28 octubre 2012

LP 'The Talking Book'


El 28 de octubre de 1972 se publicó en Estados Unidos 'Talking Book' el segundo de los cinco álbumes consecutivos que conforman el llamado período clásico de Stevie Wonder, junto a 'Music of my mind', 'Innervisions', 'Fulfillingness' First Finale', y 'Songs in the Key of Life'.

El disco, presentado tras el tour que Wonder había realizado con The Rolling Stones, se convirtió en un éxito inmediato y ayudó a desmontar el mito de que los artistas negros de R&B eran eran incapaces de grabar álbumes que pudieran ser apreciados por el público blanco aficionado al rock. De este modo, el disco significó un hito para los artistas de R&B, a la vez que confirmaba el inicio de un período único para la Motown.

Lanzado entre 'Music of My Mind' e 'Innervisions', Stevie Wonder contó para la grabación de 'Talking Book' con una libertad creativa casi absoluta, algo prácticamente inédito en la industria de la época. Para la grabación del álbum se empleó una novedosa e inusual técnica que sustituía los tradicionales arreglos ejecutados por una orquesta de cuerdas por múltiples capas de sintetizadores y pianos eléctricos, casi siempre ejecutados por Wonder. El álbum debe en gran parte a esta original técnica su distintivo sonido.

Entre los invitados aparecen figuras como los guitarristas Jeff Beck, Ray Parker Jr. y Buzz Feiten. El disco está, sin embargo, protagonizado por los sintetizadores de Wonder, que dan frecuentemente a los temas una línea muy funky. El uso que Stevie hace del Hohner Clavinet en el clásico 'Supertstition', por ejemplo, figura entre los mejores ejemplos del instrumento.


Wonder recibió tres premios Grammy por la grabación de 'Talking Book': el premio a la mejor interpretación vocal pop por 'You Are the Sunshine of My Life', y a la mejor interpretación vocal / mejor canción R&B por 'Superstition'.

Como curiosidad, el siguiente álbum de Wonder, 'Innervisions', lanzado unos meses más tarde, obtuvo el premio al mejor álbum del año en la misma ceremonia. Los productores Malcolm Cecil y Robert Margouleff, que producirían cuatro de los discos clásicos de Wonder, así como varios álbumes de los Isley Brothers, fueron galardonados con el Grammy a la mejor producción.

5 - 'You've got it bad girl' (Wonder, Yvonne Wright)
8 - 'Blame it on the sun' (Wonder, Syreeta Wright)
9 - 'Lookin' for another pure love' (Wonder, Syreeta Wright)


Stevie Wonder – voz, coros, Fender Rhodes, clavinet Hohner, sintetizadores, piano, armónica, batería, producción

Ray Parker Jr. – guitarra eléctrica (2)
Jeff Beck – guitarra eléctrica (9)
Buzz Feiten - guitarra eléctrica (9)
Scott Edwards - Bajo (1)
Daniel Ben Zebulon – congas (1,5)
David Sanborn – saxo alto (4)
Trevor Laurence - saxo tenor (6)
Steve Madaio – trompeta (6)
Jim Gilstrap - coros (1,5,8)
Lani Groves – coros (1,5,8)
Gloria Barley - coros (1)
Deniece Williams – coros (4)
Shirley Brewer - coros (4,9)
Debra Wilson – coros (9)
Loris Harvin - coros (9)

Malcolm Cecil - programador, ingeniero, productor asociado
Robert Margouleff - ingeniero, productor asociado, fotografía
Austin Godsey - ingeniero de grabación
Joan Decola - ingeniero de mezcla
George Marino - masterización

Graham Bond


El 28 de octubre de 1937 nació en Romford (Inglaterra) el músico Graham Bond, considerado el 'padre del R&B británico de los 60'. Junto a John Mayall y Alexis Korner fue una de las figuras que catalizaron las figuras británicas del rock. En 1963 puso en marcha la Graham Bond Organisation, una banda que incluía a Ginger Baker, Jack Bruce, Dick Heckstall-Smith, Jon Hiseman y, más tarde a John McLaughlin.

The Graham Bond Organisation
Publicaron dos álbumes antes de la marcha de Baker y Bruce a Cream, 'The sound of 65' y 'There's a Bond between us', ambos de 1965. Por otro lado, como teclista Bond fue quizás el primer músico inglés en usar la combinación Hammond y Leslie y el primero en usar un melotrón. Jon Lord lo cita como una de sus primeras influencias. Graham Bond Organisation, a pesar de ser la referencia e inspiración para numerosos grupos en el Reino Unido, nunca tuvieron el éxito merecido, manteniendo únicamente un status de banda de culto. El hecho de que sus trabajos nunca fueran publicados en Estados Unidos tampoco ayudó mucho.


Tras la disolución del grupo en 1967, las condiciones físicas y mentales de Bond cayeron en picado, entre otras cosas por su abuso de las drogas y el impacto de éstas en su comportamiento, errático, con constantes cambios de humor y depresiones, todos ellos síntomas de lo que hoy conocemos como 'trastorno bipolar'.

Al final de la década se lanzó un doble álbum 'Solid Bond' que recogía material no publicado y versiones diferentes de material de la banda. En 1970, Bond, comenzó a interesarse por la magia y lo esotérico y publicó 'Holy Magick'. Posteriormente realizó algún trabajo como músico de sesión y formó un grupo con su entonces esposa, la cantante Dianne Stewart, con quien compartía su interés por lo oculto. El grupo y el matrimonio acabaron pronto, así como otro grupo que parecía prometedor llamado Magnus, hecho que le produjo un nuevo desfallecimiento nervioso que lo mantuvo un mes en el hospital. En mayo de 1974 fue encontrado muerto bajo las ruedas de un tren en una estación de Londres. Sus amigos dijeron que se había suicidado debido a sus problemas financieros y mentales que le llevaron a obsesionarse con el ocultismo hasta tal forma que llegó a creer que era el hijo de Aleister Crowley. Tenía 36 años.

Ted Hawkins


El 28 de octubre de 1936 nació en Biloxi (Mississippi) el cantautor de soul/blues Ted Hawkins, que fue un auténtico desconocido en su país hasta poco antes de su muerte. Pasó una infancia difícil, visitando varios reformatorios e incluso la prisión antes de establecerse en Los Angeles. Allí hizo algunos intentos de comenzar una carrera como músico, pero ninguno de ellos llegó a buen fin. 

A lo largo de su vida muchos promotores y productores instaron a Hawkins a grabar, pero su adicción a la heroína y sus problemas con la ley provocaron que sus grabaciones fueran escasas y en compañías modestas que no prensaban muchas copias. En los años ochenta se buscaba la vida tocando en el paseo marítimo de Venice Beach haciendo versiones de clásicos como 'Bring it on home to me', 'Your cheatin' heart', 'Just one look' o 'The dock of the bay', que en su voz sonaban auténticas y diferentes.

Logró grabar dos álbumes magníficos producidos por Bruce Bromberg, 'Watch Your Step' (1982) y 'Happy Hour' (1985) que, aunque aclamados por la crítica, pasaron desapercibidos en Estados Unidos. Sin embargo en el Reino Unido, gracias a la insistencia del disc jockey Andy Kershaw, se convirtió en una leyenda y Hawkins pasó cuatro años realizando giras por Europa y Japón ante miles de espectadores. En 1989 grabó un tercer álbum 'I Love You Too' en la pequeña compañía PT Records. Sólo se editaron unos pocos cientos de copias del CD, ya que la discográfica quebró. El mismo Hawkins no tuvo ocasión de ver el disco hasta que se lo presentó un fan años después para firmarlo.

Cuando volvió a Los Angeles, nada había cambiado. Seguía siendo tan desconocido como años atrás. De nuevo fue 'descubierto' por el productor Tony Berg de Geffen Records cuando lo vieron tocando por las calles de Los Angeles y Ted grabó con ellos 'The Next Hundred Years' (1994), en el que -por primera vez- se vio acompañado de renombrados músicos de sesión. Él, sin embargo prefería sus versiones sin acompañamiento. El lanzamiento del álbum le permitiría dejar la vida de vagabundo y podría firmar por fin actuaciones en salas grandes. Irónicamente, en un giro cruel del destino, unos meses después de su publicación, el 1 de enero de 1995 Hawkins murió a los 58 años de una apoplejía.

Chico O'Farrill


El 28 de octubre de 1921 nació en La Habana el compositor, arreglista y director de orquesta de jazz Arturo 'Chico' O'Farrill. De padre irlandés y madre alemana, creció en Cuba donde -para seguir la tradición familiar- iba encaminado a estudiar leyes. Fue enviado a estudiar a EEUU donde escuchó los sonidos que más tarde le inspirarían para revolucionar el jazz, la trompeta y la big band.

Chico en Cuba
Tras estudiar en el Conservatorio de Cuba con Felix Guerrero y tocar en los night-clubs de la isla, se trasladó a Nueva York donde continuó sus estudios con Bernard Wagamen, Stephan Wolpe y Hall Overton en la Juilliard School y poco a poco se fue introduciendo en la escena del jazz neoyorquino. Fue entonces, cuando Benny Goodman lo contrató como arreglista fijo de su banda. Como Benny tenía dificultades para pronunciar su nombre- le apodó 'Chico', nombre con el O'Farrill sería conocido desde entonces. Durante su permanencia en la banda de Goodman, compuso uno de sus mayores éxitos, 'Undercurrent blues'.

Durante los años cuarenta y cincuenta Chico atravesó una etapa prolífica e importante en su carrera. Fue en estos años cuando compuso 'The Afro Cuban Jazz Suite', considerada por críticos y aficionados de todo el mundo como la joya de la corona del jazz afro-cubano y cuya grabación contó con Charlie Parker, Flip Phillips y Buddy Rich. Chico también compuso innumerables temas para Machito, Dizzy Gillespie, Stan Kenton y muchos otros, incluidas sus propias orquestas.
Gracias a estos trabajos y a las grabaciones que realizó en Verve la primera mitad de los cincuenta con su propia banda, Chico está considerado como músico puntero del jazz latino temprano.
En 1957 se trasladó a México donde escribió un trabajo sinfónico para la Orquesta Filarmónica de La Habana y trabajó con Art Farmer en 'The Aztec Suite'

Con la llegada del rock and roll y la desaparición de las big bands, Chico O'Farrill concentró su trabajo en la composición comercial, incluidos los jingles publicitarios y las bandas sonoras. Aún así mantuvo una brillante presencia como compositor, escribiendo música para Count Basie, Gato Barbieri, Ringo Starr y David Bowie, entre muchos otros. En abril de 1965, regresó a New York donde escribió una serie de arreglos para Count Basie. Al año siguiente fue la orquesta de Glenn Miller, dirigida entonces por el clarinetista Buddy de Franco, quien le encargó unos arreglos, y en 1967 grabó 'Spanish rice' con el trompetista Clark Terry.

A partir de 1971 su trabajo se dirigió sobre todo hacia una producción comercial para la radio y la televisión. En 1973 volvió a ser requerido por Stan Kenton, y en 1974 para Fran Wes y Gato Barbieri. Aquel mismo año de 1974 dirigió un concierto en el Avery Fisher Hall de New York con la orquesta de Machito y Joe Newman. En 1975 lideró un nuevo trabajo para Dizzy Gillespie y Machito en la catedral de San Patricio de New York titulado 'Oro, incienso y mirra'.

Chico O'Farrill fue uno de los grandes músicos cubanos, cuya aportación al movimiento Latin jazz, y en especial al sonido afrocubano, ha sido espectacular. Su participación en la película de Fernando Trueba, 'Calle 54' lo hizo más popular en España. En los años noventa Chico dirigió la Afro-Cuban Jazz Big Band, residente en el nightclub legendario Birdland y a sus setenta y tantos años publicó -tras 30 años sin grabar bajo su nombre- tres magníficos trabajos, 'Pure Emotion', 'Heart Of A Legend' y 'Carambola' (1999), que para muchos significó el renacer de un genio del jazz latino. Su hijo Arturo, compositor y pianista que trabajó con Carla Bley, se hizo cargo de la banda cuando en junio de 2001 Chico murió a los 80 años.