29 octubre 2019

Lynn Carey


Hoy cumple 74 años la actriz, modelo y cantante Lynn Carey, nacida en Los Angeles (California). Es conocida, sobre todo, por su trabajo a comienzos de los años setenta, como voz solista del grupo Mama Lion, cuyo álbum debut de 1972 fue muy popular, más que por su música, por su portada mostrando la exuberante belleza de Lynn, quien ese mismo año fue 'chica del mes' en la revista Penthouse.

Comenzó su carrera de modelo y actriz en la adolescencia, apareciendo como artista invitada en varios episodios de series de TV como 'Lassie', 'El hombre de CIPOL', 'El fugitivo' y 'Jim West'. A través de su padre, el actor Macdonald Carey, conoció el cine europeo y el jazz, asi como a numerosos artistas del cine y la música. Fue Harpo Marx, amigo de la familia quien advirtió el talento de Lynn cantando y aconsejó que se dedicara a ello profesionalmente. Con 16 años se sentaba a los pies de John Coltrane cuando este tocaba y trabó una gran amistad con la pianista Dorothy Donegan. Lynn también alternaba con Judy Garland y Jerry Lewis y se libró de ser una de las víctimas de los asesinatos Tate-La Bianca cuando rehusó asistir a la fiesta junto a su entonces novio Jay Sebring.

En 1969, Lynn fue la voz solista en el álbum debut del grupo C.K.Strong. En 1970 participó junto a Neil Merryweather, Barry Goldberg y Charlie Musselwhite en el álbum de rock progresivo 'Ivar Avenue Reunion'. Ese mismo año dobló la voz de Kelly Read en el film de Russ Meyer 'Beyond the Valley of the Dolls' y contribuyó a la banda sonora con 'Find it' un tema co-escrito con Stu Phillips.

Merriweather y Lynn Carey
Junto a su pareja, el canadiense Neil Merriweather publica un nuevo álbum en 1971, 'Vacuum Cleaner' y seguidamente, ambos forman un grupo al estilo Big Brother & the Holding Co., llamado Mama Lion para aprovechar la voz de Carey, que muchos comparaban con la tejana fallecida en 1970. Uno de los componentes del grupo fue un joven James Newton Howard a los teclados, que años más tarde se convertiría en un conocido compositor de bandas sonoras.

El primer álbum de la banda, 'Mama Lion' (en el Reino Unido apareció bajo el nombre 'Preserve Wildlife') se publicó en 1972 y lucía en la portada a Carey amamantando a un cachorro de león. Por lo atrevido de la imagen -que fue censurada en algunos paises- fue un vinilo muy buscado en los setenta. Lynn continuaba con su carrera de modelo y en diciembre de ese año fue la chica del mes' en la revista Penthouse. Con Mama Lion publicó un álbum más, 'Give it Everything I've Got' (1973) y siguió trabajando como actriz en el cine y la TV.

En 1984 grabó su debut en solitario, 'Good Times', en el que mostraba sus influencias jazz y de big band. Carey ha compartido escenario con B.B. King, Al Jarreau, Eric Burdon y Jimmy Witherspoon y en los años noventa ha actuado en Rusia en repetidas ocasiones.
Lynn es a menudo confundida con la cantautora Lynn Carey Sailor, con la que no tiene relación.


Peter Green


El 29 de octubre de 1946 nació en Londres el guitarrista de blues-rock británico Peter Green, conocido por haber sido miembro fundador, voz y guitarra solista del grupo Fleetwood Mac desde 1967 hasta 1970.

Su primera actuación como profesional la tuvo en 1966 como bajista de Peter B's, grupo en el que militaba también Mick Fleetwood a la batería.  Peter era un gran admirador de Eric Clapton y, cuando éste dejó a los Bluesbreakers de John Mayall para pasar unas largas vacaciones en Grecia, Peter fue llamado por Mayall para cubrir su puesto. Peter encajó bien en la banda y se llevo una gran desilusión cuando Clapton volvió y tuvo que dejarle de nuevo el puesto de guitarra solista. No obstante, seis meses después, Clapton dejó el grupo definitivamente para formar Cream y Peter ocupó su puesto también de forma definitiva.

Los fans de los Bluesbreakers, e incluso su productor, Mike Vernon, recibieron el cambio con mucho escepticismo. Vernon lo recuerda así: "Cuando entré en el estudio, vi que había un amplificador nuevo que no había visto nunca antes, así que pregunté a Mayall: '¿Dónde está Eric?', a lo que me contestó: 'Ya no está con nosotros. Nos dejó hace una semana'. Yo estaba aterrado, pero John Mayall intentó tranquilizarme diciendo: 'No te preocupes. Tenemos a alguien mejor'. -Yo repliqué: 'Aguarda un segundo, no seas ridículo. ¿Que tienes a alguien mejor? ¿Mejor que Clapton????', y John dijo: 'Bueno, es probable que no lo sea ahora mismo, pero espera unos años y lo será.' A continuación me presentó a Peter Green." Peter hizo su debut discográfico con los Bluesbreakers en el álbum 'Hard Road', que incluía dos temas suyos, 'The supernatural', uno de sus primeros instrumentales, que se convertirían en característicos, y 'The same way'

Fleetwood Mac en 1968
En 1967 decide formar su propio grupo de blues y junto con  Mick Fleetwood, John McVie, (ambos también procedentes de los Bluesbreakers) y el también guitarrista Jeremy Spencer, forma Fleetwood Mac. Su álbum debut, 'Fleetwood Mac' (1968) contiene una serie de temas de blues tanto clásicos como compuestos por Green o por Spencer, los cuales también se repartían la voz solista.

La aparición del disco supone un éxito rotundo e instantáneo, y alcanza el puesto nº 4 de las listas británicas, permaneciendo 37 semanas, a pesar de no publicarse un single promocional. El tema de Green 'Black magic woman', publicado como single en 1968 tuvo mínima repercusión en Inglaterra (unos años más tarde la versión de Santana llevaría el tema a las listas de todo el mundo). En el segundo álbum, 'Mr Wonderful' continúan con la misma fórmula, añadiendo arreglos de vientos y colaboraciones de otros músicos como Christine Perfect (amiga del grupo y futura señora de McVie y teclista del grupo) al piano y voces. Le siguen al año siguiente 'Albatros' (nº1 en Inglaterra que inspiró a los Beatles para la composición de 'Sun King' de 'Abbey Road'), 'Oh well' y 'Man of the world', todos temas compuestos y cantados por Peter Green.


La inexistente relación creativa entre Green y Spencer (Spencer se negaba a tocar en las canciones de Green), hizo que Peter introdujera un nuevo guitarrista en el grupo, Danny Kirwan, cuyo protagonismo en el siguiente trabajo de la banda, 'Then Play On', publicado bajo su nueva compañía Warner Bros. fue mucho mayor que el de Spencer, firmando el 50% del material.
En 1970 sus compañeros empiezan a notar profundos cambios de personalidad en Peter, agravados por su intenso consumo de LSD. En la letra de 'Man of the world' ya se intuía que algo no iba bien en el mundo interior de Green:

Shall I tell you about my life
They say I'm a man of the world
I've flown across every tide
And I've seen lots of pretty girls
I guess I've got everything I need
I would't ask for more
And there's no one I'd rather be
But I just wish that I'd never been born

And I need a good woman
to make me feel like a good man should
I don't say I'm a good man
Oh, but I would be if I could
I could tell you about my life
And keep you amused I'm sure
About all the times I've cried
And how I don't want to be sad anymore
And how I wish I was in love.


Quieres que te cuente sobre mi vida
Dicen que soy un hombre de mundo
He fluido por todas las corrientes
y he visto numerosas chicas bellas
Creo que tengo todo lo que necesito
No pediría nada más
Y no hay nadie que quisiera ser
Pero deseo no haber nacido jamás

Necesito una buena mujer
que me haga sentir como un buen hombre debiera
Y no digo que yo sea un buen hombre
Pero, ¡ah! lo sería si pudiera
Te contaría cosas de mi vida
que te mantendrían entretenida
sobre los tiempos en los que lloré
y de cómo no quiero volver a sentir tristeza
y de cómo me gustaría estar enamorado

Peter y Mick Fleetwood
Un día apareció vestido con un viejo abrigo y con un crucifijo diciendo que en un sueño, se le había aparecido un ángel con un niño de Biafra desnutrido en los brazos. Aquella visión le hizo reflexionar. Decidió que tenía demasiado dinero para ser feliz y propuso a la banda conservar sólo el dinero imprescindible y donar el resto a organizaciones caritativas. Mick Fleetwood -que consideraba que tampoco tenían tanto dinero- no le hizo ni caso. John McVie, sin embargo, pensó que no era tan mala idea, aunque la olvidó rápidamente cuando se dio cuenta del exceso de LSD que ingería Peter.

Uschi Obermaier y Rainer Langhans
Durante una gira por Alemania en marzo de 1970 sucedieron los hechos que, según Clifford Davies -el mánager de la banda- fueron determinantes para el defnitivo deterioro mental del guitarrista británico. Rainer Langhans y la modelo Uschi Obermaier invitaron a Peter Green a una fiesta en una comuna muniquesa con el fin de -a través de Green- poder contratar a Jimi Hendrix y a los Rolling Stones para un concierto tipo Woodstock proyectado en Baviera.

Peter acudió con uno de los roadies de Fleetwood Mac, Dennis Keane. En la fiesta se consumió mucho LSD, y cuando terminó, Green prefirió quedarse en la comuna. Cuando Keane volvió de nuevo a la fiesta acompañado por Mick Fleetwood para intentar llevárselo, Green se negó en rotundo. Había encontrado el paraíso. Años más tarde comentaría: "Allí toqué como nunca. Fue fantástico. Improvisábamos y el que quería se unía a nosotros. La atmósfera general fue increíble y allí toqué la música más espiritual de mi vida". Tras un concierto final con la banda el 20 de mayo de 1970, Green abandonó el grupo que él mismo habia fundado.

El último tema publicado con el grupo fue 'The Green Manalishi', en el que reflejaba su lucha interior tratando de detener su descenso a la locura. Según sus propias palabras: "Tuve un viaje, y no regresé". Tras dejar la banda, grabó el confuso álbum en solitario 'The End of the Game', haciendo una doble referencia a la extinción de la naturaleza y a su propia retirada del mundo del espectáculo.

Peter en 1980
Le vendió por 110 libras su Les Paul a Gary Moore y desempeñó todo tipo de trabajos modestos como celador de hospital, portero de hotel o enterrador. En 1977 fue arrestado por amenazar a su contable con una escopeta para que dejara de enviarle dinero. Tras este incidente fue internado en un centro psiquiátrico de Londres. En 1979 animado por sus amigos a que siguiera tocando y con la ayuda de su hermano Mike Green (que compuso la mayoría de los temas) resurgió con una serie de álbumes como 'In the skies' (1979), 'Little Dreamer' (1980), 'White Sky' (1982) y 'Kolors' (1983). Aunque de calidad irregular, contenían guiños del inigualable estilo del blues de Peter Green.

Peter en 1998
En 1990 vuelve a la carga con Peter Green Splinter Group, grupo en el que contaba con la ayuda de Nigel Watson y Cozy Powell. Con ellos Green publicó entre 1997 y 2004 nueve álbumes entre los que destaca 'The Robert Johnson Songbook' (1998). Últimamente actuaba de forma esporádica con su nueva formación, Peter Green and Friends, aunque según Peter, la medicación que debía tomar para sus problemas psicológicos también mermaba su capacidad de concentración y el deseo de tocar. Murió en julio de 2020 alos 73 años.


26 octubre 2019

Milton Nascimento


Hoy cumple 77 años el cantautor y guitarrista brasileño Milton Nascimento. Aclamado como uno de los artistas más grandes de Brasil, su música ha recibido una nutrida mezcla de influencias que incluye el folklore africano y brasileño, la música clásica europea, la bossa nova y el pop-rock de los Beatles. Ha colaborado con numerosos músicos latinoamericanos a los que también ha inspirado y se ha ganado el respeto y la admiración de varios artistas norteamericanos, como Wayne Shorter, Herbie Hancock, Pat Metheny, Paul Simon y Sting. Según Jon Perales, del New York Times: "Nascimento es uno de los más grandes músicos vivos". A menudo catalogado fuera de su país como músico de jazz, Nascimento no se siente a gusto con ello: "No es que no me guste el jazz. Lo que no me gusta son las etiquetas. Aquí en Brasil escuchamos música de todos los géneros y en mi pequeño pueblo en el interior de Minas Gerais jamás nos hemos preocupado en definir la música. Cantábamos lo que nos apetecía en cada momento".

Aunque nacido en Río, sus padres adoptivos, los dos blancos, le llevaron a la pequeña localidad de Tres Pontas, en el estado brasileño de Minas Gerais, cuando tenía dos años. Su madre cantaba en un coro y en festivales locales, a menudo acompañada por su hijo. El padre fue ingeniero electrónico, profesor de matemáticas y llegó a controlar una emisora de radio local donde de vez en cuando Milton trabajada de pinchadiscos. "Minas es mi 'alimentacao', mi sustento. Todo lo que soy mental, física y espiritualmente reside allí." Fue allí en aquel pequeño y aislado lugar donde Milton desarrolló lo que años más tarde sería definido por Walter Rother del New York Times como su "sofisticado sentido de la armonía". Nascimento y sus amigos, se reunían ante el receptor de radio para escuchar emisiones en directo desde Rio de Jainero y Sao Paulo, pero en numerosas ocasiones las ondas no lograban traspasar las montañas que les rodeaban y la emisión se veía interrumpida. "Tocaban un tema que nos gustaba y copiábamos la letra y la melodía pero teníamos que inventarnos las armonías y los arreglos. Cuando meses más tarde las tocábamos en la ciudad y teníamos la ocasión de escuchar el tema original, nos dábamos cuenta de que nuestras armonías eran completamente diferentes."

Márcio Borges y Milton en 1969
En 1963, Milton se trasladó a la capital del estado, Belo Horizonte, en busca de trabajo. Allí conoció al letrista Márcio Borges y ambos comenzaron a componer y a intercambiar canciones. Había nacido el primer embrión del movimiento Clube da Esquina, que al igual que Tropicalia, fue -años después- el movimiento musical brasileño de mayor relevancia internacional tras la bossa nova. Otros miembros incluían a Beto Guedes, Toninho Horta, Wagner Tiso y Flavio Venturini.

Elis Regina y Milton
En 1965 Milton se mudó a Sao Paulo e intentó abrirse camino como bajista y compositor en la saturada escena musical de la ciudad. Finalmente, consiguió un éxito cuando la cantante Elis Regina grabó una de sus canciones en 1966, 'Cancao do sal'. Regina consiguió que Nascimento apareciese en un popular programa de televisión y, tras actuar al año siguiente en el Festival Internacional de la Canción de Brasil, la carrera de Milton se disparó. Sus primeros álbumes, 'Travessia' (1967) y 'Milton Nascimento' (1969) le establecieron como uno de los mayores talentos de Brasil.
Con el álbum grabado en A&M Records, 'Courage' (1969), Milton fue presentado al público norteamericano como el sucesor de estrellas de la bossa nova como Joao Gilberto y Tom Jobim.

'Milton' (1970)
Sin embargo, Milton prefería el ambiente tranquilo e íntimo de los estudios en Brasil. "Suelo ser amigo de mis colaboradores", explicó en una entrevista, "así que cuando llegué a Estados Unidos, primero tuve que hablar con un agente, después con la compañía editora, luego con el abogado... cuando llegaba a la persona concreta, ya estaba desanimado y sin ganas." Tampoco le gustó el empeño de los productores americanos en desviarle de sus ideas y concepciones musicales, por lo que permaneció durante años grabando únicamente en Brasil. En 1970 apareció 'Milton'.

'Clube Da Esquina' (1972)
Dos años después salió a la venta el álbum 'Clube Da Esquina', en el que junto a sus colegas de Belo Horizonte recrea la escena musical que experimentaron en las calles de Minas Gerais. En 1974 colaboró con Wayne Shorter y Herbie Hancock en el álbum de Shorter, 'Native Dancer'. Este trabajo llamó la atención de otros músicos que solicitaron su colaboración como Paul Simon, Cat Stevens, George Duke, Quincy Jones y Earth Wind & Fire. En 1975 publicó 'Minas' (1975) considerado uno de sus mejores trabajos.

Nascimento trató de ejercer siempre su independencia musical, a pesar de los obstáculos en su propio país. Durante la dictadura militar que sufrió Brasil, Milton tuvo que luchar con la censura para publicar sus obras. Su álbum de 1973, 'Milagre Dos Piexes' se grabó bajo circunstancias muy restrictivas cuando muchos de los artistas brasileños habían decidido salir del país para grabar. "Escribíamos algo y los censores lo devolvían con un gran sello que decía: Imposible. Teníamos que reescribir lo mismo pero de una manera velada, que pasase la censura, pero que mantuviese el mensaje y llegara a la gente". 


Muchas de las canciones de Nascimento como 'San Vicente' y 'Maria Maria' se han convertido en himnos no sólo en Brasil, también en los países de habla hispana de Sudamérica.

Fernando Brant y Milton
En los años ochenta publicó 'Sentinela' (1980), 'Caçador de Mim' (1981) y 'Änïmä' (1982). La colaboración con otros músicos y el intercambio de ideas es esencial en la música de Nascimento que entre otros letristas, ha trabajado predominantemente con Fernando Brant. "Puedo cantar en portugués y seguir comunicándome con gente que no entiende el idioma. Cada uno crea sus propias imágenes y sentimientos que le evocan la música. Cada vez que canto una canción transmito un sentimiento diferente, porque la música cambia así como cambia mi vida. Mi trabajo surge del corazón y el corazón habla por sí mismo"


En 1982 graba 'Missa dos Quilombos', un oratorio dedicado a la historia de la población degra brasileña, desde la esclavitud hasta nuestros días. Trabajando en tan ambicioso proyecto, Milton descubrió que la mayoría de los documentos de la etapa esclavista habían sido destruidos por gobiernos anteriores "para eliminar la mayor vergüenza de la historia de Brasil".
Cuando en 1985 se restauró la democracia en su país, Milton tuvo la oportunidad de ser mucho más claro con sus mensajes. Su canción 'Coraçao de Estudante', cuya letra recordaba el asesinato de un estudiante por la policía en 1968, se convirtió en un himno del movimiento social surgido en 1984 que reclamaba elecciones democráticas en Brasil.

Aparecieron los álbumes 'Encontros e Despedidas' (1985), 'A Barca dos Amantes' (1986), 'Yauarete' (1987), 'Miltons' (1989) y en 1990 publica una de sus canciones más conocidas, 'Cancão da America', con letra de Márcio Borges. En su álbum 'Txai' (1991) centra su atención en la destrucción del habitat de los indios indígenas del Amazonas, incorporando  a la grabación música folklórica procedente de las tribus. "Aquellos que tenemos un micrófono en la mano debemos convertirnos en la voz de aquellos que no lo tienen. Hemos de alertar a la gente de lo que está pasando en nuestro mundo. Tenemos que ayudar a preservar el planeta, la tierra, la vegetación, los animales, en definitiva, a nosotros mismos"

En 1993 trabajó con el grupo britanico de pop-rock Duran Duran, co-escribiendo y cantando el tema 'Breath after breath' en el álbum 'Duran Duran' (1993). En 1994 publicó el álbum 'Angelus' que contó con colaboraciones de Pat Metheny, Ron Carter, Herbie Hancock, Jack DeJohnette, Nana Vasconcelos, Jon Anderson, James Taylor y Peter Gabriel. Por este trabajo recibió su segunda nominación al Grammy. Siguieron 'Amigo' (1996),  'Nascimento' (1997) y 'Tambores de Minas' (1998).

El año 2000 ganó un Grammy al mejor álbum de pop contemporáneo concedido a su disco 'Crooner' (1999). Desde entonces no ha dejado de trabajar y actuar, apareciendo en estadios y pequeñas salas, transmitiendo en todos sus shows la sensación de estar escuchándole en el salón de casa. En 2003 se publicó 'Pieta'. y en 2010 '...E a Gente Sonhando'. Su trabajo más reciente fue 'Tamarear' en 2015, con el Dudu Lima Trio.


25 octubre 2019

Helen Reddy


El 25 de octubre de 1941 nació en Melbourne la cantante australiana Helen Reddy, famosa en los años setenta, sobre todo en Estados Unidos, donde vendió más de 15 millones de álbumes y posicionó quince singles en el top40, tres de los cuales fueron nº1.

Helen Reddy nació en el seno de una familia bien acomodada en el ámbito de los negocios del espectáculo. Sus padres (actriz y comediante) eran artistas de vodevil conocidos en Australia, por lo que Helen comenzó a interpretar papeles junto a ellos a los cuatro años de edad. Cuando alcanzó la adolescencia surgió la rebeldía: ella no estaba dispuesta a vivir una vida de artista. Quería una familia tradicional, un hogar e hijos. Se casó con un músico amigo de la familia mucho mayor que ella. El matrimonio duró poco y unos meses tras el divorcio nació su hija Traci.

Helen no tuvo más remedio que volver al espectáculo, donde comenzó su carrera en la radio y televisión australiana. Allí ganó un concurso de talento en el popular programa televisivo Bandstand lo que le permitió emigrar a los Estados Unidos en 1966. Fijando su residencia en Nueva York, conoció a Jeff Wald, un agente de la 'William Morris Agency'; después de vivir juntos 4 días, Reddy y Wald contrajeron matrimonio; consecuentemente él se convertiría en su administrador.

Después de una temporada en Chicago, la familia se mudó a Los Angeles, California, donde Reddy intentó establecerse como cantante. Veintisiete sellos discográficos la rechazaron antes de firmar contrato con Capitol Records en 1970. Allí, Ward tras cinco meses de llamadas insistentes consiguió del ejecutivo Artie Mogull la promesa de una grabación para Helen a cambio de que no llamara más en un mes. Reddy cantó 'I don't know how to love him', de la opera rock 'Jesucristo Superstar' y el tema alcanzó el puesto nº13 en las listas de junio de 1971.


Helen, que pertenecía al Movimiento de Liberación de la Mujer, quería grabar una canción que reflejara la seguridad en sí misma y el orgullo positivo que sentía por ser mujer. "Todo lo que encontraba era del tipo 'Soy mujer y tu eres mi hombre, soy débil y protégeme...' así que me dí cuenta que la canción no existía, por lo que decidí escribirla yo".

Yo soy mujer, escúchame rugir
Son números demasiado grandes para ignorarlos
Y sé demasiado como para volver la espalda y fingir
Porque ya lo he oído todo tantas veces
Y he estado allí en el suelo
Nadie nunca me va a mantener de nuevo oprimida.

Oh sí, yo soy sabia
Pero es la sabiduría que nace del dolor
Sí, he pagado el precio
Pero mira lo mucho que he ganado
Si he de hacerlo, soy capaz de cualquier cosa
Soy fuerte (fuerte)
Soy invencible (invencible)
Soy una mujer

Podrán doblarme, pero nunca me romperán
Porque sólo servirá para hacerme
más decidida a lograr mi objetivo final
Y volveré más fuerte
Dejaré de ser una novata
porque habréis fortalecido la convicción en mi alma.

Yo soy mujer, obsérvame crecer
mírame, de pie, cara a cara
cómo extiendo mis brazos amorosos a todo el país
Pero sigo siendo un embrión
con un largo camino por recorrer
hasta que pueda hacer entender a mi hermano

Soy fuerte (fuerte)
Soy invencible (invencible)
Soy una mujer


Helen en 1973
Un amigo músico australiano le puso música y Helen grabó 'I am woman' (1972), no sin reticencias del productor que consideraba la canción un tema 'marimacho'. El tema 'marimacho' llegó al nº1, y con él fue la primera australiana en conseguir un Grammy. Famosas y controvertidas fueron sus palabras de agradecimiento en la ceremonia de entrega: "Quiero agradecer a todo el mundo en Capitol Records, también dar las gracias a mi marido y mánager Jeff Wald, que ha hecho posible mi éxito personal, y sobre todo, dar las gracias a Dios porque ELLA lo hace todo posible".

A pesar de la dificultad que tuvieron para que la radiaran (la mayoría de disc-jockeys del país odiaba la canción), 'I am woman', además de vender más de un millón de copias se convirtió en el himno del movimiento feminista y Helen cedió los derechos de la canción por el simbólico precio de un dólar a Naciones Unidas para que lo usaran en el Día Internacional de la Mujer. El tema sigue vigente ya que sonó hace unos años en la ceremonia de entrega de los Oscar, cuando en 2008 Kathryn Bigelow (primera mujer en conseguir la estatuilla de 'mejor dirección') abandonaba el escenario.

Los cinco años siguientes al éxito de 'I am woman', Reddy continuó cosechando éxitos -entre ellos, otros dos nº1, 'Delta dawn' (1973) y 'Angie baby' (1975)-, como 'Leave me alone (Ruby red dress)', 'Emotion', 'Peaceful', 'Ain't no way to treat a lady', 'Somewhere in the night' o 'You're my world', su último Top40 en 1977. A finales de la década, Reddy era cabeza de cartel con un gran coro y numerosos bailarines como acompañantes en The Strip, en las Vegas y tenía al entonces incipiente Barry Manilow y Joan Rivers como artistas teloneros. Asímismo, Helen animó a su paisana Olivia Newton John a dar el salto a los EE.UU a principios de los setenta. Fue en una fiesta celebrada en casa de Reddy, donde Olivia conoció al productor Allan Carr, quien le ofrecería el papel para 'Grease'.

A lo largo de toda la década, Helen apareció en numerosos shows de TV, como el 'Late night show' los shows de Bobby Darin y Carol Burnett y el de los 'Teleñecos' (The Muppet Show). Interpretó a una monja en la película 'Aeropuerto 1975', papel que le valió una nominación a los Globos de Oro por 'mejor actriz novel'.
En los ochenta, a causa de las bajas ventas de sus discos -que ella consideró debidas a la falta de compromiso y promoción de Capitol Records, su sello durante diez años- cambió a MCA Records, pero tampoco con ellos consiguió volver al primer plano. Su última entrada importante en una lista nacional fue en 1981, con el tema 'I can't say goodbye to you', que alcanzó el puesto 16 en Irlanda.

En 1990 -ya en su propio sello- publicó el álbum 'Feel so young', en el que interpretaba nuevas versiones de sus favoritos de siempre. Actuó en varias obras de Broadway y el West End como 'Blood Brothers' (1995) y 'Shirley Valentine' (1995). Su última grabación fue en 2000 con el álbum de villancicos 'The best Christmas ever'. En el año 2002 Helen se retiró del 'show business' y regresó a Australia, donde trabajó como hipnoterapista clínico en Sydney y fue jefa de la Australian Society of Clinical Hypnoterapists.

El año 2012 no obstante, actuó en un concierto benéfico en San Diego y el gran éxito que obtuvo la animó a reconsiderar su decisión de retirarse y volvió a los escenarios. Desde enero de 2013 volvió a residir en Estados Unidos, concretamente en Los Angeles, y aquel año realizó varios shows por todo el país y en 2014 actuó en el Sidney Opera House. En 2015 la familia de Helen anunció que se retiraba de los escenarios debido a problemas de salud, lo que no le impidió en 2017 asistir a la Marcha de las Mujeres en Washington, la concentración más multitudinaria celebrada en Estados Unidos desde la guerra de Vietnam. Murió en septiembre de 2020 a los 78 años.

Jimmy Heath


El 25 de octubre de 1927 nació en Philadelphia el saxofonista de jazz norteamericano Jimmy Heath. Hermano de Percy (contrabajo) y Al Heath (batería), Jimmy se decidió por el saxofón alto a los 14 años. Sus primeras experiencias las tuvo con Calvin Todd, Mel Melvin y, a partir de 1946 con Nat Towles

El salto a la división de honor fue gracias a la ayuda de Howard McGhee, que lo contrató durante todo un año, y a su pertenencia a la big band de Dizzy Gillespie entre 1949 y 1950. Su temprana devoción por Charlie Parker le ganó el sobrenombre de 'Little Bird', pero se pasó al saxo tenor y desarrolló su propio estilo. En los años cincuenta tocó en los combos de Miles Davis (1953-55/59) y Gil Evans (1959) con un paréntesis de cinco años alejado de la escena por una estancia en prisión. Antes de eso también compuso, realizó arreglos y tocó para colegas como Chet Baker ('Chet Baker Bigband', 1954), Clifford Brown y Jay Jay Johnson. Sus composiciones 'CTA' y 'Gingerbread boy' pertenecen ya al repertorio standard del jazz.

Apreciado por su tono distintivo, fue requerido por numerosos grupos de jazz moderno. Heath tocó con Donald Byrd ('Up with Donald Byrd', 1964; 'Blackjack', 1967), Art Farmer (1965-67) y publicó álbumes propios como 'The Thumper' (1959), 'Really Big!' (1960), 'Swamp Seed' (1963), 'The Gap Sealer' (1972) y 'Picture of Heath' (1975).

Percy, Jimmy y Al Heath
En 1976 se reunió con sus hermanos Percy y Al y formaron de modo informal The Heath Brothers, con los que publicó el álbum 'Endurance' en 2009. Desde los años sesenta sin embargo, Heath estuvo más dedicado a la composición y a la enseñanza. Así, escribió temas para Blue Mitchell, Milt Jackson, Yusef Lateef y Clark Terry y dio clases en el New Yorker City College (1973), el Community College en Bridgeport (1976-78), la New York School (1985) y el Queens College, donde permaneció 20 años desde 1987. Publilcó como líder 18 álbumes desde 1959 y una decena más con sus hermanos. Jimmy pertenece a las figuras importantes del bebop, aunque nunca pudo desligarse del todo de las influencias de Charlie Parker y John Coltrane. Murió en enero de 2020 a los 93 años.


06 octubre 2019

Patxi Andión


El 6 de octubre de 1947 nació en Madrid el cantautor español de raíces vascas Patxi Andión. Fue uno de los nombres básicos de la canción de autor desde su debut en 1969 con el disco 'Retratos', en el que ya destacaba esa voz profunda que indefectiblemente va unida a la canción ‘Una, dos y tres’ y a la década de los 70.

Francisco José Andión empezó a tocar en su adolescencia con grupos de rock que pasaron sin pena ni gloria por la historia de la música española. Más tarde se pasó a la canción de autor. Ya entonces poseía ese vozarrón que ha sido el rasgo característico de toda su carrera. En su juventud llega a militar en el FRAP (Frente Revolucionario Antifascista Patriótico), que le llevó a exiliarse en París. Allí es testigo del mayo francés del 68, que le impresiona profundamente y, mientras se dedica a la vida bohemia en París, hace sus pinitos cantando en los cafés del barrio latino hasta su regreso a España para cumplir con el servicio militar. Conoce, a través de Luis Eduardo Aute a Mari Trini, y empieza a componer para ella en colaboración con Carlos Montero, lo que le ofrece la oportunidad de que le escuchen diversos directivos de sellos discográficos que confían más en su talento de compositor que en sus posibilidades como cantante.

Consigue por último que Sonoplay edite su primer sencillo, que apenas escucha nadie debido a la censura, que prohibió las dos canciones a las dos semanas de la publicación del single. Poco después se publica 'Retratos', su primer álbum, con temas como 'Rogelio', 'La Jacinta', 'La zagala''El Pipo (nana a un perro que murió solo)' y 'A quien corresponda'. La voz ronca y rota de Patxi y los temas de sus canciones, poco apropiados para evitar el 'ojo' de la dictadura, contribuyen poco para ayudar a la difusión de su música, que cuando logra sortear la censura es considerada poco comercial por las emisoras de radio.

Y es que él no le buscaba tanto como otros el doble sentido o la metáfora social a sus canciones, ni escondía sus aspiraciones y frustraciones, ni éstas estaban tan lejanas de las del hombre de la calle... Pero lo hacía con una voz tan sincera, no exenta de un tono de irónica mala leche, que había quien pensaba que le podían haber censurado hasta el mismísimo 'Avemaría', de haberlo grabado con aquel, su inimitable estilo...  Pero Patxi es testarudo y no se doblega a las imposiciones del mercado, de modo que publica un disco tras otro, con sus retratos de seres marginados, incómodos para la sociedad de la época, como hilo conductor de sus trabajos.

Aparecen otros álbumes, con canciones como 'Manuela' (1972), 'Una, dos y tres' (1973), 'Samaritana', (1974), 'Tu, tu, tu' (1977), 'La Tani',  'Mi niñez'  (1978), 'Elegia' (1979), 'Transbordo en Sol' (1983), 'Si yo fuera mujer', 'Vallecas' (1986), 'Definitivamente' (1998).
También desarrolló una singular carrera, paralela a la musical en el cine, donde consigue ser respetado como actor. Participó también en series de TV como 'Brigada Central' y 'Página de sucesos' y en musicales como 'Evita' (1981), interpretando a Che Guevara.

A mediados de los años 80 fue profesor en la Universidad Complutense, participó en la gestación de la Universidad Camilo José Cela y ahora sigue en la docencia dando clases de comunicación audiovisual, producción, realización y operaciones artísticas y producción audiovisual práctica en la Escuela Universitaria Politécnica de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Y cuando nadie lo esperaba, Andión regresó a la música con 'Porvenir' (2010), un disco producido por Javier Monforte. El año 2013, Patxi volvió a Argentina 43 años después de su última visita para presentar 'Porvenir' en una gira y en 2014 publicó '4DM' (Cuatro días de mayo). Murió el 18 de diciembre de 2019 a causa de un accidente de tráfico.