Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 10 de noviembre de 1967 se publicó en Inglaterra el single 'Nights in white satin', de la banda británica Moody Blues. Justin Hayward, miembro de la banda, escribió el tema a los diecinueve años, y tituló la canción inspirándose en unas sábanas de satén que recibió como regalo de una amiga. La letra trata sobre un ansiado amor lejano, lo que llevó a muchos a pensar que la canción estaba dedicada a un amor de juventud no correspondido de Hayward.
'Nights in white satin' no fue una canción muy popular el día de su primer lanzamiento, debido principalmente a los más de siete minutos que duraba el tema en el álbum. La canción se publicó como sencillo con una duración total de cuatro minutos y veintiséis segundos, inferior a la duración en la que aparecía en el LP 'Days of Future Passed'. Para ello, se le despojó de una parte orquestal y los versos poéticos al final del tema en la versión del álbum. Como cara B, el sencillo tenía el tema inédito 'Cities' .
La canción fue relanzada en 1972, tras el éxito que estaban recibiendo en aquella época otras canciones semejantes de larga duración, como 'Hey Jude' (1968) o 'Layla' (1971). En los Estados Unidos alcanzó el número dos en las listas Billboard y el número uno en la lista de Cash Box. Obtuvo un disco de oro por su millón de copias vendidas. También fue número uno en Canadá. El tema fue lanzado asimismo cantado enteramente en español, con el título 'Noches de seda'
La London Festival Orchestra realizó los acompañamientos orquestales de la introducción, la interpretación final del coro, así como la sección del 'lamento final', todas estas partes presentes en la versión original de la canción en el álbum. Los demás sonidos orquestales a lo largo de la canción fueron producidos por el melotrón de Mike Pinder, que vendría a definir el sonido de los Moody Blues a partir de entonces. En 1979, el single se publicó nuevamente y por tercera vez subió a la lista británica de éxitos, ésta vez hasta el puesto número catorce.
El 20 de julio de 1965 se publicó en Estados Unidos el single 'Like a rolling stone' de Bob Dylan. Cuando a mediados de junio de 1965 el cantautor vuelve de su visita a Inglaterra, llega a los estudios Columbia con varias canciones nuevas para su nuevo álbum, 'Highway 61 Revisited'. Una de ellas, que estaba destinada a ser uno de los grandes temas de la historia del rock, la había escrito con la intención de que fuera un poema, como él mismo le contó al periodista Jules Siegel: "Lo escribí nada más volver de Inglaterra. Ocupaba diez páginas y carecía de título. Allí se concentró todo el odio que llegué a acumular en cierto momento en el que no podía más. Una vez escrito, el odio, o mejor dicho sed de venganza, desapareció. Nunca contemplé el poema como una canción, hasta que un día, sentado al piano, comenzé a canturrear: 'How does it feel...?. A una velocidad ultralenta, como si te encontraras flotando en una gran masa de lava volcánica, me fue llegando la melodía".
Dylan y Tom Wilson
Contrariamente a lo que afirmó Al Kooper en su autobiografía 'Backstage Passes' donde sostiene que el arreglo de la canción y su grabación surgió en unos minutos de una manera "muy punk e improvisada", realmente las sesiones y la gestación de la versión definitiva de 'Like a rolling stone' se tomaron dos días completos de estudio. Las expectativas de cómo debía sonar el tema y cuáles eran los músicos idóneos para tal fin fueron motivo de varias discusiones entre Dylan y su productor Tom Wilson el cual, poco después, marcharía al sello Verve para ocuparse de músicos como Frank Zappa y Velvet Undergroound. Pero su último trabajo con Dylan entraría en la historia del rock. Aunque sus seis minutos de duración rompían todos los esquemas de lo que se consideraba un disco 'radiable' (no más de tres minutos) el tema escaló las listas de medio mundo y alcanzó el nº2 del Hot100 americano. La compañía se había mostrado reacia a publicarlo, pero cuando una copia pirata comenzó a emitirse con insistencia por las emisoras de radio, no tuvieron más remedio.
Dylan y Mike Bloomfield
Una de las características principales del éxito del tema fue la combinación de los sonidos del órgano de Al Kooper y la guitarra solista de Mike Bloomfield, el cual había acompañado a Dylan junto con su banda -Paul Butterfid Blues Band- en el famoso Festival de Newport en el que el cantautor rompió con su pasado folk acústico para abrazar el rock and roll. Bloomfield participó asimismo como guitarrista de sesión en 'Highway 61 Revisited' demostrando su enorme potencial que, exceptuando su 'Super Session' con Kooper, se quedaría por demostrar debido a su prematura muerte a los 36 años.
Al Kooper y Dylan
Al Kooper, por su parte, fue invitado a la grabación como observador, aunque él albergaba la esperanza de contribuir con su guitarra a la grabación, por lo que la sacó de su estuche y comenzó a afinarla. Tras escuchar en los ensayos previos a Mike Bloomfield, el guitarrista contratado para la sesión, comprendió que Mike era mejor guitarrista que él, así que volvió a guardar discretamente la guitarra y se refugió en la sala de control.
Al Kooper al Hammond
En un momento de la grabación, el teclista Paul Griffin, que estaba tocando el órgano Hammond se cambió al piano. Kooper aprovechó la ocasión para participar y le dijo al productor Tom Wilson que tenía "una gran idea para incluir el Hammond" (más tarde confesaría que fue un farol en toda regla) a lo que Wilson le respondió: "Al, tú eres guitarrista, no organista". Antes de concluir las tomas, Wilson recibió una llamada y tuvo que ausentarse de la sala, momento que usó Kooper para sentarse al órgano, sin apenas experiencia. Cuando volvió el productor, comprobó disgustado que ya se habían hecho varias tomas con el órgano registrado en ellas. A la hora de las mezclas, cuando se le preguntó a Dylan qué hacer, exclamó: "¡Sube ese órgano!".
En el especial Rolling Stone de 2005 '50 años de Rock, 'Like a rolling stone' fue elegido el nº1 de la lista de los 'mejores temas de rock & roll de todos los tiempos'. Dejando a un lado la opinión que nos merezcan estas listas, es sin lugar a dudas uno de los mejores temas de Dylan y fue una poderosa declaración de independencia frente a los clichés compositivos de aquella época que hoy, casi cincuenta años después, sigue sonando fresco, sin perder un ápice de su fuerza y energía originales. Entre los numerosos artistas que han versionado la canción se encuentran nombres como Cher, Judy Collins, Jimi Hendrix, Rolling Stones, Johnny Winter, The Turtles, Mick Ronson, Four Seasons, Rascals, Al Stewart, Green Day, David Bowie y Johnny Thunders.
El 5 de julio de 1954 se realizó en los estudios Sun de Sam Phillips, la grabación del primer single comercial de Elvis Presley, 'That's alright mama', un momento que muchos historiadores señalan como el verdadero origen del rock & roll.
Sun Records
La secuencia de hechos que condujeron a este momento arranca cuando un joven camionero llamado Elvis Presley entró cierto sábado del verano de 1953 en las oficinas de Sun Records y pagó 3,98$ por una grabación en acetato de una canción que le iba a regalar a su madre. Grabó dos temas: 'My happiness' y 'That's when your heartaches begin'. Algo vería en él la socia de Sam Phillips, Marion Kreisler, que apuntó en los datos del artista: "A tener en cuenta. Buen cantante de baladas" y se encargó durante los meses siguientes de recordarle a Sam el nombre del joven y tímido camionero para que le hiciera una prueba en serio. Por fin, Phillips mandó llamar a Elvis y el 5 de julio de 1954 concertó una sesión de grabación con dos de sus músicos habituales de sesión, el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black. Quizás era éste el 'cantante blanco con voz de negro' que Sam andaba buscando desde hacía un tiempo.
Elvis, Bill, Scotty y Sam Phillips
Sin embargo, las primeras horas de la sesión, en las que Elvis cantó 'Harbor lights' y 'I love you because', no convencieron a Phillips. Las interpretaciones del cantante le parecieron poco inspiradas y sin personalidad. Tras numerosas tomas, decidió dar un descanso de unos minutos. Elvis, en vez de salir al exterior a respirar aire fresco, agarró una guitarra y comenzó a cantar un tema que Arthur 'Big Boy' Crudup grabó en 1946: 'That's alright, mama' en una versión bastante más acelerada que la original. Black se le unió al contrabajo y Scotty no tardó en acompañarles con su guitarra. De repente, Phillips exclamó: "¡¡¿Qué estáis haciendo?!!", a lo que Scotty respondió sorprendido: "No sé...le acompañábamos". "Pues ya estáis buscando un sitio donde comenzar y hacedlo de nuevo desde el principìo". Sam sabía que estaba capturando un momento mágico. Se grabó en una sola toma, sin batería. Siguió grabando temas con Elvis los dos días siguientes, entre ellos, el que sería la cara B del single 'Blue moon of Kentucky', pero la chispa de aquel 5 de julio no volvió a repetirse.
Arthur 'Big Boy' Crudup
El single, acreditado a Elvis Presley, Scotty and Bill, se publicó oficialmente dos semanas después, el 19 de julio de 1954. Con unas ventas de alrededor de 20.000 copias no logró entrar en las listas nacionales pero fue un top5 en las listas locales de Memphis. Aunque Crudup figuraba como autor en los créditos, éste no recibió lo que le correspondía por sus derechos -unos 60.000$- hasta varios años después.
Elvis en 1954
El año 2004, tanto 'That's alright' como 'Rock around the clock' de Bill Haley cumplían 50 años. En la revista Rolling Stone aprovecharon el momento para reivindicar 'That's alright' como la "primera grabación de rock & roll", aunque el tema suscita muchas controversias. Hay quien opina que la falta de batería y piano en la grabación de Elvis la invalida como canción de rock & roll y otros argumentan que otro tema de Bill Haley, 'Shake, rattle and roll' llevaba semanas en las listas de R&B estadounidenses cuando 'That's alright' salió a la venta. El mismo Presley dijo en una ocasión: "Muchos piensan que yo inicié todo esto, pero el rock & roll ya llevaba existiendo mucho tiempo antes de que yo llegara".
El 30 de mayo de 1966 se publicó en Estados Unidos el undécimo single de los Beatles 'Paperback writer / Rain'. Fue nº1 en USA y el Reino Unido, donde se publicó el 10 de junio siguiente. El tema de la cara A, 'Paperback writer' fue una composición de McCartney a quien una de sus tías retó a escribir una canción que no tratara sobre el amor. Tomó el Daily Mail (fuente de inspiración de muchas de sus canciones) y leyó una noticia sobre un aspirante a autor de novelas que le dió la idea principal...
Paul y John consultan la prensa
John aportó parte de la letra y presionó al ingeniero Geoff Emerick para que hiciera resaltar más el sonido del bajo (Paul estrenó un Rickenbacker para la ocasión), al modo de como lo había oído en los discos de Motown y Wilson Pickett. Emerick se saltó todas las normas establecidas y saturó la señal hasta conseguir el efecto deseado. Fue la última canción que estrenaron en sus shows en directo. La dificultad entonces de reproducir en vivo las armonías vocales y los arreglos de la grabación precipitaron su decisión de abandonar las giras y dedicarse únicamente a grabar discos.
En la cara B se encontraba 'Rain', un tema de Lennon que aporta la prueba de la fascinación de los Beatles en aquella época por los loops de cinta en sentido inverso.
John y George Martin
George Martin recordaba al respecto: "Una vez que empezabas con algo, durante un tiempo se convertía en moda. Cuando le di la vuelta a la voz de John en 'Rain', su respuesta fue '¡Fantástico!, ¡Probémoslo todo al revés!'. Así que George se puso a hacer sus solos al revés, hay platillos al revés en 'Strawberry fields', y así hasta que se agotaba la idea y se pasaba al siguiente invento."
Ringo en 1966
Otro descubrimiento fue que cuando ralentizaban las grabaciones, algunos instrumentos sonaban mejor, por lo que a la hora de grabar las bases instrumentales de 'Rain', los Beatles la tocaron a toda velocidad, de forma que cuando se reprodujo la cinta a velocidad normal, todo sonaba más denso y empastado. Ringo Starr quedó especialmente contento con su aportación: "Creo que es la mejor grabación que he hecho nunca. 'Rain' me vuelve loco. No hay punto de comparación. Me conozco y conozco mi forma de tocar, pero 'Rain' es cosa aparte".
Se rodó un clip promocional para la TV estadounidense de ambas canciones que, como bien dijo George, en cierto modo los convirtió en precursores de MTV.
El 7 de mayo de 1973 se publicó en Estados Unidos el single 'Money' de la banda británica Pink Floyd, aprovechando el gran éxito del álbum 'Dark Side of the Moon' publicado unas semanas antes. Con una inusual medida de 7/4, fue su primer top40 en las listas americanas y el tema que marcaba su transición del rock psicodélico de los sesenta a un mainstream más comercial que catapultó al grupo a cotas insospechadas.
La canción trata sobre los aspectos negativos del dinero y la compuso Roger Waters, aunque está cantada por David Gilmour. Según el guitarrista: "Roger ya llegó al estudio con la letra completa y el tema prácticamente estructurado. Añadimos algunos riffs y creamos una progresión que finalizaba en un 4/4 para los solos de guitarra, y dejamos las partes de 7/4 al pobre saxofonista (Dick Parry)"
Contaron con Alan Parsons como ingeniero de sonido en los estudios Abbey Road y un nuevo magnetófono de 16 pistas que les facilitó el uso de numerosos efectos de sonido.
Alan Parsons nos enseña cómo se hizo
El loop de entrada con los sonidos de caja registradora, monedas etc. se confeccionó artesanalmente cortando y pegando siete trozos de cinta de igual longitud para lograr el efecto deseado. Los Beatles ya habían realizado experimentos en este sentido pero éste era más sofisticado. El loop resultante tenía 6 metros de largo por lo que, para mantener la tensión en el aparato de bobinas, la cinta tuvo que distribuirse alrededor del magnetófono con la ayuda de pies de micro. (El mundo digital acabó con estas geniales obras de artesanía)
Pink Floyd en Abbey Road
Como sucede en varios momentos del álbum, al final de 'Money' se oyen voces de conversación. Waters solia entregar a amigos y conocidos un cuestionario con profundas preguntas filosóficas y grababa las respuestas para editarlas después e incluir parte de ellas en la mezcla final. Entre las voces que grabó se encontraba la de Paul McCartney, que trabajaba con su grupo en un estudio contiguo terminando las mezclas de 'Band on the Run'. La voz de Paul no se usó en la versión final de 'Money', sin embargo sí se usó, entre otras, la del guitarrista de Wings, Henry McCullough, al que se le oye decir "I don't know; I was really drunk at the time." ("No tengo ni idea; en aquel momento estaba bastante borracho")
El 16 de abril de 1971 apareció en el Reino Unido, 'Brown sugar', el decimoquinto single británico de la banda Rolling Stones, publicado como adelanto de su álbum 'Sticky Fingers' en su nueva, flamante y propia compañía de discos Rolling Stones Records y grabado en los estudios Muscle Shoals de Alabama. En Estados Unidos se publicó al día siguiente, 17 de abril y alcanzó el nº1 del Hot100 permaneciendo dos semanas. En Inglaterra se quedó en el puesto 2º.
Bill Wyman recuerda como surgió: "Mick compuso la canción mientras rodaba 'Ned Kelly' en Australia. Fue más cosa suya como puede suponerse, que de Keith. Inspirado en la música de Freddy Cannon, Mick llamó originalmente a su canción 'Black Pussy' (coñito negro), antes de decidir darle un título más sensato. La letra estaba parcialmente inspirada en una vocalista negra que conocimos en Los Angeles llamada Claudia Linnear." Otras versiones apuntan a Marsha Hunt como destinataria, madre del primero de los hijos de Jagger y, efectivamente la letra, calificada de sexista y llena de ambiguas referencias a temas tabú en la época como sadomasoquismo, sexo interracial y oral, procedía de Jagger y llamó bastante la atención en sus días dando lugar a todo tipo de interpretaciones.
Por otro lado, en el lenguaje de la calle, 'brown sugar' era el nombre que en algunos ambientes recibía la heroína. Además Jagger, deliberadamante, pronunció mal algunas palabras, siguiendo el consejo que le dio una vez Fats Domino. Mick declaró en una entrevista de 1995 que fue precisamente ese detalle, además de la ambigüedad de los términos y el magnífico riff de entrada de Richards, lo que ayudó al gran éxito del disco. También confesó en la misma entrevista que entonces, 24 años después, ya no sería capaz de escribir algo tan irreverente...
'Brown sugar', que llevaba grabado desde diciembre de 1969, tardó más de un año en publicarse debido a conflictos contractuales con el anterior sello de la banda, y su estreno en directo no se realizó hasta el 6 de diciembre de 1970 en el Festival de Altamont. Unos días después, el mismo día de la celebración de la fiesta de cumpleaños de Keith Richards, se grabó una versión alternativa en los Olympic Studios de Londres. En la sesión participaron Eric Clapton a la guitarra y Al Kooper al piano y la grabación que surgió, incluida posteriormente en numerosos discos piratas de los Stones, estuvo a punto de ser la elegida para aparecer en el álbum por su frescura y su atmósfera espontánea.
El 14 de abril de 1967 se publicó el primer single en el mercado internacional del grupo de los hermanos Gibb bajo el sello Polydor. El año anterior, habían triunfado en Australia, Alemania y Países Bajos con el tema ‘Spicks and specks’.
Recién llegados a Inglaterra desde Australia en enero de 1967, firmaron con Robert Stigwood y en marzo ya estaban grabando ‘New York mining disaster 1941’, una pieza con fuertes influencias de Beatles. Hasta tal punto que en Estados Unidos se publicó con una cubierta en blanco, algo que hizo pensar a muchos disc-jockeys de la época que se trataba de un nuevo disco de los fab four, editado con seudónimo. Que el nombre del grupo comenzara por ‘B’ y procediera de Inglaterra aumentó las sospechas y en las radios americanas no paró de sonar con la presentación: “A ver si adivináis quiénes son”.
De esta manera lograron entrar en las listas americanas (nº14) y británicas (nº12) por primera vez. También fue el primer tema en el que contaban con el baterista australiano Colin Peterson como miembro oficial de la banda.
La historia que cuenta la canción, basada en un desastre minero sucedido en Gales en 1966, está protagonizada por un obrero atrapado en una mina que sabe está condenado a morir y comparte sus últimos recuerdos con otra víctima (Mr Jones). Este argumento, así como los arreglos y la estructura de la canción sirvieron de inspiración para ‘Space oddity’ de David Bowie, publicada un año y medio después, en la que deliberadamente, Bowie intentaba sonar como los Bee Gees.
El 5 de abril de 1968 se publicó en Estados Unidos el single de Simon & Garfunkel, 'Mrs Robinson', su segundo nº1 tras 'The sounds of silence'. Una versión temprana de la canción ya había aparecido tres meses antes junto con otros temas anteriores del dúo como parte de la banda sonora del film de Mike Nichols 'El Graduado', en referencia al personaje de la película.
Mike Nichols
Nichols, un enamorado de la música de Paul Simon, le pidió que compusiera un par de canciones para su película. Simon, prácticamente sin tiempo para ello debido a las constantes giras, le mostró algunas piezas como ‘Punky’s dilemma’ y ‘Overs’, que más tarde serían incluidos en el álbum ‘Bookends’. Nichols no se mostró impresionado con ellas por lo que le pidió oir alguna más. Paul le mostró entonces 'Mrs Roosevelt', una canción inacabada que no estaba destinada a la película: "Es una canción sobre tiempos pasados, de Mrs Roosevelt y Joe Di Maggio y cosas así..."Nichols, entusiasmado, replicó: "Pues ahora la canción trata sobre Mrs Robinson en puesto de Mrs Roosevelt". Fue tal su empeño de incluirla en el film que las partes sin letra se sustituyeron por “di di di di di...". Tanto la película como el dúo se aprovecharon recíprocamente del éxito.
Para el single y el álbum 'Bookends', Paul reescribió y regrabó la canción. La versión definitiva con la letra completa fue nº1 en Estados Unidos y alcanzó el top10 en varios países como Reino Unido, Irlanda y España, además de recibir un Grammy por ‘disco del año’. Versionada en numerosas ocasiones, las más conocidas son las de Frank Sinatra en 1969 y la de Lemonheads en 1992.
El legendario jugador de béisbol Joe Di Maggio fue el único que pareció no entender nada... Manifestó "que no se había ido a ninguna parte" (en la canción aparece la pregunta "¿Where have you gone Joe DiMaggio?") e incluso llegó a atacar públicamente a Simon por una presunta difamación en su letra. Tras un encuentro cordial entre ambos, en el que Simon le explicó el contexto en el que lo había utilizado, Di Maggio se dio por satisfecho. Parece ser -aunque Simon lo intentara endulzar- que era una simple cuestión de sílabas sonoras que encajaban bien. De hecho, Simon no ha dejado de utilizar el mismo método de composición. Primero compone la melodía y la base rítmica, luego va encajando las palabras y en numerosas ocasiones, la letra va cambiando según avanza el proceso de grabación.
El 29 de noviembre de 1963 se publicó en el Reino Unido el quinto single de los Beatles: 'I want to hold your hand'. El día de su publicación ya se habían realizado más de un millón de peticiones de compra adelantada del disco y habría debutado directamente en el nº1 de las listas británicas si no se hubiera instalado allí por segunda vez el single anterior del grupo, 'She loves you', debido a la extraordinaria cobertura que habían realizado los medios sobre el grupo de Liverpool y la beatlemania, recién desatada.
A los quince días lograron el puesto de honor, permaneciendo en él cinco semanas. También fue su primer nº1 en Estados Unidos, donde se publicó un mes más tarde, el 26 de diciembre, entrando en las listas Billboard el 18 de enero de 1964 dando comienzo así a la 'invasión británica'. El 1 de febrero ya era nº1 en USA y aguantó siete semanas hasta que se lo arrebató 'She loves you', justo al contrario de como pasó en Inglaterra. Es el single más vendido del cuarteto.
57 Wimpole Street
En 1963 McCartney se había instalado en casa de Richard y Margaret Asher, los padres de su novia, la actriz Jane Asher en el nº57 de la Wimpole Street de Londres. Margaret solía dar clases de oboe en una salita de música instalada en el sótano de la casa. Allí había un piano, por lo que Paul y John usaron aquella sala durante un tiempo como lugar de composición. Según recordaba Lennon en Playboy: "Escribimos muchos temas juntos, hombro con hombro. Como en 'I want to hold your hand'. Recuerdo cuando dimos con el acorde clave de la canción. Estábamos en casa de Jane Asher, tocando juntos el piano en aquel sótano. Ya teníamos la parte de 'Oh you-u-u / got that something...' y Paul tocó aquel mi menor y le dije: '¡Eso es!, tócalo de nuevo'".
Fue su primer tema grabado con la tecnología de las cuatro pistas y la cara B, grabada el mismo día fue 'This boy'. (En Estados Unidos fue 'I saw her standig there')
'I want to hold your hand' fue una de las dos canciones (la otra fue 'She loves you') que se grabaron en alemán. La letra la tradujo el músico luxemburgués Camilo Felgen bajo el seudónimo Jean Nicolas. Odeon, el sello alemán asociado a EMI, estaba convencido de que los discos de los Beatles se venderían mejor en Alemania si estaban cantados en alemán. Los cuatro, que detestaban la idea, intentaron boicotear la sesión, pero George Martin los convenció y se grabó 'Komm gib mir deine Hand' en los estudios Pathé de Paris, aprovechando una gira del grupo. Fue una de las poquísimas ocasiones en las que los Beatles grabaron fuera de los estudos Abbey Road de Londres. La versión alemana fue naturalmente un gran éxito en Alemania, sin embargo, también allí terminaron siendo más populares las versiones originales en inglés y sus grabaciones en alemán no pasan de ser una curiosidad de coleccionista.
El 24 de noviembre de 1966 se publicó en Estados Unidos el single del cantautor británico Donovan, 'Mellow Yellow', que alcanzó el nº2 de las listas Billboard y fue uno de sus éxitos más vendidos. El tonillo 'beatle' del tema hizo que muchos lo confundieran con uno de los de Liverpool...
Otro error en el que han caído muchos es respecto a las respuestas susurradas del estribillo: "Quite rightly". La leyenda urbana dice que fue Paul McCartney quien las realizó, pero Donovan se encargó de desmentirlo en una entrevista aclarando que fue él mismo quien las grabó.
El tema trajo su controversia. La referencia a las bananas que hacía Donovan en la letra se asoció en la época a un rumor que propagó el músico norteamericano Country Joe & the Fish unas semanas antes de que se publicara el single. Country Joe sostenía que la cáscara de plátano seca fumada era una droga alucinógena, por lo que la canción parecía una apología a 'colocarse'. Más tarde se comprobó que el famoso efecto alucinógeno no era tal y que la cita del cantautor escocés no se refería en absoluto a tan disparatada teoría. En realidad mencionaba en la canción una 'banana eléctrica', que hacía referencia a los vibradores eléctricos ('consoladores') que se comenzaron a comercializar en aquella época.
El 24 de julio de 1964 se publicó 'She's not there', el single debut de la banda británica The Zombies, formada en 1962. Gracias a su triunfo en un concurso de grupos beat patrocinado por el London Evening News, lograron firmar contrato con Decca y grabaron la canción compuesta por el teclista de la banda, Rod Argent.
El característico sonido de piano eléctrico procede de un Hohner Pianet y el aire jazzístico en tonos menores del tema, sus cuidadas armonías vocales y la personal voz de Colin Blunstone formaban una combinación inédita en el rock británico de la época. En Inglaterra no pasó del puesto 12, sin embargo en Norteamérica -donde llegarían a disfrutar de mayor popularidad- el single fue nº2 en las listas americanas y canadienses.
El 12 de mayo de 1967 se publicó en el Reino Unido 'A whiter shade of pale', el tema debut del grupo británico Procol Harum. El single alcanzó el día 8 de junio el nº1 de las listas inglesas y permaneció allí seis semanas. Sin recibir apenas promoción, alcanzó también el Top5 en EEUU y es uno de los pocos discos sencillos que han vendido más de diez millones de copias.
Gary Brooker
En casa del disc-jockey londinense Guy Stevens, son presentados dos compositores que parecen estar hechos el uno para el otro: un músico que no sabe escribir textos y un poeta que no domina ningún instrumento musical. Aún así, el pianista Gary Brooker se muestra escéptico cuando conoce al letrista Keith Reid, y no piensa en principio que la sociedad funcione. Un sobre con los primeros trabajos de Reid se queda olvidado sobre su piano durante meses. Hasta que un día lo abre y decide echarle un vistazo a los versos de Keith. Uno de los poemas tiene una medida que parece hecha a propósito para una melodía basada en el 'aire' de Bach, que Gary acaba de componer. Cada vez que canturrea como prueba los versos de Reid sobre su melodía, está más y más convencido de que puede ser un hit.
Procol Harum
Lo que al nuevo dúo de compositores le falta ahora, es un grupo. Gary se pone a la búsqueda entre sus colegas y publica un anuncio en la revista musical 'Melody Maker'. Con los nuevos músicos reclutados, Matthew Fisher al órgano Hammond M-102, David Knights al bajo, Ray Roger a la guitarra, Bill Eyden a la batería y el propio Brooker al piano y la voz solista, comienzan a trabajar en la canción, cuyo texto, debido a la larga duración, sufre un recorte de dos estrofas, lo que lo hace mucho más surrealista e ininteligible. Pero eso no afecta al resultado final. Al contrario, esa 'bruma mística' que envuelve al castrado poema de Reid contribuye al éxito internacional de 'A whiter shade of pale'.
A John Lennon le gustaba tanto la canción, que cuando hacía trayectos largos con su Rolls Royce, se colocaba los cascos y escuchaba una y otra vez el tema de Procol Harum. Una vez llegado a su destino, a veces se quedaba en el coche explicando: "Tengo que oírla un par de veces más..."
Keith Reid
Reid, a quien el título se le quedó grabado cuando se lo escuchó decir en una fiesta a un joven algo bebido que intentaba ligar con una chica comentándole algo relacionado con su blanca palidez, explica el significado de su poema: "Es la historia de un viaje contada desde la perspectiva de un joven seductor, que destrozado y hundido, trata de mantenerse cuerdo y despierto con la ayuda del alcohol. Cuanto más bebe más confusas son las imágenes que recibe de la desconocida con la que intenta mantener una conversación.
Brooker y Reid
Sus pensamientos son cada vez más erráticos, y con las vanas e inocentes esperanzas de conquista se entremezclan citas de libros leídos en la infancia. La recurrente metáfora de la canción es un naufragio, estableciendo un paralelismo entre la seducción romántica y los peligros que acechan en los océanos. Nuestro héroe es un joven inexperto que valora más un buen libro que someterse al peligro de verse herido emocionalmente. Esta ambivalencia también se hace patente ante las repetidas menciones a las náuseas. Como se trata de un exceso etílico nocturno, hay huecos en la historia. El oyente debe rellenarlos con su propia imaginación y fantasía."
We skipped the light fandango And turned cartwheels across the floor I was feeling kind of seasick But the crowd called out for more The room was humming harder As the ceiling flew away When we called out for another drink The waiter brought a tray
And so it was that later As the miller told his tale That her face at first just ghostly Turned a whiter shade of pale
She said "There is no reason, And the truth is plain to see" But I wandered through my playing cards And would not let her be One of sixteen vestal virgins Who were leaving for the coast And although my eyes were open They might just as well have been closed
And so it was that later As the miller told his tale That her face at first just ghostly Turned a whiter shade of pale
Portada de la reedición de 1972
Bailamos el suave fandango Y dimos volteretas por el suelo Me sentía un poco mareado Pero el gentío pedía más El salón estaba muy activo Mientras el techo se alejaba Cuando pedimos otra bebida El camarero trajo una bandeja
Y así fue que más tarde, Cuando el molinero contó su historia El rostro de ella, de manera fantasmal, cambió a una blanca palidez
Ella dijo "No existe una razón, Y la verdad es fácil de ver" Pero seguí jugando con mis cartas Y no le permitiría ser Una de las dieciséis vírgenes vestales Que partían hacia la costa Y aunque mis ojos estaban abiertos Bien pudieron haber estado cerrados
Y así fue que más tarde, Cuando el molinero contó su historia El rostro de ella, de manera fantasmal, cambió a una blanca palidez
El mismo año 1967, el grupo español Pop-Tops, grabó una versión en castellano (también la grabarían más tarde Cristina y los Stop, Los Go-Go, Los Salvajes, Los Jóvenes, Tony Ronald y Barrabás, entre otros) con una letra de Francisco Carreras, que poco tenía que ver con el 'sentido' original de la canción:
Caminos en el cielo misterios en el mar y las sombras del desvelo que me vienen a asediar cipreses que se mecen con el viento nocturnal y vibrando en un órgano un preludio sin final
Entre mis sueños te veo, a mi lado otra vez y tu rostro tan sereno con su blanca palidez
Estrellas que se apagan palomas que se van pensamientos que divagan y siempre aquel refrán que suena en mis oídos con la fuerza de obsesión y llorando con el órgano está mi corazón
Entre mis sueños te veo, a mi lado otra vez y tu rostro tan sereno con su blanca palidez
También Los Rebeldes realizaron en 1995 una versión en castellano con una letra diferente:
El último fandango Al borde del amanecer Con la Luna bailando. Odiando el nuevo día Aunque vendrá la luz A mi me traerá la oscuridad. Se que el destino es tan cruel No le suplicaré piedad.
Cuando el Sol salga Sólo me dejará Ese aroma de mujer Y el recuerdo de una cara Y su blanca palidez.
Ya se acerca el alba Se que con el se ira el placer De una dulce virginidad. Hasta ahora ha sido mía Y ya no la puedo retener Ni a ella ni a la felicidad. Ya no tengo el poder se marcha con la luz perdí mi última oportunidad.
Cuando el Sol salga Sólo me dejará Ese aroma de mujer Y el recuerdo de una cara Y su blanca palidez.
Se conocen hasta la fecha más de 900 versiones grabadas de 'A whiter shade of pale'. Asimismo existen innumerables interpretaciones de la letra. En la página procolharum.com se pueden encontrar algunas. Los créditos de la autoría del tema eran de Brooker y Reid hasta julio de 2009, fecha en la que un juzgado le concedió al organista Matthew Fisher, tras repetidos intentos fallidos de éste en años anteriores, el 40% de los derechos de autor por su contribución con el órgano, que según el fallo, fue 'determinante' en el resultado final de la composición musical. Fisher comentó tras el fallo: "Supongo que a partir de ahora dejaré de estar en la lista de amigos
de Gary y Keith, pero creo que es un precio pequeño por asegurar mi
merecido lugar en la historia del rock & roll".
El 5 de mayo de 1967 se publicó en el Reino Unido el single 'The Wind Cries Mary', tercero de la banda The Jimi Hendrix Experience. Un claro ejemplo de blues-rock psicodélico, fue uno de sus primeros Top10 en Inglaterra. Sin embargo en Estados Unidos se editó como cara B de 'Purple Haze', que no pasó del puesto 65.
Jimi y Kathy
Según Billy Cox, el bajista, el riff de 'The Wind Cries Mary', está inspirado en Curtis Mayfield, músico que influyó notablemente a Hendrix. La idea de la canción le vino a Jimi tras una discusión con su novia Kathy Mary Etchingham. Jimi le reprochó que usara cazos sin fregar para hacer la comida, tras lo que Kathy montó en cólera, lanzó unos cuantos platos y sartenes por la habitación y se marchó dando un portazo a refugiarse unos días en casa de una amiga. Cuando volvió, Hendrix había terminado el tema. En principio lo compuso de mayor duración, pero tuvo que acortarlo para que tuviera un tiempo 'radiable'. Jimi siempre se quejó sobre ello. Argumentaba que la gente no entendería el significado de la letra en la versión corta.
Cuando los muñecos de resorte están guardados en sus cajas y los payasos se han ido a la cama, se puede oír a la felicidad tambaleándose calle abajo. Huellas cubiertas de rojo. Y el viento susurra María.
Una escoba barre con monotonía los pedazos rotos de la vida de ayer. En algún lugar una reina está llorando. En algún lugar un rey no tiene esposa. Y el viento grita María.
Los semáforos se vuelven azules mañana y proyectan su desolación sobre mi cama. La diminuta isla se hunde río abajo, porque la vida que ellos vivieron ha muerto. Y el viento chilla María.
¿Recordará el viento, alguna vez, los nombres que ha llevado en el pasado? Y con su muleta, su vejez y su sabiduría susurra: "No, éste será el último". Y el viento grita María
.jpg)
