23 mayo 2014

Moncho Alpuente


El 23 de mayo de 1949 nació en Madrid el cantante, periodista y escritor español Moncho Alpuente,. Personaje polifacético, entró en el mundo de la música de una forma insospechada: como botones de la revista SP, de la que se convirtió en crítico musical con dieciocho años.

De ahí pasó al cargo de director de promoción del sello Movieplay, especializado en cantautores. Poco después se involucró con varios músicos y en 1968 funda Las Madres del Cordero, inspirado en las Mother's of Invention de Frank Zappa. Con esas 'Madres' participó en la irreverente farsa teatral 'Castañuela 70', muy reprimida por el franquismo. De aquella aventura tan sólo quedó un single con las magníficas sátiras 'A beneficio de los huérfanos' y 'La niña tonta de papá rico'. Posteriormente, el sello propietario de las canciones las reeditó en un álbum colectivo, junto a Luis Pastor y Quintin Cabrera, con el título 'Todo está muy negro' (1973)

Cuando dos años más tarde se quisieron recuperar aquellas canciones, la banda tuvo que emplear otro nombre por problemas de registro de marcas, y los temas de Castañuela 70 aparecieron interpretados por Desde Santurce a Bilbao Blues Band, también liderada por Moncho Alpuente, junto a otros temas como 'Todo está', 'El ídolo', 'El hombre del 600', 'No sea usted original', 'Las cosas van cambiando', 'Indefensos vampiros', 'Los fantasmas', 'Superman', 'Danza de los orangutanes' y 'Soy la mujer', cantada por Massiel.


Su carrera profesional siempre estuvo más abocada al periodismo, donde logró grandes triunfos, sobre todo en el costumbrismo y el humor.

No obstante, Moncho no dejó nunca la música y así, en 1980 reapareció con una formación llamada Moncho Alpuente y los Kwai con un álbum titulado 'Souvenir'. El álbum, mejor producido que sus trabajos anteriores, de nuevo contaba con canciones llenas de humor y sátira, como 'Carolina querida', un rock dedicado a la princesa monegasca que tuvo amplia difusión en España. Otros temas populares fueron 'Adiós muñeca' y 'Ese cura'.

No volvió a grabar hasta 1988, cuando se creó el sello discográfico Elígeme, potenciado por el local de actuaciones del mismo nombre y entre cuyos fundadores figuraba Javier Krahe. Con esta pequeña discográfica publicó dos discos en el mismo año. Por un lado, el álbum 'The Moncho Alpuente Experience' en el que se representaba en la portada un sello de 1 peseta, en la que la cara de Franco había sido sustituida por la del entonces presidente del Gobierno Felipe González, con temas como 'Amigos', 'Rock around the roll', 'Operación primavera' y una versión hard-rock de 'Al vent'.

Por otro grabó un 'maxi-single titulado 'Todos por el humo', reivindicando los derechos de los fumadores, que ya entonces empezaban a encontrar obstáculos sociales para su vicio. Colaboraron Hilario Camacho, Luis Pastor, Luis Eduardo Aute, Joaquín Sabina y el Gran Wyoming, entre otros.

En 2002 apareció un nuevo álbum, 'La Experiencia es lo Último Que Se Pierde', con nuevos temas satíricos como 'Soy ibero', 'Se quejaba un musulmán' y una nueva versión del tema de Castañuela 70, 'Las cosas van cambiando', cuya letra no había perdido su vigencia. Moncho publicó numerosos libros y trabajó en radio (El programa de Julia, A vivir que son dos días) y TV (Popgrama, ¡Qué noche la de aquel año!) y era colaborador habitual de El País y de la cadena SER. Murió de un infarto el 21 de marzo de 2015 a los 65 años.

22 mayo 2014

Facundo Cabral


El 22 de mayo de 1937 nació en La Plata, Buenos Aires el cantautor folk argentino Facundo Cabral, conocido por sus canciones y monólogos en los que relataba anécdotas personales y parábolas de contenido social y político con las que buscaba despertar la conciencia y la reflexión espiritual en sus oyentes.

Nacido en la más absoluta pobreza y sin hogar, Facundo nació -según sus propias palabras- en una calle de La Plata y posteriormente emigró con su madre y sus siete hermanos a Tierra del Fuego, en el sur de Argentina. No fue capaz de hablar hasta los nueve años, edad con la que escapó y estuvo desaparecido cuatro meses, tiempo en el que logró llegar a Buenos Aires y, tras diversas peripecias, consiguió hablar con Evita Perón para que les proporcionara trabajo a él y a su familia.
La juventud de Facundo fue problemática y debido a su carácter violento y rebelde y a su temprano alcoholismo, visitó repetidas veces los reformatorios y prisiones, donde tuvo la fortuna de conocer a un sacerdote jesuita que le enseñó a leer y escribir y a apreciar los autores de la Literatura Universal. Una vez libre, en 1954, inspirado por un vagabundo que le recita el sermón de la montaña, escribe su primera canción, 'Vuele bajo' y cinco años más tarde tocaba y cantaba profesionalmente.

Con Atahualpa Yupanqui y José Larralde como modelos, se trasladó a Mar de Plata donde logró empleo en un Hotel bajo su primer nombre artístico: El Indio Gasparino. Compuso y grabó innumerables canciones y poemas que inspiraron a millones. Su tema más universal, escrito en 1970, 'No soy de aquí ni soy de allá', fue uno de las muchas canciones que desde entonces han recibido versiones -más de 500- de otros artistas internacionales y latinos como Neil DiamondAlberto Cortez, Julio Iglesias o Pedro Vargas.

En 1976, debido a la llegada al poder de la dictadura militar argentina, emigró a México donde continuó con su carrera. En 1978 perdió a su mujer y a su hija de un año en un accidente de avión, un hecho que lo tuvo un tiempo sumido en una fuerte depresión que logró sacudirse de encima en India, ayudando a la Madre Teresa en su labor con los leprosos. Siguió viajando y tocando por todo el mundo y se estima que visitó 165 países y cantó en ocho idiomas diferentes.

Regresó a Argentina en 1984 donde se le recibió triunfalmente en un recital que ofreció en el Luna Park. En los años 90 realizó una gira internacional y una gira conjunta con Alberto Cortez, 'Lo Cortez no quita lo Cabral', en la que unían humor y poesía con los temas que hicieron famosos a ambos. Por otro lado, Cabral encontró tiempo en su carrera musical para escribir 66 libros y en 1996 fue nombrado 'embajador de la paz' por la UNESCO, sin olvidar que fue nominado en un par de ocasiones al Premio Nobel de la Paz.

Fue diagnosticado a los veinte años con cáncer de huesos y los médicos le dieron unos meses de vida. Sin embargo, logró sobrevivir muchos años en los que fue inspiración para muchos. Una de sus frases más conocidas fue: "Siempre le pregunto a Dios, ¿por qué a mí tanto me diste? Me diste miseria, hambre, felicidad, lucha, luces... vi todo. Sé que hay cáncer, sífilis y primavera, y buñuelos de manzana". Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".

En julio de 2011, mientras se encontraba de gira por Guatemala, Facundo Cabral fue tiroteado por unos pistoleros desconocidos cuyo objetivo era el empresario Henry Fariña, quien conducía el coche que transportaba a Cabral y a su representante artístico al aeropuerto internacional La Aurora de Guatemala. Cabral fue alcanzado por ocho disparos y murió en el acto mientras que Fariña, aunque herido, escapó con vida.
Cabral fue, como comenta Leonardo Padrón en una extraordinaria entrevista que realizó con el cantautor: "...una suerte de sacerdote de la guitarra y la palabra, un cantor imposible de obviar de la historia musical latinoamericana. Tan sencillo y demoledor como que Facundo Cabral tenía que existir..."

20 mayo 2014

Joe Cocker


El 20 de mayo de 1944 nació en Sheffield el cantante y actor inglés Joe Cocker. Conocido por su voz rota y sus versiones de canciones populares, especialmente su versión de 'With a little help from my friends' que popularizó en 1969 en el festival de Woodstock y que se convirtió en himno de toda una generación.

La voz de Cocker -poderosa, cruda y atormentada- era ideal para cantar el blues y fue así como se hizo conocido en los años 60 y 70. Problemas personales y profesionales que podrían rivalizar con los que aparecen en numerosas letras de los blues que canta, le asediaron durante años, dando a pensar en varias ocasiones que su carrera había acabado. Sin embargo, Cocker no sólo volvió a la música, sino que, además de seguir siendo un magnífico intérprete de R&B amplió su campo y se estableció también como crooner de baladas y clásicos de las mejores plumas del rock'n'roll.

Nacido en una familia de clase trabajadora, Cocker estudió fontanería en una escuela de oficios y así se ganó la vida hasta que sus esfuerzos musicales comenzaron a rendir fruto. De adolescente, estuvo muy influenciado por la música de Ray Charles y su afición le llevó a tocar la armónica en un grupo local, The Cavaliers. Cuando, tras cambios en la formación, The Cavaliers se convirtió en Vance Arnold and The Avengers, Cocker ya era el cantante solista de la banda. En 1963 grabaron un disco con una versión de 'I'll cry instead' de los Beatles y, poco después, en Decca Records le ofrecieron un contrato para grabar en solitario. Esta aventura, sin embargo, no llegó a ninguna parte y Cocker volvió a su empleo como fontanero.

The Grease Bnd
En 1966 resurgió como líder de The Grease Band, que incluía a Chris Stainton a los teclados, Alan Spenner al bajo, Henry McCullough a la guitarra y Bruce Rowlands a la batería. Bajo la producción de Denny Cordell, firmaron con el sello Regal Zenophone. Su primer single, 'Marjorine', compuesto por Cocker y Stainton, tuvo un éxito moderado en el Reino Unido dando a conocer la poderosa voz de Cocker.

Con su segundo single, una versión lenta del éxito beatle 'With a little help from my friends' (1968) dieron en el blanco. El tema alcanzó el nº1 en las listas británicas y fue un hit en Estados Unidos y otros muchos países. Se publicó el álbum del mismo nombre en el que participaban músicos como Jimmy Page, Albert Lee y Stevie Winwood, con temas como 'Feelin' alright' y 'Just like a woman'.
La Grease Band realizó una gira por Estados Unidos en 1969, en la que se incluyó su aparición en el mítico festival de Woodstock, que terminó de disparar su fama y su imagen escénica realizando espasmódicos movimientos acompañados de muecas imposibles.


En Woodstock, Joe conoce a Leon Russell, con quien congenia inmediatamente y Russell le produce su segundo álbum, 'Joe Cocker' (1969) y le cede el tema 'Delta lady', que Leon había escrito para Rita Coolidge.

En 1970 la Grease Band se disolvió y Leon organizó una gira de 40 días por Estados Unidos en la que se involucraron más de 30 músicos, entre ellos Delaney & Bonnie y su banda, Rita Coolidge y varios miembros de Derek and the Dominoes. El tour 'Mad Dogs and Englishmen' ('perros locos e ingleses', expresión utilizada en India para denominar a los insensatos que se exponen al sol de la tarde por aquellas latitudes) fue un rotundo éxito y el álbum en directo que surgió de él fue disco de oro con hits como 'The Letter', su primer Top10 y 'Cry me a river'. Jim Keltner, uno de los tres baterías del show, comentó años más tarde que aquello fue "una interminable y salvaje fiesta"

Cocker en 1972
La carrera de Russell se benefició en gran medida con el éxito de la gira y la película de la gira que se estrenó posteriormente, pero la estrella del show, Joe Cocker -que según algunas fuentes, sólo ganó 800$ con el tour-, exhausto, alcoholizado y mentalmente agotado, grabó un tema más, 'High time we went' y, tras unos meses en Los Ángeles regresó a Sheffield con su familia y se apartó de los escenarios. Tardó dos años en volver al negocio musical, esta vez con un nuevo grupo que Chris Stainton -ex de la Grease Band- había formado y con los que realizó giras por Estados Unidos y Europa. Publicaron los temas 'Midnight rider' y 'Woman to woman', recogidos en el álbum, también llamado 'Joe Cocker' (1972).

Pero su abuso del alcohol había deteriorado su voz, lo que añadido a disputas legales y un arresto por posesión de marihuana en Australia (fue deportado 48 horas después) no beneficiaron su vuelta a los escenarios. Cocker persisitió y en 1975 volvió al Top10 americano con una balada co-escrita por Billy Preston, 'You are so beautiful'. El resto de la década vagó de una compañía a otra poniéndose en manos de diferentes productores y autores y publicando trabajos irregulares como 'Jamaica Say You Will' (1975), 'Stingray' (1976) y 'Luxury you can afford' (1978).

En 1982 obtuvo otro hit significativo con el dueto que realizó con Jennifer Warnes cantando el tema 'Up where we belong', perteneciente al popular film 'Oficial y Caballero'. El single fue nº1 en Estados Unidos y un hit en medio mundo, descubriendo muchos, que Cocker seguía vivo y, en cierto modo, en forma. Este éxito llevó a los mánagers de Cocker a cambiar su imagen de viejo bluesman alcohólico a la de moderado y educado crooner. Su álbum 'Sheffield Steel' fue favorablemente acogido por un sector de la audiencia que celebraba la vuelta del veterano cantante. Otros, los más puristas, no veían con buenos ojos su trasvase al mundo pop.

En 1986 obtuvo otro gran éxito espoleado por otra película, '9 semanas y media' con 'You can leave your hat on', de Randy Newman, uno de los autores favoritos de Cocker. Tras pasar por varios sellos discográficos en los que publica un sólo álbum, en 1987 Cocker firma con Capitol Records, donde permanecerá hasta 1992, publicando los álbumes 'Unchain My Heart' (1987), 'One Night of Sin' (1989) y 'Night Calls' (1992). En 1994 inauguró con su actuación el Festival de Woodstock 94, siendo muy bien recibido como uno de los pocos supervivientes de la primera edición de 1969.


Otros grandes temas grabados por Cocker en los años 90 fueron 'Have a little faith in me', 'Summer in the city' y 'Don't let me be misunderstood'.

Tras nuevos años en silencio, Cocker volvió en 2004 en plena forma con el álbum 'Heart & Soul', que incluía versiones de temas de McCartney ('Maybe I'm amazed'), Lennon ('Jealous guy') y James Taylor ('Don't let me be lonely tonight'). En 2007 se publicó 'Hymn For My Soul', que hizo el álbum nº 20 de su carrera, con más versiones como 'You haven't done nothing' de Stevie Wonder o 'Long as I can see the light' de John Fogerty.

Ese mismo año participó con 'Come together' en la película 'Across the Universe'. En 2010 apareció 'Hard Knocks', un álbum en el que sólo incluyó una versión de un tema de las Dixie Chicks ('I hope'). El resto son temas originales e inéditos producidos por Matt Serletic. El álbum fue nº1 en Alemania y no se publicó en Estados Unidos hasta enero de 2012.
Su último trabajo publicado fue 'Fire It Up', que apareció en Europa en noviembre de 2012 con el mismo equipo de producción.
Joe Cocker murió tras una larga enfermedad en diciembre de 2014 a los 70 años.

14 mayo 2014

Jack Bruce


El 14 de mayo de 1943 nació en Bishopbriggs el músico escocés Jack Bruce, cantante, compositor y renombrado bajista de jazz, rock y clásica, siendo también un destacado chelista y armonicista considerado uno de los mejores bajistas de todos los tiempos.

Hijo de músicos que cambiaban frecuentemente de residencia, Jack asistió en su infancia a 14 escuelas diferentes. Ya adolescente, ganó una beca de estudio de cello y composición en la Royal Scottish Academy de Música y Drama, y mientras tocaba en la Jim McHarg's Scotsville Jazzband para mantenerse a sí mismo. Sin embargo, la academia desaprobaba que sus estudiantes tocaran jazz: "se dieron cuenta", le contó Bruce al corresponsal y músico Jim Macnie, "y me dijeron 'o lo dejas, o dejas la universidad'. Así que dejé la universidad."

Baker, Bruce y Clapton: la 'crema'
Gran vocalista y compositor de varios temas que ya son clásicos del rock, tras tocar con Alexis Korner y los Bluesbreakers de John Mayall, fundó en 1966 junto a Eric Clapton y Ginger Baker el power-trio Cream, el primer supergrupo de la historia con la 'crema' y nata de los músicos de blues rock de los sesenta. En tres años publicaron cuatro álbumes con un contenido híbrido de blues-rock, hard-rock y psicodelia, fundamentales para el desarrollo futuro del género. Bruce aportó al grupo, con letras de Pete Brown, temas como 'Sunshine of your love', 'White room''I feel free', 'Politician' y 'N.S.U.'

Tras la experiencia con Cream que, entre otras cosas, acabó por las pésimas relaciones y las violentas discusiones que mantenía con Ginger Baker, Jack publicó su primer álbum en solitario, 'Songs From a Tailor', que incluía uno de sus temas más conocidos, 'Theme from an imaginary western'. El álbum fue un hit, pero tras una breve gira de promoción secundado por Larry Coryell y Mitch Mitchell, Bruce se unió a la banda de jazz fusion Lifetime, liderada por el baterista Tony Williams con el organista Larry Young y el guitarrista John McLaughlin.

Jack Bruce y Leslie West
Bruce grabó con ellos su segundo álbum, 'Turn it Over', que no logró despertar la atención y en 1971 la banda se disolvió. Ese mismo año apareció en Estados Unidos el álbum 'Things We Like' que Bruce grabó en 1968, cuando aún formaba parte de Cream. Contenía ocho temas instrumentales de jazz y contó con la colaboración de Jon Hiseman a la batería, John McLaughlin a la guitarra y Dick Heckstall Smith a los saxos. Unos meses más tarde se publicó su tercer álbum, 'Harmony Row' y en 1972 formó el trío 'West, Bruce & Laing' con Leslie West y Corky Laing. Publicaron dos álbumes de estudio y uno en directo antes de separarse en 1974.


Ese mismo año se publica su cuarto álbum de estudio, 'Out of the Storm' y colabora en el tema 'Apostrophe' de Frank Zappa. Un año antes había grabado el bajo en la mayoría de los temas del álbum 'Berlin' de Lou Reed.

En 1977 formó una nueva banda con el baterista Simon Phillips y el teclista Tony Hymas. Grabaron un álbum 'How's Tricks' que fue un fracaso comercial y un año después, su secuela, 'Jet Set Jewel', fue rechazada por la discográfica y le rescindieron el contrato. En 1979 realizó giras con la Mahavishnu Orchestra, donde conoció a Billy Cobham, con quien formaría nueva banda en 1980, Jack Bruce and Friends, que contaba asimismo con el guitarrista Clem Clempson y el teclista David Sancious. Publicaron el álbum 'I've Always Wanted To Do This' y realizaron una gira mundial de promoción. Sin embargo, de nuevo, el álbum no triunfó comercialmente y el grupo se separó.

G. Moore, Jack Bruce y G. Baker
En 1983 comenzó a colaborar con el productor de música latina Kip Hanrahan con quien grabó una serie de álbumes ('Desire Develops an Edge' (1983), 'Vertical's Currency' (1984), 'A Few Short Notes from the End Run' (1986), 'Exotica' (1993) y 'All Roads Are Made of the Flesh' (1995)muy bien recibidos por la crítica. El año 1993, superadas sus diferencias, vuelve a grabar con Ginger Baker y, junto con Gary Moore, forman el trío BBM (Baker, Bruce, Moore), que publica un único álbum, 'Around the Next Dream'. Fue top5 en el Reino Unido, sin embargo, las viejas rencillas surgieron de nuevo entre Bruce y Baker y el proyecto finalizó unos meses después de nacer.

Jack colaboró y grabó con músicos de diversos géneros: (jazz, heavy rock, blues, fusion, R&B y 'third stream') Larry Coryell, Mike GibbsDick Heckstall-SmithMick TaylorCarla BleyRobin Trower, Charlie Watts, Gary Moore y Rory Gallagher, entre otros. En 2001 Bruce formó una banda usando la sección rítmica cubana de Hanrahan para grabar dos álbumes 'Shadows in the Air' (2001) y 'More Jack than God' (2003), ambos asimismo producidos por Hanrahan. 

Bruce, Baker y Clapton en 2005
También formó parte junto a Peter Frampton entre 1997 y 2000 de la All Starr Band de Ringo, en la que interpretó los éxitos de Cream. En 2003 sufrió un trasplante de hígado del que se recuperó, y dos años después se celebró una reunión de Cream. Clapton, Bruce y Baker realizaron en mayo de 2005 una serie de conciertos memorables en el Royal Albert Hall londinense y el Madison Square Garden de Nueva York.

En 2011, con motivo de las celebraciones del 60 aniversario del Royal Festival Hall, Bruce tocó con su Big Blues Band y con Joe Bonamassa como invitado especial. Siguió ofreciendo conciertos con su banda por el Reino Unido y por Europa y posteriormente colaboró con Phil Manzanera en La Habana (Cuba). El mes de marzo de 2014 apareció su último trabajo: 'Silver Rails'. Murió en octubre de 2014 a los 71 años.

03 mayo 2014

Pete Seeger


El 3 de mayo de 1919 nació en Nueva York, Pete Seeger, músico de folk y una figura fundamental del folk revival de mediados del siglo pasado. En los años cuarenta ya era un artista habitual de las radios nacionales y a principios de los cincuenta tuvo varios hits con el grupo The Weavers, como 'Goodnight Irene', que fue nº1 durante trece semanas. Seeger resurgió en los sesenta como cantante protesta defendiendo el desarme internacional, los derechos civiles y la conservación del medio ambiente.

Popularizó el banjo de cinco cuerdas y como compositor es conocido por ser autor o coautor de varios clásicos:  'Where have all the flowers gone?', que fue un hit para Kingston Trio, Marlene Dietrich (1962) y Johnny Rivers (1965); 'If I had a hammer' fue a su vez éxito para Peter Paul & Mary (1962) y Trini López (1963) y 'Turn, turn, turn' que popularizaron los Byrds y Judy Collins (1965). Pete fue para muchos, la mezcla de santo, propagandista y héroe cuya generosidad y camaradería con sus audiencias alrededor del mundo fue correspondida con afectuosidad por las personas a las que entretuvo e inspiró.

Woody Guthrie y Pete Seeger
Pete conoció bien joven a los amigos de su padre, entre ellos dos de los más famosos músicos folk de la era de la Gran Depresión, Huddie 'Leadbelly' Ledbetter y Woody Guthrie. Fue éste último el que se convirtió en mentor de Seeger, quien comenzó a acompañar a Woody en sus giras. Juntos cantaron para los obreros en lucha, los agricultores en paro y mostraron su apoyo al partido comunista, así como a otros movimientos y organizaciones izquierdistas.


"Sé que no era la mejor manera de conseguir un trabajo; cantar para el partido comunista" declaró Seeger al Philadelphia Inquirer, "es algo que hice porque pensé que era lo que debía hacer en aquel tiempo. Y con los años te das cuenta que hacer lo que piensas, siempre acaba siendo lo correcto". Fue un ferviente defensor de la causa republicana en la Guerra Civil española y en 1943 grabó un álbum de 78rpm llamado 'Songs of the Lincoln Batalion que incluía canciones como 'Jarama valley' y 'Viva la quince brigada'.

The Weavers
Tras la II Guerra Mundial, en la que sirvió entreteniendo a las tropas desplegadas en el Pacífico, formó en 1948 el cuarteto The Weavers. Una década antes del llamado folk revival de los años sesenta, los Weavers posicionaron varias de sus canciones en las listas pop, como 'On top of old Smokey' y 'Goodnight Irene'. Cuando se inició la 'guerra fría', el grupo y Seeger en particular se enfrentaron a una Administración hostil en la Casa Blanca. En la calle, según aumentaba el sentimiento anticomunista, cualquier concierto de los Weavers se podía convertir de repente en una batalla campal entre 'patriotas' y lo que éstos consideraban 'sucia escoria roja antiamericana'. Centenares de asistentes a los conciertos sufrieron las consecuencias, así como Seeger y su propia familia.

Pete ante el Comité
Un año después de certificar ventas superiores a los cuatro millones de copias, los Weavers se encontraban en la lista negra de McCarthy clasificados como simpatizantes comunistas. Seeger fue llamado ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1955 para ser interrogado acerca de sus actividades con grupos izquierdistas. Se negó a responder y fue condenado por obstrucción al Congreso con una pena de diez años de prisión, pena que fue revocada en 1962 tras una apelación. Sin embargo, siguió incluido en la lista negra, vetado en radio y TV, lo que no impidió a Seeger continuar con su carrera cantando allí donde era bienvenido y escribiendo numerosas canciones y libros sobre música.

Presentando a Dylan en Newport
El nuevo aire de cambios sociales, políticos y musicales que surgió en los años sesenta favoreció el resurgimiento popular de Pete Seeger. Las nuevas generaciones habían acogido favorablemente la pasión y la simplicidad de los mensajes de la música folk y Seeger fue uno de los organizadores y artistas principales del prestigioso festival de Newport. Tras estar prácticamente acabado unos años atrás bajo el yugo del senador McCarthy, Pete cosechaba finalmente el respeto por su lucha y por su música.


En un encuentro con el compositor cubano Héctor Angulo en 1962, éste le enseño a Pete la canción 'Guantanamera', una guajira de Joseíto Fernández, en la que se habían introducido versos de José Martí. A Seeger le encantó y la incorporó a su repertorio llevando 'Guantanamera' a más de 35 países y haciéndola universal. También es responsable en gran medida de dar a conocer, junto a Joan Baez y otros activistas sociales, el espiritual 'We shall overcome', que se convirtió en el himno del movimiento americano por los derechos civiles.

Con los grupos activistas pro-derechos sociales cantando 'We shall overcome' y manifestantes contra la guerra entonando 'Where have all the flowers gone?', Seeger se vio realizando el papel de quien había sido su mentor, Woody Guthrie, ejerciendo una influencia similar en la conciencia social popular. Aunque estuvo ausente de la TV estadounidense más de diez años, Seeger se convirtió en un invitado favorito de numerosas universidades y todo tipo de festivales folk al aire libre. Ya en 1965 comenzó a desarrollar campañas para la preservación del medio ambiente, especialmente del río Hudson, en cuyo honor escribió y cantó 'That lonesome valley'.

Siguió ofreciendo conciertos por todo el mundo con su música y sus canciones, que él mismo definía como "aquellas que se aprenden de oído". En los años noventa le fue concedida la Medalla de Honor de las Artes y obtuvo un Grammy por su álbum 'Pete'. El año 2009 docenas de músicos se reunieron en el Madison Square Garden para celebrar el 90 cumpleaños de Pete y todos cantaron juntos la canción. Entre ellos se encontraban Dave Matthews, John Mellencamp, Billy Bragg, Bruce Springsteen, Tom Morello, Eric Weissberg, Ani DiFranco, Roger McGuinn, Joan Baez, Richie Havens, Tom Paxton, Ramblin' Jack Elliott y Arlo Guthrie.

Pete y Bruce Springsteen
En abril de 2013 se publicó un audiolibro llamado 'Pete Seeger: The Storm King. Stories, Narratives, Poems'. Concebido y producido por el percusionista Jeff Haynes, presenta a Seeger contando historias y anécdotas de su vida acompañado de un fondo musical que ejecutan más de 40 músicos de diversos géneros. Fue llamado 'la llave de afinar América' y 'la encarnación del folk tradicional nativo'. La frase que grabó en su banjo: "ésta máquina rodea el odio y lo fuerza a rendirse", resume a la perfección la esencia de su mensaje musical.

Murió a los 94 años el 27 de enero de 2014 y una de las voces que lloraron su muerte fue la del presidente Barack Obama: "A lo largo de los años, Pete usó su voz como un martillo para exigir derechos civiles, paz en el mundo y para conservar el medio ambiente, invitándonos siempre a unirnos a él en sus canciones. Por recordarnos de dónde venimos y por mostrarnos el camino a seguir, le estaremos siempre agradecidos".

02 mayo 2014

Lesley Gore


El 2 de mayo de 1946 nació en Brooklyn, Nueva York la cantante norteamericana Lesley Gore, de la época de los 'grupos de chicas' a principios y mediados de los sesenta. Su primer disco, grabado teniendo Lesley sólo 16 años, 'It's my party', se convirtió en su mayor éxito alcanzando el nº1 de las listas y vendiendo más de un millón de copias. Le siguieron otros éxitos magníficamente producidos por un joven Quincy Jones, hasta que la llegada de la psicodelia a finales de la década sustituyó las preferencias musicales de los jóvenes.

Lesley y Michael con sus padres
Lesley fue la hija mayor de Leo y Ronny Gore. Cuando cumplió los cinco años la familia dejó Nueva York y se instaló en Tenafly, un tranquilo suburbio de clase media, donde Lesley y su hermano Michael pasaron la infancia. Ambos mostraron ya desde pequeños un gran interés por la música. Antes de que pudiera leer, identificaba entre los singles de 45rpm sus canciones favoritas guiándose por el color de las 'galletas'. Los padres, impresionados por el interés de su hija por la música, ahorran el dinero suficiente para enviar a Lesley a un profesor de canto profesional. Muy pronto Gore adquirió la experiencia suficiente como para atreverse a actuar en público y con la banda de un primo suyo comenzó a cantar profesionalmente. En una de sus actuaciones, en el hotel Prince George, coincidió entre los asistentes el presidente de Mercury Records, Irving Green, el cual, impresionado con la voz de Gore, le firma un contrato con su sello. Seguidamente la pone en manos de Quincy Jones, un joven productor, que en aquel momento era el director artístico de Mercury Records.

Canciones con historia: 'It's My Party'

El productor Quincy Jones desea darle una oportunidad a Lesley Gore, una joven neoyorquina de diecisiete años, cuya voz encaja perfectamente en la canción que una agencia le había ofrecido. El 30 de marzo se efectúa la grabación con la aún desconocida adolescente en el estudio de Jones. Esa misma noche, Quincy asiste a un concierto de Charles Aznavour, donde casualmente se cruza con su colega Phil Spector. Éste se encuentra de un humor magnífico y le confiesa: "Estoy produciendo un tema con The Crystals, que va a ser un bombazo. Es lo mejor que he escuchado hace tiempo. Se llama 'It's my party'".  

Quincy no lo puede creer. Es la misma canción que acaba de grabar hace unas horas con Lesley Gore. La agencia se la ha debido ofrecer también a Spector, pero Quincy calla y desea suerte a Phil. Jones sale del concierto de Aznavour antes de lo previsto. Sabe que ahora tiene que ser más veloz que Spector. Al día siguiente, un domingo por la mañana, se sienta en su estudio y realiza decenas de copias de 'It's my party', que envía inmediatamente a todas las emisoras del país.


El buen ojo de Spector se demostró acertado, ya que las radios comenzaron a emitir el tema, que, en versión de Lesley Gore, fue nº1 y millonario en ventas en 1963.

Quincy Jones, Millie Small y Lesley Gore
Con ese hit y los que siguieron, Quincy Jones comenzó a cimentar su larga carrera como uno de los productores norteamericanos más importantes. Su trabajo con Lesley Gore, más la colaboración de Claus Ogrmann, el encargado de los arreglos orquestales, fue fundamental en su aprendizaje. Los siguientes hits de Lesley fueron 'Judy's turn to cry', una secuela de 'It's my party', 'She's a fool' y 'You don't own me', todos ellos Top5 en 1963.

Todavía logró un par de Top20 con 'That's the way boys are', 'Maybe I know' (1964) y 'Sunshine, lollipops and rainbows' (1965).Cuando sus discos dejaron de venderse, se intentaron varias estrategias de marketing para mantener a Gore en la primera línea. Apareció en películas como 'Girl Talk', 'Ski Party' y encarnó en un par de episodios al personaje Pussycat en la serie de TV 'Batman'. En 1967 tuvo su último Top20 en las listas, 'California nights'. A pesar de las numerosas ofertas para el cine y la TV que recibió, Lesley prefirió matricularse en el Sarah Lawrence College de Nueva York, lo que sólo le dejaba tiempo los fines de semana para actuaciones, y esto frenó notablemente su carrera musical.

A pesar de ello siguió siendo popular en EEUU y Canadá y continuó cantando y componiendo. En 1980 compuso con su hermano Michael varios temas para la banda sonora de la película musical 'Fame', como 'Out here on my own', que fue un top20 para Irene Cara y recibió una nominación al Oscar. Lesley grabaría su propia versión en 2005 en su álbum 'Ever Since'.

En 1996 se estrenó una película dirigida por Allison Anders basada en el mundillo de la música pop de principios de los sesenta, 'Grace of my Heart'. El papel de la protagonista está en cierto modo basado en Carole King. Para la película Gore co-escribió el tema 'My secret love'. En ella aparece otro personaje -encarnado por Bridget Fonda- con dudas sobre su sexualidad, que hace referencias a Lesley Gore, la cual -aunque sus preferencias sexuales eran sobradamente conocidas- terminó 'saliendo del armario' oficialmente en 2005, confesando que llevaba más de 23 años viviendo con su pareja. Ese mismo año publicó un nuevo álbum, 'Ever Since' -el primero desde 1982-, con temas nuevos, algunos de los cuales fueron incluidos en varias series de TV como 'CSI Miami' y 'L'. Gore  murió el 16 de febrero de 2015 a los 68 años.