John Cage

El 5 de septiembre de 1912 nació en Los Angeles, el compositor estadounidense, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor y coleccionista de setas John Milton Cage Jr., pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales.

Cage fue una de las figuras principales del “avant garde” de post guerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Su faceta de poeta y ensayista le sitúa dentro de la corriente vanguardista norteamericana de la segunda mitad del siglo XX, influyente tanto en las tendencias experimentales contemporáneas de Estados Unidos como de Hispanoamérica.

Hijo de un ingeniero inventor de aparatos electrónicos y submarinos, ingresó en la Universidad de Pomona (California), y cursó luego en Europa estudios de arquitectura y piano. John Cage desarrolló muy pronto una tranquila pero tenaz voluntad de experimentación aplicada, en particular, a la música, pero en un campo más amplio de exploración sobre el lenguaje. Fue fundamental su experiencia de aprendizaje con A. Schöenberg, que lo convirtió en seguida en un compositor radical, inventor de una música vivida como "agregación de sonidos" y, por lo tanto, también de "silencios", definidos como "sonidos inaudibles".

Cage y sus setas

Ya en la década de los 30 comenzó sus primeros trabajos demostrando talento para ritmos imposibles e invenciones como su sistema de veinticinco tonos. Usó distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar: «Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música». Otra de sus especiales es el cultivo de setas, coleccionado diversas especies y acumulando una enorme biblioteca de literatura sobre el tema. Durante un periodo de 1960 se dedicó a proveer de distintos tipos de setas a los restaurantes neoyorquinos más lujosos. En 1962 fue miembro fundador de la junta directiva de la Sociedad Micológica de Nueva York. 

Continuando su interés juvenil por la pintura, Cage dibuja intrincadas partituras, que ejecuta de manera verdaderamente exquisita, y que exhibió en 1958, en la Stable Gallery de Nueva York."Las notas según un sistema muy complejo de numerosas notas, letras y formaciones geométricas", escribió Fore Ashton, que en aquel entonces era crítico de arte de The New York Times : “cada página posee una belleza caligráfica que la convierte en un valor estético por sí mismo, independientemente de la función que pueden cumplir como partituras musicales".

Cage dejó compilado un libro con distintas formas de notaciones musicales modernas -una antología de manuscritos de los principales composiciones contemporáneos- en parte en beneficio de la “Contemporary Performance Arts”.

Los experimentos de Cage con estructuras rítmicas y su interés en el sonido influyeron sobre un número aún mayor de compositores, comenzando por compañeros cercanos en Estados Unidos como Morton Feldman y Christian Wolff (y otros compositores estadounidenses como La Monte Young), y extendiéndose después a Europa. Prácticamente todos los compositores de la escuela experimental inglesa reconocen su influencia, estando entre ellos Michael Parsons, Christopher Hobbs, John White, Gavin Bryars, quien estudió bajo la tutela de Cage brevemente, e incluso Howard Skempton, un compositor aparentemente muy diferente de Cage. La influencia de Cage también es evidente en el Lejano Oriente. Uno de los compositores clásicos más prominentes del siglo XX, Tōru Takemitsu, estuvo influido por su música.

La influencia de Cage también ha sido reconocida por grupos de rock como Sonic Youth y Stereolab. Otros músicos bajo su influencia son el compositor de rock y guitarrista de jazz Frank Zappa, así como diferentes grupos y artistas de música “noise” (cacofonía, disonancia, atonalidad, ruido, indeterminación y repetición).

En realidad, se ha llegado a afirmar que el origen de este tipo de música está en la obra de Cage 4′33". El desarrollo de la música electrónica también estuvo influenciado por Cage: hacia mediados de los años 1970 el sello “Obscure Records” de Brian Eno publicó diferentes obras de Cage. El piano preparado, que fue popularizado por Cage, es utilizado profusamente en el disco 'Drukqs' publicado por Aphex Twin en 2001.

El trabajo de Cage como musicólogo contribuyó a popularizar la música de Erik Satie, y su amistad con artistas expresionistas abstractos como Robert Rauschenberg contribuyó a introducir sus ideas en el campo visual. Cage falleció en Nueva York el 12 de agosto de 1992. En su producción musical, Cage se sitúa más allá de cualquier categoría preestablecida, incluida la dodecafonía. Tras haber traspasado todas las barreras armónicas, su uso tan heterodoxo de los instrumentos tradicionales le llevó al descubrimiento de sonoridades inéditas, como: “Imaginary Landscape” No. 1  (1939);  “Living Room Music” (1940).

Cage 'preparando' un piano

Pronto llegaría la innovación más llamativa en el terreno instrumental: la creación del “piano preparado” (1938); su misma invención es una muestra de la ausencia de todo deseo de planificación por parte de Cage: Al componer una obra para ballet, Cage pensó en emplear una orquesta de percusión pero se encontró con que no había lugar en la sala para tantos intérpretes con instrumentos a veces muy voluminosos. La solución consistió en convertir al piano en una orquesta de percusión. Al introducir en el interior del piano tornillos, gomas y otros objetos extraños, el piano pierde su homogeneidad produciendo sonidos cuya afinación varía, al mismo tiempo que su constitución tímbrica aparece transformada hasta lo irreconocible (1938), que consiste en la creación de sonoridades.

Seguramente la composición más innovadora de entre las que compuso para este piano preparado es una suite que dura 69 minutos llamada “Sonatas and Interludes”: “Sonata 5” (1946-1948); "Sonata 14 y 15”. Otras piezas notables a finales de los cuarenta y comenzando la década de los 50 son "Dream" (1948) Piano solo, “Seis Melodías, para violin y teclado eléctrico” (1950) (Annele Gahl: Violín & Klaus Lang: Piano Eléctrico), entre otras. El marco filosófico sobre el que sus composiciones se amalgaman es la doctrina Zen, en la que Cage profundizó entre 1945 y 1946 gracias a D. T. Suzuki y que enseguida adoptó como tranquilizante ideología para contraponerla al narcisismo de la cultura occidental. La actitud de "escucha" silenciosa de la naturaleza -de la cual también la tecnología entra a formar parte- constituye el terreno epistemológico de base sobre el que Cage construye sus obras.

La adopción del silencio como parte integrante de la partitura musical -es célebre en este aspecto su  4´33´´ (1952), que deja penetrar en sus 4 minutos y 33 segundos de silencio los sonidos ambientales- consagró ya en su época a Cage a la vanguardia musical. La primera interpretación de la misma fue a cargo del pianista David Tudor en 1989 que fue galardonado con el Premio Kyoto (Premio de la Fundacion Inamori, Kyoto). Cage va a ser uno de los primeros compositores que le van a dar una gran importancia al silencio en la música. Él se da cuenta que lo que se concibe como silencio en realidad no lo es, ya que durante los silencios musicales en un concierto continúan sucediendo eventos sonoros (la tos del publico, los ruidos en el exterior del auditorio, etc...). Entonces, sonido y silencio van a ser lo mismo. Cage va a eliminar la dualidad con la que estamos acostumbrados a percibir el mundo (sonido-silencio, bueno-malo, bello-feo, etc...). Así, él deja de prescindir de la estructura y se deshace de ella. El sonido deja de ser un obstáculo para el silencio, y el silencio deja de ser una red protectora contra el sonido. Pero otros aspectos relevantes de su poética le hicieron merecedor de un lugar destacado en el mundo de la filosofía contemporánea: por ejemplo, la adopción del "alea", o composición mediante operaciones casuales ("alea operations"). Con el uso del "alea", y negando al autor cualquier cualidad demiúrgica, Cage consagra definitivamente el fin de toda ideología y ratifica la afirmación de la estética posmoderna.

Hexagrama de I-Ching

En este sentido se sitúa “HPSCHD”, de 1968, obra para clavicémbalo y ordenador programado según el "libro de las mutaciones" chino I-Ching. La adivinación del I Ching requiere obtener un hexagrama por generación al azar para después leer un capítulo asociado con ese hexagrama. Junto con las proporciones anidadas, Cage comenzó a utilizar sistemas de tablas para diferentes trabajos de piano, como “Music of Changes” (1951), donde el material era seleccionado exclusivamente de tablas utilizando el “I Ching”.

Toda la música de Cage desde 1951 fue compuesta utilizando procedimientos de azar, habitualmente el I Ching. Los estudios de Cage son extremadamente difíciles de interpretar. Otra serie de trabajos aplicaron procesos azarosos a música preexistente de otros compositores, como “Cheap Imitation” (1969) basado en Erik Satie, "The Harmony of Maine" (1978) basado en Belcher e “Hymns and Variations” (1979) o “Four2”.

A lo largo de su dilatada carrera, Cage influyó en la obra y en la poética de innumerables artistas e intelectuales, convirtiéndose él mismo en principal referencia de la vanguardia estadounidense y, en general, de la estética contemporánea. Su colaboración con M.Cunningham, que se remonta a 1942 y el trabajo teórico sobre sonido y movimiento; la colaboración con artistas visuales como R. Rauschenberg y J. Johns; la experiencia (1948-1950) con los poetas de la Black Mountain, la intensa amistad con Marcel Duchamp, “Music for Marcel Duchamp” (1947) su maestro de ajedrez y los seminarios de Darmstadt (1958), constituyen piezas importantes del mosaico-Cage.

Al utilizar procesos de azar con el objeto de eliminar los gustos del compositor o intérprete de la música, el desinterés de Cage por el concepto de improvisación era patente, una forma de trabajo inevitablemente unida a las preferencias del intérprete.

No obstante, en toda una serie de trabajos desde los años 1970 el compositor encontró la forma de incorporar la improvisación. En “Child of Tree” (1975) y “Branches” (1976) se pide a los intérpretes que utilicen ciertas especies de plantas como instrumentos, por ejemplo el cactus. La estructura de estas piezas está determinada a través del azar de sus elecciones. Y como si se tratara de un epistemólogo empeñado en el estudio global del lenguaje,

Cage registra también la realidad que lo envuelve, transformándola no sólo en partituras musicales, sino en libros de ensayos y anécdotas como “Silence“(1962) y “A year from Monday” (1967). O en diarios, como Diary: “How to improve the World” (1965). O bien transformándola en "partituras verbales", es decir, reescrituras (mediante "chance operations"), de las obras del transcendentalista H. D. Thoreau, “el hombre de los bosques”, o del “Finnegan´s Wake” de Joyce, o simplemente de nombres de hongos como “Mushroom et Variationes” (1984). Otras veces, transformando esta realidad en aguafuertes e incisiones, extraídas como siempre de manera "casual" de los bocetos de H. D. Thoreau.

En el libro “Silence” Cage escribe: "Nuestra intención debe ser afirmar esta vida, no traer el orden fuera del caos, o sugerir mejoras en la manera de hacer una composición, sino simplemente despertarnos a la vida misma que estamos viviendo. Esto es muy placentero una vez que nuestra mente y nuestros deseos están fuera del camino, y dejan actuar a la vida libremente".

Parte de la razón de esta actitud tan abierta y perceptiva tiene que ver con una gran confianza que tiene Cage hacia la naturaleza, pues cree que solo bastaría con dejarla actuar para que el equilibrio perdido por la injerencia del hombre sobre ella fuera reestablecido. Esta idea la expresa de la siguiente manera: "La música nunca ha existido como una entidad separada excepto en la imaginación de los músicos profesionales. Siempre se ha abierto a la naturaleza, incluso cuando ha sido estructurada en la dirección opuesta. El problema consistía en que la gente ponía toda su atención en su construcción. Hoy día podemos diversificar nuestra atención, y la construcción ya no esconde la ecología".

Debido a esta actitud, se ha dicho que la obra de Cage es una especie de "música ecológica". Es claro que éste compositor tiene una clara preocupación por un mundo enajenado en el que un gran número de seres humanos (sobre todo los que viven en la grandes urbes) están cada vez mas alienados y no son capaces de abrir sus sentidos y percibir el mundo en el que viven. Para lograr adoptar esta actitud es necesario el poder del olvido:

"....Si no tuviéramos este poder, estaríamos sumergidos y ahogados bajo aquellas avalanchas de objetos rigurosamente idénticos. No debe haber costumbre y habito en un mundo en proceso de devenir. La función del arte en el presente es preservarnos de todas las minimizaciones lógicas que estamos tentados en aplicar al flujo de eventos cotidianos. De acercarnos al proceso que es el mundo en que vivimos".

Otras obras posteriores fueron “Litany for the Whale” (1980); “Ryoanji” (1983); “But What About the Noise of Crumpling Paper” (1985); Europeras 1 & 2 (1987); Organ²/ASLSP (As Slow As Possible) (1987); “Two” (1987); ONE8 y 108 (1991); Four6 (1992), entre otras de su extenso repertorio.