Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 14 de diciembre de 1946 nació en Londres la actriz y cantante anglo-francesa Jane Birkin, hija del Mayor David Birkin y la actriz y cantante Judy Campbell. Estaba afincada en Francia desde su relación con Serge Gainsbourg, con el que además de tener una hija -la también actriz y cantante Charlotte Gainsbourg-, publicó ocho álbumes. En la primera mitad de los sesenta se introdujo de lleno en el ambiente pop del 'swinging London' y debutó como actriz a los 17 años. En esa época conoce al compositor John Barry (compositor del famoso tema de James Bond), quien le anima a debutar como cantante y con el que acaba casándose a los 19 años. En la película 'Blow Up' de Michelangelo Antonioni protagoniza su primera escena polémica (aparece desnuda), lo que provoca un gran escándalo en Inglaterra.
Jane y Serge Gainsbourg
Tras el fracaso matrimonial y el nacimiento de su hija Kate en 1967, Jane desembarca en Francia. Allí conoce a Serge Gainsbourg, con quien forma una de las parejas de moda en la escena parisina, donde se hacen célebres en 1969 con 'Je t'aime... moi non plus', canción sensual y provocadora que convierte en un éxito mundial los suspiros de Jane haciendo (supuestamente) el amor con su compañero. La canción fue grabada originalmente un año antes por Serge Gainsbourg y su amante de entonces, Brigitte Bardot. Bardot, cuando finalizaron su relación, le pidió a Gainsbourg que no hiciese pública esta grabación y él aceptó.
El disco prohibido de 1969
El tema regrabado con Birkin es condenado por el Vaticano y su emisión pública prohibida en numerosos países (España, Islandia, Italia, Polonia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Yugoslavia), lo que aumenta su éxito y el disco se convierte en uno de los objetos de deseo de finales de los sesenta vendiéndose, hasta la fecha, cerca de cinco millones de copias. En 1971 nace su hija Charlotte Gainsbourg, una actriz y cantante reconocida.
En 1999 publicó el álbum'A la légère' con canciones escritas por doce autores contemporáneos franceses. Tras publicar en 2002 el directo 'Arabesque', un homenaje a su ex-marido y mentor, edita en 2006 'Fictions', con versiones de temas de Tom Waits, Neil Young, Neil Hannon, Magic Numbers y Rufus Wainwright.
Birkin actuó en cerca de un centenar de películas, entre ellas títulos como 'Wonderwall' (1968), con música de George Harrison,'La piscina' (1969), 'Muerte en el Nilo (1978), 'Muerte bajo el sol' (1981), 'La bella mentirosa' (1991) y 'La tête de maman' (2007). El año 2007, Jane debutó como directora con el film 'Boxes' y el año siguiente publicó el álbum 'Enfants d'hiver' (2008) con composiciones propias. El año siguiente apareció el álbum en directo 'Au Palace'. En 2017 publicó 'Birkin/Gainsbourg : le symphonique', que contiene canciones escritas por Serge Gainsbourg con tratamiento sinfónico y su último álbum de estudio fue 'Oh! Pardon tu dormais…' en 2020. Murió en julio de 2023 a los 76 años.
El 13 de diciembre de 1949 nació en Morristown (New Jersey), el guitarrista, cantante, compositor y líder del grupo rock Television, Tom Verlaine, considerado uno de los más importantes artistas de la era post-punk. Sus letras llenas de poesía acompañadas de una impecable técnica a la guitarra recibieron numerosos elogios de la crítica musical. A pesar de la atención mediática, Tom rara vez concedía entrevistas.
Como a muchos otros músicos, a Tom Verlaine (que estudiaba piano clásico) le despertó su afición al rock and roll una canción en concreto. En su caso fue '19th nervous breakdown' de Rolling Stones. En 1968 ya estaba formando su primera banda en Nueva York, que más tarde se convertiría en Television. El grupo formó parte de las escena underground neoyorquina de mediados de los setenta junto a bandas como Patti Smith Group, Ramones, Richard Hell and the Voidods y Talking Heads.
En contraste con el rock and roll minimalista de Ramones, la música de Television era más compleja, así como técnicamente más competente, gracias a la labor de Tom Verlaine y Richard Lloyd, uno de los dúos de guitarras más reconocidos, considerado por muchos a la altura del que formaban Jeff Beck y Jimmy Page en Yardbirds. Television publicó dos álbumes aclamados por la crítica, 'Marquee Moon' (1977) y 'Adventure' (1978) antes de separarse.
En 1979 lanza su carrera en solitario con el sencillo 'Kingdom Come' (David Bowie hizo una versión de esta canción en su álbum 'Scary Monsters') y edita su primer LP, 'Tom Verlaine'. Su gran éxito personal llegará de la mano de su poco conocido 'Dreamtime', de 1981. Debido a las buenas críticas que recibió de la prensa inglesa por sus dos siguientes discos, 'Words From The Front' (1982) y 'Cover' (1984), decidió establecerse en Londres por un tiempo. Les siguió, entre otros, 'Flash Light' en 1987 y 'Warm and Cool' en 1992. Ese mismo año, Television se volvió a reunir para grabar un álbum, 'Television' y desde entonces se reencontraron periódicamente para actuar. Tom también colaboró con su ex-pareja Patti Smith en varios de sus álbumes.
El año 2006 Verlaine publicó un nuevo trabajo con canciones originales, 'Songs and Other Things', su último álbum editado en vida. En 2012 colaboró con James Iha en su segundo álbum 'Look to the Sky'.
El 4 de diciembre de 1951 nació en Jacksonville, Florida, el guitarrista estadounidense Gary Rossington, uno de los fundadores del grupo de rock sureño Lynyrd Skynyrd.
Gary fue uno de los sobrevivientes del accidente de avión que se cobró en 1976 seis vidas de integrantes y colaboradores del grupo, entre ellas las de Van Zant, Steve Gaines (guitarrista recién incorporado al grupo) y Cassie Gaines, una de las Honkettes, trío femenino vocal de gospel que desde 1975 acompañaba a la banda. Rossington acabó con fractura en ambos brazos, muñecas, pelvis y piernas. Tras el incidente, la banda se separó y la recuperación de Gary se complicó debido a su abuso de alcohol y cocaina y a otras dependencias que originaron los numerosos medicamentos que tenía que tomar. Finalmente, con los brazos y piernas llenas de placas metálicas, fue capaz de volver a tocar.
En 1980 formó junto con Allen Collins el grupo The Rossington-Collins Band, con el que publicó dos álbumes antes de separarse en 1982. Desde 1986 siguió tocando en una formación reformada de Lynyrd Skynyrd siendo, tras la muerte en 2009 del teclista Billy Powell, el único miembro que quedaba del grupo original. En octubre de 2015 sufrió un leve ataque al corazón que obligó a suspender dos conciertos de la banda. En enero de 2018, tras 40 años de carrera y más de 60 álbumes, anunciaron su tour de despedida que se inició en mayo y concluyó en 2019. En julio de 2021 Gary tuvo que someterse de urgencia a una operación de corazón. Murió en marzo de 2023 a los 71 años.
Lynyrd Skynyrd en 2010 (Gary es el tercero por la izqda)
El 26 de noviembre de 1939 nació en Brownsville (Tennessee) la cantante y actriz norteamericana Tina Turner cuya carrera abarcó más de cinco décadas y su aportación al rock le valió, entre otros, el título de 'Reina del rock and roll'. Cuando acabó el milenio Tina había logrado 27 Top10 en las listas estadounidenses y más de 180 millones de copias vendidas en el mundo. Su turbulenta vida junto a Ike Turner fue la trama de un film biográfico en 1993 y llena de vigor y energía, a los sesenta aún mostraba pletórica su eterna juventud y sus increíbles piernas a nuevas audiencias.
Nacida como Ana Mae Bullock, se crió en Nutbush, no muy lejos de donde nació, donde vivió con su familia en una casa de dos habitaciones. Su padre era el capataz de una granja y poseían un gran jardín y animales, por lo que Tina pasó una infancia feliz y sin necesidades. Más tarde la familia se mudó a Oak Ridge (Tennessee) en busca de los empleos que prometió el gobierno estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial. Anna Mae vivió con su abuela materna y, cuando esta murió en 1956, volvió con su madre y su hermana Alline a St. Louis (Missouri).
Su talento musical ya había emergido años antes, pero fue en St. Louis donde conoció a Ike Turner, con quien se casaría en 1960. Su colaboración musical comenzó en el Club Manhattan del este de St. Louis. Inicialmente, Tina actuaba con el nombre de Little Anna y cuando su primer hit, 'A fool in love', comenzó a escalar las listas de R&B en 1960, Ike decidió reinventar su banda y colocar a Tina como la cabecera del espectáculo. Comenzaron una gira nacional como Ike & Tina Turner Revue y siguieron grabando singles de éxito como 'I idolize you' (1960), 'It's gonna work out fine', 'Poor Fool' y 'Tra la la la la'.
Tina y Ike Turner
Durante los años sesenta, fueron teloneros de los Rolling Stones y en 1966 Tina grabó el tema 'River deep, mountain high', producido por el legendario Phil Spector, que la introdujo en el mundo pop. El tema, con la típica sobreproducción de Spector y en el que Tina hace una de las mejores interpretaciones de su vida, lamentablemente, no fue un éxito en Estados Unidos. Algunos atribuyeron el fracaso a que la industria, tras 26 hits consecutivos de Spector en las listas, estaba algo cansada de los éxitos del excéntrico productor. Tina en su autobiografía comentaba que "era demasiado pop para los negros y demasiado negro para el pop. Nadie le dio una oportunidad. Aún así me siento orgullosa de haber participado. Con 'River deep' demostré de lo que era capaz".
En cambio, en Inglaterra, 'River deep, mountain high' sí fue un éxito, alcanzando el nº3 de las listas y permaneciendo 13 semanas en ellas.
Ike & TIna Turner seguían ofreciendo shows vibrantes cargados de sexualidad que transmitían Tina y las Ikettes (un trio vocal femenino) en escena con sus bailes y movimientos en temas como 'I want to take you higher' y 'Come together' (1970). En 1971, con su versión de 'Proud Mary' lograron un Top5 tanto en las listas de R&B como en las de pop. Su último Top40 en las listas fue 'Nutbush city limits' en 1973.
The Acid Queen, 1976
Ike intentó lanzar a Tina como cantante en solitario y en 1974 se publicó 'Tina Turns the Country On!', en el que interpreta temas de Dylan, Kristofferson, Dolly Parton y Hank Snow. Aunque Tina obtuvo una nominación a un Grammy por él, fue un fracaso comercial. Un año después, tras su participación como la 'reina del ácido' en la película 'Tommy', se grabó el álbum 'Acid Queen', en el que además del tema de Pete Townshend, cantaba temas de los Stones y de Ike Turner.
Tina en 1976
Pero como se sabría después a través de su autobiografía Tina llevaba años soportando un abusivo maltrato físico y emocional por parte de su pareja. Este llegó a un límite en 1976, cuando al comienzo de una gira nacional en Dallas, Ike y Tina tuvieron un violento enfrentamiento. Tina no aguantó más y con 50 centavos en el bolsillo y sin tiempo para recoger sus cosas, desapareció. Un mes más tarde presentó una demanda de divorcio y la pequeña fortuna que recibió la tuvo que emplear en pagar las demandas que habían puesto los promotores de la gira por no haber cumplido los contratos. Esto la volvió a dejar sin blanca, pero Tina continuó decidida a hacer carrera en solitario.
'Private Dancer' (1984)
En 1977 se instaló en Londres y pasó el resto de la década viajando y trabajando por Europa. En 1978 grabó el álbum 'Rough' que, como el anterior, contenía temas más orientados hacia el rock. Sin embargo, tampoco obtuvo éxito comercial. Tina contrató a Roger Davies como mánager en 1979 y en 1981 estaba de vuelta en Estados Unidos, realizando giras con los Rolling Stones y haciendo renovados esfuerzos por revitalizar su carrera. Lo logró en 1984 cuando su álbum 'Private Dancer' alcanzó el Top5 de las listas y generó tres singles que fueron Top10, entre ellos 'What's love got to do with it', su primer disco de oro como solista y nº2 durante cinco semanas en las listas Billboard.
Ese mismo año obtuvo tres premios Grammy y en 1985 logró otro hit con el tema 'We don't need another hero', de la película 'Mad Max más allá de la Cúpula del Trueno', en la que Tina realizó un papel protagonista junto a Mel Gibson.
Un año después, harta de que en las entrevistas no pararan de preguntarle sobre su vida pasada con Ike, decidió contar toda su historia y, con la ayuda del periodista musical Kurt Loder, publicó su autobiografía 'I, Tina'. Tina añadió un Grammy a su colección, gracias a su canción 'One of the living' (también perteneciente a la banda sonora de Mad Max) que le valió el premio a la mejor interpretación rock femenina'. El mismo año apareció el álbum 'Break Every Rule' que, como el anterior, fue disco de platino. Tras una gira mundial su imagen creció espectacularmente. Tina se tomó un tiempo de descanso y volvió a Europa, instalándose de nuevo en Londres. También viajaba con frecuencia a Alemania, donde comenzó una relación con Erwin Bach, un ejecutivo discográfico alemán.
En 1989 publicó 'Foreign Affair' el cual, aunque no logró igualar el éxito de los anteriores en Estados Unidos, en Europa sí se vendió bien colocando seis de sus temas en las listas británicas y alemanas. Convertida en uno de los principales iconos del rock, famosa por su enérgica voz y no menos por sus increíbles piernas, Tina dedicó la década de los 90 a hacer innumerables giras por todo el mundo. Sus nuevos álbumes eran ya discretos, y tan solo aumentaban su nómina como artista consagrada con temas como '(Simply) The best' (1992), 'I don't wanna fight' (1993) y 'Golden eye' (1995), tema del film de la serie James Bond.
En 1993 un documental de bajo presupuesto previsto sobre los primeros pasos de Tina en la música, acabó siendo un proyecto cinematográfico de la mano del director Brian Gibson basado en la autobiografía de Turner. El film, 'What's Love Got to Do with It', estuvo protagonizado por Angela Bassett y Laurence Fishburne en sus papeles principales y Tina aportó generosamente toda su ayuda en el guión y en el proyecto. Ike, en cambio, rechazó cualquier participación.
En 1996, la infatigable cantante publicó 'Wildest Dreams' con la participación de Bono, Sheryl Crow, Sting y Antonio Banderas, entre otros. Turner, cerca de cumplir los sesenta años, parecía no parar nunca. En su décimo álbum, 'Twenty four Seven', publicado en el sello Virgin Records en enero de 2000, colaboró con autores y productores más jóvenes y se ganó excelentes críticas. A continuación comenzó otra gira mundial en la que visitó 49 ciudades y culminó en el Radio City Hall de Nueva York, donde anunció sus planes de retirada.
Beyoncé y Tina en 2008
Tina vendió más de 180 millones de copias de sus discos y es la
artista que más entradas para conciertos logró vender en la
historia del rock. Tina Turner ostenta un Récord Guinness por ser la
única solista en llenar por completo el Estadio Maracaná de Río de
Janeiro, más de 180.000 personas en una sola noche. Aunque Madonna ha cantado dos veces en este estadio, ha estado muy lejos de conseguir esta audiencia.
Por fin en 2013, la insistencia de Erwin dio sus frutos, y se anunció oficialmente que Tina volvería a casarse, esta vez por el rito budista. El feliz enlace se celebró en la residencia suiza de la pareja. Tina era ciudadana de aquel país desde abril de 2013 y el mes de octubre firmó los papeles en la embajada americana para renunciar a la ciudadanía estadounidense. Aunque ese mismo año anunció su retiro definitivo de la música, en 2016 informó que estaba colaborando con Phillida Lloyd y Stage Entertainment en 'Tina', un musical basado en la historia de su vida que se estrenó en abril de 2018 en el Aldwych Theatre de Londres. Ese mismo año le fue otorgado el Grammy a la carrera artística. En julio de 2020 colaboró con el productor noruego Kygo en un remix de 'What's love got to do with it', lo que la convirtió en la primera artista en lograr un top40 en siete décadas consecutivas.
En octubre de 2021, Tina vendió los derechos de su música a BMG Rights Management por 50 millones de dólares. Murió en mayo de 2023 a los 83 años.
El 17 de noviembre de 1938 nació en Orillia, Ontario, el cantautor canadiense Gordon Lightfoot, quizás el más importante de su país y una leyenda viva del folk-rock de los años sesenta y setenta. Favorito de músicos como Robbie Robertson y Bob Dylan, a pesar de que en 2010 una falsa información de Twitter anunciaba su muerte -que él mismo se encargó de desmentir llamando a una emisora de radio-, siguió en activo hasta 2023 y en marzo de 2020 apareció su última publicación: 'Solo'
Lighfoot mostró su talento cantando a muy temprana edad, y su madre le animaba a cantar en los clubs de mujeres y en los festivales Kiwanis, concursos musicales para amateurs que se celebraban habitualmente en los centros urbanos de Canadá. Más tarde recibió clases de piano, participó en obras de teatro, en grupos vocales y tocó la batería. Finalmente, aprendió los fundamentos de la guitarra folk. En el Westlake College de Los Ángeles estudió orquestación, ganándose la vida realizando arreglos vocales, maquetas y jingles comerciales.
En 1960, el creciente movimiento folk le enganchó y animado por su paisano y amigo Ian Tyson (de Ian and Sylvia), Gordon perfeccionó su estilo con la guitarra y comenzó a actuar en pequeños cafés del Este de Canadá, donde por primera vez se pudieron escuchar su voz y sus canciones. Algunos de sus temas, como 'Early mornin' rain' o 'For lovin' me', comenzaron a recibir versiones de músicos de folk y country como Peter, Paul & Mary, Judy Collins y Johnny Cash, además de lograr un éxito moderado en las listas canadienses con sus propias grabaciones: 'Remember me', 'I'm not saying' y 'Black day in july'.
Lighfoot había escrito alrededor de 75 canciones, la mayoría de las cuales "no significaron nada", tras oir por primera vez a Bob Dylan. Su estilo de composición cambió notablemente y en sus letras, más personales, se reflejaba su propia identidad. Cuando debutó en Nueva York en 1965, el New York Times hablaba de su "rico y cálido registro vocal y una gran técnica guitarrística". La crítica concluia con: "Si presta un poco más de atención a su imagen escénica, puede convertirse en un artista muy popular". El año siguiente, United Artists publicó su primer álbum, 'Lightfoot!', que lo convirtió directamente en el cantautor folk nº1 de su país.
En 1967 lo eligieron mejor cantante masculino y tres años después se le concedía la Medalla al Servicio por su contribución a la cultura canadiense. En ese tiempo Gordon publicó cuatro trabajos más: 'The Way I Feel' (1967), 'Did She Mention My Name', 'Back Here on Earth' (1968) y el directo 'Sunday Concert' (1969). En 1970 firmó con Warner Bros. y en su sello filial Reprise, Gordon publicó a lo largo de la década de los setenta, sus mejores trabajos. Comenzó el mismo año con 'If You Could Really Read My Mind'.
Siguieron 'Summer Side of Life' (1971), 'Don Quixote', 'Old Dan's Records' (1972), y 'Sundown'
(1974), que vendió el primer año más de un millón y medio de copias,
recibiendo la calificación de disco de platino. Tanto el álbum como el
single que le daba título fueron nº1 en las listas Billboard
estadounidenses.
Durante los años ochenta y noventa, Lighfoot siguió grabando álbumes: 'Dream Street Rose' continuaba con el sonido de folk-pop característico del cantautor, mientras que en 'Shadows' introdujo sonidos de AOR. Siguieron 'Salute' (1983), 'East of Midnight' (1986) y su segunda compilación con nuevas versiones de sus viejos éxitos: 'Gold's Gold Vol 2'.
En los noventa, Lightfoot retornó a sus raíces acústicas y grabó un par de álbumes: 'Waiting For You' (1993) y 'A Painter Passing Through' (1998). Siguió actuando ofreciendo unos 50 shows al año. El año 2000 dió un concierto de una hora en Reno (Nevada) que fue grabado en video y emitido por las grandes cadenas de Norteamérica.En enero de 2002, cuando estaba trabajando en su nuevo álbum, Lighfoot cayó enfermo y estuvo ingresado en la Unidad de Cuidados Intensivos del McMaster Medical Centre de Hamilton (Ontario). Sufrió una traqueotomía y varias intervenciones quirúrgicas y pasó todo el año 2003 recuperándose. Ese mismo año, Borealis Records editó un álbum llamado 'Beautiful: A Tribute to Gordon Lighfoot' en el que varios artistas, entre ellos, The Cowboy Junkies, Bruce Cockburn, Jesse Winchester, Maria Muldaur y The Tragically Hip, interpretaban temas de Lighfoot.
En enero de 2004 completó el álbum que había quedado a medias, 'Harmony' y en julio del mismo año apareció de nuevo en los escenarios tras su larga recuperación. Su última entrega hasta la fecha fue el álbum en directo 'All Live', publicado por Rhino en 2012. El año 2015 se anunció su primera gira por el Reino Unido en 35 años que se llevó a cabo en 20 ciudades de Inglaterra, Escocia e Irlanda entre mayo y junio de 2016. En 2017 y 2018 continuó la gira por Estados Unidos y Canadá y en 2020 publicó 'Solo', sin músicos acompañantes. Murió en mayo de 2023 a los 84 años.
El 14 de octubre de 1952 nació en Helsinki la compositora finlandesa Kaija Saariaho, que se dio a conocer internacionalmente gracias a sus trabajos musicales en los que exploraba las posibilidades de la electrónica. Habiendo inicialmente estudiado artes visuales en la Universidad del Arte Industrial (actualmente conocida como la Universidad de Arte y Diseño) en Helsinki, pasa posteriormente a estudiar Composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius de 1976 a 1981 - "amo la música de Sibelius, pero no estoy segura de su influencia en mi música".
Más tarde estudia en la Escuela Superior de Música de Friburgo con Brian Ferneyhough y Klaus Huber, y se diploma allí en 1983. El año anterior sigue un curso de música por ordenador en el IRCAM (Institut de Recherche Et Coordination Acoustique / Musique) en París, y desde entonces ha incorporado el ordenador a sus creaciones musicales como una parte esencial de su técnica.
Con su peculiar uso del ordenador, Kaija analiza los colores tonales y los cambia lentamente a algo nuevo, consiguiendo así una "fría belleza propia del firmamento nórdico" en sus composiciones, según la han definido algunos críticos musicales. Ello se refleja en cierto modo en los títulos de algunos de sus trabajos, como por ejemplo, “Io”, en clara referencia a una de las lunas de Júpiter, o “Lichtbogen”, inspirada en las bellas auroras boreales.
Kaija Saariaho ante el ordenador
Kaija decía: "Lo verdaderamente difícil es descartar el millón de posibilidades que tienes a la hora de tratar una idea musical, escoger un solo camino y saber con certeza lo que no se hará, hasta lograr que cada nota que escribas tenga su razón de ser". "Empecé a imaginar música de niña, no sólo a estudiarla. Tocaba el violín y acariciaba la idea de ser organista. Curiosamente, no me sentía muy dotada como solista, pero las habilidades físicas no son muy importantes para un músico. Decidí ser compositora a los 20 años, cuando sentí que iba a desperdiciar la vida si no me dedicaba a la composición".
Preparado el equipo (1986)
La música de esta experta compositora se interpreta en todo el mundo desde los años ochenta, y numerosas instituciones, como por ejemplo la Ópera Nacional Finlandesa, la BBC, el propio IRCAM donde cursó los estudios antes mencionados, el Lincoln Center de Nueva York e incluso los organizadores del Festival de Salzburgo, le encargaron diversas composiciones a lo largo de su carrera. Aunque afincada en París desde 1982, Kaija recibía su salario del gobierno finlandés por su trabajo como polifacética compositora y artista.
Kaija en Amsterdam (1985)
Sus obras más importantes incluyen “Verblendungen” (para orquesta y cinta magnetofónica, 1982-84), “Lichtbogen”, para una ensemble de cámara e instrumentos electrónicos (1985-86), “Jardin Secret I”(en cinta magnetofónica, 1984), “Jardin Secret II” (para clavicordio y cinta magnetofónica, 1984-86), la ya comentada “Io” (para una ensemble, cinta magnetofónica e instrumentos electrónicos, 1986-87), “Nymphea” (para cuarteto de cuerda e instrumentos electrónicos, 1987, obra encargada por el Lincoln Center), su también premiada obra radiofónica, “Stilleben”, (1987-88) y diversas piezas orquestales, agrupadas bajo el nombre genérico “Du Cristal”(1989-90), obra encargada por la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y el Festival de Helsinki. Otra espléndida obra de tres partes es "...a la fumee"(1990) para flauta, cello, y orquesta.Parte I.
Al margen de su propia producción musical, Kaija Saariaho participó en diversas producciones multimedia en las que se entrelazan distintos géneros artísticos, como por ejemplo el ballet “Maa” (1991).
Otras obras que han resultado de su prolífico genio creativo son: “Noa-Noa” (1992) pieza para flauta y sonidos electrónicos, “Amers” (1992), para violoncelo, ensemble e instrumentos electrónicos, un encargo conjunto del Centro Barbican y el IRCAM, “Solar” (1993), para ensemble y teclados electrónicos, obra encargada por la Ciudad de Amberes para Champ d'Action, y “Trois Riviéres” (1994), para cuarteto de percusión e instrumentos electrónicos, un encargo realizado por la organización del Festival de Salzburgo. Sus dos últimos trabajos son, la composición para el Festival de Salzburgo de 1996, “Château de l'âme”, un bellísimo ciclo de canciones con orquesta (1995) cantadas por Dawn Upshaw, y la pieza para soprano y la electrónica. “Lonh” (1996).
Hans Zender y Kaija Saariaho (1996)
Influida por la tradición post-serial, pronto se cansó de las múltiples limitaciones propias de esta tradición. Rehusando componer mediante negaciones, ya que no se permitía ritmo, ni armonías al estilo tonal, ni melodías definidas en esta escuela, pronto la abandonó, ya que en su opinión todos los medios son lícitos para componer, siempre que se utilicen adecuadamente. Pese a todas estas ideas que forjaron la mayor parte de su obra, Kaija fue abandonando los instrumentos electrónicos en favor de los acústicos, y perfiló sus composiciones hacia el campo de las grandes orquestas, cultivando asimismo un lenguaje musical más abierto y dramático, como reflejan las piezas mencionadas bajo el epígrafe “Du Cristal” y su ya comentado concierto para violín, “Graal Theatre”.
En los últimos años, su cotización internacional subió como la espuma, especialmente desde que el Festival de Salzburgo catapultara su nombre al estrenar, en 2000, su primera ópera, “L'amour de loin”, Escena del Peregrino (Monica Groop) con Clémence, Condesa de Tripoli (Dawn Upshaw). Opera-escena: Parte 1, Parte 2 ( English National Opera).
Desde entonces, la lista de encargos y estrenos de sus nuevas partituras fue creciendo a ritmo vertiginoso, convirtiéndola en la compositora de su generación más interpretada en los grandes auditorios, desde el Lincoln Center de Nueva York a la Philharmonie de Berlín, el Barbican de Londres o el IRCAM de París, ciudad donde residía.
Aún es reciente el impacto que causó la primera audición en el Auditorio de Barcelona de “Orion” (un encargo de la Orquesta de Cleveland, estrenado en 2003), bajo la dirección de Ernest Martínez Izquierdo, en un concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC)
"La ópera es una gran forma, hay muchos recursos en juego, muy excitantes para un creador, pero conviene no olvidar que lo esencial en la ópera es que se oigan bien las voces. En mi caso, trabajo pensando en voces concretas, porque cada voz tiene unas características especiales. Lo que me interesa en la ópera es crear personajes musicales, y cada voz exige un tratamiento especial".
Peter Sellars y Saariaho
Kaija continuó en 2006 con el estreno de su segunda ópera, “Adriana Mater”, en la Ópera de París -encargo, nuevamente, de Mortier- que no despertó el mismo entusiasmo. En ambos casos firmó la puesta en escena el dramaturgo Peter Sellars.
Una de sus últimas aventuras escénicas, también con libreto de Maalouf y dirección escénica de Sellars, fue un oratorio, “La pasión de Simone Weill”, estrenado en Viena. "Sellars insistió en tratarlo escénicamente, como si fuera una ópera, pero es un oratorio, una obra de concierto, y no acaba de funcionar teatralmente".
Falleció en junio de 2023 a los 70 años, víctima de glioblastoma.
Premios y distinciones:
-1986 - Gana el Premio Kranichsteiner en Darmstadt.
-1989 - Gana el Premio Ars Electronica por Stilleben and Io; y se traslada un año a la Universidad de San Diego.
-1991 - Compone la música para el ballet Maa, y consigue el premio del Ballet Nacional de Finlandia.
-2001 - Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Música
-2003 - Gana el Premio Grawemeyer de Composición por su obra L’amour de loin (ópera estrenada con un montaje de Peter Sellars)
-2011 - Premio Musical Léonie Sonning.
-2013 - Premio Polar de Música (concedido ex aequo a Youssou N'Dour)
-2017 - Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento
-2021 - León de Oro en Venecia, Biennale della Musica Contemporanea
El 14 de octubre de 1976 nació en Durnfermline (Escocia) el vocalista Dan McCafferty, conocido por haber sido el cantante del grupo de hard rock escocés Nazareth, desde su fundación en 1968 hasta 2013.
Nazareth en 1970
Pese a su origen británico, Nazareth es considerada una banda pionera del hard rock estadounidense y uno de esos grupos cuyas canciones son conocidas por miles de personas, aunque no siempre puedan relacionar el tema con ellos. También es una de las contadísimas bandas clásicas que se mantiene vigente a pesar de los constantes cambios en el gusto musical de las nuevas generaciones.
Nazareth se formó en diciembre de 1968 de los restos de una banda amateur formada en 1961 por Dan McCafferty, el guitarrista Manny Charlton, el bajista Pete Anew y el batería Darrell Sweet. Tomaron el nombre de la primera frase del clásico de The Band, 'The Weight' ("...I pulled into Nazareth, I was feelin' about half past dead..."). En 1970 se trasladan a Londres y graban su álbum debut, 'Nazareth', al que siguió 'Exercises' (1972), que logró despertar cierto interés.
Seguidamente actuaron de teloneros en una gira de Deep Purple, en la que trabaron amistad con Roger Glover, que les produjo el siguiente álbum, 'Razamanaz'. Este fue su primer trabajo que entró en las listas y contenía dos temas que fueron Top10 en Inglaterra: 'Broken down angel' y 'Bad bad boy'. Al año siguiente apareció 'Loud'n'Proud', también producido por Roger Glover con otro single de éxito, 'This flight tonight', una versión hard rock del tema de Joni Mitchell. En 1974 vio la luz 'Rampant', que contenía como tema inicial una larga pieza pre-heavy metal, 'Silver dollar forger' y dos baladas,'Loved and lost' y 'Sunshine'. Como single se publicó 'Shanghaid in Shanghai'.
Para su siguiente álbum, prescindieron de productor y fue el guitarrista Manny Charlton quien se puso a los mandos de la grabación de lo que en principio se iba a llamar 'Son of a bitch' (Hijo de perra/puta), pero a la discográfica no le pareció adecuado y hubo que cambiarlo por 'Hair Of The Dog' (1975), a cuyo estribillo se quedó relegado el título original. Fue su disco de mayor éxito y sus letras repletas de alusiones a bandas callejeras, crímenes y violencia así como a todo tipo de vicios inconfesables, contrastaba con sus apariciones en público en las que desplegaban una simpatía y cercanía con sus fans poco habitual en las bandas de rock. Además del single 'Hair of the dog', muy radiado en EE.UU, en la copia americana del disco se incluyó una versión de los Everly Brothers, 'Love hurts', un tema que también grabó Roy Orbison. Fue editada en single y además de en el Reino Unido, fue un hit en EE.UU, siendo el único Top10 americano de la banda. Tiene además el récord de permanencia en las listas noruegas con 60 semanas.
En septiembre de 1978 se les añadió el guitarrista Zal Cleminson a la formación, que permaneció con ellos el tiempo suficiente de grabar dos álbumes, 'No Mean City' y 'Malice in Wonderland', contribuyendo con varias composiciones.
Se extrajo el single 'Holiday', su segunda y última entrada en las listas USA. En 1981 contribuyeron a la banda sonora de 'Heavy Metal' con el tema 'Crazy (A suitable case for treatment)'. McCafferty, que fue tentado en 1973 por Ritchie Blackmore para que entrara en Deep Purple sustituyendo a Ian Gillan, rechazó la oferta por fidelidad a sus compañeros. De hecho es el único miembro de la banda, junto con el bajista Pete Agnew que ha permanecido en ella hasta nuestros días.
Durante los años ochenta y noventa continuaron actuando y grabando discos, aunque su popularidad había disminuido bastante. Algunos de sus álbumes ya no se publicaban en EE.UU. y su popularidad se limitó a Europa, especialmente Alemania, donde siguen siendo muy valorados. Durante una gira en 1999 por EE.UU, el batería Darrell Sweet murió a los 51 años de un infarto, por lo que fue sustituido por Lee Agnew, hijo de Pete. Actualmente, tras 22 álbumes publicados, siguen activos y celebraron su cuarenta aniversario como banda en 2008 con una gira
europea. En abril de 2011 se publicó 'Big Dogz', y su entrega más reciente fue el álbum 'Rock 'n' Roll Telephone', aparecido el mes de junio de 2014. Unos meses antes, Dan McCafferty anunció que abandonaba la formación debido a problemas de salud.
En la primera mitad de los sesenta se introdujo de lleno en el ambiente pop del 'swinging London' y debutó como actriz a los 17 años. En esa época conoce al compositor John Barry (compositor del famoso tema de James Bond), quien le anima a debutar como cantante y con el que acaba casándose a los 19 años. En la película 'Blow Up' de Michelangelo Antonioni protagoniza su primera escena polémica (aparece desnuda), lo que provoca un gran escándalo en Inglaterra.
