Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 13 de julio de 1973 se publicó en el Reino Unido 'A Passion Play', sexto álbum de la banda de rock progresivo británica Jethro Tull. Tal como el que le precedió ('Thick as a Brick'), se trató de un álbum conceptual con un único tema (dividido en dos en la edición de vinilo) que gira alrededor del viaje espiritual a la ultratumba de un hombre llamado Ronnie Pilgrim, el cual, tras ver el más allá, sigue prefiriendo su vida terrenal e imperfecta a la eternidad en el paraíso.
Aunque alcanzó con facilidad el nº1 en Estados Unidos (en Inglaterra no pasó del puesto 13) las críticas fueron demoledoras y únicamente destacaron el virtuosismo instrumental de la banda que se encontraba en su mejor momento. La obra de Anderson fue tachada de pretenciosa, además de complicada y poco clara, ya que la historia dejaba demasiadas lagunas sujetas a interpretaciones subjetivas.
La grabación del álbum resultó accidentada desde el principio. Las sesiones iniciales tuvieron lugar en el Chateau D'Herouvillle en Francia. Tras seis semanas de trabajo la grabación fue suspendida debido a problemas técnicos y sobre todo de salud, ya que no se completó una semana de grabación sin que uno de los componentes se encontrara con gastroenteritis en la cama. "La comida y el servicio de catering no era aquello a lo que estábamos acostumbrados..."
De nuevo en Inglaterra, empezaron de cero. Anderson lo recordaba así en Guitar World: "Acabé reescribiendo prácticamente todo el material con el que trabajmos en Francia y de ahí salió 'A Passion Play'. El concepto surgió de las posibles opciones que a uno le surgirían en la otra vida. Fue un álbum oscuro -esa era nuestra intención- pero quizás fuimos demasiado lejos tomándonoslo en serio y al álbum le faltaba algo de la variedad. el humor y la autoparodia que contenía 'Thick as a Brick'. Las críticas nos destrozaron. Chris Welch de Melody Maker y Bob Hilburn del Los Angeles Times escribieron reseñas muy negativas que todo el mundo asumió como las correctas, basando sus propias opiniones en ellas. Aquello se convirtió en una bola de nieve que nos afectó profundamente. Ciertamente no es uno de mis favoritos, aunque con el tiempo se ha convertido en álbum de culto para muchos de nuestros seguidores. Fue un intento de llevar el rock y el pop un poco más allá en aspectos compositivo y complejidad musical".
Entre los actos 3º y 4º se incluyó una fábula surrealista que cuenta la historia de un conejo que ha perdido sus gafas. Numerosos animales del bosque se afanan en ayudarle a buscarlas, hasta que el conejo cae en la cuenta de que tiene otras de repuesto. La narración la llevó a cabo Jeffrey Hammond sobre un fondo de música orquestal.
Ian Anderson – voz, flauta, guitarra acústica, saxos
Martin Barre – guitarra eléctrica
John Evan – piano, órgano, sintetizadores, voces
Jeffrey Hammond – bajo, narrador en 'The Story of the Hare Who Lost His Spectacles'
El 30 de mayo de 1973 se publicó en Estados Unidos 'Living in the Material World', tercer álbum de estudio de George Harrison. Precedido por el single 'Give me love', fue uno de los trabajos más esperados de aquel año. En la segunda semana ya era nº1, arrebatándole el puesto a su ex colega McCartney y sus Wings con 'Red Rose Speedway'.
Fue una etapa complicada en la vida de Harrison. Tras su mastodóntico esfuerzo puesto en la organización del concierto de Bangla Desh, comenzó a tener problemas con Patti, harta de sus extravagancias relacionadas con su devoción hare-krishna y sus excesos con la cocaína, lo que unido a su pasión por los coches y la velocidad le llevó a sufrir un accidente con su Mercedes, en el que la peor parte se la llevó Patti.
Además de los temas en los que mostraba su devoción espiritual, 'The Lord loves the one (That loves the Lord)', 'Give me love (Give me peace on earth)' y 'Try some, buy some', el álbum contenía canciones que hacían referencias a su distanciamiento de su legado Beatle y de su estatus de superestrella del rock, como 'Living in the material world', 'The light that has lighted the world', Sue me, sue you blues', 'Be here now' y 'Who can see it'. "El pasado pasó / sé quien eres aquí y ahora / no es como fue antes / pasó..." (Be here now)
Un tema que en principio estaba destinado a ser otro single fue 'Don't let me wait too long'. De hecho, se cortó el acetato y se le asignó un nº de catálogo en Apple Records, pero finalmente decidieron no publicarlo al parecer, por considerar en la compañía que el sonido del tema era muy similar al de la canción 'When I'm dead and gone' de McGuinness Flint.
Músicos George Harrison: voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica, dobro, sitar, armónica y coros Nicky Hopkins: piano eléctrico y piano Gary Wright: órgano, armonio, clavecín y piano eléctrico Klaus Voormann: bajo, contrabajo y saxofón tenor Jim Keltner: batería y percusión Ringo Starr: batería y percusión Jim Horn: saxofón, flauta y arreglos Zakir Hussain: tabla John Barham: orquestación Leon Russell: piano en 'Try some, buy some' Jim Gordon: batería y pandereta en 'Try some, buy some' Pete Ham: guitarra acústica en 'Try some, buy some'
El 7 de mayo de 1973 se publicó en Estados Unidos el single 'Money' de la banda británica Pink Floyd, aprovechando el gran éxito del álbum 'Dark Side of the Moon' publicado unas semanas antes. Con una inusual medida de 7/4, fue su primer top40 en las listas americanas y el tema que marcaba su transición del rock psicodélico de los sesenta a un mainstream más comercial que catapultó al grupo a cotas insospechadas.
La canción trata sobre los aspectos negativos del dinero y la compuso Roger Waters, aunque está cantada por David Gilmour. Según el guitarrista: "Roger ya llegó al estudio con la letra completa y el tema prácticamente estructurado. Añadimos algunos riffs y creamos una progresión que finalizaba en un 4/4 para los solos de guitarra, y dejamos las partes de 7/4 al pobre saxofonista (Dick Parry)"
Contaron con Alan Parsons como ingeniero de sonido en los estudios Abbey Road y un nuevo magnetófono de 16 pistas que les facilitó el uso de numerosos efectos de sonido.
Alan Parsons nos enseña cómo se hizo
El loop de entrada con los sonidos de caja registradora, monedas etc. se confeccionó artesanalmente cortando y pegando siete trozos de cinta de igual longitud para lograr el efecto deseado. Los Beatles ya habían realizado experimentos en este sentido pero éste era más sofisticado. El loop resultante tenía 6 metros de largo por lo que, para mantener la tensión en el aparato de bobinas, la cinta tuvo que distribuirse alrededor del magnetófono con la ayuda de pies de micro. (El mundo digital acabó con estas geniales obras de artesanía)
Pink Floyd en Abbey Road
Como sucede en varios momentos del álbum, al final de 'Money' se oyen voces de conversación. Waters solia entregar a amigos y conocidos un cuestionario con profundas preguntas filosóficas y grababa las respuestas para editarlas después e incluir parte de ellas en la mezcla final. Entre las voces que grabó se encontraba la de Paul McCartney, que trabajaba con su grupo en un estudio contiguo terminando las mezclas de 'Band on the Run'. La voz de Paul no se usó en la versión final de 'Money', sin embargo sí se usó, entre otras, la del guitarrista de Wings, Henry McCullough, al que se le oye decir "I don't know; I was really drunk at the time." ("No tengo ni idea; en aquel momento estaba bastante borracho")
El 5 de diciembre de 1973 se publicó en Estados Unidos (en el Reino Unido apareció dos días después) 'Band on the run' el tercer álbum de Wings y el quinto de Paul McCartney tras su separación de los Beatles.
Paul, Linda y Denny en Lagos
Con dos álbumes en el mercado, Paul parecía haber encontrado la fórmula con su nuevo grupo Wings. Acababan de lograr un nº2 en el Hot100 con el tema principal del film de James Bond 'Live and let die' y se disponían a registrar un nuevo álbum cuya grabación se iba a realizar en los estudios que EMI poseía en Lagos (Nigeria). Las dificultades comenzaron cuando poco antes del viaje, dos miembros del grupo, Henry McCullogh y Denny Seiwell decidieron abandonar el proyecto... "El baterista y el guitarrista de mi grupo nos dejaron tirados en el último minuto", declaraba McCartney a Musician, "literalmente sucedió una hora antes de subir al avión, por lo que finalmente sólo Denny Seiwell y el ingeniero Geoff Emerick nos acompañaron a Lagos y yo mismo me encargué de grabar las partes de batería y guitarra."
Su capacidad de multi-instrumentista ya había quedado demostrada en su primer álbum en solitario 'McCartney', por lo que no suponía un gran problema, pero nuevos obstáculos les aguardaban en Nigeria. En primer lugar la pareja sufrió un robo a punta de navaja en el que se perdió una bolsa que contenía letras y maquetas en cassete de las canciones. Esto no logró desanimarlos y Paul, Linda, Denny y Geoff siguieron adelante con el proyecto a pesar de las dificultades que asimismo encontraron en los estudios de Lagos, debido a la antigüedad y precariedad de los equipos de grabación.
Paul y Fela Kuti
Unos días más tarde, en plena grabación, Paul pareció quedarse sin voz y sin aire, y todos temieron que estaba siendo víctima de un infarto. Resultó ser un espasmo bronquial producido por un exceso fumando. Para colmo, los artistas locales, abanderados por Fela Kuti, los acusaron de robarles su música. Paul tuvo que invitarle al estudio, donde le demostró que sus grabaciones no contenían en absoluto música africana. Posteriormente, Ginger Baker invitaría al ex-beatle a grabar en su estudio ARC en Ikeja, un suburbio de Lagos. Allí se grabaría el tema 'Picasso's last words'.
Superados todos los obstáculos, tras siete semanas de trabajo lograron producir el que para muchos es el mejor álbum de McCartney con Wings. Alcanzó el nº1 de las listas de álbumes en Estados Unidos, el Reino Unido y varios países más, entre ellos, España.
El título del álbum y el tema que lo abre, 'Band on the run', uno de los collages musicales a los que McCartmey era tan aficionado, hacía referencia a las tribulaciones que la banda sufrió desde el inicio del proyecto y contiene la frase "If we ever get out of here", una expresión que George Harrison no paraba de exclamar en las duras y desagradables reuniones con sus abogados durante las negociaciones de disolución del cuarteto.
La inspiración para otros temas del álbum provenían del entorno doméstico de la pareja, como 'Jet', nombre de uno de los cachorros de su Labrador o 'Helen wheels', single no contenido en el álbum original que apareció unas semanas más tarde, que se refería al nombre que recibió el jeep Land Rover que McCartney poseía en su finca de Escocia, 'Hell on wheels' (Infierno sobre ruedas).
'Picassos' last words' fue el resultado de un encuentro en Jamaica entre el músico y el actor Dustin Hoffman, en aquel momento inmerso en el rodaje de 'Papillon'. Durante un almuerzo Hoffman le preguntó a McCartney qué sistema usaba para componer canciones a lo que Paul le contestó que no lo sabía. Simplemente elegía un tema y comenzaba. Dustin le retó a componer una al instante y le mostró un artículo del Time Magazine que trataba sobre la muerte de Picasso y sus últimas palabras antes de morir: "Beban por mí!". Asombrado, Dustin fue testigo de cómo en unos instantes, Paul componía la canción.
En la foto de portada aparecían varias personalidades amigos todos ellos de McCartney, como los actores James Coburn y Christopher Lee. Fue el último disco publicado bajo el sello Apple Records. Poco más de un año después, el álbum recibió un Grammy y en 1999 se publicó una edición especial extendida conmemorando el 25 aniversario de su publicación que incluía 'Helen wheels'. De nuevo, en 2010 se volvió a publicar con temas extra, como 'Country dreamer', documentos sonoros inéditos y un DVD.
El comentario que probablemente más agradeció Paul fue el de su mayor crítico, su ex-colega John Lennon, quien sostuvo en una de sus entrevistas con Rolling Stone lo siguiente: "'Band on the Run' es un gran álbum. Wings es un grupo-concepto muy similar a la Plastic Ono Band. Los miembros pueden cambiar pero da igual quien toque en Wings, seguirá siendo música de Paul. Y en este caso es buena música".
El 31 de agosto de 1973 se publicó el decimotercer álbum de la banda británica The Rolling Stones.'Goats Head Soup', marcó para muchos el fin de la época dorada de los Stones, el momento en el que Mick ascendió a los ambientes de la jet-set y Keith sucumbía lentamente a sus adicciones. Abanderado por el single 'Angie', el álbum fue nº1 en las listas americanas e inglesas y sigue siendo uno de los discos más populares de la banda, con cerca de cuatro millones de copias vendidas.
Keith y Mick en Jamaica
En noviembre de 1972, el grupo se instaló en Kingston (Jamaica) para grabar su nuevo álbum en los Dynamic Sound Studios. Keith lo recordaba en 2002: "Jamaica fue el único país que nos dejó entrar a todos!. Para entonces, el único país en el que se me permitía existir era Suiza, un lugar tremendamente aburrido para mí, por lo menos el primer año, ya que no me gusta esquiar... Nueve países me prohibieron la entrada, así que tuvimos que encontrar soluciones para que la banda continuara funcionando."
Mick Jagger
Sobre el proceso de grabación, Marchall Chess, presidente de Rolling Stones Records por aquel entonces, manifestó: "Solíamos reservar el estudio para un mes completo, 24 horas al día. De este modo, la dispocisión de los instrumentos en el estudio permanecía inalterable y los chicos podían desarrollar sus canciones a su modo acostumbrado, empezando con unas frases de una letra y un ritmo para -a base de improvisaciones y ensayos- crear el sonido final. Temí el hecho de que llevaran seis o siete meses sin tocar juntos, pero tras media hora de ensayo, la sinergia que generaban juntos salió a relucir y de nuevo sonaban al grupo compacto que habían sido siempre."
Keith Richards
Keith Richards añade: "Los temas que configuraron el álbum en sí no tardaron mucho en grabarse, pero grabamos una gran cantidad de tomas." Entre ellos se encontraban 'Tops', 'Waiting on a friend' (ambas recuperadas en 1981, en 'Tatoo You') y 'Through the lonely nights', cara B del single 'It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)'. Las sesiones se llevaron a cabo en dos etapas: la primera desde el 25 de noviembre hasta el 21 de diciembre de 1972; la segunda se realizó entre el 23 de mayo y el 20 de junio de 1973.
Glyn Johns
Glyn Johns, el ingeniero de grabación y también responsable de la mezcla, recuerda las sesiones en Jamaica: "El álbum sufrió por el excesos de drogas y alcohol. Se puede percibir en la música. Prácticamente todo el mundo (con la excepción de Bill Wyman y Charlie Watts) estaban colocados. La heroína comenzó a jugar un papel más importante que en ocasiones anteriores, lo que fue muy negativo para el álbum. El principal consumidor era Keith, pero los demás tampoco nos podíamos considerar unos angelitos". Keith además se enfrentaba a acusaciones de tenencia y tráfico de cannabis en un tribunal de Niza en Francia y Astrid, la mujer de Wyman, fue violada en su hotel de Jamaica. "Todo aquello también influyó. Pero hubo una actitud general de 'OK, hagámoslo', que permitió que aquello llegara a buen puerto"
La elección del single, 'Angie', no fue del agrado de Atlantic Records, que preferían otro 'Brown Sugar' a una balada. El tema no estaba dedicado a la primera mujer de David Bowie, Angela, como cree la mayoría.
Otras versiones -también erróneas- atribuyen el origen de la canción a la primera hija de Keith, Dandelion Angela. Richards lo explica en su autobiografía 'Life': "Yo estaba en una clínica en Suiza desintoxicándome y Anita un poco más abajo, en la misma calle, trayendo al mundo a nuestra hija Angela. Una vez que pasó el trauma habitual de los primeros días, agarré una guitarra que tenía por ahí y escribí 'Angie' sentado en la cama en una tarde, porque por fin podía mover los dedos otra vez y ponerlos donde se suponía que iban, y ya no sentía que me cagaba encima en la cama, ni me subía por las paredes, ni estaba frenético...
Anita y Keith
Así que empezé a cantar 'Angie, Angie'. No era sobre nadie en particular, no era más que un nombre, podía haber sido 'ooooh, Diana'. De hecho no sabía que mi hija se iba a llamar Angela cuando la compuse. Entonces no se sabía el sexo del bebé hasta que nacía; lo que es más, Anita le puso Dandelion... Le cayó Angela de segundo porque nació en un hospital católico donde insistieron en que se le añadiera un nombre 'como Dios manda'. En cuanto creció, la propia Angela dijo que no la llamáramos Dandy en la vida"
El segundo single que se extrajo del álbum fue 'Doo doo doo doo doo (Heartbreaker)' en el que critican a la policía de Nueva York que mató por error a un niño de diez años. Otra de las canciones memorables del álbum fue 'Star, Star', una pieza de rock'n'roll a lo Chuck Berry, que en su versión original se llamó 'Starfucker'. No sólo trajo controversia por el nombre, que Ahmet Ertegün, presidente de Atlantic, les instó a cambiar, también había alusiones de sexo explícito y se mencionaban nombres de celebridades como Steve McQueen y John Wayne, que Atlantic se encargó de enmascarar cuando el tema se incluyó en el álbum en directo 'Love You Live' en 1977.
La recepción del álbum por la crítica estuvo dividida. Mientras unos lo consideraban "una de las experiencias musicales más satisfactorias del año", otros evidenciaban la crisis creativa por la que pasaba su música debido al consumo de drogas y otros motivos extramusicales. Fue el último álbum de los Stones producido por Jimmy Miller, que había trabajado con ellos desde las sesiones de 'Beggar's Banquet'. La cubierta del álbum fue idea de Ray Lawrence y la fotografía la realizó David Bailey, un buen amigo de Jagger que había trabajado con los Stones desde 1964. En la versión vinilo, la imagen de Jagger de la portada está a tamaño real.
El 3 de agosto de 1973 se publicó en Estados Unidos 'Innervisions', el décimosexto álbum de Stevie Wonder y el tercero de su 'etapa clásica', en la que Wonder controlaba todo el proceso de creación ejerciendo además de hombre orquesta, componiendo, interpretando y produciendo prácticamente la totalidad del álbum. Su magnífico trabajo con el sintetizador ARP y sus experimentos sonoros aprovechando las tecnologías del estudio de grabación fueron fundamentales para que 'Innervisions' fuera uno de los discos más influyentes en la música negra americana de los siguientes años.
Tres días después de la aparición del álbum, Wonder sufrió un grave accidente de automóvil que lo mantuvo cuatro días en coma. Este hecho, su rápida y casi milagrosa recuperación y la consiguiente expectación en los medios incrementaron el interés por el nuevo trabajo de Wonder que fue nº1 en las listas de R&B y top 5 en las listas pop. Tres de los singles que se extrajeron, 'Higher ground', 'Living for the city' y 'Don't you worry 'bout a thing', en el que hacía un guiño a sus fans latinoamericanos jactándose de sus conocimientos de la lengua española ("Todo está bien, chévere"), asimismo fueron hits internacionales.
Es de madrugada, cuando un 6 de agosto de 1973 John Harris conduce su coche a través de la oscuridad de Carolina del Sur. En el asiento del copiloto, su primo Stevie Wonder duerme plácidamente cuando John ha de levantar el pie del acelerador, ya que ante él se desplaza dando bandazos un camión con remolque que transporta troncos de madera.
John decide adelantarlo, pero cuando se encuentra en paralelo con el transporte, el enganche de su remolque se parte y vuelca con la carga, con tan mala fortuna que uno de los troncos atraviesa el parabrisas del coche e impacta en la cabeza del músico. Con graves heridas Stevie es trasladado al Rowan Memorial Hospital de Salisbury. Los médicos diagnostican una fractura de cráneo y trasladan a Stevie inconsciente a una clínica neurológica especializada. El cantante pasa varios días en coma y nadie sabe si el joven músico de 23 años despertará algún día. Incluso los neurólogos del Babtist Hospital de Salem están sin respuestas. Mientras tanto, la cabeza de Stevie se ha inflamado y ha adquirido un tamaño aterrador.
Pero el único amigo de Wonder desde su niñez, el cantante de gospel Ira Tucker, no pierde la esperanza. Pocos meses antes del fatal accidente Stevie había escrito un tema cuyo mensaje espiritual tendría una repercusión extraordinaria. Ira se sienta junto al paciente inconsciente y le susurra la canción al oído. Y así se consigue lo que nadie creía posible: Stevie comienza a mover lentamente los dedos marcando el ritmo de 'Higher Ground' de su álbum 'Innervisions'.
Desde este momento hasta su recuperación plena todavía quedaba un largo y tortuoso camino por recorrer. Cuando recuperó el conocimiento, Stevie comprobó, entre otras cosas, que había perdido el sentido del gusto. Pero lo que más temía el cantante era haber perdido su talento y capacidades musicales. Para comprobarlo, Tucker le trajo un clavinet (pequeño teclado electrónico) a la habitación del hospital. Allí permaneció sin tocar algunos días. Wonder estaba aterrado ante la posibilidad de no saber qué hacer con él, hasta que por fin se decidió a pulsar unas teclas, y comprobó con alivio que su genio permanecía con él.
El 25 de mayo de 1973 se publicó en el Reino Unido, 'Tubular Bells', el album debut de Mike Oldfield y el primero en aparecer bajo el sello Virgin Records, propiedad de Richard Branson. Alcanzó enseguida el nº1 de las listas inglesas y permaneció en él varios meses. Su uso en la banda sonora de 'El Exorcista' contribuyó poderosamente al éxito y en los dos primeros años de ser puesto a la venta ya había vendido más de 16 millones de copias.
The Manor
Richard Branson había ganado suficiente dinero con su servicio de venta de discos por correo y con su tienda de Londres para permitirse construir un estudio de grabación en una mansión al norte de Oxford. The Manor Studio fue el primer estudio-residencia de Inglaterra siguiendo el ejemplo del músico francés Michel Magne en el Château d'Hérouville, cercano a Paris. En él pretendía Branson comenzar la andadura de su nuevo sello discográfico, Virgin Records. (El nombre se lo sugirió un colaborador, opinando que, como todos eran novatos en el negocio, era el más adecuado).
Mike en 1972
Por otro lado, Mike Oldfield, un músico de la escena folk, que ya había grabado algunos discos formando dúo con su hermana Sally, trataba de que alguien tomara en consideración la maqueta de un proyecto musical compuesto con 17 años, que llevaba entre manos. "Llevé mis cintas a varias compañías pero todos me miraban como si estuviera loco. Decían que así, sin voces, ni letra, ni batería no se podía poner en el mercado." Hasta que Tom Newman y Simon Heyworth, ingenieros de sonido del recién inaugurado estudio de Richard Branson, escucharon el trabajo de Oldfield.
Tom Newman
Les gustó tanto que llevaron las cintas a su jefe para convencerle, y Branson accedió. En los seis meses siguientes, Mike se encerró en el estudio y grabó 80 pistas de audio usando 28 instrumentos distintos que interpretaba él mismo. Sólo intervinieron tres músicos de estudio (percusión, oboe y flauta). El resultado fue 'Tubular Bells' un collage de guitarras, teclados y campanas perfectamente ensamblado en una magnífica obra musical revolucionaria de 49 minutos.
Simon Heyworth
Branson, sin embargo, no estaba tan entusiasmado. Estaba empeñado en que hubiera una parte cantada para poder sacar un single. Oldfield recuerda: "Me entró un arranque de rebeldía y dije: '¿Quieres una parte cantada? Pues yo te la daré'. Así que me bebí media botella de Jameson y le dije al ingeniero que me acercara al estudio. Allí me desahogué ante el micrófono durante diez minutos dando alaridos y gruñendo como un oso". Esa fue la 'parte cantada' que permaneció en la parte 2 de Tubullar Bells.
Mike Oldfield
"El nombre fue lo último que decidimos. Yo no tenía ni idea y Richard quería llamarlo 'Breakfast in bed' (Desayuno en la cama) porque tenía una foto de un huevo pasado por agua con sangre fluyendo de su interior que le parecía espectacular como portada. Yo lo odiaba, pero cuando le sugerí 'Tubular Bells', el seguía obsesionado con 'Breakfast in Bed'. Prácticamente tuve que suplicarle"
'Tubular Bells' se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionándose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, arreglo de un tema tradicional.
Vivian Stanshall
El 'maestro de ceremonias' es la voz (Vivian Stanshall) que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras que estos van haciendo su aparición y se van uniendo uno tras otro, a la melodía principal. El último instrumento es muy especial: "plus... Tubular Bells!".Vivian Stanshall era miembro del famoso grupo cómico-musical inglés The Bonzo Dog Doo-Dah Band, que se encontraba en los mismos estudios en los que 'Tubular Bells' estaba tomando forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco.
Tubular Bells fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. Permaneció 279 semanas en las listas británicas, las cuales escaló lentamente, tardando casi un año en alcanzar el nº1. Cuando por fin alcanzó el puesto de honor, lo hizo desbancando el segundo trabajo de Oldfield, 'Hergest Ridge', que había logrado el nº1 tres semanas antes.
En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película 'El Exorcista'. A Oldfield, que no había sido consultado, no le agradó demasiado la maniobra, pero fue precisamente la popularidad adquirida por la película, la que le abrió las puertas del mercado estadounidense. Desde entonces -por la asociación de la música con el film- las primeras notas de 'Tubular Bells' adquirieron en la cultura popular connotaciones de música de terror.
El éxito sorprendente logrado por Tubular Bells hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.
Campanas tubulares
La portada de Tubular Bells ha pasado a la historia de la música, y su nacimiento fue bastante curioso: Oldfield toca este instrumento al final de la primera parte, pero en vez de usar los tradicionales martillos de madera, golpeó las campanas con uno de hierro. "Realmente quería un sonido como de campanario de iglesia, un sonido fuerte, así que decidí usar esos martillos de hierro. Golpeé las campanas después de tomar carrerilla por todo el estudio". Como era de esperar, las campanas se destruyeron, doblándose sobre sí mismas. Esto le hizo a Mike tener una idea para la portada. Fue entonces cuando llamaron a Trevor Key, un fotógrafo especialista en objetos metálicos, quien dio forma final a la famosa campana tubular que representa hoy en día todo un símbolo: es el
'símbolo Mike Oldfield'. Él mismo lo eligió cuando creó su propia
compañía de discos, Oldfield Music LTD.
Piano de cola y honky tonk; carillón; órganos Hammond, Farfisa y Lowrey; bajo; guitarras eléctricas, acústicas y española; mandolina; percusión variada; flageolet y campanas tubulares.
Steve Broughton – Baterías
Sally Oldfield – Voces
Mundy Ellis – Voces
Jon Field – Flautas
Lindsay Cooper – Oboe
Vivian Stanshall – Maestro de ceremonias
Producción: Mike Oldfield, Simon Heyworth y Tom Newman
Ingenieros de grabación: Simon Heyworth y Tom Newman
Además de las diversas reediciones y remasterizaciones que aparecieron en los años posteriores, en 2003 se grabó una nueva reedición completa del disco. Oldfield nunca había estado del todo contento con la grabación original ya que sólo había tenido unas pocas semanas para grabarlo y la tecnología de por entonces no le ofrecía lo que él necesitaba. Como consecuencia, no se pudieron arreglar algunos errores y algunos instrumentos no estaban en el tono adecuado en la grabación de 1973. Debido a razones contractuales, no se pudo hacer ninguna otra grabación hasta 25 años después. El lanzamiento de Tubular Bells 2003 coincidió con el 50º cumpleaños de Oldfield y el 30º aniversario del lanzamiento de la versión original.
Para continuar siendo fiel al álbum original, Oldfield se hizo con una copia del original de 16 pistas gracias a Richard Barrie de Air Studios: estos se grabaron en formato Digidesign Protools. Sin embargo, faltaban algunas partes, como por ejemplo secciones de 'Finale', de 'Caveman' y 'The Sailor Hornpipe'. Las versiones originales se llevaron a Logic Pro, donde Oldfield usó MIDI para crear un 'mapa' del tiempo y del compás, ya que había secciones que no estaban dentro del tiempo. Debido al uso de tecnología digital, 'Tubular Bells 2003' tuvo un sonido mejor sintetizado y brillante que el original. Ya que Vivian Stanshall, el maestro de ceremonias en la versión de 1973, había muerto, Oldfield contrató a John Cleese para que hiciera el papel introduciendo los instrumentos en 'Finale'.
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