29 noviembre 2012

single 'I want to hold your hand'


El 29 de noviembre de 1963 se publicó en el Reino Unido el quinto single de los Beatles: 'I want to hold your hand'. El día de su publicación ya se habían realizado más de un millón de peticiones de compra adelantada del disco y habría debutado directamente en el nº1 de las listas británicas si no se hubiera instalado allí por segunda vez el single anterior del grupo, 'She loves you', debido a la extraordinaria cobertura que habían realizado los medios sobre el grupo de Liverpool y la beatlemania, recién desatada.

A los quince días lograron el puesto de honor, permaneciendo en él cinco semanas. También fue su primer nº1 en Estados Unidos, donde se publicó un mes más tarde, el 26 de diciembre, entrando en las listas Billboard el 18 de enero de 1964 dando comienzo así a la 'invasión británica'. El 1 de febrero ya era nº1 en USA y aguantó siete semanas hasta que se lo arrebató 'She loves you', justo al contrario de como pasó en Inglaterra. Es el single más vendido del cuarteto.

57 Wimpole Street
En 1963 McCartney se había instalado en casa de Richard y Margaret Asher, los padres de su novia, la actriz Jane Asher en el nº57 de la Wimpole Street de Londres. Margaret solía dar clases de oboe en una salita de música instalada en el sótano de la casa. Allí había un piano, por lo que Paul y John usaron aquella sala durante un tiempo como lugar de composición. Según recordaba Lennon en Playboy: "Escribimos muchos temas juntos, hombro con hombro. Como en 'I want to hold your hand'. Recuerdo cuando dimos con el acorde clave de la canción. Estábamos en casa de Jane Asher, tocando juntos el piano en aquel sótano. Ya teníamos la parte de 'Oh you-u-u / got that something...' y Paul tocó aquel mi menor y le dije: '¡Eso es!, tócalo de nuevo'".



Fue su primer tema grabado con la tecnología de las cuatro pistas y la cara B, grabada el mismo día fue 'This boy'. (En Estados Unidos fue 'I saw her standig there')

'I want to hold your hand' fue una de las dos canciones (la otra fue 'She loves you') que se grabaron en alemán. La letra la tradujo el músico luxemburgués Camilo Felgen bajo el seudónimo Jean Nicolas. Odeon, el sello alemán asociado a EMI, estaba convencido de que los discos de los Beatles se venderían mejor en Alemania si estaban cantados en alemán. Los cuatro, que detestaban la idea, intentaron boicotear la sesión, pero George Martin los convenció y se grabó 'Komm gib mir deine Hand' en los estudios Pathé de Paris, aprovechando una gira del grupo. Fue una de las poquísimas ocasiones en las que los Beatles grabaron fuera de los estudos Abbey Road de Londres. La versión alemana fue naturalmente un gran éxito en Alemania, sin embargo, también allí terminaron siendo más populares las versiones originales en inglés y sus grabaciones en alemán no pasan de ser una curiosidad de coleccionista.

Denny Doherty


El 29 de noviembre de 1940 nació en Halifax (Canadá) el músico y cantante Denny Doherty, uno de los fundadores del grupo The Mamas and the Papas. Inició su carrera musical en su ciudad natal con un grupo llamado The Hepsters formado con amigos en 1956. Unos años después, la increíble voz de Doherty se dio a conocer a sus 19 años cuando fundó el grupo folk The Colonials. Cuando éstos obtuvieron el contrato con Columbia Records, se cambiaron el nombre a The Halifax Three.

En un tour de The Halifax Three conoció a John Phillips y su esposa Michelle. La banda de John, The New Journeymen, necesitaba un tenor que reemplazara a Marshall Brickman. Doherty, desempleado, tras probar su inigualable capacidad para cantar, quedó rápidamente contratado. En 1965 Cass Elliot fue llamada para formar la nueva banda con John Phillips, Denny Doherty y Michelle Phillips, llamada The Magic Circle. Seis meses después -en septiembre de 1965-, el grupo firmó un contrato con Dunhill Records, cambiando de nuevo el nombre al definitivo The Mamas & The Papas.

Entre 1966 y 1968 sus éxitos se sucedieron ('California dreamin' 1965, 'Monday monday' 1966, 'Dedicated to the one I love', 'Creeque Alley' 1967 y 'Dream a little dream on me' 1968) convirtiéndose junto a The Beatles y Beach Boys en la banda más popular del planeta. Denny, además de buen cantante, se reveló también como un auténtico rompecorazones. Cuando entró a formar parte de The Mamas & the Papas tuvo un 'affaire' con Michelle Philips, que ambos lograron mantener en secreto durante la época de éxito del grupo.

Durante un viaje a México Denny le contó a Cass su gran secreto, y Cass corrió a reclamarle a Michelle diciéndole "Tú puedes tener a cualquier hombre que quieras, ¿por qué tenías que acostarte con el que amo?". Cass estaba profundamente enamorada de Denny, constantemente lo reclamaba y le propuso matrimonio pero éste la rechazó. Una noche John Phillips descubrió el pastel y le reclamó a Michelle "Michelle te dejo hacer todo lo que tú quieras, pero, no te tires a mi tenor".

Tras separarse un tiempo, John y Michelle se reconciliaron y se mudaron a una nueva casa que compraron en Bel-Air ya que la que tenían estaba compartida con Doherty. Denny también se mudó a otra casa y comenzó a beber para olvidar a Michelle. Doherty colaboró en la autoría de los temas 'I saw her again', 'Got a feelin' y 'For the love of Ivy' (1968). Michelle, que dijo en una entrevista que John había escrito 'Words of love' para ella, también declaró que ella realmente amaba a Doherty.

Tras la ruptura del cuarteto en 1968, Doherty publicó algunos discos en solitario, como 'Watcha gonna do?' (1971) y 'Waiting for a song' (1974), que no lograron emular su éxito con los Mamas and the Papas. En 1982 se reunió con John Phillips en una versión reformada -de corta vida- de  The Mamas and the Papas con Mackenzie Phillips (la hija de John) y Spanky MacFarlane. En 2003 Denny produjo el musical 'Dream a little dream on me', en el que repasaba bajo su perspectiva la historia del grupo. Perspectiva sesgada en tiempo y espacio, según sus propias palabras, ya que, parafraseando a Grace Slick: "si recuerdas los sesenta, jamás estuviste allí". Denny murió a los 66 años en enero de 2007.

Merle Travis


El 29 de noviembre de 1917 nació en Rosewood (Kentucky) el músico y cantautor country Merle Travis, autor del tema 'Sixteen tons'. Se crió en un condado minero que inspiraría muchas de sus canciones y fue uno de los grandes innovadores del 'fingerpicking' marcando el camino a numerosos guitarristas country como Chet Atkins, Doc Watson y Roy Clark.

Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano y su estilo interpretativo se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking, entre cuyos seguidores estaba el guitarrista de country blues Arnold Shultz. Shultz enseñó su estilo a varios músicos locales, incluyendo a Kennedy Jones, quienes lo transmitieron a otros guitarristas. La técnica cautivó a muchos músicos de la región, y fue inspiración para el joven Travis.

En 1944 Travis se mudó a Hollywood, donde su estilo se hizo aún más renombrado cuando empezó a trabajar en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en directo, y al interpretar pequeños papeles en varios filmes western de serie B. Grabó para pequeñas discográficas hasta 1946, año en el que firmó para Capitol Records, donde, tras habérsele solicitado la grabación de un álbum de canciones folk, Travis combinó canciones tradicionales con varias composiciones originales recordando los días de trabajo de su familia en la mina.

El resultado se estrenó con el nombre de 'Folk Songs of the Hills'. Este disco, en el que únicamente intervenía Travis acompañado de su guitarra, contiene sus dos canciones más recordadas, ambas centradas en las vidas de los mineros del carbón: 'Sixteen tons' y 'Dark as a dungeon'. Éxitos como 'Cincinnati Lou', 'No vacancy', 'Divorce me c.o.d.', 'Sweet temptation', 'So round, so firm, so fully packed', 'Three times seven' y 'Merle's boogie woogie', todas ellas composiciones propias, le dieron fama nacional, aunque no todos mostraban el trabajo con la guitarra que le había dado fama entre sus compañeros de profesión.

Guitarra Travis/Bigsby
Su diseño para una guitarra eléctrica, fabricada para él por Paul Bigsby, se piensa que inspiró la famosa Fender Telecaster de Leo Fender en 1950. Sus canciones fueron grabadas por artistas como Johnny Cash, Nitty Gritty Dirt Band, Dolly Parton, Doc Watson y Tennessee Ernie Ford, que convirtió en 1955 su 'Sixteen tons' en un hit internacional.

La serie de éxitos de Travis en los años cuarenta no continuó en los cincuenta, a pesar de sus actuaciones radiofónicas y de la estima de amigos como Johnny Cash, Grandpa Jones y Hank Thompson. Travis siguió grabando para Capitol en la década de 1950, ampliando su repertorio con 'The Merle Travis guitar' (1956), 'Walking the Strings' (1960) y 'Songs of the coal mines' (1963). En 1953 apareció en la película 'De aquí a la eternidad' interpretando 'Reenlistment blues'. Travis murió de un infarto a los 65 años en octubre de 1983.

Billy Strayhorn


El 29 de noviembre de 1915 nació en Dayton (Ohio) el pianista compositor y arreglista de jazz Billy Strayhorn, conocido por su labor junto a Duke Ellington durante casi treinta años. Aunque fue autor de numerosas piezas de Duke, se sentia cómodo con su papel de arreglista y director musical en la sombra tratando de sacar el mejor sonido de la banda y consiguiendo lo que él mismo llamaba el 'efecto Ellington'. Duke, por su parte, no permitió que su labor pasara desapercibida y en su autobiografía afirmó que Strayhorn "no era como muchos decían, mi 'alter ego'. Billy Strayhorn fue mi brazo derecho, mi brazo izquierdo y el ojo que me vigilaba la espalda"

Aunque nació en Ohio, su familia se trasladó primero a Hilssborough (Carolina del Norte) y después a Pittsburgh (Pennsylvania)), donde Billy asistió a la Westinghouse High School y estudió en el Pittsburgh Musical Institute. Allí desarrolló una gran maestría al piano clásico, influencia que sería evidente en muchas de sus composiciones, que recuerdan a compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel. Strayhorn tocó con pequeños grupos en el área de Pittsburgh y poco después de cumplir los veinte ya había compuesto temas como 'Something to live for' y 'Lush life'.

Billy Strayhorn
Con 19 años compuso el musical 'Fantastic Rhythm' e influido por pianistas como Art Tatum y Teddy Wilson se decidió por el jazz, ya que en los años treinta la música 'culta' no admitía músicos negros. Tocó en un combo llamado Mad Hatters y en 1938 durante una visita de Duke Ellington a Pittsburgh, Billy le mostró sus composiciones. Duke, en principio impresionado por las letras de Strayhorn, solicitó poco más tarde sus servicios como arreglista en Newark (New Jersey). Cuando acabaron la primera sesión de ensayos, Ellington se acercó a Strayhorn, le abrazó y dijo: "Estás contratado para toda la vida".

Duke Ellington y Strayhorn
Los siguientes 29 años de su vida estuvieron dedicados a la orquesta de Duke, componiendo, arreglando y en ocasiones, tocando el piano. Un periodo particularmente notable ocurrió durante una huelga de la Asociación de Autores Americana (ASCAP) en 1941. Como miembro de la Asociación, Ellington no podía interpretar sus propias composiciones en la radio, por lo que Strayhorn, que no era socio, tuvo la oportunidad de componer varias piezas para la orquesta. La más famosa de ellas fue 'Take the A train', inspirado en una línea de metro que llevaba a Harlem. Cuando fue contratado en 1939 por Ellington, éste le dio dinero para viajar a Nueva York y le entregó un papel con las notas y direcciones para que Billy encontrase su casa. La primera frase era Take the 'A' train' (Coge el tren de la línea A)


Strayhorn, que era un gran fan de los arreglos de Fletcher Henderson recordaba en una entrevista posterior: "Un día comenzé a pensar en el estilo de Fletcher. En cómo escribía para trompetas, trombones y saxofones y pensé en probar algo en ese estilo".

Strayhorn compuso muchos otros temas, pero al ser interpretados por la orquesta de Duke, eran consideradas obras de Ellington. Fue el caso de 'Lotus blossom', 'Rain check' y 'Chelsea bridge', de 1941 y de 'Flower is a lovesome thing' de 1949, todas ellas piezas clásicas del repertorio de la orquesta. La colaboración de ambos músicos continuó fructificando en los años cincuenta y sesenta. Billy participó con Ellington en la autoría de 'Day dream' y 'Satin doll'. y en los álbumes 'Such Sweet Thunder', 'A Drum is a Woman', 'The Perfume Suite' y 'The Far East Suite'. Otras obras destacables fueron las adaptaciones de la suite Cascanueces de Tchaikovsky y de la suite Peer Gynt de Edward Grieg,

Críticos, músicos y estudiosos del jazz difieren en considerar si es posible determinar quién escribió cada una de las partes de sus obras conjuntas. Mientras algunos, como Gunther Schuller señalan una serie de características personales de cada compositor y son capaces de discernir de cuál de los dos procede cada nota, otros afirman que es prácticamente imposible e inútil. Lo importante es constatar que ambos tenían el mismo objetivo en mente cuando componían lo que facilitaba el constante flujo de ideas que emanaba de los dos.
Su trabajo con Ellington en la banda sonora de 'Anatomía de un asesinato', film de Otto Preminger de 1959, recibió un Grammy a la mejor música para cine o TV.

Strayhorn era un hombre menudo, sosegado, tranquilo y... homosexual, en un momento de la historia americana en la que era muy duro y difícil ser gay, especialmente en el masculino mundo del jazz. Ellington y los músicos de la banda sentían un gran afecto por él y le protegían en todo momento. Acuñaron para él varios apodos cariñosos, entre ellos, 'Strays', 'Wheely' y 'Swee' Pea' (Cocoliso), éste último, el más utilizado, puesto por el saxofonista Toby Hardwick, que tomó el nombre del personaje de Popeye.

La muerte de Strayhorn en mayo de 1967 a los 51 años afectó profundamente a Duke Elington. Cuando este aceptó dos años después la Medalla de la Libertad de manos del presidente de los Estados Unidos, Duke recordó las cuatro libertades con las que vivió Billy Strayhorn: "Libre de odiar incondicionlamente; libre de sentir lástima de mi mismo; libre de sentir miedo a hacer más bien a otro que a mí mismo; y libre de la arrogancia que hace sentir que soy mejor que mi hermano". Ellington publicó tras su muerte un álbum dedicado a su memoria: 'And His Mother Called Him Bill'. En los años setenta y ochenta, la música de Strayhorn fue más conocida a través de las intepretaciones de otros artistas como el saxofonista Joe Henderson o el trompetista Art Farmer, que han dedicado varios álbumes a las obras de Billy.

Gaetano Donizetti


El 29 de Noviembre de 1797, nació en una zona suburbana de Bérgamo, Borgo Canale, ubicado cerca de los límites de la ciudad, el  prolífico compositor italiano de óperas Gaetano Donizetti.

Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más prolífico, con 71 óperas en su haber, escritas entre 1816 y 1844.
Quinto hijo de una modesta familia, fue admitido a los nueve años en las Lezioni Caritatevoli, una escuela gratuita de música destinada a formar coristas e instrumentistas para las funciones litúrgicas.

Sus tempranas dotes musicales llamaron la atención del creador de dicha institución, el compositor alemán Simon Mayr, quien decidió tomarlo bajo su protección. Bajo su guía, y más tarde bajo la del padre Mattei –el maestro de Rossini– en Bolonia, Donizetti se inició en los secretos de la composición, escribiendo con increíble facilidad cuartetos de cuerda, sinfonías y su primera ópera, el intermezzo en un acto 'Pigmalione'.

La ópera sería el género al que dedicaría sus mayores esfuerzos creativos. La primera oportunidad de darse a conocer en este campo le llegó en 1818 con “Enrico di Borgogna”, obra que, a pesar de su irregularidad, obtuvo una calurosa acogida. La madurez de su estilo, y con ella sus primeras obras maestras, llegaron en la década de 1830, con títulos como “Anna Bolena”, “L'elisir d'amore”, “Maria Stuarda” y “Lucia di Lammermoor”. En sus últimos años, la salud del músico fue decayendo irremediablemente: internado en un manicomio en París y luego en su Bérgamo natal, murió aquí prácticamente perdida la razón al parecer a causa de la sífilis terciaria. Aunque no toda su producción alcanza el mismo nivel de calidad, su música, al tiempo que permite el lucimiento de los cantantes, posee una incontestable fuerza dramática y un arrebatado lirismo que lo convierten en el más directo precursor del arte verdiano.


Principales obras:
- “L’elisir d’amore” (1832), Aria “Una furtiva lagrima” (Enrico Caruso); Dueto "Quanto amore! Ed io spietata..." (Angela Gheorghiu  & Adina Giuseppe Filanoti). Se trata de una ópera cómica en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto “Le philtre” (1831) de Eugène Scribe para la ópera de Daniel-François Auber.

La acción se desarrolla en una aldea de Italia, a finales del siglo XVIII. Nemorino, joven melancólico e ingenuo, está enamorado de Adina que sólo le transmite indiferencia excitando los celos del muchacho. que vende el doctor Dulcamara, un charlatán embaucador que le asegura que tiene que despertar una pasión incontenible en la muchacha. Se trata, de hecho, de vino de Burdeos. Este hecho irrita todavía más a Adina, que por despecho anuncia su casamiento inminente con Belcore, un sargento que ha llegado al barrio con su regimiento. Nemorino, desesperado, pide a Dulcamara una nueva dosis de el elixir milagroso que acabe de decidir Adina. Pero no tiene dinero y se alista en el ejército como soldado.

Dulcamaro y su 'elixir del amor'
Las mujeres del pueblo se enteran que Nemorino ha heredado una gran fortuna y lo persiguen, lo cual el joven atribuye a la eficacia milagrosa del elixir. Adina, al enterarse que Nemorino se ha hecho soldado para conseguir dinero para comprar el elixir, se enternece por la fidelidad y la pasión del muchacho. Adina deshace su compromiso para casarse con Nemorino. Belcore, herido en su orgullo, responde que tiene a su alcance todas las mujeres que quiera. Dulcamara declara que toda la situación es debido a su prodigiosa poción mágica. Fascinados por el resultado, todos corren a comprar botellas del «elixir amoroso».

- “La favorita, Parisina” (1833), Aria "A tanto amor" (Mattia Battistini, el 'Rey de los barítonos'); “Oh mio Fernando” (Ann Hallenberg, mezzo-soprano) que consiste en una “grand opéra” en cuatro actos con libreto en francés de Alphonse Royer, Gustave Vaëz y Eugène Scribe, basado en la pieza teatral “Le Comte de Comminges” (1764) de François-Thomas-Marie de Baculard d'Arnaud.

- “Lucrezia Borgia” (1833), Aria de Lucrecia "Com'è bello" (Mariella Devia), de Orsino Brindisi "Il segreto per esser felice" (Elīna Garanča, Coro del Teatro Comunale di Bologna., dir. Roberto Abbado), "Di pescator ignobile" (Alfredo Kraus) y el aria de bajo "Vieni, la mia vendetta!" (Michele Pertusi) que es un melodrama, u ópera, en un prólogo y dos actos. El libreto fue escrito por Felice Romani basándose en el drama homónimo de Victor Hugo, a su vez según la leyenda de Lucrecia Borgia, y no se representa tan regularmente como algunas de las partituras más populares de Donizetti.

- “Maria Stuarda” (1834) – “Oh nube che lieve” (Monserrat Caballé) sobre cuya música Donizetti fue obligado a anexar un texto menos inquietante, es una ópera seria en tres actos con libreto en italiano de Giuseppe Badari. Fue estrenada el 30 de diciembre de 1835 en el Teatro de La Scala de Milán. Forma parte de la Trilogía Tudor (junto a Anna Bolena y Roberto Devereux), las óperas que Donizetti compuso en torno a la figura de Isabel I de Inglaterra.


- “Lucia di Lammermoor (1835), “Il dolce sonno” (Anna Netrebko), “Regnava nel silenzio...Quando rapito in estasi (acto I, escena 2) (María Callas). "Spargi d'amaro pianto" (acto III, escena 1)  (María Callas).

Esta ópera obtuvo mayor éxito que ninguna otra. Es un drama trágico en tres actos con libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela “The Bride of Lammermoor” de Sir Walter Scott. La historia se refiere a Lucy Ashton (Lucía), una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en la colinas Lammermuir de Escocia (Lammermoor) en el siglo XVII.

Don Pasquale
En 1843, llegó a París la última y más momentánea comedia del compositor: “Don Pasquale” – “Come gentile” (Lucia Popp & Francisco Araiza); Cantata (Duetto) (Juan Diego Florez, Isabel Rey); "Quel guardo il cavaliere" (Lucia Popp); Aria acto 2 (Alfredo Kraus); Final (Juan Diego Flórez, Isabel Rey, Coro y orquesta de Zurich), la cual no sólo alcanzó el éxito sino que también tuvo el honor de ser integrada a la gran tradición italiana de óperas cómicas. Es una ópera bufa en tres actos con libreto en italiano de G. Ruffini y el propio compositor, adaptado del texto de la ópera italiana Ser Marco Antonio, escrito por Angelo Anelli para Ser Marcantonio (1810) de Stefano Pavesi.

Don Pasquale
Esta obra muestra claramente el talento melódico de Donizetti, su instinto para conectar con el público (como el que manifestó Rossini) y la madurez musical del compositor. Siguiendo los dictados estilísticos del belcantismo, la línea vocal de los personajes está muy cuidada, ahora que los efectos de conjunto se encuentran reforzados. El canto es el gran protagonista, exigiendo al solista una gran agilidad vocal, exactitud en la afinación, largo fraseo y brillante virtuosismo.


En la obra se encuentran los elementos definitorios de la ópera de este estilo: cavatinas, serenatas, nocturnos, dúos, tercetos y los concertantes o escenes de conjunto que cierran los actos, además de las arias y los recitativos acompañados de orquesta, por lo que se refiere a la transición entre las partes líricas y las narrativas más fluida y contribuye a que la acción avance más rápidamente, (ya que los tres elementos -incluido el concertante-, se reparten la tarea de avanzar en la acción, no como en la ópera anterior), lo que hacía nada más que el recitativo. Se refuerzan los números concertantes  frente a las arias, equiparando el papel de ambos dentro de la obra. Las arias se hacen más cortas y se añade al final una cabaleta, más rítmica y rápida.

Fue también una despedida para el compositor, pues durante décadas había estado sufriendo de fiebre continua, dolores de cabeza y náuseas, acompañadas de una arritmia cerebral. Después de ser ingresado en 1845, fue enviado a París, donde pudo ser atendido. Tras recibir la visita de varios amigos, incluyendo Giuseppe Verdi, Donizetti regresó a Bérgamo, su localidad natal, donde murió en 1848, en la casa de la noble familia Scotti, tras varios años preso de la locura. Fue enterrado en el cementerio de Valtesse, aunque a finales del siglo XIX su cuerpo fue transferido a Bérgamo, a la Basílica de Santa María la Mayor, cerca a la tumba de su maestro Johann Simon Mayr.

Monumento a Donizetti en Bérgamo