'Sweet Emma' Barrett

El 25 de marzo de 1897 nació en Nueva Orleans la pianista autodidacta de jazz 'Sweet Emma' Barrett, que entre los años 1923 y 1936 trabajó con la Original Tuxedo Orchestra dirigida, primero por Papa Celestin y después por William Ridgely. Fue una estrella local hasta que en 1961 grabó su primer álbum con miembros de la Preservation Hall Jazz Band, con la que hizo giras internacionales.

Recibió el apodo de Bell Gal por un gorrito rojo y collares con campanillas que hacía sonar al ritmo de su música. Apareció en la portada de la revista Glamour y en los primeros años de los años sesenta realizó numerosas giras por EE.UU. y Europa. Pero cuanto más crecía su fama como intérprete, más se debilitaba su figura, debido a su avanzada edad. En 1967 sufrió un derrame que le paralizó su mano izquierda, lo que no le impidió seguir actuando y grabando ocasionalmente hasta su muerte en 1983 a los 85 años.

Johnny Burnette

El 25 de marzo de 1934 nació en Memphis (USA) Johnny Burnette, uno de los pioneros del rockabilly. Compartió barrio con Elvis Presley de niño y con su Rock and Roll Trio grabó algunos discos de relativo éxito a finales de los cincuenta. Ya en solitario, su mayor hit fue 'You're sixteen' en 1960.

The Rock and Roll Trio

A Johnny y a su hermano Dorsey Burnette les gustaba tanto el boxeo como la música, destacando ambos en combates locales. Uno de sus contrincantes fue Paul Burlison, un ex-marinero de Tennesse que se dedicaba a tocar el contrabajo en sus ratos libres. Como no vieron futuro en el boxeo, formaron un trio con el que comienzan a tocar en los garitos de la zona. Como tampoco esto les daba para vivir, trabajan un tiempo en las barcazas del Mississippi y entran en la Crown Electric Company de Memphis, donde coinciden con un camionero de la compañía llamado Elvis Presley. Este les solicita ensayar con ellos pero lo rechazan.

El trío con Henry Jerome en 1956

Formado oficialmente en 1953, el Rock and Roll Trio intenta en vano conseguir un contrato con Sam Phillips, de Sun Records, pero no desisten y consiguen un trabajo en el Hideway Club de Middleton (Tennessee) donde tocan regularmente hasta febrero de 1956. A continuación se trasladan a Nueva York donde se presentan al programa Ted Mack Original Amateur Hour, un concurso de talentos. Lo ganan en tres ocasiones consecutivas con su sonido rockabilly salvaje, pero limpio, con dos guitarras, contrabajo y sin batería. Llaman la atención del director de orquesta Henry Jerome que decide convertirse en su manager.

Firman por el sello Coral con el que graban en mayo de 1956 el single 'Tear it up' / 'You´re undecided', que es un éxito en la zona de Boston y Baltimore, pero no logra entrar en las listas nacionales. Aparecen en los más importantes shows televisivos y sus siguientes temas 'Oh baby babe', 'The train kept a rollin´', 'Honey hush', 'Midnight train', además de su aparición en películas como 'Rock, rock, rock', convierten al trio en la banda de rockabilly más popular del país. No obstante, las ventas no acompañan al éxito popular y la publicación de un álbum con los magníficos temas 'Rockabilly boogie' y 'Your baby blue eyes' no mejora la situación económica del grupo. Además surgen celos entre los hermanos, al anunciarse el trio como Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. En otoño de 1957 la banda se disuelve oficialmente.

Aunque una vez superadas sus diferencias volvieron a grabar juntos como los Burnette Brothers en 1958 ('Warm love' / 'My honey') y continuaron colaborando a la hora de escribir canciones para otros artistas, como 'Believe what you say', un éxito de Ricky Nelson de 1957, sus carreras artísticas fueron por separado.

Johnny ficha en 1958 por Freedom Records, filial de Liberty. Allí graba tres singles, 'Kiss me' (1958), 'Gumbo' y 'Sweet baby doll' (1959) que no obtienen éxito. Cuando Freedom Records se vio obligado a cerrar, Johnny pasó a depender del sello principal, Liberty Records donde la producción y la maquinaria promocional era más poderosa. Bajo la producción de Snuff Garrett sigue intentándolo y graba los singles 'Settin the woods on fire' y 'Patrick Henry' (1960) que logran ser hits regionales, pero siguen sin llamar la atención a nivel nacional.

Por fin su tercer single con Liberty, 'Dreamin' le hace popular entre millones de jóvenes que desconocían la existencia del Rock and Roll Trio. Alcanza el puesto nº 11 en las listas Billboard y el Top5 en el Reino Unido y tenía como cara B el tema 'Cincinatti Fireball'.
Su siguiente single, 'You're sixteen' / 'I beg your pardon' (1960), funcionó incluso mejor, alcanzando el Top10 en EE.UU y el puesto nº34 en el Reino Unido, además de un disco de oro.

Para Liberty siguió grabando temas como 'Little boy sad', 'Big big world', 'I've got a lot of things to do', 'Fools like me', 'God country and my baby', su última entrada en las listas (1961), 'Clown shoes', 'The fool of the year' y 'Damn the defiant' (1962). Tras un paso por Chancellor Records, donde publica 'I wanna thank you folks', 'Tag along' y 'Remember me (I'm the one who loves you)', firma con Capitol Records. Allí realiza durante su año de contrato en 1963 cuatro sesiones de grabación en las que grabó unas quince canciones, la mayoría de las cuales permanecieron sin publicar durante años. Las que sí logran ver la luz en formato single, como 'It isn't there', 'All week long', 'The opposite' y 'Sweet Suzie', tampoco consiguen entrar en las listas.

Finalizado el contrato con Capitol, Johnny fundó su propio sello Sahara y en julio de 1964 publica 'Fountain of love' / 'What a summer day'. Como el nombre Sahara ya estaba registrado por otra compañía, Johnny renombró su sello a Magic Lamp y publicó un nuevo single, 'Bigger man' / 'Less than a heartbeat'.
Apartado de los escenarios a causa de la 'invasión británica' se dedicó a componer y a llevar una vida tranquila con su familia en el campo. En agosto de 1964, mientras Burnette se encontraba en el Clear Lake de California con su barca de pesca, un crucero lo embistió, cayendo Johnny al agua y muriendo ahogado a los 30 años.

Béla Bartók

El 25 de marzo de 1881 nació en Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, el músico, compositor, pianista e investigador húngaro de música folclórica de la Europa oriental, Bela Bartók, el cual es considerado uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.

Bartok en 1899

Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada. Aunque los primeros pasos de Bartok en el mundo de la música se decantaron hacia la interpretación pianística (en 1905 llegó a presentarse al prestigioso Concurso Rubinstein de piano, en el que fue superado por un joven Wilhelm Backhaus), pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical. De trascendental importancia fue el descubrimiento del folclore húngaro que Bartók, junto al mencionado Kodály, estudió de manera apasionada de pueblo en pueblo y de aldea en aldea, con ayuda de un rudimentario fonógrafo y papel pautado.

Su influencia en su propia labor creadora sería determinante, hasta convertirse en la principal característica de su estilo y permitirle desvincularse de la profunda deuda con la tradición romántica anterior –en especial de la representada por autores como Liszt, Brahms y Richard Strauss– que se apreciaba en sus primeras composiciones, entre las que figura el poema sinfónico Kossuth. No sólo el folclore húngaro atrajo sus miras: también lo hicieron el eslovaco, el rumano, el turco o el árabe.

Con todo, no hay que pensar por ello que en sus obras se limitara a citarlo o a recrearlo, antes al contrario: era sólo el punto de partida para una música absolutamente original, ajena a los grandes movimientos que dominaban la creación musical de la primera mitad del siglo XX, el neoclasicismo de Stravinsky y el dodecafonismo de Schönberg, por más que en ocasiones utilizara algunos de sus recursos.
Si bien en algunas composiciones se conserva total o parcialmente la melodía original: Cuarenta y cuatro dúos para dos violines, “6 piezas dúo nº 44” (András Keller & János Pilz, violines), en otras, sobre todo en las más maduras, se asiste a la total absorción de los ritmos y las formas populares, de manera tal que, pese a no existir referencias directas, se advierte en todo momento su presencia.

Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets “El príncipe de madera” y “El mandarín maravilloso”, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de sus más complejas piezas. Escribió su segundo cuarteto de cuerdas en 1917.

En 1927-1928 compuso el Tercero y el Cuarto cuarteto de cuerdas, considerados como unos de los cuartetos más importantes de la música clásica. En el Quinto Cuarteto de 1934 vuelve a un lenguaje armónico más simplificado y es más tradicional. Escribió su sexto y último cuarteto en 1939.
Páginas como las de la única ópera escrita por el músico, “El castillo de Barba Azul”; los ballets “El príncipe de madera” y “El mandarín maravilloso”; el “Concierto para piano n.º 1” y el “Allegro bárbaro para piano” (Balázs Szokolay, piano), contribuyeron a hacer de Bartok un autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.

Profesor de piano en la Academia de Música de Budapest desde 1907 y director adjunto de esta misma institución desde 1919, en 1934 abandonó los cargos docentes para proseguir su investigación en el campo de la musicología popular, al mismo tiempo que, como pianista, ofrecía recitales de sus obras en toda Europa y continuaba su tarea creativa, con partituras tan importantes como “Música para cuerdas, percusión y celesta” y la “Sonata para dos pianos y percusión” (Murray Perahia- piano I, Sir Georg Solti - piano II, Evelyn Glennie - percusión, David Corkhill - percusión)

El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó, como a tantos otros de sus colegas, a buscar refugio en Estados Unidos. Allí, a pesar de algunos encargos puntuales como la “Sonata para violín solo” o el “Concierto para orquesta”, Bartok pasó por serias dificultades económicas, agravadas por su precario estado de salud. A su muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones, como el “Concierto para piano n.º 3” y el “Concierto para viola” (Yuri Bashmet & Berliner Philharmoniker), ambas culminadas por su discípulo Tibor Serly.
Fue enterrado en el Cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York, pero en julio de 1988, sus restos fueron transferidos a Budapest a petición de sus hijos, Béla y Peter, donde recibió un funeral de Estado.

Sistema compositivo
Bartók nunca habló de su técnica compositiva. Fue el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el Sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a valorar, y el sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se basa por un lado en el sistema axial, y por otro en la proporción áurea.

1) El sistema axial
Se trata de la división de círculo de quintas en tres ejes dobles, uno de tónica, otro de dominante y otro de subdominante. Cada función tiene dos ejes, eje principal y eje secundario. A su vez cada eje tiene dos extremos, polo y antípoda. Aunque el parentesco entre un polo y su antípoda es menos cercano que con los puntos vecinos, cada polo puede ser sustituido por su antípoda, realizando la misma función. Por tanto, se mantienen las funciones tradicionales de I, IV y V. Una sucesión MI-LA-RE-SOL-DO-FA, en Bartók puede ser MI-LA-LAb-REb-DO-FA.

2) La proporción áurea
El método de Bartók, en su construcción formal, está estrechamente ligado a las leyes del Número Áureo. Éste constituye un elemento formal que es, al menos, tan significativo en la música de Bartók, como la cuadratura en el periodo clásico. La división áurea puede considerarse que sigue uno o dos cursos posibles, según aparezca primero la sección más larga o la más corta. Llamaremos sección positiva a la sección larga; la otra posibilidad será la sección negativa, la sección corta seguida de la larga. Un estudio analítico de varias obras de Bartók permite llegar a la conclusión de que la sección positiva va acompañada de intensificación, ascenso dinámico o concentración de material, mientras que la sección negativa de descenso y apaciguamiento.

El estudio de estas proporciones nos conduce inmediatamente a la cuestión del uso que hacía Bartók de acordes, escalas e intervalos. Estrechamente emparentada con la razón áurea (a la que tiende la razón de dos términos consecutivos) se encuentra la sucesión de Fibonacci. De modo intuitivo o consciente, esta serie numérica ha sido utilizada por las distancias proporcionales que guardan sus términos. Un ejemplo claro donde Bartók usó la serie para crear su "escala Fibonacci" es en su obra “Música para instrumentos de cuerda, percusión y celesta”, o en sus cuartetos de cuerda: Cuarteto nº 1, (Novák Quartet) un análisis de su fuga nos muestra la aparición de la serie y de la razón áurea.

Obras selectas

Sus obras se suelen citar siguiendo el catálogo preparado por el musicólogo András Szőllősy, añadiéndoles Sz delante del número de opus.

Música orquestal
• Tres conciertos para piano - Concierto para piano nº 1 Movimiento I, (Maurizio Pollini, piano; Pierre Boulez & The Orchestre de Paris) - Concierto para piano nº 2. Movimiento I, 2/5 (Alberto Nosè, piano & Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lint)
 - Concierto para piano nº 3: Allegretto - Adagio religioso - Allegro vivace  (Orchestre Symphonique de Birmingham, dir. Sir Simon Rattle & Andreas Schiff, piano)
• Dos conciertos para violín  - Concierto Nº 1. Andante Sostenuto (Chicago Symphony Orchestra, Kyung Wha Chung & Sir Georg Solti) - Concierto Nº 2 (Frank Peter Zimmermann, Orquesta Nacional de España)
• Concierto para viola (Yuri Bashmet & Berliner Philharmoniker)
• Concierto para Orquesta (David Zinman, dir · Berliner Philharmoniker)
• Dos rapsodias para violín y orquesta - Rapsodia nº 1 (Josef Szigeti, Violín & Béla Bartok, Piano)
• Danzas folklóricas rumanas (The Danubia Orchestra, dir. Domonkos Héja)
• Dance Suite (Ingo Metzmacher &
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin)


Música coral
• Cantata Profana (1930) (Chicago Symphony Chorus & Chicago Symphony Orchestra, dir. Pierre Boulez)
• De tiempos antiguos (1935)

Música de cámara
• Sonata para dos pianos y percusión (1937) I. Introducción- Assai lento – allegro moderato  II. Lento ma non troppo – III allegro ma non troppo (Murray Perahia, piano I & Sir Georg Solti, piano II)

• Música para cuerda, percusión y celesta, Sz. 106 (1936) (Murray Perahia - piano I, Sir Georg Solti- piano II & Evelyn Glennie y David Corkhill - percusión)
• Contrastes, Sz. 111 para clarinete, violín y piano (1938) (Yehudi Menuhin violin & Jeremy Menuhin, clarinete).
• Seis cuartetos de cuerdas - Cuarteto de cuerdas Nº 3 (Novák quartet) - Cuarteto Nº 4 . IV. Alegretto Pizzicatto (Amadeus Quartet) - Cuarteto de cuerdas Nº 5 (The Juilliard String Quartet).
• Tres sonatas para violín Sonata- Fuga (Gidon Kremer)
• 44 dúos para dos violines - Volumen I: Libro 1 (No.1-14) & Libro 2 (No.15-25) - Volumen II: Libro 3 (No.26-36) & Libro 2 (No.37-44) (Itzhak Perlman & Pinchas Zukerman, violines)

Piano
• Allegro barbaro (1911)
• Danzas folklóricas rumanas (1915) (Román Népi Táncok)
• Sonatina (1915) (Monique Haas, piano)
• Al aire libre (1926)
• Sonata (1926) Nº 3 Allegro Molto (Lang-Lang)
• Mikrokosmos (1926, 1932–39) Volumen I, 1-17, Volumen II, 52-66, Volumen III, 67-83, Volumen IV, 114-121, Volumen V, 122-131 (Claude Helffer, piano & Haakon Austbö, segundo piano

Música escénica
• El castillo de Barba Azul Sz. 48 (Op.11), ópera 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.
(Sir Georg Solti, Sylvia Sass, London Philharmonic Orchestra & Kolos Kováts)
• El mandarín maravilloso, ballet (Zubin Mehta, dir.& Berliner Philharmoniker)
• El príncipe de madera, ballet (The Chicago Symphony Orchestra & dir. Pierre Boulez)

Johann Adolph Hasse

El 25 de marzo de 1699 nació en Bergedorf, cerca de Hamburgo el compositor alemán del barroco tardío y rococó, Johann Adolph Hasse, considerado como el máximo exponente de la ópera seria italiana del s. XVIII. Es autor de una de las obras más prolíficas de su tiempo: escribió 50 melodramas, una decena de intermezzos, 11 oratorios y un considerable número de obras sacras.

Johann Adolph Hasse

Creció en el seno de una familia de organistas y cantores, recibiendo su primera educación musical de su padre. Debido a que tenía una hermosa voz de tenor, pudo participar en el ensamble de ópera de Reinhard Keiser en 1718. Más adelante obtuvo el puesto de cantante en la corte de Brunswick-Lüneburg, donde también debutó como compositor con su ópera seria “Antioco”, en 1721. A los 20 años escribió su primer drama y al poco tiempo se trasladó a la capital de la llamada ópera moderna italiana para aprender las ideas napolitanas en boga. Estudió con Antonio Porpora y Alessandro Scarlatti. Debido a su amistad con este último, recibió su primer encargo como compositor en Italia: la serenata “Marc Antonio e Cleopatra” (Vivica Genaux & Isabel Bayrakdarian) para dos voces. Esta obra se ejecutó por dos de los más famosos cantantes italianos, Farinelli y Vittoria Tesi.

Faustina Bordoni

Compuso varias óperas e intermezzi y fue adquiriendo una reputación que pronto se extendió por todo Italia. Recibió encargos de teatros de Venecia, Milán, Turín y Roma. En ese periodo se le conoció como “Il Caro Sassone” (el querido sajón) y entabló una larga asociación con el "Ospedale degli Incurabili", uno de los principales conservatorios para jóvenes damas en Venecia. Alcanzó gran popularidad y en 1726, recibió el puesto de maestro de capilla en esa ciudad donde conoció a la muy reconocida mezzosoprano Faustina Bordoni, quien en 1730 se convirtió en su esposa. Ambos músicos recibieron una oferta muy generosa del elector Augusto II de Sajonia para trabajar en Dresde. Tras aceptar esta oferta, la pareja se mudó a la ciudad alemana, donde permaneció dos años. La ópera «Cleofide», fue escrita para su mujer, considerada una de las más grandes cantantes del siglo XVIII.

Después del enorme éxito obtenido con su ópera “Cleofide”- Generoso risuegliati (Película 'Farinelli, il castrato') en Dresden, la vida musical de la ciudad adquirió una inusual brillantez y Hasse inició en ella un fértil periodo creativo que duraría unos treinta años.

El compositor escribió en promedio dos óperas al año, además de cantatas seculares, música instrumental, oratorios y otras obras religiosas para la Capilla Real. Gracias a la generosidad de la corte, Hasse logró condiciones laborales muy favorables y pudo viajar con regularidad a Munich, Viena, Berlín, París, Varsovia y otras ciudades europeas. Desarrolló una cercana amistad con Pietro Metastasio y musicalizó casi todos los libretos del poeta. Ambos compartían los mismos puntos de vista sobre el teatro inspirados por la Edad de la Ilustración.

Dresden en 1750

En 1739, algunos años después de la muerte del elector Augusto II, la familia Hasse regresó a Dresde y Johann Adolph retomó el puesto de maestro de capilla. Fue en este tiempo cuando la capilla de la corte se convirtió en una de las mejores orquestas de Europa. En 1738, estrenó la segunda versión de su ópera “La Clemencia de Tito”- ''Se mai senti'' (Philippe Jaroussky - contratenor) cuya primera versión había estrenado en Pésaro (1735).
La Guerra de los Siete Años puso fin al esplendor de la vida musical en Dresden y a ese memorable periodo en la vida de Hasse. Fue despedido y junto a su esposa, decidió residir en Viena donde Johann Adolph continuó su actividad componiendo óperas como “Il trionfo di Clelia”, convirtiéndose en el compositor favorito de la emperatriz María Teresa I.

En 1771 compuso su última ópera “Ruggiero” (Bayerische Kammerphilarmonie / Reinhard Goebel), escrita para la boda del archiduque Fernando de Austria en Milán. En esta misma ocasión se presentó la serenata Ascanio in Alba de Wolfgang Amadeus Mozart, quien tenía en ese momento solamente 14 años. Sorprendido por la genialidad del joven Mozart, Hasse comentó que "este chico hará que nos olviden a todos".

Iglesia de San Marcuola (Venecia)

Los Hasse se trasladaron a Venecia, donde Johann Adolph pasó los diez últimos años de su vida dedicado a la enseñanza y a la composición de música sacra. Faustina murió en 1781 y Hasse, tras un periodo sufriendo artritis, murió dos años después a los 82 años. Sus restos yacen en la iglesia de San Marcuola de Venecia. Destacable es el Aria "Ah, che mancar mi sento" que compuso Hasse por la muerte de su esposa. Tras su muerte, Hasse cayó en el olvido debido a que la ópera seria rápidamente pasó de moda con sus formas musicales y personajes demasiado estandarizados. La naciente burguesía no tenía interés en los héroes operísticos con los que los monarcas absolutistas se identificaban. Sin embargo, Hasse sigue siendo un puente entre el barroco tardío y el clasicismo vienés muy importante.

Óperas más importantes

• “L'Astarto” (1726)
• “Marc Antonio e Cleopatra” - Aria "Morte col fiero aspetto" - Aria "Là tra i mirti degli Elisi" - Aria "Come veder potrei" - Dueto Final "Bella etade avventurosa”  (Vivica Genaux mezzosoprano - Isabel Bayrakdarian soprano & Concerto Köln, dir. René Jacobs) - Aria "A Dio trono" (Isabel Bayrakdarian & Concerto Köln, René Jacobs).

• “Artaserse”(1730) - Aria: "Per questo dolce amplesso" (Vivica Genaux & Akademie fur Alte Musik Berlin, dir. René Jacobs) - Aria "Pallido il Sole" (Andreas Scholl, contratenor)
• “Arminio” (1730) - Aria: “Ti laschio in ceppi avvinto” (Vivica Genaux, dir. Bernard Labadie & Les Violons du Roy)
• “Ezio” (1730)
• “Cleofide” (1731) - Obertura - Aria "Generoso risuegliati" (Película 'Farinelli, il castrato') - Aria “Pupillette, Vezzosette” (Gandarte) (Randall K. Wong, mezzosoprano & Rheinische Kantorei) - Aria: “Son qual misera colomba” (Ann Hallenberg, mezzo-soprano)

• “Viriate” (1739) - “Come nave in mezzo all'onde” (Simone Kermes, soprano, AIDS Gala Berlín 2009)
• “Numa Pompilio” (1741) - Aria "Piange quel fonte" (Mezzosoprano: Vivica Génaux & Orchestra: Concerto Koeln)
• “Didone abbandonata” (1742) - "Cadrà fra poco in cenere" (Valer Barna Sabadus & Hofkapelle München)
• “L'asilo d'Amore” (1743)

• “Antigono” (1743) - Aria "Perché se tanti siete” (Simone Kermes, Claudio Osele & Le Musiche Nove)
• “Attilio Regolo” (1750) - Obertura (Frieder Bernius, dir. & Cappella Sagittariana)
• “L'eroe cinese” (1753) - Aria de Lisinga (Act I) (Amsterdam Baroque Orchestra, dir. Ton Koopman)
• “Artemisia” (1754) - Obertura (Frieder Bernius, dir. & Capella Sagitariana)

• “Il re pastore” (1755)

• “L'Olimpiade” (1756)

- “Obertura” (Capella Fidicinia, dir. Frieder Bernius)

• “La clemenza di Tito” (1759) - Aria: “Vo disperato a morte” - Aria: ''Se mai senti'' (Philippe Jaroussky - contratenor & Le Concert d'Astrée, dir. Emmanuelle Haïm)

• “Il Ruggiero, ovvero L'eroica gratitudine” (1771) - Sinfonía para viento, cuerdas y bajo continuo (Bayerische Kammerphilarmonie, dir. Reinhard Goebel) - Aria: “Di quello ch'io provo” (Gianluca Belfiori Doro, contratenor)

Otras obras vocales
• “Miserere” en Re menor (Coro Femminile Euridice & Massimo Lombardi)

Obras instrumentales destacables
Es sabido que Johann Adolph Hasse adquirió la más notable de las famas como operista y compositor de obras vocales en general. Sus obras puramente instrumentales fueron, en comparación, claramente menores en número. Pero no por ello desmerecen ante las de cualquiera de sus contemporáneos.

• Concerto Si menor "Adagio" y Concerto Re mayor "Adagio" (Laurence Dean, Christina Aherns-Dean, flauta & Hannoversche Hofkapelle)
• Concierto para violonchelo en Re mayor: Andante moderato-Fuga/Largo/Allegro (Jan Vogler - Cello & Münchener Kammerorchester, dir. Reinhard Goebel)
• Sonata para flauta en La mayor (Laurence Dean & Christina Aherns-Dean, flauta & Hannoversche Hofkapelle)
• Trío sonata en sol mayor op.1/4 "Larghetto" (Maurizio Bignardelli e Luigi Bisanti flautas; Marco Dionette fagot; Francesco Scarcella clavicémbalo)
• Sinfonía en Fa# mayor Opus 3 Nº 5 (Musica Antiqua Köln, dir. Reinhard Goebel).

LP 'Machine Head'

El 25 de marzo de 1972 se publicó en el Reino Unido 'Machine Head', el sexto álbum de estudio del grupo británico de hard rock Deep Purple. Fue el disco de mayor éxito de la banda y fundamental en el desarrollo del heavy metal.

Casino de Montreaux

Cuando todo estaba previsto para grabar con la unidad móvil de los Rolling Stones en el Casino de Montreaux (Suiza), Ian Gillan, el cantante de la banda contrajo hepatitis. Esto hizo que se anulara la gira americana que estaba por venir pero no la grabación, en la que habían puesto una gran ilusión. El Casino de Montreaux era un gran complejo de instalaciones que permanecía cerrado unos meses de invierno, circunstancia que aprovechaban para alquilarlo como 'sala de ensayo y grabación'. Otro motivo no menos interesante era el fiscal, ya que les salía mucho más barato grabar en Suiza que en el Reino Unido.  

Ian Paice

Deep Purple ya había actuado antes en el lugar, así como Pink Floyd y Led Zeppelin. Para empezar a desplegar su equipo solo debían esperar a que se celebrara el último concierto de la temporada: Frank Zappa y sus Mothers of Invention. La noche del 4 de diciembre de 1971 mientras el teclista de la banda de Zappa ejecutaba el solo de 'King Kong' en su sintetizador, algún imbécil del público lanzó una bengala que impactó en el techo, provocando un incendio que, aunque no provocó desgracias personales, destrozó la cubierta, que al desplomarse aplastó el equipo del grupo.

Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover, Ian Gillan y Ian Paice

Los miembros de Deep Purple vieron las llamas desde su hotel y como el humo resultante se posaba sobre el lago Geneva.

El casino en llamas

De ahí surgió el nombre del tema más emblemático del álbum 'Smoke on the water', cuyo famosísimo riff han intentado emular desde entonces todos los guitarristas de rock cuando daban sus primeros pasos. Al quedar el casino inservible, se buscó otra localización para la grabación y se trasladaron al teatro Pavillion, donde comenzaron a grabar por fin. Cuando todo parecía resuelto, las quejas de los vecinos acerca del volumen provocaron que la policía pusiera fin a la sesión. Finalmente acabaron en el Gran Hotel de Montreaux, donde se finalizaron todas las tomas de 'Machine Head'.

Ritchie Blackmore

Ritchie Blackmore recuerda: "Teníamos la cabina de control del estudio móvil de los Rolling Stones afuera en la nieve con los cables entrando en el hotel a través del pasillo de entrada, después por una habitación, a través del baño, luego salía por la ventana y entraba un piso más arriba por otra ventana a las habitaciones donde estábamos con los instrumentos. Esto le dio espontaneidad al trabajo, ya que, cuando vimos lo que costaba ir al control para oir como había quedado, dejamos de ir y dábamos por bueno lo que nos parecía bien sin oirlo demasiado".  

Roger Glover

'Highway star' surgió en un viaje en el autocar de la banda, en el que les acompañaba un periodista. Ante la pregunta de éste de cómo componían las canciones, Ritchie agarró una guitarra y comenzó a tocar un riff mantenido en Sol. Gillian no tardó en unírsele improvisando y, esa misma noche, pulieron y acabaron la canción. Blackmore le dijo al organista Jon Lord que su solo tenía que sonar a 'Bach'. El solo de guitarra de 'Highway star' es otro clásico del instrumento y la velocidad del tema lo convierte en uno de los primeros temas de 'speed metal', un sub-género del heavy metal.

Jon Lord

'Maybe I'm a leo', es un tema de Roger Glover, que compuso el riff tras oir 'How do you sleep?' de John Lennon. Es quizás el tema del álbum que peor ha resistido el paso del tiempo. La letra de la atronadora 'Pictures of home' rezuma paranoia de estudio y morriña de hogar. El riff principal vino inspirado por algo que escuchó Blackmore en una emisora turca de onda corta. A la funky 'Never before' le sigue un trío explosivo: la ya mencionada 'Smoke on the water', el órgano gradual y el crescendo de la percusión de Ian Paice en 'Lazy', y la vertiginosa 'Space truckin'. El álbum alcanzó el nº1 del Reino Unido donde se mantuvo en el top40 unas 20 semanas. En EE.UU. alcanzó el nº7 de las listas de álbumes y permaneció 118 semanas en el Billboard200.
En las mismas sesiones se grabó también el tema 'When a blind man cries' que no pudo incorporarse al álbum y se editó como cara B del single 'Never before'. Sí se incluyó en la reedición de 1997 que conmemoraba el 25 aniversario con nuevas remezclas.

'Highway star'

'Maybe I'm a leo'

'Pictures of home'

'Never before'

'Smoke on the water'

'Lazy'

'Space truckin''

'When a blind man cries'

Ritchie Blackmore – guitarra

Ian Gillan – voz, armónica

Roger Glover – bajo

Ian Paice – batería y percusión

Jon Lord – teclados

Martin Birch – ingeniero