Henry Purcell

El 10 de septiembre de 1659 (sin datos exactos), está establecida la fecha que señala el nacimiento- por la edad que aparece registrada en su tumba en la abadía de Westminster- del músico y compositor inglés del Barroco, Henry Purcell, probablemente en Westminster, un barrio de Londres, en el seno de una familia de músicos.

Su padre, también llamado Henry, había tomado parte como cantante y actor en la representación de la primera ópera inglesa y más tarde fue maestro de la abadía de Westminster. Su tío Thomas fue músico de la corte del rey Carlos II y su hermano menor, Daniel, fue también músico. Entró como cantante en la Capilla Real a la edad de 10 años y cuando su voz cambió pasó a trabajar con el conservador de los instrumentos reales. En 1677 ocupó el cargo de compositor de los violines del rey, y tres años después sucedió a John Blow en el puesto de organista de la Abadía de Westminster. En 1682 fue nombrado organista de la Capilla Real y en 1683 compositor ordinario del King's Musick, cargo de gran importancia bajo el reinado de Carlos II. Más tarde fue clavicembalista con el rey Jacobo II.

Abadía de Westminster

Fue también profesor de música de miembros de la aristocracia, compuso odas y anthems ceremoniales para eventos reales, así como obras para el ámbito teatral, religioso y doméstico. Purcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: “Orpheus Britannicus I” (1698) y “II” (1702). Fue enterrado en la Abadía de Westminster, debajo del órgano que tanto tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada».

Entre las primera obras de Purcell se encuentran las Fantasías para viola (1680), “Fantasía VII” (Hesperion XX, Jordi Savall), que representan el final florido de la música isabelina. Muestran asimismo el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista, características también patentes en los anthems de este periodo como “Remember not” (Timothy Brown, Baroque Brass Of London & The Choir of Clare College, Cambridge), “Lord”, “Our offences” (1682) y en su primera serie de salmos funerarios (c. 1683).

En 1685 compuso música ceremonial, como el anthem de la coronación “My Heart is Inditing”, al tiempo que iniciaba su producción de música instrumental de cámara como las “12 sonatas a tres partes” (1683) Sonata Nº.1 in sol menor Z. 790 Vivace - Adagio - Presto - Largo  (London Baroque) y las “10 sonatas a cuatro partes” (1697), donde también se aprecia la influencia de la música italiana como las sonatas de Arcangelo Corelli. Aparte de la música para teatro, Purcell también compuso 80 canciones y duetos. Para crear tensión y un cierto sentido de inevitabilidad empleaba la chacona, forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva y que alcanza su máxima expresión en el lamento "When I am laid in earth" de su ópera “Dido y Eneas” (Londres, 1690) “Obertura” (The English Concert & Trevor Pinnock). Tal vez las obras más famosas de Purcell sean las de teatro, al que comenzó a dedicar mayor atención a medida que la música religiosa iba decayendo.

Su única ópera es "Dido y Eneas", obra maestra estrenada en 1689. Purcell compuso otras obras dramáticas, denominadas a veces semióperas, que son piezas de música instrumental y vocal escritas para acompañar obras de teatro. La prematura muerte de Purcell tuvo un profundo efecto sobre la música inglesa. Si hubiera vivido más tiempo podría, por ejemplo, haber escrito una serie de óperas que habrían establecido una tradición inglesa de este género. Así, en cambio, fue la ópera italiana la que dominó el Londres del siglo XVIII en la época de Händel.

Puede decirse lo mismo de la música coral, ya que obras como "Soul of the World" de la “Ode on St Cecilia's Day” (1692) (Gabrieli Consort & Gabrieli Players) demuestran que Purcell estaba a la altura de Händel como autor de música solemne y grandiosa. Sin embargo, el redescubrimiento de la música de Purcell ha sido decisiva en el resurgir de la música inglesa del siglo XX, de forma que la influencia que a su muerte se desvaneció con rapidez, se ha impuesto más de 200 años después. Su viuda, en el año 1696 -un año después de su muerte- publicó “A Choice Collection of Lessons” ( una escogida colección de lecciones) para clave, donde se incluían ocho suites que recordaban a Froberger y, por su sutilidad armónica, a Louis Couperin. Las compuso para clave aunque muchos dicen que si hubiera conocido el piano las hubiera compuesto para dicho instrumento. Pudieron ser escritas como un libro para los estudiantes, aunque no están clasificadas para un grado en concreto.

Su Obra

El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 composiciones.

Su obra recibió la influencia de tres estilos:
-La música inglesa. El padre y el tío de Purcell eran músicos ingleses. No tuvieron contacto con otros estilos.
-La música francesa. Los maestros de Purcell estudiaron en Francia y tuvieron claras influencias de este estilo.
-La música italiana. Desde 1680 hubo un gran auge de la música italiana en Inglaterra y Purcell estuvo ampliamente expuesto a ella.

• Música instrumental
Esta música tiene dos claros estilos en Purcell: el tradicional y el italiano (este último muy dominante en sus sonatas). Destacan sus ocho suites, unas veinticinco marchas y piezas para clavicémbalo y sonatas para violín. Las Fantasías para cuerda siguen las pautas de la música inglesa para viola. Su estilo se parece al del madrigal polifónico, donde cada instrumento recibe la misma importancia. Muestran además el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista.

La famosa “Chacona en sol menor” (Il Giardino Armonico) está construida sobre los cimientos de un tema recurrente de ocho compases en el bajo (ostinato) creando una arrolladora inercia de combinaciones melódicas y armónicas a lo largo de dieciocho variaciones.

Luego siguen las “12 Sonatas a tres partes” (1683) (Musica Amphiom), que fueron compuestas en un estilo totalmente diferente; Purcell dice en su prólogo que se “esforzó por imitar fielmente a los más famosos maestros italianos”. Las 8 sonatas, son las tempranas versiones de lo que posteriormente se conocería cómo las “10 sonatas a cuatro partes” (The London Baroque). Estas sonatas no se publicaron hasta 1697, dos años después de la muerte del compositor.

En ellas se observa un mayor control de la forma que en las primeras versiones. Las armonías son a menudo asombrosas, con las disonancias típicas de la forma barroca, y el estilo muestra, en general, que son mucho más originales que las obras de Corelli, incluso las del último período, aunque no poseen este encanto italiano que provocó el éxito del de Rávena, “Sonata nº IX en Fa mayor”, llamada “sonata de oro” (The ensemble Voices of Music).
La “Suite en sol mayor” están formada por cuatro danzas. Preludio: es la introducción de la suite. Precede a las danzas. Tiene un estilo italiano ya que Purcell poseía influencias italianas. Alemanda: Es la primera danza, si consideramos al preludio como una introducción, es lenta y grandiosa. Courante: Es la segunda danza viva y ágil compuesta en compás ternario (3/4). Minuet: Es la última danza de la suite. (The London Baroque).

• Música religiosa

Con clara influencia italiana, la obra eclesiástica de Purcell se divide en tres géneros:
- El “Full Anthem” (composiciones sobre texto sagrado para conjunto vocal): “Hear My Prayer, o Lord”, (The Choir of Clare College & dir. Timothy Brown) compuestos antes de 1683, se trata de motetes tradicionales, complejos y laboriosos.
- El “Verse Anthem”: "My Beloved Spake" (1677) (Gabrieli Consort & dir. Paul McMreesh), escritos en sus últimos años bajo el estilo francés.
- 'Secciones corales' de carácter grandilocuente: 'Funeral March' (Queen Mary funeral) (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge).

• Música profana
Purcell compuso varias odas reales con motivo de algún acontecimiento importante de la nobleza o del rey (algún cumpleaños o retorno). Su habilidad en este género creció prodigiosamente desde 1680. Cabe citar sus dos odas, la oda para el día de santa Cecilia  “Hail! Bright Caecilia - Soul of the World” (1692) (Taverner Consort and Players), y la “Oda para el cumpleaños de la reina Mary” (1694) (Equale Brass Ensemble, John Eliot Gardiner & Monteverdi Orchestra). Además compuso “anthems profanos” como "Mi corazón me está dictando" y canciones: "Música para un rato" (1692) (soprano: Varda Kotler), "Ninfas y pastores" o "Himno nocturno" y “Remember not” (Matthew Curtis, tenor y director)

Los “verse anthems” probablemente deben algo en su forma a las odas reales: “Lord, how long wilt Thou be angry?” (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge). En ellas el texto versificado, era muchas veces de escasa calidad literaria, pero su mayor extensión, comparada con el anthem, permitía que la parte solista adquiriera una importancia primordial. Las odas comienzan con una obertura al estilo francés y tienen solos para voces seguidos de secciones corales que prolongan los solos. Incluso cuando utiliza formas italianizantes o versos pastoriles, no suele haber sentimentalismo en Purcell, sino más bien una actitud irónica.

• Música escénica
La música de Purcell enriquece de tal manera las emociones de los protagonistas, que en el plano del drama humano la ópera en ningún momento deja de ser muy emocionante. Purcell tiene un atractivo catálogo de música incidental para el teatro. Se trata de danzas y "act tunes" (melodías para actuar), “Distressed Innocence”, “Abdelazer” (Joy Roberts (soprano) & The Academy of Ancient Music & dir. Christopher Hogwood), “The Married Beau” y canciones, que a veces son simples melodías y otras se presentan en forma de dúos con diálogos. Otras obras escénicas son 'semióperas': La profetisa, o La historia de Diocleciano ('Dioclesian', 1690), El rey Arturo ("King Arthur", 1691) (Freiburger Barockorchester), La reina de las hadas ('The Fairy Queen', 1692) aria “O let me weep” (Philippe Jaroussky, countertenor, Ensemble Artaserse) ó La reina india "The Indian Queen" empezada en 1695, Carolyn Sampson, soprano & Freiburger Barockorchester)

Su única ópera propiamente dicha, “Dido y Eneas” (1689) con libreto de Nahum Tate, está basada en una historia de amor extraída del libro IV de la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido y el refugiado troyano Eneas. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran. Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir. Se trata de un drama de amor y confabulación. Está desarrollado en tres actos, 'Dido and Eneas' (Ricercar Consort & Collegium Vocale Gent, dir. Philippe Pierlot).

Dido, la mítica reina de Cartago, se suicida al saber de la partida de Eneas.

Los dramaturgos del siglo XVI preferían pintar a la protagonista con una gran fortaleza, dejándose guiar por la razón y venciendo tentaciones. Sin embargo, los dramaturgos del siglo XVII y XVIII resultan menos interesados por ese espíritu tan moralizante y desarrollan más esa dualidad razón-pasión, donde elige el libre albedrío. Purcell, por tanto, prefiere la dramatización de la caída de la mujer ante la pasión, decisión que además atrajo a su obra un público bastante más numeroso.
Después del éxito de su ópera Dido y Eneas, Purcell compuso "La reina de las hadas" (Les Concert des Nations & dir. Jordi Savall) en 1692, una adaptación de la comedia de William Shakespeare "Sueño de una noche de verano" obra de casi 100 años antes, por lo que los libretistas reformaron considerablemente el texto original para darle un aire "moderno".

“El Lamento de Dido” (Dido's Lament) es el nombre de la famosa aria de la ópera Dido y Eneas a la que también se le llama "When I am laid in earth" (Cuando yazca en la tierra) (Dubravka Zubovic, mezzosoprano). El aria, hecha a forma de lamento “chacona” es una forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva, cantada por una soprano o mezzosoprano. Aparte del acompañamiento instrumental la pieza es un solo, esto aumenta el drama emocional de la escena.
El héroe troyano Eneas deja la ciudad de Cartago a pesar del amor compartido con la reina Dido. Ella, sabiendo que no puede vivir sin Eneas, decide suicidarse inmolándose en una hoguera. Irónicamente, el camino que toma el barco de Eneas es iluminado por el fuego. En la que es posiblemente la más famosa escena en la opera, Dido dice sus últimas palabras a su leal doncella, Belinda, antes de morir.”

Thy hand, Belinda, darkness shades me,
On thy bosom let me rest,
More I would, but Death invades me;
Death is now a welcome guest.

Tu mano, Belinda; la oscuridad me envuelve.
En tu seno déjame descansar.
Más quisiera, pero la muerte me invade;
La muerte es ahora una bienvenida visita.

When I am laid, am laid in earth, May my wrongs create
No trouble, no trouble in thy breast;
Remember me, but ah! forget my fate,
Remember me, remember me, but ah! forget my fate.

Cuando yazga, yazga en la tierra, que mis errores
no causen cuitas a tu pecho;
Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino;
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.

Bandas sonoras y adaptaciones:
- Adaptación del “Funeral Of Queen Mary” para la película “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick dirigida en 1971.
- Uno de los elementos mas singulares de la película “El pájaro de felicidad” (1993) de Pilar Miró es, sin duda, su banda sonora. En un momento culminante del guión, justo cuando Carmen (Mercedes Sampietro) se queda por fin sola, con la única compañía de su nieto y de su perro, comienza a sonar una de las arias más hermosas de la ópera barroca y de la historia de la música: el “Lamento de Dido” de “Dido and Aeneas” (Soprano Jessye Norman, dir. Jane Glover & The Orchestra of St. Lukes)

- A la hora de componer la banda sonora la película, 'El Contrato del Dibujante' (The Draughtsman's Contract, 1982) en la que Greenaway debutaba como director, la sabia fusión del estilo minimalista de Nyman (en el que un mismo motivo melódico se repite de manera hipnótica una y otra vez, sin apenas variaciones en el mismo) con el estilo barroco de la música de Henry Purcell, cuyas obras sirvieron de inspiración al autor a la hora de componer. La Michael Nyman Band, interpretó el que quizás sea el tema de Nyman más popular, el titulado “Chasing Sheep is Best Left to Shepherds”. El título es un viejo refrán inglés que, traducido, vendría a significar algo así como 'es mejor dejar a los pastores perseguir a la oveja', y equivaldría al dicho castellano 'zapatero, a tus zapatos'. O lo que es igual, es mejor dejar que los profesionales se encarguen de su trabajo antes que hacer una chapuza uno mismo.

- En “Vanity Fair” (2004) dirigida por Mira Nair la actriz Natasha Little hace el papel de Becky Sharp y ella misma canta el aria" When I am laid in Earth” del “Lamento de Dido” de la ópera Didos y Enea.

- En la película 'Orgullo y Prejuicio' (Pride & Prejudice), 2005 La música totalmente instrumental de Marianelli conserva el tono clásico necesario para el film de época utilizando entre otras melodías una canción de danza clásica, como la central del baile entre los dos protagonistas, punto álgido del film, que se trata de una versión de 'Abdelazar', cuyo título homenajea también al autor original: 'A postcard to Henry Purcell'