09 agosto 2020

Jack DeJohnette


Hoy cumple 78 años el baterista, pianista y compositor estadounidense de jazz Jack DeJohnette nacido en Chicago. Es una figura importante de la era del jazz fusion y está considerado como uno de los bateristas más influyentes del siglo XX tanto por su trabajo en solitario liderando diversas bandas, como por su labor como sideman de músicos como Miles Davis, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, Sonny Rollins y John Scofield.

Aunque sus padres, Jack y Eva Jeanette, eran ambos amantes de la música, fue de su tío Roy Woods de quien recibió sus primeras influencias musicales. Woods era un disc-jockey de jazz que años más tarde se convertiría en vicepresidente de la asociación de emisoras afroamericanas. Poseía una colección de discos de 78 rpm que incluía discos originales de Louis Armstrong y Billie Holiday y Woods enseñó a su sobrino a colocar los discos en el gramófono para escucharlos. "Todavía no sabía leer -tendría tres o cuatro años- pero sabía el disco que quería escuchar fijándome en las etiquetas", recuerda Jack en una entrevista de Down Beat. Con cuatro años, su madre y su abuela decidieron inscribirle a clases de piano con Antoinette Rich, la directora de una orquesta sinfónica de Chicago compuesta únicamente por mujeres.

Rich descubrió con asombro la capacidad de afinación que tenía aquel niño una vez lo escuchó improvisar con un kazoo. Desarrolló tal habilidad con el instrumento, que con cinco años acompañó a T-Bone Walker con el kazoo en un club de Chicago llamado 'The Persian'. Sin embargo, esto quedó aparcado dando prioridad a su entrenamiento clásico, que continuó con su siguiente instructora de piano, Viola Burns. Tras diez años seguidos de piano, en la adolescencia perdió su interés por el teclado y en la high school aprendió a tocar la batería para unirse a la banda escolar. Volvió al piano tras oír a Fats Domino cantar 'Blueberry Hill' y en casa comenzó a practicar con los hits contemporáneos de los años cincuenta. Entre 1957 y 1965 mostró su talento como pianista en varias bandas de jazz de Chicago.  

"En aquel tiempo no era necesario trasladarse a Nueva York, porque en Chicago la escena musical era boyante. Había grandes músicos en la ciudad y las jams se sucedían día tras día en muchos locales". Durante estos años no descuidó sus estudios de batería y percusión, encontrando gran inspiración en Max Roach, que DeJohnette consideraba un músico completo. Se apuntó a cursos del American Conservatory of Music, tocaba en shows avant garde, big bands y descubrió su conciencia social cuando se le prohibió confraternizar con los clientes blancos de un piano bar de la zona norte de Chicago.

A principio de los sesenta Coltrane visitó Chicago y DeJohnette se convirtió en el batería de su quinteto en 1962. En 1966, animado por su primera mujer, Deatra, se trasladó a Nueva York y entró en el cuarteto de Charles Lloyd, la primera banda de jazz que actuó en el Fillmore, que contaba con Keith Jarrett en sus filas. En 1968 dejó el cuarteto y se unió al trío de Bill Evans el año que encabezaban el cartel del Festival de Jazz de Montreaux. Seguidamente trabajó con Stan Getz, antes de relacionarse con Miles Davis.

En 1969 grabó 'Bitches Brew' con Miles y se unió a su banda hasta 1971. En ese tiempo contribuyó a los álbumes 'Live-Evil' (1971), 'A Tribute to Jack Johnson' (1971) y 'On the Corner' (1972), además de conocer y colaborar con otros músicos de la banda como John McLaughlin, Chick Corea y Dave Holland. Seguidamente Jack formó varios grupos de músicos afines, como Compost, formado en 1972, cuya música resultó demasiado experimental para obtener éxito comercial.


En 1973 volvió con Stan Getz con quien permaneció hasta octubre de 1974 y en 1976 formó la banda New Directions, con el guitarrista John Abercrombie, el trompetista Lester Bowie y el bajista Eddie Gomez.

Esta formación co-existió con otra banda de DeJohnette, Special Edition, cuyo primer trabajo, 'Special Edition' (1979) por primera vez atrajo la atención de la crítica. Estaba formada por David Murray al saxo tenor y clarinete, Arthur Blythe al saxo alto, Peter Warren al contrabajo y chelo y Jack al piano y a la batería. La formación cambió en los siguientes trabajos y en 1985 se publica 'Album Album' con Howard Johnson (saxo barítono), David Murray (saxo tenor), John Purcell (saxo alto y soprano) y Rufus Redi (bajo), que recibe una gran acogida.

El prestigio del grupo se mantuvo gracias a álbumes como 'Irresistible Forces' (1987), 'Audio Visualscapes' (1988) y 'Earth's Walk' (1992). No sólo se limitó a la actividad del grupo. Colaboró -además de los mencionados- con innumerables músicos, entre ellos, Keith Jarrett, George Benson, Kenny Wheeler, Miroslav Vitous, John Surnam, John Scofield, Sonny Rollins, Freddie Hubbard, Steve Kahn, Michael Brecker y Geri Allen. En 1990 grabó 'Parallel Realities' con Pat Metheny, Dave Holland y Herbie Hancock.

El año 2004 fue nominado a un Grammy por su colaboración en el álbum en vivo de Keith Jarrett, 'The Out-of-Towners' y DeJohnnette continuó con él hasta 2005. Ese mismo año publicó en su nuevo sello 'Music in the Key of Om', un álbum de música electrónica pensado para la meditación y la relajación, que recibió de nuevo una nominación al mejor disco de 'new age'. El Grammy le fue concedido por fin por su álbum 'Peace Time' en 2008, el mismo año en que realizó giras con Bobby McFerrin, Chick Corea y el Keith Jarret Trio.

En 2010 formó Jack DeJohnette Group con Rudresh Mahanthappa al saxo alto, David Fiuczynski a la guitarra, George Colligan a los teclados y su colaborador habitual Jerome Harris a los bajos eléctrico y acústico. En 2012 salió al mercado uno de sus últimos trabajos, 'Sound Travels', un álbum que toca varios géneros con colaboradores como Bruce Hornsby, Esperanza Spalding, Lionel Loueke, Bobby McFerrin, Luisito Quintero y Jason Moran. 'Somewhere', publicado en 2013, recoge actuaciones en vivo en el nuevo milenio del aclamado trío de Keith Jarrett y en 2016 se publicó 'In Movement'. Su entrega más reciente fue 'Hudson' en 2017 con John Medeski, John Scofield y Larry Grenadier.

07 agosto 2020

Bruce Dickinson


Hoy cumple 62 años el cantante británico de heavy metal Bruce Dickinson, conocido por ser la voz solista de la banda Iron Maiden desde 1981 hasta 1993 y, de nuevo, desde 1999 hasta hoy.

Bruce en la Universidad (centro de la imagen)
Bruce nació en el pequeño pueblo minero de Workshop. Se crió con sus abuelos y pasó la niñez visitando varios internados. Descubrió muy joven el rock (con cuatro años le rogó a su madre que le comprara el single 'She loves you' de los Beatles) y pronto formó parte de varios grupos de los colegios a los que acudía. Terminado el bachiller, se trasladó a Londres para estudiar Historia.

Allí siguió involucrándose con la música cantando en grupos desconocidos de la escena londinense. En una de sus actuaciones fue descubierto por Paul Samson, líder de la banda Samson. Paul le ofreció a Bruce el puesto de cantante en su banda y Dickinson aceptó dejando los estudios. Con ellos Bruce grabó dos álbumes de cierto éxito 'Head On' (1980) y 'Shock Tactics' (1981).

En 1981 el grupo Iron Maiden se había quedado sin solista, tras la marcha de Paul Di'Anno. El primer candidato fue Bruce Dickinson, quien tras largas negociaciones, aceptó el trabajo, dejando a Samson. Tras una corta gira por Italia entraron en el estudio para grabar 'The Number of the Beast'. Al principio había numerosos fans de Iron Maiden que veían con escepticismo el cambio de cantante, ya que la voz melodiosa de Dickinson era muy diferente a la áspera y más cercana al punk de Di'Anno. Tampoco la música que Bruce practicaba con Samson tenía mucho que ver con la de los Maiden. Cuando en 1982 apareció el single de presentación 'Run to the hills', desaparecieron todas las dudas y temores. El álbum fue nº1 y en la gira posterior los estadios llenos también refrendaron el cambio de vocalista. Desde 1982 hasta 1992, cada uno de los siete álbumes publicados por la banda alcanzó el Top3 de las listas británicas.

En 1993 dejó la banda con la intención de seguir en solitario. Ya en 1990 publicó un álbum bajo su nombre titulado 'Tattoed Millonaire' que surgió tras la grabación de 'Bring your daughter...to the slaughter', un tema que le encargaron para la película 'Pesadilla en Elm Street 5'. El álbum incluía una versión de 'Elected' de Alice Cooper junto a Mr Bean.

Tras su salida de Iron Maiden anduvo colaborando con otros músicos como Roy Z y su banda Tribe of Gypsies publicando cuatro álbumes ('Balls to Picasso' 1994, 'Skunkworks' 1996, 'Accident of Birth' 1997 y 'The Chemical Wedding' 1998), que no terminaron de funcionar, hasta que en 1999 decidió volver con Iron Maiden, los cuales no habían tenido la misma suerte que en 1981 con los sustitutos de Bruce. Tras dos álbumes fallidos de la banda, Iron Maiden, con Dickinson de nuevo en sus filas, volvieron a publicar álbumes de gran éxito, como su último trabajo hasta la fecha: 'The Final Frontier' (2010), nº1 en las listas de medio mundo. En septiembre de 2015 se produjo el lanzamiento de su nuevo álbum: 'The Book of Souls'.


Aparte de la música, Bruce Dickinson realiza otras actividades. Practica esgrima olímpica con un gran nivel, y de hecho fue invitado a participar de la selección británica de esgrima en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, oferta que rechazó por encontrarse en medio de la gira del disco 'Fear of the Dark'.

Comandante Dickinson
También pilotó hasta 2011 un Boeing 757 para la empresa de aviación Astraeus con el rango de comandante, y dirigía un programa sobre aviones comerciales en Discovery Turbo llamado 'Heavy Metal en Vuelo'. Estudió Historia Antigua en el Queen Mary and Westfield College de la Universidad de Londres, y fue un miembro activo del partido conservador de su Reino Unido natal. Bruce también es escritor y ha lanzado al mercado varios libros especialmente en el género de novela. Asimismo, escribió el guión de la película 'The Chemical Wedding', basada en  Aleister Crowley, figura mágico-satanista del siglo XX. La película está dirigida por Julian Doyle y Bruce Dickinson también participó en la banda sonora.

Caetano Veloso


Hoy cumple 78 años Caetano Veloso, músico brasileño nacido en Santo Amaro de Purifiçao, en el estado de Bahía. Desde los años sesenta, Veloso ha sido un personaje dominante en la música brasileña contemporánea. Junto a Gilberto Gil y Tom Zé, entre otros, revolucionó la Música Popular Brasileira y crearon un nuevo estilo, el tropicalismo, que fusionaba la bossa nova, la música popular, el rock americano e incorporaba influencias de música electrónica y avant-garde (sobre todo Stockhausen). Veloso, cuya grandeza musical ha sido comparada con las de Dylan, Marley y Lennon-McCartney, evolucionó en los años ochenta y noventa, convirtiéndose en un auténtico hombre del Renacimiento brasileño, destacando además como poeta, escritor, pintor y realizador de cine.

Su familia, numerosa y amante de la música, estaba integrada por ocho hermanos, dos de ellos adoptados. En su infancia, Caetano absorbió las influencias musicales ue provenían de las múscias populares del Caribe, África y Estados Unidos. Sin embargo fue el seductor sonido de la bossa nova de Joao Gilberto, la que formaría la base de sus futuras composiciones de pop ecléctico. En 1960 se trasladó a Salvador para terminar la secundaria y en 1963 ingresó en la universidad fderal de Bahia para estudiar filosofía. Fue una época en la que en Brasil se produjo una explosión cultural, que afectó a la música y al pensamiento político. Por otro lado, la bossa nova se convirtió en uno de los símbolos del modernismo brasileño. Veloso comenzó a escribir críticas de arte en el periódico local, al mismo tiempo que tomaba parte en espectáculos avant garde de teatro y cantaba temas de bossa nova en bares y pequeños locales.

Maria Bethania y Caetano
A comienzos de los años sesenta acompañó a su hermana Maria Bethania, que ya celebraba éxitos como cantante, a Río de Janeiro. Allí, Veloso, que contaba 23 años, inició su carrera ganando un concurso de letras con su canción 'Um día', lo que le procuró un contrato con Philips. Comenzó a grabar en Rio en 1965 y en 1966 competía en los festivales musicales de la TV con gran éxito. Muy pronto, Caetano, junto a otros artistas brasileños como Gal Costa y Gilberto Gil, representaba la nueva ola de la Música Popular Brasileira, o MPB, el término que usaban para describir su música pop. Con sus letras inteligentes, ambiciosas y creativas y su aspecto de izquierdista radical, Veloso se convirtió en una figura controvertida de la escena musical de Brasil.

En 1967 se alineó con el movimiento hippie y junto a Gil creó un nuevo estilo que el artista Helio Oiticica bautizó como Tropicalismo. Ese mismo año, Veloso publicó su primer álbum, 'Domingo', grabado con Gal Costa en 1966. El Tropìcalismo mantenía la esencia de la bossa nova, pero añadía elementos del folk-rock y el rock progresivo creando amalgamas de guitarras eléctricas, recitados poéticos y disonancias del jazz. Aunque en un principio mal recibido por sus fans, el Tropicalismo era una impresionante síntesis que dio lugar una nueva generación de músicos osados y sin pelos en la lengua a la hora de manifestar su ideología política. En 1968 Caetano grabó su primer trabajo como solista, 'Caetano Veloso', cuyo controvertido tema 'É proibido proibir' cruzó las fronteras brasileñas.

"Estábamos fascinados por los avances tecnológicos", recuerda Veloso "y también estábamos interesados en acabar con la hipocresía sexual, algo no habitual en los movimientos de izquierdas. Juntamos el rock'n'roll con el tango argentino y la música de los burdeles brasileños y podíamos ser sexualmente ambiguos. Los comunistas de entonces no simpatizaban con los gays. Nosotros sí". Pero tanta exposición cultural y política implicaba evidentemente muchos riesgos. El país se encontraba desde 1964 bajo una dictadura militar y las autoridades comenzaron a observar con malos ojos la música que practicaban estos 'músicos radicales'. Inmediatamente pusieron en marcha una serie de sanciones que limitaban las grabaciones y actuaciones de la mayoría de 'tropicalistas'. La censura de los textos, así como la inclusión de muchos en las listas negras de las emisoras de radio y TV, se convirtieron en hechos habituales.

Caetano Veloso y Gilberto Gil
Por otro lado, los artistas cuyas letras criticaban al gobierno como Chico Buarque, Geraldo Vandré, Gilberto Gil y el mismo Caetano, fueron perseguidos y en algunos casos encarcelados. Veloso y Gil pasaron dos meses en prisión y cuatro meses bajo arresto domiciliario por 'actividades anti-gubernamentales'. En 1969 se vieron forzados a exiliarse en Londres. "Abandonar mi país no fue una experiencia agradable, pero en 1969 Londres era un sitio muy interesante", recordaba Veloso en uan entrevista de 1999. En los tres años que estuvo lejos de Brasil, visitó también Madrid y Tel Aviv, y siguió componiendo canciones para otros artistas del Tropicalismo.

Volvió a Brasil en 1972 y, aunque su compromiso político no varió, musicalmente pasó a ser una figura fundamental del pop brasileño. Su actividad era frenética, componiendo, grabando y produciendo. Nada más llegar publicó un disco experiemental, 'Araçá azul'. A mediados de la década añadió a sus creaciones la publicación de un libro de artículos, poemas y letras de canciones titulado 'Algeria Algeria', (como su primer hit), que abarcaba el periodo entre 1965 y 1976. En 1978 publica 'Muito', uno de sus mejores trabajos.

En los años ochenta su popularidad se extendió fuera de las fronteras de Brasil y realizó giras por Africa, Francia e Israel. Fue el entrevistador de Mick Jagger para la TV brasileña, y en 1983, a sus 41 años, actuó por primera vez en Estados Unidos, llenando tres noches seguidas el Public Theater de Nueva York y cosechando unas excelentes críticas en las páginas del New York Times.

Desde entonces ha publicado otros quince álbumes de estudio (además de una decena en directo), como 'Estrangeiro' (1989), producido por Arto Lindsay y su primer trabajo grabado fuera de Brasil que le abrió las puertas del mercado norteamericano; 'Tropicalia 2' (1993), grabado con Gilberto Gil; 'Fina estampa' (1994), enteramente cantado en castellano; 'Livro' (2000); 'A Foreign Sound' (2004), cantado en inglés; 'Cê' (2006), 'Zii e Zie' (2009) o su último trabajo hasta la fecha, 'Abraçaço' (2012).

Sus canciones aparecen en bandas sonoras de películas como 'Eros' de Antonioni, 'Hable con ella' de Almodóvar y 'Frida' de Julie Taymour. En su ficha de All Music Guide reza: "Un verdadero peso pesado, Caetano Veloso es un músico, poeta, realizador de cine y activista político cuya grandeza en el panteón de la música pop internacional está a la par de la de Bob Dylan, Bob Marley y Lennon/McCartney".

B.J. Thomas


Hoy cumple 78 años el cantante norteamericano (Billy Joe) B.J. Thomas, nacido en Hugo (Oklahoma), conocido principalmente por su hit internacional 'Raindrops keep fallin' on my head', compuesto por Burt Bacharach y Hal David para la película 'Butch Cassidy and the Sundance Kid' ('Dos hombres y un destino') dirigida por George Roy Hill en 1969.

B.J. Thomas & The Triumphs
De niño cantó en el coro de la iglesia y más tarde en el coro de su instituto (high school), el cual terminó dirigiendo. Con 15 años formó un grupo de rock llamado The Triumphs con el que realizaba actuaciones en los clubes y emisoras locales. Eran muy populares en el estado de Texas y lograron grabar un disco, 'Billy and Sue' (1964), al que siguió una versión de 'I'm so lonesome I could cry', un nº1 de 1949 escrito por Hank Williams. Un ejecutivo de Scepter Records se fijó en el grupo y al año siguiente, editó el tema en todo el país, por lo que B.J. Thomas & the Triumphs obtuvo en 1966 su primer Top10 en EEUU.

Tras otros éxitos menores, Billy Joe dejó el grupo y se lanzó en solitario. En 1968 logró con 'Hooked on a feeling' su primer éxito, que vendió un millón de copias. Al año siguiente se le ofreció cantar un tema de Bacharach/David seleccionado para aparecer en la banda sonora de 'Dos Hombres y un Destino'. El resultado fue un clásico: 'Raindrops keep fallin' on my head'. No solo vendió millones de copias y fue nº1 durante cuatro semanas en EEUU, además de un hit en varios países de Europa. También recibió en la edición de 1970 un Oscar por la mejor canción original.


En los años setenta tuvo otros éxitos en las listas americanas como 'I just can't help believing' (1970), 'Rock and roll lullaby' (1972) y su tercer disco de oro, '(Hey won't you play) Another somebody done somebody wrong song' (1975).

En los años ochenta Thomas se orientó más hacia la música country. En 1981 fue admitido en el Grand Ole Opry y dos años después tuvo sendos nº1 en las listas country: 'Whatever happened to old fashioned love' y 'New looks from an old lover'. A finales de la década su popularidad decreció y Billy Joe tuvo que superar adicciones al alcohol y las drogas, tras lo que volvió a mediados de los noventa a realizar giras. Hasta la fecha ha conseguido 5 premios Grammy y más de 70 millones de copias en ventas.

El mes de abril de 2013 se publicó el álbum 'The Living Room Sessions', el primer 'unplugged' de Thomas, en el que celebraba sus 50 años en la industria discográfica y ofrecía versiones acústicas de sus hits más populares, algunos de ellos acompañado de sus artistas favoritos como Lyle Lovett, Vince Gill, Richard Marx o Steve Tyrell, entre otros.

06 agosto 2020

Carlos Segarra


Hoy cumple 59 años el cantante y músico español Carlos Segarra, nacido en Barcelona y conocido por su liderazgo en el grupo Los Rebeldes. Desde los 16 años ya tocaba en público en algunas localidades interpretando versiones de Jerry Lee Lewis, Los Beatles, Bob Dylan y sobre todo, Eddie Cochran. Su amigo Loquillo le prestaba apoyo a modo de mánager y después aunarían esfuerzos para montar un grupo musical, Teddy, Loquillo y sus amigos.

En 1979, Carlos Segarra, junto con Aurelio Morata al bajo, y Moisés Sorolla en la batería, funda Los Rebeldes. Poco después, en 1980, junto con Los Intocables, acompañan a Loquillo en 'Los tiempos están cambiando', un disco que alcanzó cierta fama con la canción 'Esto no es Hawái'.

En 1981, Los Rebeldes graban su primer disco: 'Cerveza, chicas y... rockabilly! ', en el que aparecen canciones como 'El rock del hombre lobo' y 'Eres un rocker'. Fue una bocanada fresca de rock and roll en plena 'movida' y hasta la fecha han publicado catorce álbumes con éxitos memorables como 'Carolina', 'Noche de acción', 'Mescalina', 'Mediterráneo', 'Bajo la luz de la luna' y 'Ardiente amor'.

En 1990 Carlos compuso la música para la banda sonora del film 'Las edades de Lulú' y, además de Los Rebeldes lidera otra banda llamada Rock and Roll Club con la que ha publicado dos álbumes. El 15 de octubre de 2010, Los Rebeldes presentaron en Madrid su último disco 'Noches de luz, días de gas', que conmemoraba sus 30 años de carrera. El año 2013 intervino con otros conocidos artistas españoles como Alberto Comesaña, Joaquín Padilla y Pablo Perea en el musical 'Escuela de calor' sobre canciones de la movida madrileña. Actualmente (2020) sigue de gira por España con su tour 40 Aniversario.

05 agosto 2020

Rick Derringer


Hoy cumple 73 años el guitarrista y cantante norteamericano Rick Derringer, nacido en Fort Recovery (Ohio). A los diecisiete años, en verano de 1965, grabó con su grupo The McCoys el tema 'Hang on Sloopy' que fue nº 1 y un éxito internacional.

En los setenta, ya en solitario, Rick colaboró con las bandas de Johnny y Edgar Winter, en el álbum 'Killer' de Alice Cooper, y en varios temas de Steely Dan. También consigue otro hit con 'Rock and roll hoochie koo', extraido de su álbum debut 'All American Boy' (1973). Desde entonces ha publicado más de una veintena de álbumes en solitario o en colaboración con otros músicos como Bonnie Tyler, Edgar Winter o Ian Hunter. En los años ochenta ejerció de productor descubriendo a 'Weird Al' Yankovic y formó parte de la banda de Cyndi Lauper hasta 1992. Su publicación más reciente fue 'Knighted by the Blues' en 2009 y entre 2010 y 2012 estuvo de gira con la enésima versión de la 'All Starr Band' de Ringo. En 2018 se embarcó en una gira llamada 'Hippiefest' con las bandas Vanilla Fudge, Mitch Ryder y Badfinger.


Airto Moreira


Hoy cumple 79 años el baterista y percusionista brasileño Airto Moreira, nacido en Itaiópis. Aprendió pronto a tocar la guitarra y el piano, aunque seguidamente eligió la percusión. En 1966 fundó el Trio Novo, con el que acompañó entre otros a Geraldo Vandré. Cuando en 1967 se les unió Hermeto Pascoal, el trío se convirtió en Cuarteto Novo.

En 1968 se trasladó con su esposa, la cantante Flora Purim a Nueva York, donde Airto conoce a Joe Zawinul, quien le presenta a Miles Davis. Moreira grabará con Miles los álbumes 'Live-Evil''Miles Davis at Fillmore'. En esta época, Airto fue el percusionista de jazz más influyente y solicitado en los estudios.

Flora Purim y Airto Moreira
Tocó junto a Lee Morgan, fue uno de los fundadores de Weather Report y junto a Flora Purim formó parte de la primera encarnación de Return to Forever de Chick Corea. En 1972 reunió para el álbum 'Free' a Chick Corea, Keith Jarrett y Stanley Clarke. En varios viajes alrededor del mundo, Airto coleccionó más de 120 instrumentos de percusión de distintas procedencias. Fue elegido mejor percusionista por la revista Down Beat siete años consecutivos (1975 a 1982) y de nuevo en 1993.

Desde entonces ha publicado numerosos discos en solitario, acompañando a su esposa Flora Purim y a otros músicos como Al Di Meola (1985), Dizzy Gillespie (1990), Mickey Hart (1995), Jacob Anderskov (2008) y Lawson Rollins (2010). Destacan los álbumes 'Fingers' (1973), 'Virgin Land' (1974), 'Touching You...Touching Me' (1979), 'The Other Side Of This' (1988), 'Killer Bees' (1993), 'Revenge of the Killer Bees' (2000), 'Life After That' (2003) y 'Ears To the Ground' (2008). En 2017 aparecieron dos nuevos trabajos: 'Alué' 'Textures: Balkans'.


Motoi Sakuraba


Hoy cumple 55 años Motoi Sakuraba, compositor japonés de bandas sonoras, videojuegos, anime, series de televisión y también músico de rock progresivo independiente, nacido en la prefectura de Akita. Su cariño hacia la música viene de pequeño, cuando recibía clases de piano. Aunque disfrutaba mucho aprendiendo bajo la batuta de su profesor, más tarde desplazó estos estudios por deportes, como el baloncesto o el voleibol.

Sin embargo, cuando entró en el instituto, usó todos sus ahorros para comprarse un Sintetizador Teisco 110F. Este le ayudó en su progresión como teclista, tocando en varios locales, y más tarde mostrando sus dotes como un artista de rock progresivo, dejando atrás su faceta más tímida, mientras se graduaba. Como bien confesó Sakuraba, tomó algunas influencias en su temprana carrera. Grupos como Pink Floyd, su banda favorita, o Yellow Magic Orchestra.

Empezó su carrera musical como compositor y teclado de una banda de rock progresivo conocida como Dejà Vu. Tras el lanzamiento de un disco “Baroque in the Future” en el 88, la banda se disolvió y el compositor siguió en solitario. Compuso varios álbumes como: 'Forest of Glass', “Reminiscence”. Al poco tiempo empezó a trabajar para Wolf Team, filial de Telenet Japan y llegó su primer encargo para consola: el videojuego “Arcus II de Sharp X68000”.

En 1994, el antiguo director y compositor de Wolf Team, Masaaki Uno, empezó a trabajar en Camelot Soft. como coordinador y director de sonido, y solicitó numerosas veces la colaboración de Sakuraba para juegos de Nintendo como las series “Mario Sports” y “Golden Sun”. Por otro lado, Wolf Team creó en el 95 el legendario juego “Tales of Phantasia” para Namco, el inicio de una serie para la que Sakuraba trabajaría activamente a partir de entonces. También en el 95, el ex director y productor Jun Asanuma abandonó Wolf Team junto al guionista y programador Yoshiharu Gotanda para fundar tri-Ace, una empresa que daría lugar a series como “Star Ocean” y “Valkyrie Profile” que emplearía al músico para componer las bandas sonoras de todos sus juegos (a excepción de Radiata Stories).


Ya en el 99, el diseñador de sonido y programador Hiroya Hatsushiba decide fundar "tri-Crescendo", compañía que empezó contribuyendo en el apartado musical de tri-Ace y que luego pasaría a producir sus propios títulos con el apoyo de Namco, resultando en la creación de los dos “Baten Kaitos” y el juego “Eternal Sonata”, en los que Sakuraba participaría también.

A pesar de estar siempre tan ocupado, el compositor ha encontrado tiempo también para ocuparse de la banda sonora de varios Films animados como “Gensoumaden Saiyuki”, “Star Ocean EX” o “Weiße Kreuze glühen”, así como algunas películas japonesas e incluso un par de conciertos propios. El estilo musical de Sakuraba sigue acorde al de sus inicios a finales de los ochenta, inclinándose por el rock progresivo interpretado siempre con sintetizadores.

Sin embargo, y como ha demostrado en varias ocasiones de manera brillante, el compositor tiene también un estilo más suave que mezcla la orquesta con el barroco, y que incluso se permite algún tema vocal como “Kyoutenka” o “Le Ali del Principio”, que está interpretado por su hija Mio. Destacable su concierto “Motoi Sakuraba Live Concert” que incluye canciones de dos de sus mayores éxitos: “Valkyrie Profile” y “Star Ocean”. También las bandas sonoras de la bilogía "Baten Kaitos", consideradas por muchos el mejor trabajo del compositor por su mezcla de estilos y sus espléndidas melodías.

TRABAJOS RECIENTES:
“Dark Souls” (2011)
“After All” 
“Ragnarok Online” 10th Anniversary Package Deluxe Edition
“Tales of Xillia 2”  (2012)
“Bravely Default”
“Samurai Empire”
“Mario Tennis Open”
“GuitarFreaksXG3”
“Kid Icarus: Uprising”
“Beyond the Labyrinth”
-  “What's up?”
- “Valkyrie Crusade”  (2013)
- "Tales of Zestiria" (2015)
- "Dark Souls III" (2016)
- "Tales of Berseria" (2016)
- “Star Ocean: Anamnesis  (2016)
"Mario Sports Superstars" (2017)
"Mario Tennis Aces" (2018)
"Fantasy Earth: Zero" (2019)

Betsy Jolas


Hoy cumple 94 años la compositora francesa Betsy Jolas nacida en París. Su madre, la traductora María Jolas, había estudiado canto y siguió cantando durante toda su vida. Su padre, el poeta y periodista Eugène Jolas, fue el fundador y editor de la revista "Transición", que contó con más de un período de diez años, con los grandes nombres de la literatura, la pintura y la música.

Betsy se estableció en los EE.UU. y terminó sus estudios en el Lycée Français de Nueva York, antes de que en 1945 estudiase en el Bennington College, donde obtuvo el grado de Bachiller en Artes el año siguiente. Al mismo tiempo, cantó en los coros Dessof que también acompañó como organista y como pianista, descubriendo así el repertorio polifónico del Renacimiento, que iba a tener una profunda influencia en ella. Regresó a París en 1946, y estudió en el Conservatorio Nacional, en particular en la clase de Darius Milhaud de composición y con Olivier Messiaen de análisis musical.

Betsy Jolas fue la ganadora del «Concurso Internacional de jóvenes directores de Besançon» en 1953. Ella es miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras desde 1983 y miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias desde 1995. En 2007 presidió el Consejo que adjudica los Premio de Composición Musical Príncipe Pierre de Mónaco.

Distinciones:
1974 - Grand prix national de la musique.
1981 - Grand prix de la ville de Paris.
1982 - Grand prix de la SACEM.
1985 - Comandante de la Orden de las Artes y las Letras.
1992 - Prix international Maurice Ravel.
1997 - Caballero de la Legión de Honor.


A través de sus cualidades vocales, su negativa a romper con el pasado - la finura y precisión de su trabajo - el arte de Betsy Jolas evita la trampa en la que cae gran parte de la música contemporánea, es decir, la ausencia de las composiciones comunicadoras. Donde muchos parecen considerar que la presencia del oyente es un mal necesario pero apenas tolerable, Betsy Jolas se niega a adoptar esta actitud y se comunica con el público en un discurso que está destinado a ser inteligible, sensible y conmovedor. Es hoy, una de las más reconocidas compositoras francesas en el mundo.

Entre sus numerosas obras, se detallan las siguientes:
“¿Cuál es el propósito de la comunicación a través del arte. Esa es toda la cuestión... Supongo que mucha gente puede prescindir de la música, o que lo pueden hacer sin la pintura, o sin la necesidad de leer. Pero la calidad de vida no es exactamente la misma, eso es todo. Yo no puedo vivir sin ella (la música), es como respirar”