Captain Sensible

Hoy cumple 64 años el músico y cantante londinense Raymond Burns, más conocido por Captain Sensible, guitarrista y uno de los fundadores en 1976 del grupo punk británico The Damned. Grabó cinco álbumes con la banda, entre ellos, el álbum debut 'Damned Damned Damned' (1977) 'Machine Gun Etiquette' (1979) y 'Strawberries' (1982).

En 1984, Burns dejó la formación. Dos años antes había logrado un nº1 en el Reino Unido con su versión de 'Happy talk', un tema del musical 'South Pacific' de Rodgers y Hammerstein. Se reinventó -ataviado con su inseparable gorra roja- como cantante pop con temas como 'Wot?' y 'Glad it's all over', ambos Top10, y hasta 1996 publicó seis álbumes en solitario.

Ese año volvió con The Damned, con los que permanece en la actualidad. En 2008 publicaron 'So, Who's Paranoid?' y su trabajo más reciente, grabado diez años después fue 'Evil Spirits' en abril de 2018. Captain Sensible, también es miembro desde 2001 de un supergrupo, Dead Men Walking, en el que toca el bajo y que incluye a Mike Peters (The Alarm) a la guitarra, Kirk Brandon (Theatre of Hate, Spear of Destiny) a la guitarra solista y Slim Jim Phantom (Stray Cats) a la batería. Hasta la fecha han publicado cuatro álbumes en directo. En 2015 cambiaron el nombre de la banda por The Jack Tars.

Barbra Streisand

Hoy cumple 76 años la cantante y actriz Barbra Streisand, nacida en Brooklyn (Nueva York). Streisand debutó cantando en un pequeño night club en 1961 y cuatro años después protagonizaba el premiado musical 'Funny Girl' en Broadway. Desde entonces ha grabado numerosos álbumes, protagonizado otras tantas películas e incluso ha dirigido y producido sus propios films. A pesar de carecer de formación académica como cantante, con su espectacular e inmediatamente reconocible voz, ha interpretado todo tipo de estilos, como el pop, disco y los standards de Broadway con la maestría y el convencimiento que sólo tienen unos pocos artistas tocados con esa cualidad de estrella.

Nacida Barbara Joan Streisand, la infancia no se puede considerar una época feliz de su vida. Cuando aún no contaba dos años, su padre, un profesor de gramática y literatura murió de una hemorragia cerebral, dejando a la familia sin ingresos. La pequeña Barbara se crió en casa de su abuela y su única muñeca fue una bolsa de agua caliente rodeada con un suéter. A los 14 años, tras ver una representación de 'El diario de Ana Frank', decidió ser actriz y comenzó a cultivar una imagen bohemia y comportamientos excéntricos para realzar su personalidad. Su madre insistía en que tomara clases de mecanografía ("por si acaso"), pero Barbara se negaba a considerar la posiblidad de un fracaso.

Tras graduarse con matrícula en la Erasmus High School de Brooklyn, Streisand se trasladó a Manhattan, donde, literalmente cantaba a cambio de una cena en bistros y nightclubs. Cuando alguien sugirió que su apellido sonaba 'demasiado judío', ella modificó sin embargo su nombre de pila, eliminando una 'a'. El año 1961 Streisand ganó un concurso de talentos en un bar de Greenwich Village. Gracias a esto consiguió un contrato fijo en el Bon Soir, otro club local. Allí sus personales interpretaciones de  'Happy days are here again' y 'Who's afraid of the big bad wolf?', llamaron la atención de la exigente audiencia neoyorquina y pronto comenzó a aparecer en programas de TV. Apenas un año después, consiguió un importante papel en un musical de Broadway: 'I can get it for you wholesale'.

La obra se mantuvo nueve meses en cartel con Barbra en el papel de una poco atractiva secretaria llamada Miss Marmelstein y cuando finalizó, a la joven cantante de 21 años empezaron a lloverle las ofertas. Firmó un contrato con Columbia Records y su álbum debut 'The Barbra Streisand Album', fue el álbum más vendido de una artista femenina en 1963 y merecedor de su primer Grammy.
En octubre de 1963 apareció en el show de Judy Garland. Sus interpretaciones en el programa dejaron tal huella, que fue nominada a un Emmy por 'mejor interpretación de variedades'. Era la primera vez en la historia que se nominaba a una artista invitada.

Siguieron, ese mismo año, 'The Second Barbra Streisand Album' y 'The Third Album' en 1964. Ambos gozaron de excelentes ventas y fueron Top5 en las listas de álbumes.

En vez de aprovechar su éxito discográfico ofreciendo lucrativos conciertos, prefirió volver a Broadway y aceptó el papel protagonista del musical 'Funny Girl', papel que desempeñó durante más de dos años. En muchos aspectos fue el vehículo perfecto para la ascensión de Barbra al estrellato. Su papel combinaba la comedia, el drama y una serie de melódicas canciones. El single 'People' (1964), procedente del musical, fue su primer disco en entrar en el Hot100, alcanzando directamente el Top5 y el álbum homónimo fue su primer nº1 en las listas de álbumes.

En 1965 probó suerte con la TV y grabó 'My Name is Barbra', el primero de cinco especiales que fueron grabados y emitidos regularmente hasta 1973. Este programa se convirtió en un hito tanto en la biografía de Barbra como en la historia de la televisión, al que además, hay que sumar cinco premios Emmy. El álbum con algunas de las canciones del especial más otras nuevas llegó al puesto nº 2. En este disco se incluye una extraordinaria versión de 'My man!'. Barbra volvió a ganar el premio Grammy por la mejor interpretación femenina por tercer año consecutivo.

Le siguen en 1965 los álbumes 'My Name is Barbra, Two' y 'Color me Barbra' su segundo especial de Tv -ésta vez en color- en 1966. Ese mismo año publica 'Je m'appelle Barbra', primera colaboración con Michel Legrand con algunos temas cantados en francés. El disco contiene la primera composición de Barbra, 'Ma premiere chanson'. Los tres álbumes alcanzan el Top5.

En 1967, Streisand también apareció en la versión filmada de 'Funny Girl', logrando su primer Oscar por su trabajo.

En junio de ese año, ya inmersa en el rodaje de Funny Girl, cantó para una multitud de 135.000 personas (la mayor audiencia de la historia congregada para ver a un artista en solitario). Este se convertiría en su cuarto especial para la televisión 'A Happening in Central Park'. El evento supondría un gran éxito para Barbra, afianzando su leyenda de la cantante americana más celebrada con apenas 25 años. Pero en 1970 el rock había cobrado protagonismo en la escena musical y cuando sus siguientes películas fracasaron en las taquillas, Barbra parecía destinada al circuito de Las Vegas antes de cumplir los treinta. Sin embargo volvió al Top10 de las listas con el tema de Laura Nyro 'Stoney end', éxito pop con el que marcaba su cambio de estilo y con el que se ganó nuevos seguidores.

En la década de los setenta, Streisand combinó con éxito sus facetas artísticas en la música y el cine. Las constantes intromisiones en su vida privada por parte de la prensa y los fans, provocaron en ella un miedo escénico que la alejó de los escenarios. En 1973 protagonizó junto a Robert Redford el film 'The Way We Were' (Tal como éramos), cuyo tema principal, cantado por Barbra supuso su primer nº 1 en el Hot100. En 1976 repitió la experiencia con el film 'A Star is Born' (Ha nacido una estrella), protagonizado junto a Kris Kristofferson y cuyo tema de amor 'Evergreen', co-compuesto por Streisand también alcanzó el nº1 de las listas y obtuvo un Oscar.

Neil Diamond había compuesto y publicado la canción 'You don't bring me flowers' en 1977 y Barbra publicó una versión en su álbum 'Songbird' de 1978. Gary Guthrie, disc-jockey de una emisora de radio se percató que los dos temas estaban grabados en la misma tonalidad y creó un dúo virtual que comenzó a emitir. La repercusión social fue tal que ambos artistas se vieron obligados a grabar juntos una nueva versión del tema que se convirtió en un nuevo éxito y en un nuevo nº 1 en Billboard a finales de 1978.

Repitió en 1979 con su dueto 'No more tears (Enough is enough)', interpretado con Donna Summer. Durante los 70, Barbra fue una habitual en las listas de éxitos. A finales de los 70, Streisand se convirtió en la cantante femenina con más discos vendidos en los Estados Unidos, solamente Elvis Presley y The Beatles estaban por encima de ella y los Rolling Stones eran los cuartos (este ranking seguía vigente en el 2010).

Fue de las pocas grandes artistas de renombre en tener un hit con un tema 'disco'. El suyo fue con 'The main event', publicado en 1979 y la canción funcionó mejor que el film en el que aparecía, protagonizado por Streisand y Ryan O'Neal. En esos días, Barbra se había recluido en su casa, rodeada de perros de presa y guardaespaldas para mantener alejados a los numerosos fans que la asediaban constantemente. Estaba comenzando un proyecto para una película ('Yentl') que iba a producir y dirigir ella misma y que le tomaría unos años.

Durante ese tiempo grabó el álbum 'Guilty' con Barry Gibb, de los Bee Gees. Fue uno de sus álbumes mejor vendidos y de mayor éxito de su carrera. El álbum fue nº1 así como el single que se extrajo, 'Woman in love'.

'Yentl', film estrenado en 1983 narra la historia de una joven judía que se disfraza de chico para poder acceder a la escuela y estudiar el Talmud. Barbra protagonizó, produjo y dirigió la película, que obtuvo un gran éxito en taquilla. Sin embargo, tras sus casi tres años de esfuerzo, comprobó con amargura que su trabajo no mereció nominaciones de la Academia. El fuerte temperamento de Streisand y sus múltiples talentos parecían haber despertado envidias y recelo en la comunidad de Hollywood. Barbra respondió a sus críticos: "Solía excusarme por ser tan perfeccionista. Ya no lo hago porque me preocupo por cada detalle. Esa es mi manera de trabajar...La gente a la que le gusta trabajar conmigo le gusta que la exijan y la presionen. A los que no les gusta ésta dinámica de trabajo, supongo que no les gustará colaborar conmigo"

Continuó con su carrera en el cine y la canción y seguía negándose a actuar en público. Tampoco lo necesitaba. Al cumplir los cuarenta, Barbra Streisand era una de las artistas mejor pagadas de la historia, con una fortuna estimada entonces en más de 100 millones de dólares. Su álbum 'The Broadway Album', un nuevo nº1 publicado en 1986, contenía viejos éxitos de Broadway como el tema 'Somewhere' de 'West Side Story'. Dos años después se estrenó su segunda película como directora, 'Prince of Tides' (El príncipe de las mareas).

En 1993 cosechó un nuevo nº1 con su segunda revisión de canciones de los shows musicales, 'Back to Broadway' y, en 1994, decide volver a los escenarios con un concierto celebrado en el Madison Square Garden de la ciudad de Nueva York. El álbum que se grabó en el evento fue millonario en ventas y alcanzó el Top10 de las listas. En la  Nochevieja de 1999 ofreció un concierto en el MGM Grand de Las Vegas ante 12.477 espectadores que, con entradas a más de 1000 dólares, llenaron el recinto hasta la bandera. El show fue grabado y publicado en CD y DVD al año siguiente como 'Timeless: Live in Concert'. Este concierto pretendía ser su última aparición en escena, aunque volvió a actuar en la ceremonia de los Emmy en 2001 y en varios conciertos benéficos para el Partido Demócrata, como uno que dio en junio de 2004 que generó 5 millones de dólares para la campaña del candidato John Kerry.

En septiembre de 2009, la cantante brindó otro concierto especial en el Village Vanguard, en Nueva York. Esta presentación fue grabada y publicada en formato de DVD, bajo el titulo de 'One Night Only Barbra Streisand and Quartet at The Village Vanguard'. Ese mismo año lanzó al mercado un nuevo álbum de estudio, 'Love is the answer'. El disco, producido por Diana Krall, llegó a los primeros puestos de las listas de álbumes en el Reino Unido y Estados Unidos; se convirtió en la única artista hasta ese momento en lograr encabezar la lista Billboard 200 durante cinco décadas consecutivas.

Streisand admitió una vez que ella nunca pretendió ser una cantante. Prefería su carrera cinematográfica y los papeles serios en los dramas. Sin embargo, fue como cantante como logró llamar la atención por primera vez y sigue siendo hoy día uno de los artistas más rentables del sello Columbia. En 2010 participó en un remake de 'We are the world', ésta vez dedicado a Haití. En agosto de 2011 publicó su álbum de estudio nº 33, 'What Matters Most' y en noviembre del 2013 apareció 'Back to Brooklyn', un álbum en directo que recoge temas de su actuación en octubre de 2012 en el Brooklyn Barclays Center, uno de los escenarios que visitó durante su gira Barbra: Live. En 2014 apareció 'Partners'. un álbum de duetos con partenaires masculinos como Billy Joel, Stevie Wonder, Michael Bublé, Lionel Richie, Andrea Bocelli, Elvis Presley y el propio hijo de Streisand Jason Gould. De nuevo en formato duetos se publicó en 2016 'Encore: Movie Partners Sing Broadway'.

Paul Carrack

Hoy cumple 67 años el teclista, guitarrista y cantante británico Paul Carrack, nacido en Sheffield (Inglaterra). Ha pertenecido a varios grupos de renombre como Ace (1972-77), Roxy Music (1979), Squeeze (1981-82) y Mike + the Mechanics (1985-2006), además de desarrollar una carrera paralela en solitario en la que ha publicado desde 1980 quince álbumes.

Su característica voz se puede oir en hits como 'How long?' (Ace), 'Tempted' (Squeeze), 'Over my shoulder' (Mike + the Mechanics) y 'Eyes of blue'. Actualmente, Paul sigue activo. Publicó 'Good Feeling' en 2012 y colabora de vez en cuando con Ringo en su All Starr Band. En marzo de 2013 Carrack formó parte del grupo que acompañó a Eric Clapton en los primeros shows de su tour 'Old Sock', con el que conmemoró sus 50 años como músico profesional. Su álbum más reciente fue ‘Soul Shadows’, publicado en 2016 y en julio de 2018 está prevista la publicación del disco nº 17 de su carrera: ‘These Days’.

Peter Frampton

68 años cumple hoy el músico y productor británico Peter Frampton, antiguo miembro de grupos como Humble Pie y The Herd. Saltó a la fama internacional gracias a su álbum en directo 'Frampton comes alive!' (1976), considerado uno de los mejores discos en directo de la historia del rock y del que se vendieron, sólo en EEUU, más de 6 millones de copias.

También ha colaborado con George Harrison, David Bowie y Mike McCready de Pearl Jam. Entre sus éxitos más conocidos se encuentran: 'Show me the way', 'Baby I love your way', 'Do you feel like we do' y 'I'm in you'. Es otro de los músicos que tienen personaje propio en la serie 'The Simpsons'. El año 2010 publicó su decimocuarto álbum, 'Thank You Mr Churchill' y en 2013 realizó una gira por Estados Unidos en la que actuó con colegas y amigos como Robert Cray, Sonny Landreth y B.B. King, Don Felder, Rick Derringer, Mike McCready y Roger McGuinn, entre otros. Su trabajo más reciente fue el álbum 'Acoustic Classics', publicado en febrero de 2016.

Robert Smith

59 años cumple hoy el músico británico Robert Smith, nacido en Blackpool (Inglaterra), guitarrista, cantante y compositor principal del grupo The Cure desde su fundación en 1976. Hasta la fecha ha publicado trece álbumes con ellos que incluyen clásicos como 'Just like heaven', 'Lovesong' y 'Friday I'm in love'.

Además, como proyectos paralelos, ha grabado en dos álbumes de Siouxsie and the Banshees y formó el fugaz grupo The Glove en 1983, además de realizar numerosas colaboraciones con artistas como Stranglers, Marc and the Mambas, Tim Pope, Associates, Blink-182 y Faithless, entre otros. Actualmente es el único miembro que queda de la formación original de The Cure y su trabajo más reciente fue '4:13 Dream', publicado en octubre de 2008.

Canciones con historia: 'Lovesong'

Robert Smith ha pensado en un regalo especial para su novia. Desde los tiempos del colegio Mary Poole y Robert han sido pareja y tras catorce años de amor y convivencia van a sellar la relación con una boda que se va a celebrar el 13 de agosto de 1988 en el condado de Sussex. 

Después de tantos años es difícil sorprender a Mary. Pero Robert lo consigue. En un estricto secreto él y la banda han estado ensayando un nuevo tema que Robert ha escrito. Un tema que va a ser su regalo de boda. Por supuesto es ella la que tiene el honor tras la ceremonia de escucharlo por primera vez. Cuando encuentra la ocasión desaparece en una habitación y coloca la cinta de cassette que Robert le acaba de regalar en un reproductor y escucha embelesada como su marido y líder de los Cure la sigue queriendo tanto después de tantos años. 'Lovesong' se publicó en 1989 en el álbum 'Disintegration'.

Iggy Pop

Hoy cumple 71 años el músico, cantante y actor ocasional Iggy Pop, nacido en Muskegon (Michigan). A menudo llamado el 'padrino del punk-rock', Iggy se convirtió en artista de culto a finales de los años sesenta como miembro de los Stooges, una banda de rock que rompió barreras con sus guitarras ensordecedoras y su actitud nihilista. Aunque no tuvieron un gran éxito comercial, su influencia en posteriores generaciones de músicos fue inestimable.

Nacido James Jewel Osterberg, Iggy se crió en un parque de caravanas de la ciudad universitaria, Ann Arbor (Michigan). En la adolescencia, el desencantado Iggy tocaba la batería en una banda de garaje llamada los Iguanas y, tras abandonar los estudios en la Universidad de Michigan, en la banda de blues los Prime Movers. En 1966 se trasladó a la parte sur de Chicago y allí toca la batería con los bluesmen de la zona. Sin embargo vuelve a Ann Arbor al año siguiente, donde decide formar un grupo de rock. Adopta el nombre Iggy Stooge y, junto a los hermanos Ron y Scott Asheton, que tocaban la guitarra y la batería, respectivamente, y el bajista Dave Alexander, forma los Psychedelic Stooges. Tras una etapa definiendo su música, en la que llegaron a experimentar con sonidos mecánicos y repetitivos procedentes de electrodomésticos, acortaron el nombre a Stooges y Iggy adoptó definitivamente Iggy Pop como su nombre artístico.

Los Stooges hicieron su debut en la noche de Halloween de 1967, ante el estupor de los aficionados al rock locales. Aparte de los neoyorquinos Velvet Underground y los MC5 (también procedentes de Ann Arbor), pocas bandas podían haber preparado a las audiencias a recibir la potente descarga de guitarras distorsionadas que los Stooges desplegaban. Mayor shock, si cabe, produjo la actitud y presencia escénica de Iggy, que representaba perfectamente la rabia y la furia de su música. Dando alaridos, revolcándose sobre el escenario y embadurnándose el torso desnudo con carne cruda y mantequilla de cacahuete, Pop marcó el amanecer de un nuevo capítulo de desilusión, rebeldía y rabia en la historia del rock. Rara era la noche que no acababa sangrando de los golpes, arañazos y cortes que sufría en cada una de sus actuaciones. Sin embargo, Iggy confesó años más tarde a Rolling Stone: "Nunca me sentí como una persona autodestructiva cuando empecé. Admito que fui el primero que dio rienda suelta a su ira sobre un escenario de aquella manera. Si estaba cabreado con algo, cantaba sobre ello. Pero sólo era una parte del show"

Tras ser conocidos a nivel regional, los Stooges firman contrato con Elektra en 1968 y en 1969 publican su primer álbum, 'The Stooges'. Las ventas fueron marginales, pero el LP cimentó un seguimiento de culto y supuso una revelación para las nuevas generaciones de músicos, cansados de la creciente banalidad que imperaría en el rock comercial. The Stooges serían una influencia clave en la primera ola de grupos de punk-rock, tanto en la forma como en el contenido. Como ejemplo se puede trazar un paralelismo entre la frase "no future for you" (no hay futuro para tí) del estribillo de 'God save the Queen' de los Sex Pistols en 1977 con el tema '1969' de los Stooges, en el que Pop cantaba: "It's another year for me and you / Another year with nothing to do" (Es otro año para tí y para mí / Otro año sin nada que hacer)

Aunque el álbum no carecía de temas revolucionarios desde el punto de vista musical, como 'No fun' y 'I wanna be your dog', su siguiente trabajo, 'Funhouse' (1970) fue más allá. Considerado por numerosos críticos uno de los álbumes de rock más crudos y llenos de energía de la historia, el disco mostró que las habilidades vocales de Pop habían mejorado con respecto a su primera entrega. Ahora pasaba de sus  arrastrados monólogos a aullidos desgarradores en temas como 'Down on the street', 'Loose', '1970' y 'L.A. Blues'. Aunque en su día sus ventas fueron más que anecdóticas, 'The Stooges' y 'Fun House', hoy son considerados dos álbumes clásicos y pueden señalarse como los catalizadores oficiales de lo que más tarde se conocería como punk-rock.

Seguidamente, los Stooges se separaron temporalmente y Pop pasó más de un año intentando sacudirse de encima su enganche a la heroína. Éste sería el primero de varios intentos a lo largo de su vida. Establecido en Londres, Iggy conoció a David Bowie, quien se ofreció a producir su siguiente álbum. Reunió a los Stooges, excepto al bajista Alexander, que fue reemplazado por Ron Asheton. James Williamson se sumó al grupo y se  hizo cargo de la guitarra solista y de componer con Iggy. El álbum 'Raw Power' (1973) apareció bajo el sello Columbia y contenía nuevos himnos proto-punk como 'Gimme danger', 'Search and destroy' y 'Raw power'. A pesar de suponer la obra cumbre de los Stooges, ese mismo año, la banda se separó tras un último show que acabó en una pelea con unos moteros (documentada en el álbum 'Metallic K.O.'). Iggy, por su parte, volvió a sus hábitos con la heroína.

Iggy Pop y Bowie

En 1974, Pop volvió a Estados Unidos y se trasladó a Los Angeles donde tras un infructuoso intento de grabar un álbum junto al ex-Doors Ray Manzarek, Iggy ingresó en una institución mental con el fin de desintoxicarse. Durante su estancia allí, Pop hizo un intento de escribir y grabar nuevos temas con Williamson, pero como ningún sello demostró interés por su trabajo desistieron, tomando caminos separados. Durante su estancia en el hospital, otro viejo amigo que visitó a Iggy fue David Bowie, cuya carrera se encontraba en ascenso. Bowie se lo llevó consigo a la gira de 'Station to Station' y congeniaron de tal modo, que ambos se instalaron una temporada en Berlín, donde Bowie se encargó de asegurar a su amigo un contrato discográfico con RCA Records. Con plena colaboración de Bowie, Iggy publicó sus dos primeros álbumes oficiales como artista en solitario: 'The Idiot' y 'Lust for Life'.

Ambos discos, con temas como 'China girl', 'Sister midnight', 'Lust for life' y 'The passenger' tenían en cierto modo más que ver con las atmósferas de decadencia europea inspiradas por Bowie, que con su anterior trabajo con los Stooges. Bowie, interesado entonces por el rock electrónico europeo de Kraftwerk, Can y otros, admitió años más tarde que, con su colaboración y producción en los álbumes de Pop, experimentó con sonidos que él mismo adoptaría en futuros trabajos. A pesar de esta influencia o quizás, gracias a ella, 'The Idiot' y 'Lust for Life' gozaron de mucho mejores ventas que los discos de los Stooges, sobre todo en el Reino Unido, donde Iggy era ya un icono entre los seguidores del incipiente movimiento punk.
Aunque Iggy Pop demostraba que había madurado como artista y compositor, sus hábitos escénicos de automutilación, exhibicionismo y provocación adquirieron nuevas proporciones. Realizó una gira por Europa y Estados Unidos con Bowie como miembro de la banda y el grupo Blondie abriendo el show, provocando comentarios como el de Kristine McKenna en Rolling Stone: "El adolescente más viejo del rock escribió el manual del punk y sigue practicándolo mejor que la mayoría de los discípulos que produjo"

En 1979 firmó con Arista Records y publicó tres álbumes. El primero, 'New Values' mostraba al cantante en buena forma e incluso generó un hit menor que fue muy emitido en el circuito de las radios universitarias, 'Five foot one'. Sin embargo, los dos siguientes, 'Soldier' y el disco de pseudo-dance, 'Party', eran inferiores y sus ventas fueron un fracaso.

De nuevo, Pop se abandonó al alcohol y las drogas, refugiado en una habitación de hotel cerca de Times Square. "Intenté tocar sin drogas, pero me deprimía tanto que empezaba a pegarle a la gente. Fue una época desastrosa". Realiza un nuevo intento de grabación con el sello Animal y publica 'Zombie Birdhouse' en 1982, un álbum experimental en el que Pop prácticamente 'rapea' sobre ritmos beat. Éste sería su última entrega durante cuatro años, tiempo que aprovecharon muchos para publicar numerosos álbumes piratas de sus actuaciones. Mientras tanto, Iggy se encontraba en Suiza junto a su amigo Bowie y en 1984 se casó con una japonesa llamada Suchi Asano. Al mismo tiempo, Bowie obtenía un hit internacional con el tema 'China Girl', compuesto con Iggy Pop y que ya había sido publicado en el álbum 'The Idiot' en versión de Iggy.

En 1986 Pop volvió a la vida pública y firmó con A&M, publicando el álbum 'Blah Blah Blah', producido de nuevo por Bowie. Supuso una nueva sorpresa para sus seguidores, sobre todo por el rumbo claramente comercial que tomaba su música. Tuvo como colaborador al ex-Sex Pistols Steve Jones al bajo y el álbum produjo su primer single de cierto éxito en Estados Unidos, su versión de 'Real wild child'. Pero fue 'Brick by Brick' (1990), el álbum con el que recuperó su fuerza y personalidad musicales. Fue su primer disco de oro en Estados Unidos y contenía su primer Top20, 'Candy', un sorprendente dueto con Kate Pierson de B-52's.

Con 'American Caesar', Iggy volvió al sonido de sus primeros trabajos. En temas como 'Wild America' y 'Perforation problems' (ésta sobre dejar la heroína), Iggy vuelve a mostrarnos instantáneas de la parte cutre y sórdida de su país, con instrumentaciones que recuerdan a su etapa con los Stooges. Como sucedió a mediados de los años setenta, nuevos discípulos de los Stooges surgieron de Seattle (Nirvana, Soundgarden, Mudhoney, etc.) en la década de los años noventa. Al mismo tiempo, varias bandas y cantantes versionaban viejos éxitos de Pop o los Stooges, como Slayer, Duran Duran, Guns N' Roses, R.E.M. y Tom Jones.

Su siguiente álbum, 'Naughty Little Doggie' (1996), en la misma línea, no tuvo el mismo éxito que los anteriores. Sin embargo, ese mismo año, el tema 'Lust for life' -compuesto y publicado 20 años atrás- es incluido en la banda sonora del film 'Trainspotting' y el tema entra en las listas inglesas. A lo largo de la década, Iggy participó en varias películas como 'Cry-Baby' (1990), 'Dead Man' (1995), 'El cuervo: Ciudad de ángeles' (1996) o 'Coffee and cigarettes' (2003).

En 2003 publicó 'Skull Ring' en el que contaba como colaboradores a los hermanos Asheton y se produjo la primera reunión desde 1974 de los tres miembros sobrevivientes de los Stooges. Esto llevó a una reunión de la banda con el bajista Mike Watt en el puesto de Dave Alexander (fallecido en 1975) además del saxofonista Steve Mackay, que intervino en las sesiones de 'Fun House'. En 2004 abrieron el concierto inicial de la gira 'Reinvention' de Madonna en Dublín.

Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos 'The Stooges' y 'Funhouse', además de los temas grabados para 'Skull Ring', obviando de esta manera 'Raw Power', por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la 'auténtica' formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 'The Weirdness', el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de 'Raw Power'.

Iggy y los Stooges en 2010

En 2009 el guitarrista de la banda y mejor amigo de Iggy, Ron Asheton muere de un infarto a los sesenta años. James Williamson vuelve a la formación 29 años después y en 2010 Iggy Pop y los Stooges son admitidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
Uno de sus trabajos en solitario fue el álbum 'Préliminaires', publicado en junio de 2009, inspirado en una novela del autor francés Michel Houellenbecq 'La possibilité d'une île'. Iggy describió el álbum como un trabajo "más tranquilo, con algunos toques de jazz" y como una respuesta  a "tanto idiota con guitarra haciendo música de mierda y ramplona"

Muy aficionado al 'stage diving' (lanzarse desde el escenario al público), en marzo de 2010, tras un grave accidente practicándolo, aseguró que no lo volvería a hacer más. Sin embargo lo repitió ese mismo año en Madrid y más tarde en el Hammersmith Apollo en Londres. Su poder de supervivencia tras décadas de fuerte consumo de alcohol, barbitúricos y heroína, así como la energía que sigue tansmitiendo resultan casi milagrosos.

En abril de 2011 Pop interpretó 'Real wild child' en la apertura de la décima edición de American Idol. En el blog musical de Los Angeles Times se podía leer: "Aún mantiene ese inquietante magnetismo"
El mes de mayo de 2012 apareció 'Après', un álbum en el que Iggy realiza diez versiones de canciones clásicas, en su mayoría de artistas franceses como Joe Dassin, Serge Gainsbourg, Edith Piaf, Georges Brassens y Henri Salvador. Su entrega más reciente fue el álbum 'Post Pop Depression', publicado en marzo de 2016 y producido por Josh Homme. En él colaboran Dean Fertita de Queens of the Stone Age y el baterista de Arctic Monkeys Matt Helders.