03 octubre 2016

Danny O’Donoghue


Hoy cumple 36 años el músico y cantante irlandés Danny O'Donoghue, líder y voz solista del grupo irlandés de rock alternativo The Script. Nacido en Dublín, en su adolescencia trabó amistad con el guitarrista Mark Shehan, con el que compartía su pasión por la música negra norteamericana.

Su primera inspiración fue Stevie Wonder. Procuró 'calcar' cada una de las interpretaciones del artista de Motown, para así tratar de adoptar su estilo vocal. "Intenté cantar a capella todos sus discos, incluso los arreglos de cuerda. A muchos cantantes se les vislumbra un instrumento en su voz. Amy Winehouse, por ejemplo era un saxofón. Mi instrumento es el violín. Con el vibrato se pueden llegar a transmitir sentimientos profundos"

The Script: Glen, Danny y Mark
Poco tiempo después de comenzar a trabajar juntos como compositores y productores, fue descubierto su talento y fueron requeridos en Estados Unidos para trabajar con artistas que hacía poco habían servido como modelos de Danny y Mark. Entre ellos, Dallas Austin, Teddy Riley, The Neptunes y Rodney Jerkins. Produjeron numerosos trabajos para otros artistas hasta que conocieron al batería de sesión Glen Power, asímismo originario de Dublín-, con el que fundaron The Script.

The Script
El single debut de la banda fue 'We cry', (2008) un hit en las listas inglesas e irlandesas. Ese mismo año publicaron su primer álbum, 'The Script'. Siguieron con los sencillos 'The man who can't be moved', 'Breakeven'-su mayor éxito en USA hasta la fecha-  y 'For the first time', nº1 en Irlanda y Top5 en el Reino Unido, contenido en su segundo álbum, 'Science & Faith', publicado en septiembre de 2010.
Su tercer álbum '#3', que vino precedido por el single 'Hall of fame', salió a la venta en el Reino Unido el mes de septiembre de 2012. Ese mismo año comenzó a trabajar como coach en el programa de talentos de la televisión británica 'The Voice UK', tarea que abandonó un año después para concentrarse en su trabajo con The Script. En septiembre de 2014 se publicó el cuarto álbum de la banda, 'No Sound Without Silence'

Jake Shears


38 años cumple hoy el cantante pop norteamericano Jake Shears, uno de los vocalistas del grupo Scissor Sisters. Creció en Seattle y a los 19 años viajó a Lexington (Kentucky) donde conoció a Scott Hoffman con el que congenió de inmediato. Ambos se trasladan a Nueva York y allí Jake -que es abiertamente homosexual- escribe para varias revistas gay y redacta la crítica musical del 'Paper magazine'.

En 2001 Shears y Hoffman (guitarra), cuyo nombre artístico es 'babydaddy', forman el grupo Scissor Sisters (Las hermanas tijera, haciendo referencia a una postura sexual entre lesbianas), junto con Ana Matronic (voz), Del Marquis (bajo) y Paddy Boom (batería). Durante unos años actúan por Nueva York desarrollando un directo espectacular con bailes provocativos y apareciendo semidesnudos en escena.

Jake Shears y Ana Matronic
No en vano Shears, cuando no había otra cosa, había estado trabajando de chico go-go en bares de striptease gay. La banda por supuesto se hizo muy popular en el circuito de gay y lesbianas de Nueva York, pero no tenían mucho éxito comercial. Por fin, en 2004 llaman la atención en las emisoras británicas con su versión del tema de Pink Floyd 'Comfortably numb' 

Scissor Sisters
Así que con la edición de su primer álbum 'Scissor Sisters' encuentran su público en Irlanda y el Reino Unido -donde resulta ser el disco más vendido del año-- y son la sensación de los BRIT Awards de 2005, ganando las tres categorías internacionales: Mejor álbum, mejor grupo y mejor debut. Otros temas del álbum incluyen 'Filthy/Gorgeous', 'Take your mama' y 'Mary'.
Desde entonces han publicado los álbumes 'Ta-Dah' (2006) y 'Night Work' (2010) con hits como 'I don't feel like dancin'' y 'Fire with fire'. Su última entrega discográfica hasta la fecha ha sido 'Magic Hour', publicado en mayo de 2012, cuyo primer single fue 'Only the horses', que alcanzó el puesto nº 12 de las listas británicas.
En octubre de 2012 el grupo anunció una pausa indefinida y un año después Ana Matronic insistió en que aunque inactiva, la banda no se había separado. En septiembre de 2013 se publicó el álbum de Cher 'Closer To The Truth', en el que se incluye un duó de la cantante con Jake Shears: 'Take it like a man'.

Gwen Stefani


Hoy cumple 47 años la cantante, compositora, diseñadora de moda y actriz estadounidense Gwendolyn Renée Stefani Flynn, más conocida por Gwen Stefani. Debutó como cantante en 1986 y alcanzó la fama con el tercer álbum de estudio de la banda No Doubt titulado 'Tragic Kingdom'. De este se lanzó, entre otros, el sencillo 'Don't Speak', nº1 en varios países, el mayor éxito comercial de la banda y uno de los más reconocidos en la historia del pop.


Los siguientes álbumes del grupo fueron 'Return of Saturn' (2000) y 'Rock Steady' (2001), que incluían influencias de reggae y dance, con temas como 'New', 'Ex-girlfriend', 'Simple kind of life', 'Hey baby', 'Hella good' y 'Underneath it all'. En 2003 publicaron un álbum recopilatorio de singles en el que incluyeron una versión del tema de Talk Talk 'It's my life', a modo de despedida, ya que la banda se separaría poco después y Gwen comenzaría su carrera en solitario.

El primer álbum de Gwen como solista fue 'Love. Angel. Music. Baby.' apareció en noviembre de 2004 y estaba inspirado en la música de los 80. Tuvo gran acogida mundial y llegó a ser uno de los álbumes más vendidos de 2005, con temas como 'What you waiting for?', 'Rich girl', 'Cool', 'Luxurious' o 'Crash'.  El tercer sencillo editado del álbum titulado 'Hollaback girl', fue certificado por la RIAA como la primera canción en llegar al millón de descargas digitales.

Su segundo trabajo como solista se tituló 'The Sweet Escape', publicado en diciembre de 2006, del cual se lanzaron cinco sencillos, entre ellos, el que dio título al álbum, por el que fue nominada a cuatro Grammys, obteniendo el de 'Mejor intérprete femenina pop'. Sus ventas globales incluyendo a la banda No Doubt superan los 50 millones de álbumes.
El año 2008 se produjo la reunión de No Doubt y tras una gira mundial realizada en 2009, se pusieron a trabajar en su sexto álbum, 'Push and Shove', aparecido finalmente en septiembre de 2012, precedido por el single 'Settle down'. Seguidamente, aprovechando una nueva pausa de la banda, Stefani trabajó como coach en el programa de talentos 'The Voice' en la televisión estadounidense. En febrero de 2013 la banda volvió a actuar y tras un nuevo descanso, en mayo de 2015 anunciaron nueva gira y nuevo álbum, coincidiendo con la publicación del single de Stefani 'Baby don't lie', un adelanto de su nuevo álbum en solitario. 'This Is What the Truth Feels Like' publicado en marzo de 2016.

Lindsey Buckingham


Hoy cumple 69 años el cantante, compositor y multi-instrumentista nacido en Palo Alto (California) Lindsey Buckingham, conocido por su paso por la veterana banda Fleetwood Mac, a la que insufló nueva vida y contribuyó a su mejor etapa comercial con muchas de sus composiciones como 'Go your own way', 'Second hand news' o 'Tusk'. Por otro lado, Lindsey ha mantenido una interesante carrera en solitario.

Lindsey creció escuchando los discos de Little Richard, Buddy Holly y Elvis Presley que pertenecían a su hermano mayor. De niño practicaba en una guitarra de juguete hasta que le compraron una auténtica. Más tarde desarrolló su talento acompañando en su casa los discos del trío folk The Kingston Trio y recibió grandes influencias de los Beach Boys. Antes de dejar la high school ya estaba cantando y tocando en un grupo llamado Fritz. Aunque su familia también era una apasionada del deporte (su hermano fue recordman mundial de natación) y Lindsey tenía gran futuro como jugador de water-polo, lo dejó todo por la guitarra y el rock and roll.

Fue en Fritz donde poco más tarde conoció a Stevie Nicks que se incorporó como cantante al grupo. Ambos iniciaron una relación romántica y comenzaron a componer juntos. Cuando la banda se disolvió, la pareja dejó la bahía de San Francisco para trasladarse a Los Angeles donde se presentaron como dúo folk. Tras un par de años de trabajo logran firmar con Polydor y publican en 1973 su primer álbum 'Buckingham/Nicks' que pasa inadvertido.

Por aquel tiempo el grupo británico Fleetwood Mac había perdido a su guitarrista Bob Welch y estaban buscando un sustituto. También estaban buscando estudio de grabación por lo que cuando Mick Fleetwood visitó los estudios Sound City en California, los técnicos le pusieron como muestra de su sonido y su trabajo el recién grabado álbum de Buckingham y Nicks. Cuando Mick escuchó la guitarra de 'Frozen love', supo que habían hallado al que iba a reemplazar a Welch. Una vez puestos en contacto Lindsey aceptó la oferta, con una condición: en el paquete se incluía a Nicks. O los dos o ninguno.

Su primer trabajo con los Mac fue 'Fleetwood Mac' con el que el grupo de blues fundado por Peter Green en los años sesenta en Inglaterra cobraba nueva vida y una nueva dirección musical en la California de los setenta. La nueva formación quedó con Mick Fleetwood a la batería, John McVie al bajo, Christine McVie a los teclados, Lindsey Buckingham a la guitarra y Stevie Nicks como vocalista.

Su segundo álbum con la nueva formación, 'Rumours' mostraba más protagonismo de Buckingham en la producción y con temas escritos por él como 'Go your own way' y 'Second hand news', el álbum fue ganador de un Grammy, nº1 en Estados Unidos y el Reino Unido y ha llegado a vender más de 40 millones de copias en el mundo. La grabación de 'Rumours' fue también el escenario de la ruptura de dos parejas, Christine y JohnMcVie por un lado y Lindsey y Nicks por otro. A pesar de ello, continuaron trabajando juntos y grabando álbumes como 'Tusk', en el que Buckingham llevó sus experimentos rítmicos más allá, y 'Mirage' (1982), cuyo sonido no le satisfizo en absoluto. "Fleetwood Mac fue una gran escuela de capacidad de adaptación para mí. Coexistían cinco grandes personalidades y eso fue divertido por un tiempo. Pero los problemas comenzaron cuando a la escena se le añadieron cinco mánagers y cinco abogados."

Durante las sesiones de 'Tusk', Buckingham atravesó una etapa muy creativa, componiendo mucho material, por lo que le dio salida a algunas canciones a través de su primer álbum en solitario, 'Law and Order'. En él, excepto un par de temas en los que recibe ayuda de sus compañeros Mick Fleetwood y Christine McVie, Lindsay toca todos los instrumentos. Se extrajo el single 'Trouble', el único Top10 de su carrera. En 1984 Fleetwood Mac se tomó un descanso, entre otras cosas, porque Stevie Nicks disfrutaba de un momento dulce en su carrera en solitario y Buckingham lo aprovechó para grabar su segundo álbum, 'Go Insane', en el que, de nuevo, Lindsey toca todos los instrumentos.


Permaneció haciendo giras con Fleetwood Mac hasta la publicación de 'Tango in the Night'. "Quise despedirme con algo más significativo que 'Mirage'. Esta banda ha logrado cosas increíbles y pensé que 'Mirage' no era la mejor manera de decir adiós". Aunque una de sus canciones del álbum, 'Big love', fue un hit, Buckingham abandonó el grupo, y fue sustituido por Rick Vito y Billy Burnette.

Lindsey pasó la mayor parte de los siguientes cinco años encerrado en el estudio y preparando su tercer álbum en solitario. 'Out of the Cradle' fue publicado en 1992 y recibió críticas muy positivas, pero el éxito comercial no era comparable al que tenía con Fleetwood Mac. Ese mismo año se reunió excepcionalmente y para la ocasión con sus compañeros de Fleetwood Mac a instancias del presidente Clinton quien había usado la canción 'Don't stop' en su campaña para la presidencia. Cinco años después se reunieron más seriamente para grabar el directo 'The Dance' y hacer una gira mundial tras la cual Christine McVie abandonó el grupo definitivamente.

Lindsey continuó con Fleetwood Mac y en 2003 publicaron el 17º álbum de la banda, 'Say You Will'. Desde entonces y sin abandonar Fleetwood Mac, que sigue en activo como cuarteto, Buckingham ha publicado tres álbumes más en solitario: 'Under the Skin' (2006), 'Gift of Screws' (2008) y 'Seeds we sow', publicado en 2011.
En abril de 2013 se publicó nuevo material de Fleetwood Mac compuesto por Buckingham en un EP de cuatro canciones llamado precisamente 'Extended Play'. El mismo año realizaron una gira por Norteamérica y Europa. En el concierto de Londres, celebrado el 25 de septiembre, tras 15 años fuera del grupo, Christine McVie se unió a ellos para cantar 'Don't stop'. Esto debió despertar en ella el gusanillo ya que en enero de 2014 se anunció su vuelta a la banda que, de nuevo con la formación clásica de los años setenta está preparando nuevo álbum cuya publicación está prevista para verano de 2017, coincidiendo con una gira mundial.

Steve Reich


Hoy cumple 80 años el compositor estadounidense Stephen Michael 'Steve' Reich nacido en Nueva York en 1936. Hijo de un abogado y una pianista separados, creció en California y fue su padre quien le insistió en que estudiara piano desde su más temprana edad, y así lo hizo, uniendo las influencias del jazz, la música barroca y algunos contemporáneos. Quedó realmente sorprendido por Stravinsky, Bach, Debussy y Perotin, y, a los 14 años forma su primer quinteto, entusiasmado con los músicos de jazz que sonaban por ese tiempo.

En 1957 se gradúa en la Cornell University con honores en Filosofía, y del 58 al 61 estudia en la Juilliard, teniendo como profesores a William Bergsma y Peter Persichetti. Allí conoce a otro estudiante, un avanzado y renovador de la música, Philip Glass, con el que entabla una gran amistad, que les llevará a trabajar juntos, pero por poco tiempo, aunque esto será significativo ya que sus carreras posteriores guardan una estrecha relación de estilo.

El jazz es una parte importante en la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su obra fueron los vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz sola con poco vibrato y otras alteraciones, fue una inspiración en sus primeras obras. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como «tocando muchas notas con pocas armonías», también le influyó, en especial el LP «Africa/Brass», que «era básicamente media hora en Fa».
La influencia del jazz incluye sus raíces, y Reich también estudió la música de África del oeste en sus lecturas y en una visita que hizo a Ghana. Otras influencias importantes fueron Kenny Clarke y Miles Davis, así como otros artistas visuales amigos suyos como Sol Lewitt y Richard Serra.

Considerado por muchos “el mejor compositor americano aún vivo”, Steve Reich, es, sin duda, un nombre imprescindible para la música contemporánea actual y para muchos otros géneros que le guardan un considerable respeto y le tienen como una importante influencia. Reich conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass, representa fielmente esa estética –notación agrupada en racimos de pocos elementos, repetidos y variados insistentemente durante minutos, dando esa sensación ya familiar de economía de recursos y efecto hipnótico–, sin olvidar el aderezo exótico –Reich ha introducido en numerosas ocasiones elementos de la música del sudeste asiático, principalmente el gamelan de Bali– ni tampoco una vocación urbana y un swing que, de una forma muy peculiar, le equipara a titanes de la música americana de la primera fase del siglo pasado como Gerswhin.

En el año 64 oye el “In C”, de Terry Riley, y queda muy impresionado. Inspirado por éste, grabará en 1965 una de sus piezas más famosas y, desde luego, innovadoras, “It´s gonna rain”, en donde lo único que se oye durante largos minutos es la voz del predicador Brother Walter repitiendo insistentemente estas tres palabras, en un “loop out of phase” (terminología reichiana), que rompe esquemas.


En “Come out” (1966) se repite el sistema anterior, pero esta vez basándose en unos disturbios callejeros que llevaron a una brutal muerte a unos jóvenes de color.

Pendulum Music
“Pendulum music” (1968)  aparece con una nueva y original técnica del autor: dejar un micrófono suspendido en péndulo. De aquí también es “Clapping music”, una pequeña muestra donde tan solo suenan un par de manos haciendo palmas a compás.
Luego vendrían “Piano phase”, “Violin phase” (ambas del 67), y “Four organs” (1970), donde ya se respira la esencia minimalista y se empieza a utilizar la terminología del autor (phase), y en donde aparecen músicos desarrollando piezas para determinado instrumento, bien solo o acompañado (como las 2 primeras).

Gamelan libanés
Interesado en la música étnica, en los 70 decide viajar a África (al contrario de sus compañeros, que eligieron India u otros países orientales), y estudia en la Universidad de Accra, Ghana. De aquí sale: “Drumming” dividida en cuatro partes y de casi dos horas de duración (pieza de percusión, como su nombre indica, que grabó atacado por la malaria.). De 1973 a 1974, ya en los EE.UU, estudia el gamelan balinés, del que queda absolutamente prendado. Así, graba “Music for mallet instruments, voices and organs” (1973).


En 1976, aparece una de las obras maestras del autor: “Music for 18 musicians”, una extraña obra inspirada de lleno por el gamelan con aires “incistas” en el que, con su numeroso “ensemble”, consigue crear una estructura rígida, complejidad sonora, espontaneidad vocal, y un énfasis dinámico.

"Music for 18 Musicians"
Marca un punto y aparte en la carrera del compositor. “Music For 18 Musicians” comprende todo el lenguaje desgranado por Reich en piezas sueltas en una sola unidad majestuosa en la que una idea económica –ciclos repetidos de muy pocas notas– se organiza y modifica en infinitas variaciones gracias al intercambio de papeles y turnos de los 18 músicos del ensemble. Los primeros minutos y los últimos resultan ser muy diferentes entre sí, pero las transiciones constantes dan la sensación de que no ha pasado nada, que se ha estado inmerso en un único juego armónico. La influencia de “Music For 18 Musicians” en el techno ha sido crucial –aquí está, resumida y depurada, la idea de “loop”–, pero más importante aún es la consecución de Reich de una obra infinita, que podría ser tocada sin descanso sin perder, jamás, un ápice de belleza.
Del estilo e inspiración de ésta nacen otras como: “Music for a large ensemble” (1978), “Octet (eight lines)” (1979). Parte 1, y “Variations for winds, strings and keyboards” (1979).

Beryl Korot y Steve Reich
La ascendencia judía de Reich (que prácticamente estaba olvidaba tras sus tiempos de estudiante, donde practicó yoga y otras disciplinas orientales), renace cuando conoce a la que será su segunda mujer, la videoartista Beryl Korot. Ambos se casarán y viajarán a Israel en el 77 y estudiarán los cánticos y la música hebrea, y así, nace “Tehillim” (1981), una recopilación de salmos bíblicos cantados en hebreo. Tras ésta, renace el interés de sus obras iniciales por la combinación entre la música y la palabra recitada, como es “Desert music”, donde se cantan versos del poeta William Carlos Williams. Surgen de nuevo las piezas de cámara, como “Sextet” (1985),  galardonada con el Pulitzer y “New York Counterpoint” (1985, interesante versión de Bang on a Can ).


Una fantástica composición de Reich fue “Electric Counterpoint” (1987), una pieza de guitarra (eléctrica y clásica) tocada por el artista jazz Pat Metheny, que está incluida en “Different trains” (1987).

“Different Trains” es un disco clave y que siempre será nombrado cuando se hable de Reich, ya que representó todo un hito musical, al hacer que, al rato que suena la música, los diálogos surjan al tiempo, creando una melodía. Por este CD estuvo nominado al Grammy, y, como la mayoría de los de Reich, tiene una historia detrás. Esto tiene que ver con la infancia del compositor. Como se nombró antes, los padres de Reich se separaron cuando el tenía un año. Su madre se fue para Los Ángeles y su padre se quedó en Nueva York. Cuando se pusieron de acuerdo sobre la custodia, Steve tenía que viajar asiduamente de Nueva York a Los Ángeles acompañado de su niñera, de 1939 a 1942. Reich lo recuerda como unos viajes excitantes y a la vez, tediosos.

Kronos Quartet
Está interpretada por el Kronos Quartet, por aquel entonces el más radical de los grupos de cámara de la música contemporánea americana, y con el que todos los compositores minimalistas, tarde o temprano, fueron estableciendo sinergias positivas. Dividido en tres movimientos “America. Before The War”, “Europe. During The War” y “After The War”, suena a la música que debería haber utilizado Lars Von Trier en el comienzo de “Europa”, siguiendo el recorrido mesmerizante por las vías de un tren en camino hacia lo oscuro, por su simultaneidad de cuerdas tenebrosas y loops de voces que luego volverán a aparecer, maximizadas, en “City Life”. En los 90 comienza a trabajar con su mujer en el campo del video y multimedia, creándose una unión también profesional, y que crea, junto a su interés por la religión judía y la tecnología e innovación, la ópera bíblica “The cave” (1993), basada en esta antigua tradición, usada de forma muy original y novedosa, llenando el escenario de pantallas donde van apareciendo los personajes en distintas entrevistas que les realizan y que sirven de presentación y desarrollo.


Con “City life” (1995), otra colaboración en el campo del video de Reich, deja como resultado otra ópera basada en su vida y en Nueva York.

Muy experimental también, se oye la voz del predicador, sonidos callejeros (como sirenas, coches, etc., parecido a “Different trains”), y las reacciones del primer ataque que sufrió el World Trade Center de NY en 1993. También están las obras “Nagoya marimbas” (1994), y “Proverb” (1995), un encargo de Paul Hillier con texto de Wittgenstein. “Three tales”, sin embargo, es otra ópera en tres actos en los cuales se cuentan tres historias mundiales: en el primero, el choque del Zeppelín en Nueva Jersey en 1937; el segundo, las pruebas nucleares en el atolón de Bikini del año 46 al 52; y el tercero, la clonación de la oveja Dolly en 1997. Pero no sería esta la última colaboración de Reich en el campo de la imagen con su esposa. “Hindenburg” (1998), es la última ópera multimedia con Beryl Korot, basada en el uso de múltiples pantallas por el escenario (como “The cave”). Obtuvo un segundo premio Grammy en 1999, por la obra “Music for 18 Musicians”, grabada también en Nonesuch. En julio de 1999 el Lincoln Center Festival presentó una gran retrospectiva con sus obras. Un año antes, en 1988, el South Bank Centre de Londres, montó una retrospectiva similar programando varios conciertos.

"Triple Quartet"
Reich también volvió a componer trabajos puramente instrumentales para las salas de concierto, comenzando con “Triple Quartet” (1998) 1 Mov. escrito para el Kronos Quartet que puede ser interpretado tanto para cuarteto de cuerdas y cinta (tres cuartetos de cuerda) o por una orquesta de 36 instrumentos. Según Reich, la obra está influida por Bartók y los cuartetos de cuerda de Alfred Schnittke. Esta vena instrumental continuó con las obras “Dance Patterns” («Patrones de danza», 2002), “Cello Counterpoint” («Contrapunto para violoncello», 2003), y la serie de obras centrada en las variaciones: “You Are” (Variations) (2004) —un trabajo en el que vuelve de nuevo a la escritura vocal de obras como Tehillim o The Desert Music— “Variations for Vibes, Pianos, and Strings” (2005), para la London Sinfonietta) y “Daniel Variations” (2006).

Steve Reich y Sonny Rollins
En el año 2007 Steve Reich y el saxofonista Sonny Rollins fueron distinguidos con el Premio de Música Polar 2007 («Polar Music Prize»), que otorga la Real Academia Sueca, considerado el Premio Nobel de la Música. La justificación del galardón dice que Reich ha logrado «de un modo personal, e inspirado por diferentes culturas, que la variación minimalista se convierta en un universo completo de música con una sonoridad de belleza inmediata». Reich ha trasladado además cuestiones sobre la fe, la sociedad y la filosofía «a un sonido hipnótico que ha inspirado a músicos y creadores de todos los géneros».

Chubby Checker


Hoy cumple 75 años el cantante norteamericano Chubby Checker, -de nombre real Ernest Evans- nacido en Philadelphia (Pennsylvania). Con ocho años ya formaba parte de un grupo vocal callejero y en la high school aprendió a tocar el piano y entretenía a sus compañeros de clase haciendo imitaciones de famosos.

Más tarde en sus diversos trabajos -entre ellos en un supermercado y una granja avícola- seguía realizando pequeñas actuaciones para sus compañeros de trabajo. Uno de sus jefes, que conocía a un compositor de Cameo-Parkway Records le arregló una prueba de grabación y en 1959 ya tuvo ocasión de publicar su primer disco, 'The Class', en el que demostraba sus dotes de imitador interpretando la canción infantil 'Mary had a little lamb' al estilo de Fats Domino, Frankie Avalon, Elvis Presley y los Chipmunks.

Un día de 1960 el cantante de R&B Hank Ballard escuchó por la radio el tema 'The Twist'. De repente dijo: "Pero si ese que canta soy yo!!". No era él, pero sí su canción. Hank la compuso, grabó y publicó un año antes como la cara B de un single que no tuvo éxito. Chubby Checker grabó su versión -que no era muy diferente de la que grabó Hank Ballard-, llegó al nº1 y dio lugar a la fiebre mundial del 'twist'.


Le siguieron varias secuelas y todo tipo de bailes estrambóticos que surgieron con él: 'Let's twist again', 'The hucklebuck', 'The fly', 'Pony time', 'Limbo rock'  y 'Slow twistin', la mayoría de ellos, millonarios en ventas.

A mediados de los sesenta perdió popularidad con la irrupción en escena de los grupos ingleses. Checker ha tenido sentimientos encontrados cuando hablaba sobre el tema que le catapultó al éxito: "...aquello arruinó en cierto modo mi vida. Estaba preparado para ser un gran artista de night-club y 'The twist' lo borró todo de un plumazo. Se salió de madre. Nadie creía que yo pudiera ser un cantante con talento..."

En 1987 grabó una nueva versión de 'The Twist' con el trío de rap Fat Boys y en 2008, el tema fue nombrado el mayor hit de todos los tiempos en la historia de las listas Billboard. Checker, que en julio de ese mismo año 2008 obtuvo un nº1 en las listas de dance con 'Knock down the walls', sigue actuando regularmente por EE.UU.