aladdin Records.

Ya de niño, Brown manifestó su amor por la música y asistió a clases de piano clásico en su Texas natal. Poco más tarde se trasladó a Los Angeles, donde los vocalistas negros habían suavizado las rudas formas del blues y desarrollado un estilo más del gusto de los blancos, abanderado en California por Nat King Cole y su famoso trío. Cuando Cole dejó Los Angeles para actuar a nivel nacional, su lugar lo tomó el trío Johnny Moore's Three Blazers, con Charles Brown a la voz y el piano.

Johnny Moore's Three Blazers
En 1945 firmó con Aladdin Records y 'Driftin' blues' -su primer éxito-, fue una muestra de lo que ofrecían en los night-clubs de la Central Avenue de Los Angeles, donde Brown fue una gran influencia en artistas como Ray Charles, Floyd Dixon, Ivory Joe Hunter y Johnny Ace. Continuó grabando para Aladdin y Modern Records temas como 'Trouble blues', 'Get yourself another fool', 'Black night', 'Hard times' y 'Merry Christmas baby'.

Cuando apareció el rock and roll, la música de Brown se pasó de moda y, aunque tuvo otro éxito navideño en 1960 con 'Please come home for Christmas', el pianista se apartó del primer plano unos años hasta que en los ochenta, Bonnie Raitt le ayudó a regresar a la escena, grabando algunos álbumes más, varios de ellos nominados para un Grammy. Entre ellos destacan 'Let's Have a Ball' (1989), 'All My Life' (1990), 'These Blues' (1995) y 'Honey Dripper' (1996). Murió de insuficiencia cardíaca en enero de 1999 a los 77 años.

Dick Haymes


El 13 de septiembre de 1916 nació en Buenos Aires el actor y cantante argentino Dick Haymes que desarrolló toda su carrera en Estados Unidos. Se convirtió en vocalista de numerosas big-bands y trabajó asímismo en no menos numerosas películas durante las décadas de los 40 y 50 rivalizando en ambos campos, e incluso en número de 'fans', con el mismísimo Sinatra.

Hijo de una instructora de canto irlandesa, pronto se encontró como vocalista de las big bands del momento. Trabajó con Harry James  (1939-1942) y Benny Goodman (1942/43), hasta que comenzó a publicar con su nombre.
Su primer hit llegó en 1943 con el tema 'It can't be wrong'. Hasta mediados de los años cincuenta, le siguieron más éxitos como 'You'll never know', también nº1, 'Laura', 'Till the end of time' (1945), 'Mam'selle' (1947), 'Little white lies' (1948), y 'Maybe it's because' (1949).

Nunca solicitó la ciudadanía estadounidense, hecho que le permitió evitar tener que prestar servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial, pues tenía la nacionalidad de un estado neutral, Argentina. Esto le valió críticas de periodistas de Hollywood que cuestionaron su patriotismo. También tuvo problemas a causa de su decisión de no obtener ciudadanía estadounidense en 1955, cuando viajó de California a Hawáii, -estado que no era todavía técnicamente parte de los Estados Unidos- sin haber avisado previamente a las autoridades de inmigración.

Haymes y Rita Hayworth
Tras este suceso casi fue deportado a Argentina, lo que desató nuevamente una ola de críticas. Se especuló en ese momento con que la poderosa cabeza de Columbia Studios, Harry Cohn, quien desaprobaba el matrimonio de Haymes con Rita Hayworth, estrella de Columbia, estaba detrás de todo aquello con el objeto de dinamitar la boda, que finalmente se celebró, siendo una de las seis que el argentino contrajo. Como curiosidad, señalar que Stephanie Haymes, una de sus hijas, se casó con Bernie Taupin, el letrista preferido de Elton John. Dick Haymes murió a los 61 años en marzo de 1980.

Bill Monroe


El 13 de septiembre de 1911 nació en Jerusalem Bridge (Kentucky) Bill Monroe, músico estadounidense, llamado con frecuencia el padre del bluegrass, un estilo de música country que ayudó a desarrollar. Tomó el nombre de su grupo, los Blue Grass Boys, así bautizados en honor de su estado natal. Su carrera como cantante, instrumentista, compositor y líder de grupos duró más de 60 años.

En 1929, con dieciocho años, formó un grupo junto con sus hermanos Birch y Charlie, con los que interpretaba música tradicional en fiestas y bailes locales, mientras trabajaban en una refinería del estado de Indiana. En 1934 Birch dejó el grupo, y Bill y Charlie formaron el dúo Monroe Brothers. Sus canciones empezaron a alcanzar gran difusión en radios de Iowa, Nebraska, Carolina del Norte y Carolina del Sur. En 1936 grabaron un total de 60 canciones para la compañía RCA.

Blue Grass Boys
Ya en solitario, en 1939, Bill formó el grupo Blue Grass Boys, que a partir de octubre de ese mismo año se convirtió en un habitual del Grand Ole Opry. Como intérprete de mandolina, Monroe hizo gala de un virtuosismo desconocido hasta entonces en la música country. En 1945 contrató a Earl Scruggs, quien potenció de la misma forma el papel del banjo. Esta formación de los Blue Grass Boys, en la que también se integraban el cantante Lester Flatt, el violinista Chubby Wise y el bajista Cedric Rainwater, realizó las primeras grabaciones que incorporaban todos los elementos de lo que después sería conocido como bluegrass.

En esta época grabó uno de los clásicos más importantes de este subgénero musical, la conocida canción 'Blue moon of Kentucky'. Flatt y Scruggs dejaron la banda en 1948 para formar su propio grupo, los Foggy Mountain Boys, pero los Blue Grass Boys continuaron. A lo largo de la historia del grupo, han pasado por él más de 150 músicos, muchos de los cuales son estrellas por derecho propio en el ámbito del bluegrass. Monroe murió en septiembre de 1996, cuatro días antes de cumplir 85 años.

Arnold Schoenberg


El 13 de septiembre de 1874 nació en Viena, el compositor, teórico musical y pintor austriaco Arnold Schönberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.

Nació en el seno de una familia judía y fue autodidacta en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky. En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schoenberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. En 1903 Schoenberg regresó a Viena para dar clases. Allí conoció a dos compositores que se convirtieron en sus mejores amigos y sus alumnos más aventajados: Anton Webern y Alban Berg.
En sus composiciones utilizaba complejas armonías, que posteriormente le llevaron a la atonalidad. Por esta causa, los estrenos de sus primeros dos cuartetos de cuerda en 1897, no fueron bien recibidos, y se sintió perseguido por un público que no entendía su música.

Alexander Zemlinsky
Durante estos años Schoenberg también pintaba y junto con varios artistas exhibió sus cuadros en el círculo del pintor ruso Wassily Kandinsky. En 1911 aceptó una plaza de profesor en Berlín y en 1915 volvió a Viena. La I Guerra Mundial, junto con su búsqueda de un método que proporcionara lógica y unidad a la música atonal, no le permitió componer muchas obras entre 1914 y 1923. En 1923 la muerte de su mujer supuso un duro golpe para él, pero en 1924 conoció a Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, con quien más tarde contrajo matrimonio. La oferta en 1925 de un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín le proporcionó por último una posición prestigiosa, una seguridad económica y una vida familiar estable.

Schoenberg, su esposa Gertrud y la hija de ambos, recién llegados a Nueva York el 31 de octubre de 1933

En 1932  nació su hija Nuria Dorothea, y en 1933 Schoenberg y su familia huyeron de la Alemania nazi a París. Emigraron a Estados Unidos y el músico aceptó una plaza de profesor en Boston.

En la Universidad de California
Al año siguiente, a causa de su salud, se trasladaron a Los Ángeles, donde nacieron sus dos hijos más pequeños. Después de un año como lector en la University of Southern California (1935), trabajó como profesor en la University of California, Los Ángeles, desde 1936 hasta 1944. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Retirado, continuó impartiendo lecciones y componiendo. Como curiosidad comentar que Schoenberg sufría de triscaidecafobia, es decir, de temor al número 13. Paradójicamante nació un trece y murió en Los Angeles un viernes, 13 julio de 1951 a los 76 años.
El estilo musical de Schoenberg evolucionó desde el romanticismo tardío del siglo XIX al horizonte musical europeo a comienzos del siglo XX, con su dodecafonismo. La innovación no se restringe al mundo llamado de vanguardia. Todo gran músico fue siempre innovador. Así, "música quiere decir música nueva". Por lo que Schoenberg continúa manifestando:
"No existe nunca obra de arte portentosa que no lleve un nuevo mensaje a la humanidad; ningún gran artista deja de cumplir esto. Es el código de honor de todos los grandes en el arte, y, como consecuencia, en todas las grandes obras de los grandes encontraremos esa novedad imperecedera".


Sus primeras composiciones tonales tienen reminiscencias de la música del compositor alemán Johannes Brahms, aunque pronto asimiló el cromatismo del compositor alemán Richard Wagner. En algunas composiciones, como en “Verklärte Nacht” (Noche transfigurada), Schoenberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas armonías y largas melodías románticas que se elevan soportadas por una densa textura contrapuntística de motivos cortos y constantes.

Estos rasgos, que se inician en 1907, se hacen más acusados en sus composiciones expresionistas, donde abandona la tonalidad y condensa la forma. El ejemplo principal de este periodo es “Pierrot Lunaire”; en este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el “Sprechstimme” (en alemán, 'voz hablada') o el “Sprechgesang” (canción hablada), una mezcla de discurso y canción.

Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada "serialismo" puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, “Moses und Aron”. Aunque Schoenberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su “Concierto para piano Opus 42” (1942) (Mitsuko Uchida, piano. Rotterdams Philharmonisch Orkest & dir. Jeffrey Tate) de un solo movimiento.

Dirigiendo la Sinfónica de L.A en 1937
Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la “Suite en estilo antiguo” (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las “Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43” (1943), volvió a emplear el sistema tonal.
El “Método de composición con doce sonidos”, estudiado por Schoenberg nació independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene poco en común con el método de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por sus discípulos con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky.

Alban Berg y Schoenberg
Para Schoenberg la modernidad radicaliza la persecución de la novedad. Un valor que suele empantanarse en la esterilidad de un atrayente, pero vacío, ejercicio formal. Lo esencial no es la búsqueda de la novedad por sí misma, sino la continuidad de una pulsión tensa, problemática y creadora. Este ideal de una incómoda inseguridad creadora fue transmitida por Schoenberg a sus discípulos: Anton Webern y Alban Berg.
Su influencia se vertió también sobre Kandinsky, con quien un Schoenberg que se inició en la pintura, realizó una de las exposiciones pioneras del expresionismo. Y también recibió su influjo el notable pensador y músico Theodor Adorno, esencial referente de la Escuela de Frankfurt.

Schönberg fue íntimo amigo del arquitecto vienés Adolf Loos, al que había conocido en el salón de Eugenie Schwarzwald. Loos se dedicó de por vida a la representación de las composiciones de Schönberg, algunas de las cuales subvencionaba en secreto, entre las que se encontraba, probablemente, el famoso “Concierto del escándalo de 1913” (Concierto de la bofetada). Adolf Loos fue de mucha influencia en la posición de Schönberg frente a preguntas sobre moral y verdad artística. La demanda de Schönberg, “la música no debe adornar, sino ser verdadera”, puede situarse en relación directa con la estética de Loos, que decía "La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual”.

Su obra

Óperas
“Erwartung” (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga (Deutsches Theater; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer])
• “Die glückliche Hand” (La Mano Afortunada) op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry)
• “Von Heute auf Morgen” (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973])

“Moses und Aron” (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud)


Música vocal
• “Zwei Gesänge” (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl von Levetzow (1871-1945)
• “Vier Lieder” (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899)
“Brettl-Lieder” (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano
• “Sechs Lieder” (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903)
• “Deinem Blick mich zu bequemen” (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe
• “Acht Lieder” (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano
• “Sechs Orchesterlieder” (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)

• “Drei kanonische Chöre” (Tres coros canónicos) para 4 voces (1905). Textos: Johann Wolfgang von Goethe (Habl)
• “Friede auf Erden” (Paz en la Tierra) op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer
• “Zwei Lieder” op. 14 (1907-1908) para voz y piano “Gurre Lieder” (1900-1911). Cantata para solista, coro y orquesta. Textos: Jens Peter Jacobsen (de En cactus springer ud), en alemán por Robert Franz Arnold. Estreno: 23 de febrero de 1913 en Viena (Sociedad musical, Gran salón; Anna Bahr-Mildenburg [Paloma silvestre], Marya Freund [Tove], Franz Nachod [Waldemar]; Coro Filarmónico. Director: Franz Schreker). Textos
“Pierrot Lunaire” op. 21 (1912 para voz y orquesta de cámara (Piano, flauta [también Piccolo], clarinete [también clarinete bajo], violín [también viola] y violoncelo). Textos: Dreimal sieben Gedichte por Albert Giraud (1860-1929), en alemán por Otto Erich Hartleben.
• “Kol Nidre” (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta. Estreno 4 de octubre de 1938 en Los Angeles (en la víspera del Yom Kipur; Director: Arnold Schönberg)
• “Herzgewächse”, op. 20 (1911) para soprano, celesta, armonio y arpa.
“Three Songs for Low Voice and Piano”, Opus 48

Música orquestal
• “Sinfonía de cámara nº 1 Op. 9”, para 15 instrumentistas (1906)
“Sinfonía da camera n.2 op.38" (1906, 1916, 1939)
“Cinco piezas para orquesta” (1909)
“Variaciones para orquesta op. 31” (1926-28)
“Conciertos para violín” (1936) y “piano” (1942)

Música de cámara
• Cuartetos "String Quartet No. 4" Op. 37, Mvt. 1: Allegro molto, energico;
• Quinteto de viento“The Wind Quintet Op. 26”,
• Trío de cuerdas y el sexteto de cuerdas “Verklärte Nacht” (La noche transfigurada, 1899)

Música de piano
Tres piezas para piano, Op. 11 (1909) (Pollini)
Seis pequeñas piezas para piano, op 19 (1911)
• Cinco piezas para piano, op. 23 (1921-1923)
Suite, Op. 25 (1921-1923)  (Glenn Gould)
Piezas para piano, op. 33a y 33b (1931) (Glenn Gould)
Concierto para piano Opus 42 (1/4) (piano, Mitsuko Uchida, Rotterdams Philharmonisch Orkest - dir Jeffrey Tate)

Girolamo Frescobaldi


El 13 de septiembre de 1583 nació en Ferrara (Italia) el músico italiano Girolamo Frescobaldi, uno de los más importantes compositores de música para órgano y clavicémbalo de principios del periodo barroco. Un niño prodigio, fue considerado 'un gigante entre los organistas'. En una época de predominio absoluto de la música vocal, la aportación de Frescobaldi contribuyó decisivamente a la creación y consolidación de un repertorio instrumental independiente.

Discípulo de Luzzasco Luzzaschi, Frescobaldi gozó en vida de una merecida reputación como compositor y como organista. Como instrumentista ocupó distintos puestos a lo largo de su vida, entre los que cabe destacar los de organista de Santa Maria en Trastevere y de San Pedro de Roma, cargo este último que ocupó hasta su muerte. Después de haber publicado una primera colección de madrigales en 1608, Frescobaldi se inclinó decididamente por el cultivo de la música instrumental, terreno en el que iba a conseguir sus mayores logros y que le proporcionaría renombre internacional. Murió en marzo de 1643 a los 59 años.

Escribió un gran número de obras para órgano y clavicémbalo, incluyendo tocatas, caprichos, fantasías, canciones, “recercare” (nombre genérico para cualquier pieza con contrapunto), danzas y variaciones.
- Entre ellas se encuentran:
"Ricercari e canzone francese" (1615) (Gustav Leonhardt);
"Canzona La Capriola" (Suzanne Deserres, Natalie Michaud, Geneviève Soly &Alain Trudel).
"Se laura spira" ( L´Arpeggiata )

Se l'aura spira tutta vezzosa,
la fresca rosa ridente sta,
la siepe ombrosa di bei smeraldi
d'estivi caldi timor non ha.
A balli, a balli, liete venite,
ninfe gradite, fior di beltà.

Or, che sì chiaro il vago fonte
dall'alto monte al mar sen' va.
Suoi dolci versi spiega l'augello,
e l'arboscello fiorito sta.
Un volto bello al l'ombra accanto
sol si dia vanto d'haver pieta.
Al canto, al canto, ninfe ridenti,
Scacciate i venti di crudelta.


- Dos libros de 'Toccate' (1615 y 1616):  “Tocata Nº 3” (Sylvia Kind), "Tocata Nº 4" (Scott Stonebreaker Ross), “Tocata Nona” (Knut Johannessen & Niklas Eklund), entre las que figura la “Cento Partite”  Parte 1, Parte 2 (Ernst Stolz ) una de sus obras más virtuosas y experimentales.

- Los “Capricci sopra diversi soggetti” (1624) Primer libro (Gustav Leonhardt), “Capriccio sopra la bassa fiamenga”.
- Entre sus obras más conocidas se encuentran las “Fiori musicali” (1635) (Sergio Vartolo) una colección de obras de órgano para ser tocadas durante la misa.

Su música instrumental es menos conocida, “Aria con Variazione Detta la Frescobalda” (Juliam Bream, guitarra), pese a la importancia del “Primer volumen de canciones para tocar con cualquier instrumento”, publicado en 1628. Frescobaldi fue uno de los inventores de la concepción moderna del tempo y su música tuvo una gran influencia en compositores posteriores, como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach

Clara Schumann


El 13 de Septiembre de 1819 nació en Leipzig, Alemania, la pianista más importante del siglo XIX, Clara Josephine Wieck. (Clara Schumann) considerada por el público europeo tan buena como Franz Liszt o Sigismund Thalberg.

Clara con 15 años
Clara fue hija de Marianne y Friedrich Wieck. Su padre estudió teología en la Universidad de Wittenberg y se estableció en Leipzig alrededor de 1814. Allí enseñó piano y estableció un negocio de venta y préstamo de música y pianos y de reparación del instrumento. Rápidamente adquirió una reputación de experto profesor de piano. La madre de Clara, Marianne Wieck, era hija y nieta de músicos: su padre había sido cantor y su abuelo, un reconocido flautista, compositor y fabricante de flautas. Marianne estudió piano con Friedrich Wieck y se casaron en 1816. Una dotada música, apareció como solista en piano y como soprano en la Gewandhaus de Leipzig. Además ayudó a su esposo en su negocio, enseñó piano, y dió a luz cinco hijos en los ocho años que estuvo casada con Wieck. La pareja se separó en 1824 y un divorcio fue otorgado a los pocos meses. Ya que tanto Clara como sus hermanos legalmente eran considerados propiedad de su padre, continuaron bajo su custodia. Su madre se casó con Adolph Bargiel, un músico con el que había estudiado y se trasladaron a Berlín; el contacto con su hija se mantuvo a través de la correspondencia y ocasionales visitas.

Friedrich Wieck
Aunque la educación general de Clara fue escasa, su formación musical fue superior: estudió piano con Wieck, religión y lenguajes (bajo su supervisión), además de violín, teoría, armonía, orquestación, contrapunto, fuga y composición con los mejores profesores de Leipzig, Dresden y Berlín; asistió a cada concierto, ópera y drama importante presentado en Leipzig; y copió las cartas de Wieck en su diario, así aprendió como manejar los asuntos económicos de una carrera musical. Hasta los 19 años, Wieck dirigió su educación y su carrera, acompañándola en sus giras en Alemania, Austria y París. En su diario de vida anotó el repertorio y conciertos y la vida musical de los años 1830.

Clara Wieck se presentó en el Gewandhaus en Leipzig cuando tenía nueve años, debutó como solista allí a los 11, se presentó en París cuando tenía 12 y cautivó al público de Viena cuando tenía 18 años. Fue nombrada Virtuoso de Cámara de al Corte Austriaca y miembro honorario de la Gesellschaft de los Amigos de la Música. La joven prodigio conoció, tocó y fue admirada por los músicos y celebridades más importantes de aquellos días incluyendo a Goethe, Paganini, Louis Spohr, y jóvenes músicos como Chopin, Liszt y Mendelssohn.


Aunque su padre fue muy duro y déspota, hasta cruel en algunas ocasiones, su rol como mentor de Clara y agente no puede minimizarse y ella lo reconocía frecuentemente. En una carta de 1894, escribió:
“Mi padre tuvo que aguantar que lo llamaran tirano; sin embargo, yo todavía le agradezco por ello cada día; le agradezco por la frescura que todavía permanece en mi vejez (al menos en mi arte). También fue una bendición para mí que fuera tan estricto, que me reprendiera cuando lo merecía, ya que al hacerlo, evitó que me convirtiera en una arrogante debido a las alabanzas que el mundo me entregaba. ‘A veces, el reproche fue amargo, pero aún fue bueno para mí! “

Friedrich Wieck, Robert y Clara
Después de una legendaria batalla legal con su padre, quien rehusaba consentir su matrimonio, Clara Wieck y Robert Schumann, a quien conocía desde su niñez, se casaron en 1840. En aquel tiempo, él era un músico relativamente desconocido mientras ella era una pianista de reputación internacional. Los Schumann se mudaron primero a Leipzig y luego a Dresden y Düsseldorf. Entre 1841 y 1854 tuvieron ocho hijos: Marie, Elise, Julie, Emil, Ludwig, Ferdinand, Eugenie, Felix, sin embargo, Clara continúo tocando, componiendo y enseñando. Su esposo, sufría una enfermedad mental que había sido motivo de preocupación por muchos años. Intentó suicidarse en 1854 y fue hospitalizado en Endenich, donde murió en julio de 1856. Estando prohibidas por sus doctores las visitas durantes los dos años y medio que estuvo en el sanatorio, Clara pudo verlo durante los últimos días de su vida.

Robert y Clara Schumann en 1847
Después de la muerte de su esposo, Clara reanudó sus giras de concierto, ya no como una jovencita glamorosa sino como una solemne maestra del arte. Vestida de negro, sin sonreír y en presentaciones serias, con 37 años, se dedico a mantener la memoria y música de su esposo.
El matrimonio de Robert y Clara fue una rara asociación: los dos músicos estudiaban las partituras juntos, leían poesía para posibles presentaciones; ella arreglaba varias de sus obras instrumentales para piano y actuaba en los ensayos en los grupos que él dirigía. A través de las giras de concierto en Austria, Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, Suiza, Rusia, Inglaterra, las obras de Robert Schumann se dieron a conocer en el mundo musical. Sin excepción, Clara estrenó cada obra que él escribió para o con piano; y casi todas sus obras orquestales fueron presentadas en conciertos en los cuales ella actuó como solista.

En 1878 Clara Schumann se convirtió en la principal profesora de piano en el Conservatorio Hoch en Frankfurt, sin embargo, no abandonó su carrera como intérprete. Su presencia atraía estudiantes de todo el mundo y especialmente de Inglaterra, donde era una intérprete inmensamente popular. Clara realizó su última presentación pública como pianista en 1891, pero continuó enseñando hasta su muerte en 1896.
La vida de Clara Schumann es una de triunfo musical y tragedia personal. El divorcio de sus padres y la posterior perdida de su madre en su temprana niñez, la amarga lucha con su padre por su matrimonio, la enfermedad mental y muerte de su esposo, la enfermedad mental de uno de sus hijos, que fue internado en una hospital mental por más de 40 años, y la pérdida de cuatro hijos antes de ella, todas dejaron una marca en su carácter y personalidad. Mantuvo a sus hijos y nietos trabajando incesantemente, actuando como agente y empresario de sus propios conciertos.

Joseph Joachim y Clara Schumann
Pauline Viardot, Jenny Lind, Félix Mendelssohn y especialmente Joseph Joachim y Johannes Brahms se encuentran entre sus socios musicales. Los Schumann conocieron a Brahms poco después de la hospitalización de Robert y se convirtieron en amigos de por vida. Ella le ayudo a avanzar en su carrera al tocar sus obras cuando era un joven y desconocido y él, en agradecimiento, le ayudó con sus decisiones familiares, carrera, composición y edición.

Clara Schumann fue considerada al par de grandes pianistas como Liszt, Thalberg y Anton Rubinstein y fue señalada como la Reina del Piano de Europa. Tuvo una brillante carrera por más de 60 años, y su ejecución fue caracterizada por una técnica magistral, bello tono y espíritu poético. Debido a su reputación y largos años sobre el escenario, tuvo una gran influencia en la vida concertística y pianística del siglo XIX. Durante su juventud, fue uno de los pocos pianistas en ejecutar música de memoria, y, con Liszt, una de los primeros pianistas en dar conciertos sola sin acompañamiento de otros artistas. Siguiendo su ejemplo, los conciertos se volvieron más cortos y menos obras eran presentadas para lograr mayor atención a piezas individuales. En sus manos, el recital para piano se convirtió en un evento en el cual la atención del público estaba enfocado en el compositor más que en el virtuosismo del ejecutante.

En una época donde los grandes virtuosos pianistas daban conciertos completos con sus propias obras, Clara presento piezas de Bach, Scarlatti, Beethoven y Schubert a una audiencia acostumbrada a variaciones embellecidas sobre melodías populares u operísticas. Clara Schumann fue una de las primeras pianistas en Europa en presentar la música de Chopin y frecuentemente incluía la de Mendelssohn. Ya que Robert Schumann era el único compositor de música para piano entre sus contemporáneos que no se presentaba en público, ella tomo esta tarea por él, comenzando a los 12 años cuando dió la primera presentación de sus “Papillons”.
El respeto y admiración de los críticos y el público era casi uniforme como se indica en una reseña publicada en Londres cerca del final de su carrera: “Creemos estar en lo correcto al decir que ningún pianista antes ha logrado retener en forma tan poderosa la atención del público por tan largo tiempo... el carácter, intelecto y entrenamiento de la Señora Schumann, la salvó de convertirse en una simple música: aunque durante años se ha reconocido como una exponente de la música de Schumann, también uno escucha sus maravillosas interpretaciones de Bach, Mozart y Beethoven. Por su modestia, la prudencia y el talento que ha alcanzado gradualmente un verdadero triunfo”.


La compositora-pianista fue un reconocido fenómeno a comienzos del siglo XIX. En su primer concierto como solista en la Gewandhaus de Leipzig, la joven Clara Wieck de 11 años tocó sus propias 'Variaciones sobre un Tema Original', así como obras de Herz, Kalkbrenner y Czerny. Durante todos sus años de juventud, sorprendió al público y a la crítica tanto por sus composiciones como por su ejecución instrumental. Casi todos los conciertos que dio durante la década de 1830 incluían una o más obras de su autoría y a menudo también improvisaciones, una habilidad que se esperaba de todo solista a comienzos del siglo XIX.

Gewandhaus en Leipzig
Comenzando con sus “Cuatro polonesas, Op.1” en 1831, casi todas sus obras fueron publicadas y recibieron una favorable crítica. En ellas utiliza atrevidas armonías, modulaciones innovadoras, libertad en los ritmos y géneros que escogió, sus composiciones reflejaban las nuevas tendencias de aquellos días y se asemejan a las obras de otros compositores jóvenes de la nueva escuela romántica, como Robert Schumann, Mendelssohn y Chopin.

Una de sus obras maestras de su periodo de juventud en su “Concierto para piano, Op.7” dedicado al compositor Louis Spohr, que comenzó a la edad de 13 años y fue estrenado tres años después en la Gewandhaus de Leipzig bajo la dirección de Mendelssohn. Es una obra dramática e innovadora, un registro de su propio virtuosismo y de su independiente pensamiento musical. Aunque Robert Schumann alentó la actividad compositiva de su esposa y contactó a editores para ella, su trabajo creativo tenía prioridad sobre el de ella, y durante muchos años su composición y práctica fueron relegadas a horas en que su marido no se vería perturbado.

Uno de los pianos de los Schumann
A pesar de sus obvias dotes, dejó de componer tras la muerte de Robert (aparte de una marcha compuesta por el aniversario de un amigo en 1879); las razones de ello han sido objeto de constante especulación. A lo largo de su vida, llevó diarios, en los que anotó todas las lecciones paternas, entre otras cosas, y más tarde, lo escribió conjuntamente con Robert. El día después de la boda Robert regaló a Clara un diario por su cumpleaños, el que escribieron conjuntamente durante unos siete años, obra de importante valor histórico para conocer tanto su relación como su obra. Clara y Robert Schumann compartieron muchas cosas de su vida y de su música, que era para ambos parte fundamental de su existencia. La pareja escribió un conjunto de canciones, que Robert publicó ocultándoselo a Clara para presentárselas en su primer aniversario de matrimonio. Así, de las “12 canciones del Op. 37” de Robert Schumann, tres son de Clara.

La carrera de Clara continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo y en todos lados era recibida con los más altos honores. Fue una profesional en el sentido económico también: cobraba dignamente, igual que los otros virtuosos de la época, pues fue por mucho tiempo el único soporte de la familia. Su música fue el consuelo de Clara: Una carrera de 60 años, la enfermedad de Robert y sus intentos de suicidio, la muerte de cuatro de sus ocho hijos.

Hasta el final de sus días contó con el apoyo y la amistad de Johannes Brahms. La correspondencia entre ambos aporta también interesantes notas acerca de la vida musical de la época y de sus carreras. Brahms también se inspiró en ellas para alguna de sus composiciones. Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita"
En 1878, se celebraron los 50 años de la carrera de Clara con conciertos en el Gewandhaus de Leipzig, donde había empezado. El programa lo componían sólo obras de Robert Schumann. Sus problemas físicos se iban agravando: el reumatismo para el que fue tratada con opio, curas en balnearios, masajes...

En Marzo de 1896, Clara Schumann sufrió un ataque. Su amigo Johannes Brahms canceló sus vacaciones en Italia. En su lecho de muerte, su nieto Ferdinand interpretó para ella una obra de Schuman, la última música que escuchó. Murió el 20 de mayo de 1896 en Fránfort del Meno. Brahms se ocupó del funeral. El murió once meses después. Tras el fallecieminto de Clara, su reputación como pianista y maestro se mantuvieron, sin embargo sus composiciones fueron ignoradas, aunque el interés en su trabajo creativo revivió en la década de 1970 cuando las primeras grabaciones comenzaron a aparecer. Desde entonces, la discografía de su obra ha crecido a más de 100 grabaciones, ediciones de obras publicadas y no publicadas previamente han aparecido, y las emisiones y los conciertos de las composiciones de Clara Schumann, han aumentado.

Obras destacadas:
- “Nocturno en Fa mayor Op. 6 Nº 2” (Bart Van Oort, piano)
- “Piano concierto en La menor”, Op. 7 – 1/3 Allegro Maestoso2/3 Andante, 3/3 Finale: Allegro non troppo  (Veronica Jochum & Bamberg Symphony & Joseph Silverstein. Violonchelo solo: Colin Carr)
- “Scherzo nº 1, Op.10” (Michael Ponti, piano)
- “Romance en La” Op. 11 (Trio Dafne)
- “Complete Songs”, "Beim Abschied" (soprano Dorothea Craxton, fortepiano Hedayet Djeddikar)


- Lied "Warum willst du and're fragen ?" Op. 12 No. 3 (Hélène Grimaud & Anne Sofie von Otter)
Pourquoi en interroges-tu d'autres Qui ne pensent pas à t'être fidèles ?
Ne crois rien, hormis ce que te disent Ces deux yeux-là !
Ne crois pas les gens, Ne crois pas ta propre imagination ;
Tu ne dois pas plus interpréter mes actes, Regarde seulement ces yeux !
Ta bouche tait-elle tes questions, Ou son silence témoigne-t-il contre moi ?
Quoi que puisse proférer ma bouche, Vois mes yeux... Je t'aime !
Quoi que puisse préférer ma bouche, Vois mes yeux... je t'aime !

- “Quatre Visions Fugitives, Op. 15” (Michael Ponti, piano)
- “Preludio y Fuga, Opus 16” (Jozef De Beenhouwer)
- “Sonata de piano en Sol menor” (Jozef De Beenhouwer, piano)
- “Soirées musicales” (Jozef De Beenhouwer)
- “Trío para violín, violoncelo y piano Op. 17 “ I. Allegro moderato  II. Scherzo, Tempo di menuetto  III. Andante  (Gelius, Krstic & Haack)
- “Variaciones sobre un tema de Robert Schumann Op 20”
- “Romance para oboe y piano” Op. 22” (Wanchen Hsieh & Kiai Nara)