09 noviembre 2018

Rolling Stone (revista)


El 9 de noviembre de 1967 se publicó en San Francisco (California) el primer número de la revista Rolling Stone. Fundada por Jann S. Wenner y el crítico musical Ralph J. Gleason, en su día estuvo considerada 'la Biblia del Rock and roll'.


Con una línea editorial que apuntaba a la creciente contracultura, era bastante diferente de la mayoría de publicaciones underground que surgieron en la mayoría de las ciudades norteamericanas a finales de los sesenta.

En su primer número, que mostraba en la portada a John Lennon durante el rodaje de 'How I won the war', Wenner escribía que la revista
"no sólo es acerca de la música y los músicos, también de los elementos y actitudes que la propia música abarca y genera"
. Esto significaba que, además de música y cultura, opinaban sobre política y temas sociales.
En los ochenta el foco se amplió a la industria del entretenimiento (cine y TV).

A lo largo de los años el aspecto físico de Rolling Stone pasó de un formato tabloide en papel de periódico al formato revista con edición en papel couché. Considerada la madrina de la crítica de la música moderna y generadora de un buen número de periodistas del rock como Greil Marcus, Cameron Crowe, Jon Landau, Beng Fong-Torres y David Fricke, los trabajos de autores como Tom Wolfe y Hunter S. Thompson y las fotografías de Annie Leibowitz contribuyeron en gran medida al prestigio de la publicación. En la primera edición los ejemplares de la revista llevaban como regalo unas 'pinzas', que se usaban en la época para apurar los 'joints' de marihuana.

Muy criticadas han sido sus listas de 'los más grandes guitarristas, cantantes, grupos, álbumes, canciones, etc' que han estado publicando desde los años ochenta por omitir o despreciar en su momento a artistas de la talla de Led Zeppelin, Black Sabbath, AC/DC, Nirvana, Radiohead, Pink Floyd, Aerosmith o Queen, entre muchos otros, para años más tarde cambiar radicalmente de opinión reconociendo su importancia, ensalzando su carrera y sus obras.
A principios de los 2000 se enfrentó a una fuerte caída ingresos y competencia de otras revistas como Maxim o FHM, pero Rolling Stone se reinventó tomando posiciones en cuestiones políticas internacionales -la situación de Oriente Medio, el calentamiento global o la economía- y apuntando a lectores más jóvenes.

Última edición de RS España
Desde el año 1998 Rolling Stone se edita asimismo en países de habla hispana. El estreno fue en Argentina, cuya edición se distribuye también en Bolivia, Paraguay y Uruguay. Un año después nació Rolling Stone en España. Dejó de publicarse en junio de 2015. 2002 fue el año de la primera edición de RS México. En Colombia el nº1 apareció en el año 2003 editado en Bogotá para el país y para Perú, Ecuador y Venezuela. Sin embargo, tras cinco años de trabajo y 58 ediciones, cerró sus puertas en 2008. En diciembre de 2013 volvió a publicarse.
También en 2003 se estrenó la revista en Chile que hasta entonces importaba la edición argentina. En diciembre de 2011 se publicó su último número.

En agosto de 2013 la aparición en la portada del joven que puso la bomba en el marathon de Boston provocó una gran controversia sobre lo adecuado o no de conceder tal protagonismo a un terrorista. El alcalde de Boston, Thomas Menino envió una carta al editor Jann Wenner con frases como "Una imagen tremendamente desafortunada que demuestra que la violencia y la destrucción proporciona fama a sus autores y sus causas" y "Los que verdaderamente se merecen una portada de Rolling Stone son todos aquellos que sobrevivieron al criminal atentado y cuyo primer pensamiento fue servir de ayuda a los heridos. Aunque ya no creo que Rolling Stone sea merecedora de ellos."

El mes de septiembre de 2016 se anunció que Wenner se encontraba en el proceso de venta del 49% de sus acciones a una compañía de Singapur llamada NabdLab. También se aseguró que el nuevo inversor no tendría influencia alguna en la línea editorial de la revista. Justo un año después, Jann Wenner puso a la venta el 51% restante. Desde enero de 2019 la compañía ha sido adquirida en su totalidad por Penske Media, compañía estadounidense de medios digitales, controlada y operada por su presidente y CEO Jay Penske.

16 septiembre 2018

Camilo Sesto


El 16 de septiembre de 1946 nació en Alcoy, Alicante, el cantante, productor y compositor español Camilo Blanes, más conocido por Camilo Sesto, probablemente la voz española más importante de los años setenta y ochenta. Ostenta el nada despreciable récord de mayor cantidad de nº1 en el mundo latino y la cifra de más de 175 millones de discos vendidos cantados en seis idiomas.

Los Botines
A los seis años, Camilo ya cantaba en el coro del colegio de Alcoy y pronto se convirtió en una de sus voces principales. Concluidos los estudios secundarios, y debido a su afición por la pintura, se matriculó en la facultad de Bellas Artes, influido por la escuela pictórica de la luz levantina, en especial por Sorolla. Pero al mismo tiempo su afición a la música iba en aumento y así, en 1962, formó su primer grupo, Los Dayson. Debutaron en Madrid en octubre de 1964.

Al año siguiente Camilo ya se había establecido en la capital como cantante de un grupo llamado Los Botines, con el que grabó sus primeros discos para el sello Columbia. En 1968 decidió seguir en solitario y tras terminar la 'mili' entró en contacto con Juan Pardo, quien le produjo su primer disco 'Llegará el verano', editado con el nombre de Camilo Sexto. Aquel trabajo pasó inadvertido pero Pardo logró interesar a Ariola para que apostara por él.

En 1970 publicó un álbum que incluia el tema 'Buenas noches, mi amor', una versión pop de la clásica canción de cuna de Brahms. Al año siguiente participó en el certamen televisivo Canción '71, donde se comenzó a gestar el fenómeno de fans que encumbraría a Camilo Sesto -ya con 's'- hasta la cima. No tardó en traspasar fronteras y en ser conocido en toda Sudamérica, donde gozó de una popularidad fuera de lo común. En Argentina, 'Algo de mí' fue disco de oro en 1972, antes incluso que en España.

Al año siguiente participó en el Festival del Atlántico, en Tenerife, con 'Mendigo de amor', de Juan Pardo, y en el de la OTI, donde defendió el tema 'Algo más'. En 1973 regresó a las listas de éxitos con la canción 'Amor, amar', con letra de Lucía Bosé, y copó las de LPs con los álbumes 'Sólo un Hombre', 'Camilo Sesto' y 'Camilo' con temas como 'Todo por nada''¿Quiéres ser mi amante?' y 'Llueve sobre mojado'. En 1975, su tema 'Melina', dedicado a la actriz griega Melina Mercouri, entró en las listas de éxito inglesas y alemanas. Ese mismo año participa en la ópera rock Jesucristo Superstar. El montaje español de la famosa obra de Broadway supuso la consagración de su carrera e hizo de él durante los años siguientes el vocalista nº1 del pop español.


La magnitud y calidad general de la obra (el compositor de la música, Andrew Lloyd Webber, uno de los autores junto a Tim Rice, reconoció que la única producción de todas las realizadas a lo largo del mundo equiparable a la original norteamericana, fue la española) contribuyó a elevar a Camilo Sesto en España hasta la categoría de mejor artista del momento. Y además dio inicio al fenómeno de los musicales en España, hasta entonces inexistentes.

Ángela Carrasco y Camilo
Sesto representó el papel de Jesús de Nazaret. También participaron en el elenco Ángela Carrasco, en el papel de María Magdalena; Teddy Bautista, como Judas (también se encargó de la dirección musical); Alfonso Nadal, como Poncio Pilato, y Dick Zappala, como Herodes Antipas, entre otros. La dirección y la adaptación de las letras originales corrió a cargo de Jaime Azpilicueta. La producción fue del propio Camilo Sesto, invirtiendo en el proyecto más de 12 millones de pesetas.

Con Lani Hall y Lucia Méndez
En 1976, 'Mi buen amor' fue una de las grandes canciones del año, y otro tanto sucedió con 'Vivir así es morir de amor' (1977) y 'El amor de mi vida' (1978). En 1979 se estableció en Los Ángeles, dispuesto a dar el gran salto hacia el mercado anglosajón, una vez conquistado el público latino. Realizó diversas producciones en inglés para Lani Hall, Angela Carrasco o Lucía Méndez. En 1983 publicó un disco con temas en inglés que no logró abrile las puertas del mercado USA, pero fue un gran éxito en Japón.

En 1986, tras publicar el álbum 'Agenda de baile' anuncia su retirada: "Me voy porque quiero hacerme mayor viendo hacerse mayor a mi hijo". Sin embargo, en los años noventa vuelve a la música publicado varios álbumes más con temas como 'Bienvenido amor', 'Vuelve' y el ya clásico 'Amor mío, ¿qué me has hecho?', que rompe récords de ventas en América. Además realiza memorables actuaciones en Venezuela, Colombia y Argentina, tras las cuales es ovacionado durante más de media hora.

En el año 2000 logra grabar el que había sido uno de los proyectos musicales que más le ilusionaban: el musical 'El fantasma de la ópera', de Andrew Lloyd Webber. Colabora en él la cantante Isabel Patton. Pero problemas legales le impiden la publicación del disco. En 2002, tras sufrir un trasplante de hígado, Camilo vuelve a componer y a realizar giras por Chile, Perú, Colombia, México, Costa Rica, Honduras, Ecuador y Guatemala. El año 2007 fue elegido 'el famoso español más famoso de la historia' por votación telefónica en el programa español 'Sé lo que hicisteis', dejando muy atrás a otros como Julio Iglesias, Raphael, Miguel Bosé y Nino Bravo.


Tras varios anuncios de retirada más, parece ser, que su concierto 'Todo de mí' (editado en DVD), en octubre de 2010 en Madrid, supuso la definitiva. El año 2011 lo dedicó a despedirse de los escenarios americanos, entre ellos Las Vegas, donde se le entregó el galardón 'Máximo Orgullo Hispano'. Asimismo, en octubre de 2012, tras dos meses de votaciones de los oyentes, se proclamó en un programa de radio de Perú a Camilo Sesto como 'El más grande de la música en español'.

Desde el 2014 y pese a su retiro anunciado, Camilo siguió realizando actuaciones en países como Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, México y Estados Unidos. En 2016, coincidiendo con su 70 cumpleaños, se lanzó un nuevo Cd recopilatorio, llamado Camilo70, que incluía 60 canciones, muchas de ellas inéditas, junto a varios registros con grabaciones en directo. Falleció el 8 de septiembre de 2019 a los 72 años de edad.


27 agosto 2018

Daryl Dragon


El 27 de agosto de 1942 nació en Los Ángeles el músico y compositor estadounidense Daryl Dragon. Hijo del compositor, arreglista y director de orquesta Carmen Dragon y nieto del actor de comedia Danny Thomas, Daryl formó en 1974 junto a su esposa Toni Tennille, el dúo pop Captain & Tennille.

En 1971 Toni Tennille fue la coautora de un musical de tema ecologista llamado 'Mother Earth'. Ese mismo año, Daryl era el teclista de los Beach Boys, donde Mike Love le puso a Dragon el apodo de 'captain'. A partir de entonces, Daryl no se separó en las actuaciones de su gorra de marino. Cuando el musical de Tennille se iba a trasladar a la parte sur de California, vieron que necesitaban un teclista. Como Daryl se encontraba en pausa entre giras, asistió a la audición y fue el elegido.

Al acabar la gira del musical, ambos siguieron trabajando juntos y descubrieron su potencial como dúo. Su primer disco, 'The way I want to touch you', un tema de Toni, fue un éxito local y les facilitó un contrato con A&M Records. Su primer hit fue con un tema de Neil Sedaka y Howard Greenfield, 'Love will keep us together' (1975). El tema fue nº1 nueve semanas tras su debut en Billboard y fue uno de los candidatos al Grammy por mejor canción del año. Vendió más de millón y medio de copias y obtuvo el disco de oro ese mismo año.

En 1975 se casaron y continuaron los hits: 'Lonely night (Angel face)', 'Shop around', 'Muskrat love' y 'You never done it like that'. Fue tal su éxito que disfrutaron de su propio show televisivo. En 1980, con Casablanca Records, consiguieron un nuevo nº1 con otro tema escrito por Toni Tennille, 'Do that to me one more time'.
En 2010 Toni Tennille anunció que Daryl sufría un trastorno neurológico, parecido al Parkinsons que le causaba un temblor en la mano, imposibilitándole seguir tocando. En enero de 2014, tras 39 años de matrimonio, Toni le solicitó el divorcio a Daryl. Dragon murió en enero de 2019 a los 76 años.

26 agosto 2018

Leon Redbone


El 26 de agosto de 1949 nació en Nicosia, Chipre el músico y cantante canadiense Leon Redbone. Cuando Leon apareció en escena en el Mariposa Folk Festival de Toronto al comienzo de los años setenta, lo hizo bajo un halo de misterio. Nadie, ni siquiera aquellos que se consideraban sus amigos, sabían con certeza de dónde procedía, su edad, o su verdadero nombre. Como una caricatura andante, Redbone se arrastraba recorriendo los festivales de folk en su arrugado traje de tres piezas al estilo de los años veinte, su sombrero de ala ancha, gafas oscuras y un mostacho a lo Groucho Marx. Lo único cierto y evidente es que era un cantante y guitarrista de talento con un profundo conocimiento del blues, el folk urbano, el jazz y el ragtime.

De su pasado, él mismo se encargó de propagar todo tipo de fechas e historias diferentes: como que era hijo de Paganini; que había nacido en 1670; que había sido lazarillo de Blind Blake, un guitarrista de blues y ragtime que influyó mucho en su música y murió a finales de los años treinta. Fuentes más o menos fidedignas han descubierto que nació un 26 de agosto de 1949 de padres con origen turco-chipriota y su nombre verdadero fue Dickran Gobalian, que él mismo se encargó de cambiar.

Surgió en la escena folk de Toronto en 1970 y tampoco nadie sabía exactamente donde vivía. Cuando algún colega se ofrecía a llevarle en coche, Redbone se bajaba frente a un edificio en el que su amigo le veía entrar, para ver segundos más tarde por el espejo retrovisor, mientras se alejaba, a Redbone salir del edificio y seguir andando calle abajo. El hecho es que en aquel festival de folk de Toronto estaban presentes los músicos David Bromberg y Ramblin' Jack Elliot, los cuales, cuando volvieron a Nueva York comentaron a todo el mundo acerca de Redbone y sus excentricidades.

El año siguiente Bonnie Raitt, John Prine, Maria Muldaur y Bob Dylan viajaron a Toronto para ver a Redbone. Raitt comentaba emocionada en Rolling Stone: "Es la mejor combinación de guitarra y voz que he escuchado en años". Dylan, también inpresionado sostuvo que si tuviera un sello discográfico propio, Leon sería el primer artista que incorporaría a su catálogo. Cuando el cantautor estaba dispuesto a cumplir su promesa, al fundar el sello Ashes & Sand a mediados de los setenta, Redbone, había firmado ya con Warner y publicó su primer álbum, 'On The Track' en 1975.

A pesar de la expectación generada con el enigmático artista, el álbum no se vendió bien. Era la época dorada de los grupos de arena-rock como Led Zeppelin y del nacimiento del punk y la musica disco, por lo que el público no parecía estar dispuesto a vibrar con sus interpretaciones de 'Polly wolly doodle' y 'Ain't misbehaven''. Tras un año en las tiendas, sólo logró vender unas 15.000 copias. Entonces, en febrero de 1976, Redbone fue invitado a actuar en el programa 'Saturday Night Live' (cuando aún se llamaba 'NBC's Saturday Night'), volviendo a aparecer el mes de mayo. Su actuación frente a una audiencia estimada en 20 millones de personas, provocó que las ventas del disco aumentaran a un ritmo de 8.000 copias por semana. Al final del año había logrado vender más de 200.000 álbumes sin un solo apoyo publicitario por parte de Warner Records.

Siguieron más conciertos y álbumes (hasta la fecha ha publicado once), todos ellos conteniendo viejos standards y canciones del principio del siglo XX. Aunque los discos se vendieron lo suficiente como para entrar en las listas ('Double Time', de 1977 fue disco de oro) y sus conciertos se llenaban, algunos críticos rechazaban su manera de convertir todas sus piezas en algo cómico y comparaban a Redbone con un prestidigator que mostraba su único truco noche tras noche. Sin embargo, la autenticidad y calidad de su música se imponían y su voz comenzó a ser una de las más populares de Norteamérica gracias a su participación en numerosos jingles televisivos para todo tipo de productos, desde detergentes hasta cervezas.

En una entrevista celebrada en 1990 Redbone comentó: "Fueron los medios los que me convirtieron en una persona enigmática y misteriosa. En los setenta yo era considerado un tipo secretivo al que no le gustaba habalr de sí mismo. Pero el problema era que los periodistas acababan haciéndome todos las mismas y obvias preguntas que no tenían relación con mi música: Porqué me visto así, porqué llevo gafas de sol, qué me gusta comer, etc... Cuando la conversación llegaba por fin a lo verdaramente importante, ninguno de ellos estaba interesado en la música de los años veinte. Como a mí no me interesaba hablar de otra cosa que no fuese mi música, los medios se encargaron de forjar esa imagen de mí"

En otra ocasión, comentó a Rolling Stone: "No considero lo que hago un revival de viejos standards o un acto de nostalgia. La música que oigo y me inspira es del siglo XIX y comienzos de siglo XX, como la de Blind Blake o Jelly Roll Morton. Para mí Chopin y Blind Lemon Jefferson son muy similares. Ambos eran unos románticos, que para mí son aquellos con almas deprimidas y atormentadas."
En 1996 el bailarín y coreógrafo ruso Mikhail Baryshnikov aconsejó a su colega Eliot Feld que considerara la música de Redbone para una partitura de ballet. Feld, un viejo fan de Leon aceptó la idea y creó 'Paper Tiger' una suite basada en once canciones de Redbone.

Ya sea como crooner de 'oldies', como artista de culto, o como dijeron una vez, 'el mago de un solo truco', hay que reconocer el hecho de que Redbone fue un personaje singular, sin el cual determinadas canciones y estilos musicales de principios del siglo XX no habrían llegado a los oídos de mucha gente. Leon fue, de este modo, más educador que músico, un profesor doctorado en una de las épocas más ricas musicalmente de la historia de Norteamérica.
En 2014 publicó nuevo álbum: 'Flying By' y el mes de mayo de 2015 anunció en su página web que se retiraba. Murió en mayo de 2019 a los 69 años.

11 agosto 2018

Lucho Gatica


El 11 de agosto de 1928 nació en Rancagua el cantante de boleros chileno Luis Enrique Gatica Silva, más conocido como Lucho Gatica que obtuvo sus mayores éxitos en los años cincuenta y sesenta con temas como 'Sinceridad', 'Contigo en la distancia' y 'La barca'.

Sus primeras actuaciones las realizó junto a su hermano mayor Arturo en la radio local de Rancagua. En 1945 ambos se trasladaron a Santiago y mientras Lucho cursaba estudios en la Escuela Industrial, Arturo gestionó con Odeón su primera grabación en 1949 que contenía cuatro temas: 'El martirio', 'Tú que vas vendiendo flores', 'La partida' y 'Tilín tolón'.
Durante los años cincuenta, los chilenos experimentaron un cambio en sus preferencias musicales, cuando el bolero tomó el lugar del tango a través de cantantes como la cubana Olga Guillot, el argentino Leo Marini y la mexicana Elvira Ríos, entre otros. Asimismo, Xavier Cugat y su orquesta, que incluía al puertorriqueño Bobby Capo sería uno de los artistas que influyeron en Gatica.

En 1951 graba 'Piel canela' que fue un éxito en toda Latinoamérica. Le siguieron 'Contigo en la distancia', 'Bésame mucho', 'Las muchachas de la plaza de España' y 'Sinceridad'. En 1957 se trasladó a México, un país que tendría una gran importancia en su vida. Allí publicó 'No me platiques más', 'Tu me acostumbraste' y 'Voy a apagar la luz' (1959). Ese mismo año apareció su tercer álbum en el sello Capitol estadounidense, 'El gran Gatica', con temas como 'Somos', 'Sabrá Dios' y 'Si me comprendieras'.

Más tarde, Gatica decidió sentar su residencia permanentemente en México y en 1959 fue recibido por más de 5.000 fans en el aeropuerto de Madrid Barajas. Actuó ante personajes de la realeza y del espectáculo y en eminentes salas europeas, entre ellas, el casino de Estoril, y cultivó amistades entre las estrellas de cine como la de Ava Gardner. El 21 de mayo de 1960 contrajo matrimonio con la actriz puertorriqueña María del Pilar Mercado apodada artísticamente Mapita Cortés, quien también residía en el país azteca. De esta unión, que duró 18 años, la pareja tuvo cinco hijos entre ellos el primogénito, Luis Antonio Gatica Mercado (n. 1961), actor, y el menor, Alfredo Gatica Mercado, productor musical.

A comienzos de los años sesenta, Lucho había logrado vender más de 22 millones de sus discos y tras un concierto en Manila frente a 160.000 espectadores, actuó el año 1964 en el Carnegie Hall de Nueva York acompañado por la orquesta de Lalo Shifrin. Seguidamente apareció en el Hollywood Bowl junto a Nat King Cole y fue la estrella invitada en los shows televisivos de Dinah Shore, Perry Como y Patti Page. A mediados de la década, Lucho Gatica ya comenzó a manifestar los primeros problemas vocales, en un desgaste que aumentaría los años siguientes y que incidirían en su baja producción discográfica.

Sin embargo continuó realizando giras por todo el mundo. En 1991 la filial de EMI en España publicó el doble álbum 'Bolero es...Lucho Gatica', que vendió cerca de medio millón de copias en las dos primeras semanas. En 1996 se realizó un programa de TV de dos horas en su honor, emitido por la HBO norteamericana. En él le acompañaron artistas como Julio Iglesias, Celia Cruz, Luis Miguel y Juan Gabriel. El 7 de noviembre de 2007 recibió el 'Grammy Latino a la Excelencia', junto a otros destacados artistas y en enero de 2008 Gatica fue inmortalizado en una Estrella (la número 2.354) del Paseo de la Fama de Hollywood, siendo el segundo chileno -después de Don Francisco- en recibir tal reconocimiento.
El año 2013 lanzó el disco 'Historia de un amor' con nuevas versiones de boleros que cantó a dúo con figuras internacionales como Laura Pausini, Nelly Furtado y Michael Bublé, entre otros. En 2018, a propósito de su cumpleaños número 90, se develó en el Teatro Regional de su natal Rancagua una estatua en bronce con las figuras de Lucho Gatica y su hermano Arturo. Lucho falleció en México a los 90 años el 13 de noviembre de 2018.


30 julio 2018

Christine McGuire


El 30 de juliio de 1926 nació en Middletown (Ohio), la cantante estadounidense Christine McGuire, una de las componentes del trío vocal de hermanas The McGuire Sisters las cuales, inspiradas en las Andrews Sisters, fueron muy populares en Norteamérica durante la década de los años cincuenta con temas como 'Sincerely' y 'Sugartime'.

Las tres hermanas, Christine, Dorothy y Phyllis nacidas en Middletown, se criaron en Miamisburg. Su madre, Lillie, fue ordenada ministra de la primera Iglesia de Dios y las tres niñas comenzaron a cantar himnos religiosos en las bodas y entierros que se celebraban en la iglesia. En aquel momento (1935), la menor, Phyllis, contaba sólo cuatro años de edad. Aunque les estaba prohibida la música secular, escuchaban secretamente a sus futuros modelos, las Andrews Sisters y las Dinning Sisters a través de la radio. Años más tarde, hacia 1949, cantaban también en bases militares y hospitales de veteranos de guerra, añadiendo a su repertorio de himnos, temas populares.

Karl Taylor, un promotor y agente, tras oírlas en la iglesia, les ofreció un trabajo en un hotel. Poco después las McGuire Sisters actuaban con una de las bandas de Taylor en restaurantes nocturnos, hoteles y en programas locales de TV. En diciembre de 1952 se presentaron al concurso de talentos de Arthur Godfrey en Nueva York, cantando 'Mona Lisa' y 'Pretty Eyed Baby'. Ganaron el primer premio y Godfrey las contrató para su programa matinal, donde reemplazaron a las Chordettes. Permanecería con Godfrey siete años. Ese mismo año 1952 habían firmado un contrato discográfico con Coral Records, sello dirigido por Gordon Jenkins. Cuando éste pasó a Capitol, le sustituyó Bob Thiele, que contrató a los mejores musicos para acompañar a las McGuire Sisters en sus grabaciones.

Entre 1954 y 1958 consiguieron varios hits en el Top20 como 'Goodnight, sweetheart goodnight''Muskrat ramble' (1954), 'No more', 'He' (1955), 'Sincerely', 'Something's gotta give' (1955), 'Picnic' (1956), 'Sugartime' (1957), 'May you always' (1958) y 'Just for old time's sake' (1961). 'Sugartime', de 1957, con Steve Allen al piano, se convirtió en su canción más emblemática. El tema, de dos minutos y medio, contiene 29 veces la palabra 'sugar' (azúcar).

En 1968 realizaron una de sus últimas actuaciones juntas en el Ed Sullivan Show, desde el Caesars Palace de Las Vegas y en el cénit de su popularidad, las hermanas decidieron dar por finalizada su andadura como trío vocal. Christine y Dorothy se dedicaron a sus respectivas familias y Phyllis, continuó en el negocio actuando junto a artistas como Sammy Davis Jr. o Johnny Carson. Los siguientes diecisiete años, las tres hermanas sólo cantaron en reuniones familiares, pero en 1985 decidieron volver y, tras seis meses de estrictos ensayos, actuaron en Reno (Nevada) donde les acogió una gran masa de fans que no las habían olvidado.

Christine, Phyllis y Dorothy
Las McGuire Sisters han actuado ante cinco presidentes de Estados Unidos (Nixon, Carter, Ford, Reagan y Bush) así como ante la reina Elizabeth de Inglaterra. Continuaron un par de años en el circuito de Las Vegas y desde entonces solo aparecieron esporádicamente en público, la última vez en un programa especial de revival de los cincuenta, emitido en 2004 'Magic Moments'. En sus últimos años Christine además de regentar el McGuire's Pub, en Bradenton (Florida), residía en Las Vegas, donde practicaba su deporte favorito, el golf.
Su hermana Dorothy murió el 7 de septiembre de 2012 y Christine falleció en diciembre de 2018 a los 92 años.

23 julio 2018

Tony Joe White


El 23 de julio de 1943 nació en Oak Grove (Louisiana) el compositor, guitarrista, cantante Tony Joe White, que logró su mayor éxito, 'Polk salad Annie' en 1969. Al año siguiente, Brook Benton tuvo su mayor hit con un tema de White: 'Rainy night in Georgia'. Sus tres primeros discos de larga duración publicados por Monument Records entre 1968 y 1970 son piezas de coleccionista y en ellos se puede oir el embrión del rock sureño que surgió en los setenta.

Ha publicado más de una veintena de álbumes durante su carrera y uno de sus últimos trabajos en estudio 'Uncovered' (2006) contenía colaboraciones de artistas como Michael McDonald, Eric Clapton, Mark Knopfler y J.J.Cale.
Para muchos sigue siendo un misterio el porqué el autor de canciones como 'Conjure woman' (1970), 'Homemade icecream' (1973), 'Tunica Motel' (1991), 'Closer to the truth' (1991), 'Backside of paradise' (1993), 'Bayou woman' (1995), 'Icecream man' (2001),  'Dark horse coming' (2002) y 'Rich woman blues' (2001) es tan poco conocido.
El año 2013 publicó nuevo álbum: 'Hoodoo' y apareció en el show de Jools Holland. Su última publicación fue 'Bad Mouthin'', en 2018, aparecido un mes antes de su muerte a los 75 años de edad.

12 junio 2018

Oliver Knussen


El 12 de junio de 1952 nació en Glasgow el compositor y director de orquesta británico Oliver Knussen. Knussen pasó su infancia en Londres, donde su padre Stuart Knussen, fue durante muchos años contrabajo principal de la London Symphony Orchestra.

Con 15 años, el 7 de abril de 1968, Knussen debutaba dirigiendo su "Primera Sinfonía" (1966-67), en el Royal Festival Hall de Londres, en la que aún no había introducido técnicas seriales, que aprendería más tarde con Schuller, quien asimismo le introdujo en el universo expresionista. En esta obra y en su siguiente “Concierto para Orquesta”, (1968-70), Knussen demuestra no sólo haber asimilado rápidamente, y con fluidez, las influencias de compositores modernistas como Britten y Berg y de los sinfonistas americanos de mediados de siglo, sino también un inusual talento para el ritmo y la orquestación.

Ya en su “Segunda Sinfonía” (1970-71), en palabras de Julian Anderson, decía que "la personalidad compositiva de Knussen apareció repentinamente, completamente formada".
En 1972 se casó con Sue Freedman, una americana nacida en Portsmouth, estudiante de la Universidad de Boston de música que consiguió su doctorado en educación musical e interprete de corno inglés. Oliver y Sue Knussen tuvieron una única hija, Sonya, que es mezzosoprano.

De esta época son algunas obras para conjuntos instrumentales que tendrán muy buena acogida y serán interpretadas por ensembles de todo el mundo: “Hums and Songs of Winnie-the-Pooh” (1970-83), “Océan de Terre” (1972-3) y “Ophelia Dances” (1975), una obra llena de sutilezas (1975).
En Inglaterra siguió componiendo nuevas obras que le situaron en el centro de la escena musical británica: “Trumpets” (1975), “ Triptych” (Autumnal, Cantata y Sonya's Lullaby, 1975-7), “Coursing" (1979) y sobre todo la “Third Symphony” (1973-9) con un clamoroso éxito.


La década de los 1980 la dedicó, principalmente, a su actividad como director de orquesta y a componer para la escena, dos óperas para niños: “Where the Wild Things Are” (1979-83) y Higglety Pigglety Pop! (1984-90), ambas con libretos de Maurice Sendak basados en sus propios libros epónimos infantiles. En 1988 compuso "Flourish with Fireworks".

Knussen fue co-director artístico del Aldeburgh Festival entre 1983 y 1998 y co-coordinador del «Contemporary Music Activities» en el Tanglewood Music Center de 1986 a 1998; ocupó la «Elise L. Stoeger Composer's Chair» de la «Chamber Music Society of Lincoln Center», en Nueva York, entre 1990-92; fue director invitado principal de la «Residentie Orchestra» de La Haya entre 1992 y 1998; y desde septiembre de 2006, artista asociado de la Birmingham Contemporary Music Group. Como director de orquesta grabó más de treinta discos compactos de música contemporánea, varios de los cuales ganaron premios internacionales.

En 1994 fue elegido miembro honorífico de la Academia Americana de las Artes y las Letras, y también fue nombrado Comandante del Imperio Británico (CBE). También fue miembro de la Royal Philharmonic Society. Otra obra de su autoría mucho más moderna, de 1992, fue “Song without voices”, escrita en memoria del músico polaco Andrzej Panufnik; un homenaje que emplea determinadas técnicas de trabajo a partir de células, de las pequeñas ideas que gustaba desarrollar a su colega.

Otro homenaje fue “Aura” 1 mov, en memoria de Witold Lutoslawski (1993-94). También son destacables el “Concierto para Trompeta” (1994) 1/2, 2/2 y la obra “Prayer Bell Sketch” (1997).
Se separó de su mujer Sue Knussen a mitad de la década de 1990, aunque siguieron teniendo una estrecha relación y ella continuó con su brillante carrera como productora y directora de programas de música para la televisión hasta su muerte, acaecida en Londres en 2003. Knussen escribió como homenaje a ella "Canciones para Sue", una adaptación de cuatro poemas para soprano y 15 intérpretes, que tuvo su estreno mundial en Chicago en 2006. Knussen falleció en julio de 2018 a los 66 años.