Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 13 de febrero de 1778 nació en Barcelona el guitarrista y compositor español Fernando Sor, conocido en determinados círculos musicales como el “Beethoven de la guitarra”.
Nacido en el seno de una familia bastante acomodada, Sor descendía de una larga línea de militares e intentó continuar esa tradición, pero se apartó de ella cuando su padre le introdujo en la ópera italiana. Se enamoró de la música y abandonó la carrera militar. Junto a la ópera, su padre también le orientó hacia la guitarra cuando, por entonces, era poco más que un instrumento tocado en tabernas, considerado inferior a los instrumentos de la orquesta.
13ª Duquesa de Alba (1797)
Sor estudió música en la Escolanía del Monasterio de Montserrat, próximo a Barcelona, hasta que su padre murió. Su madre no pudo seguir financiando sus estudios y lo retiró. Fue en este monasterio donde comenzó a escribir sus primeras piezas para guitarra. En 1797 tuvo lugar en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona el estreno de su ópera “Telémaco en la isla de Calipso”. En 1801 se traslada a Madrid, donde pretende acercarse a los círculos musicales de la Corte de Carlos IV y entrar en la Real Capilla o en la Real Cámara. No es bien acogido allí. Pero la XIII Duquesa de Alba lo acoge y protege en su círculo de artistas. Ésta muere poco después y es el Duque de Medinaceli quien le da un cargo de administrador de fincas en Barcelona, donde vuelve en 1802.
Fernando Sor
En 1808, cuando Napoleón Bonaparte invadió España, pasó a escribir música nacionalista para la guitarra, acompañada a menudo por líricas patrióticas. Después de la derrota del ejército español, Sor aceptó un puesto administrativo en el gobierno de ocupación, bajo la monarquía de José Bonaparte. Tras la expulsión de los franceses en 1813, Sor y muchos otros artistas y aristócratas que simpatizaron con los franceses abandonaron España por miedo a las represalias. Se fue a París, y nunca volvió a su país de origen. En París hizo amistad con muchos músicos entre ellos el también guitarrista español Dionisio Aguado, colaborando estrechamente con él e incluso conviviendo juntos durante un tiempo. Compuso un dueto para los dos Op.41, “Les Deux Amis”, (Los dos amigos) en el que una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado".
Guitarra romántica de 1850
Comenzó a ganar renombre entre la comunidad artística parisiense por sus habilidades para la composición y por su capacidad para tocar la guitarra, e inició ocasionales viajes a través de Europa, obteniendo considerable fama y convirtiendo la guitarra en un instrumento de concierto. Estuvo en Inglaterra en 1815 donde fue reconocido como compositor de óperas y ballets. En 1823 viajó a Rusia donde escribió y presentó con éxito el ballet “Hércules y Onfalia” con motivo de la coronación del zar Nicolás I. En 1825 un ballet suyo, Cenicienta, inaugura el teatro Bolshoi, la primera bailarina es su mujer del momento: Felicité Hullin.
En 1827 se asentó y decidió vivir el resto de su vida en París. Durante este retiro compuso muchas de sus mejores obras, entre otras una didáctica: “Método para guitarra”, publicado en 1830 y traducido a varios idiomas. Querido y respetado por todos sus colegas músicos y especialmente por Cherubini – el poderoso y polémico director del Conservatorio de París — Fernando Sor falleció en la capital gala el 10 de julio de 1839. Su última obra fue una misa en honor de su hija Carolina, arpista y pintora, muerta en 1837.
ESTILO
Su estilo se caracteriza principalmente por una búsqueda de un lenguaje guitarrístico más allá de su época, pero aun así sigue siendo considerado como un compositor totalmente clásico, aunque, generalmente muchos intérpretes acostumbran hacer una interpretación con un enfoque "romántico". Algo que podríamos mencionar, es su frecuente uso de las tonalidades menores como preámbulo a sus piezas; un ejemplo claro es la introducción de las Variaciones sobre un tema de Mozart, la cual está en mi menor pero en el transcurso de esta, modula para así mostrar el tema en Mi mayor. Otro ejemplo de esta característica es el "Gran solo" (Olivier Saltiel) en donde el ejemplo es el mismo solamente que en Re menor.
Otra muestra de su estilo compositivo es el uso de "retardos armónicos" especialmente cuando se tienen disonancias como las séptimas. Cabe mencionar que Sor tenía un estilo muy diferente a otros guitarristas y compositores contemporáneos, sin embargo, debemos tomar en cuenta que también se puede encontrar en sus composiciones una gran influencia de otros compositores como Haydn y Mozart. Los maravillosos estudios de Fernando Sor, y sus lecciones y ejercicios, han sido una parte de la vida de los guitarristas durante un siglo y medio - “Masterclass Estudio Sor” (por Andrés Segovia). Con su exuberancia y lirismo, con la belleza y simplicidad de las más tardías piezas fáciles para principiantes, forman una parte central del repertorio clásico para el instrumento.
OBRA
Óperas
• “Telémaco en la isla de Calipso” (1797)
• “Don Trastullo” Ballets
• “La feria de Esmirna” (1821)
• “El señor generoso” (1821)
• “Cendrillon” (1822)
• “El amante pintor” (1823)
• “Alphonse et Leahorel” (1823)
• “Hércules y Onfalia” (1826) Obertura
• “El siciliano” (1827)
• “Hassan y el califa” (1828)
Música vocal
• 25 Boleros o seguidillas
- “Mis descuidados ojos” (Seguidillas boleras) (Pilar Moral, soprano, Nicola Jappelli, guitarra)
- "Mujeres y Cuerdas" (Marta Rodrigo, Soprano & Andreas Martin guitarra)
• 33 Arias Música orquestal y de cámara
• 2 Sinfonías
• Concierto para violín
• 3 Cuartetos de cuerda (perdidos)
• Tríos de cuerda con guitarra (perdidos)
El 11 de febrero de 1950 nació en Tudela Veguín (Oviedo) el cantante, compositor y productor español Tino Casal, que en los años ochenta se convirtió en una de las estrellas de la discutida 'Movida' madrileña con temas como 'Champú de huevo', 'Pánico en el edén', 'Embrujada' o 'Eloise'. Con su exuberante exhibicionismo, provocó sentimientos encontrados durante toda su carrera, hasta el punto de que en 1983 Miguel Ángel Arenas lo describiera en la revista Rock Espezial como "divino para unos e insoportable para otros". Músico arriesgado, innovador y barroco, consiguió conectar con el público de los primeros ochenta, que lo convirtió en un artista superventas y en un icono del neoglam español.
Los Zafiros Negros en 1965
El asturiano José Celestino Casal, empezó a dedicarse a la música a finales de los años sesenta, y con trece años forma el grupo los Zafiros Negros con los que durante un par de años obtiene un gran éxito local a pesar de su juventud. En 1967, otro grupo de la zona ya consolidado profesionalmente se quedó sin cantante y llamaron a Tino, que aceptó.
Los Archiduques
"Yo tendría trece o catorce años, vivía en Oviedo y estaba estudiando en la Escuela de Artes y Oficios. Mi hermano mayor cantaba muy bien y a mi se me pegó el gusanillo. Con unos amigos formé un grupo y seguramente éramos los primeros en Oviedo en usar guitarras eléctricas y tocar el 'Twist & Shout' de los Beatles y otras barbaridades... Pero entonces allí en Asturias había un grupo que era mucho más profesional que nosotros: 'Los Archiduques', habían tocado mucho y hasta habían grabado un disco, lo que era casi una proeza. Por las circunstancias entré en contacto con ellos cuando les hacía falta un cantante para grabar otro disco y nada, a mi me pareció estupendo, y allí empecé a cantar. Recuerdo que ya entonces hacíamos una versión de 'Eloise' que a mi y al guitarra nos gustaba mucho y éramos los que teníamos las ideas más claras del grupo y de la música."
El single en cuestión era 'No le ames' / 'Lamento de gaitas'. La primera es una melodía pop, en la que Tino Casal demuestra sus cualidades vocales. Pero el mayor éxito les llegó con 'Lamento de gaitas', una versión del tema 'I love how you love me' de los hermanos Paul y Barry Ryan, con acompañamiento de gaitas asturianas. 'El Lamento' estuvo tres meses en Superventas, en el hit parade de Madrid. Después de este éxito, el grupo se desplaza a la capital, donde actúan con frecuencia en discotecas. "Con Los Zafiros Negros fueron años más brillantes, todo era muy fresco. Luego con Los Archiduques era mucho más profesional y hasta aburrido, promoción, giras por provincias, nos iban demasiado bien las cosas y casi nos dedicamos a hacer una vida contemplativa. Hicimos un segundo single que fue un fracaso, hablaba de Dalí y el sol, en fin, una letra pedante y horrible. Allí yo decidí dejar el grupo e invertir mi tiempo en otras cosas."
Emborráchate (1978)
Tino abandona a Los Archiduques a principio de los setenta y se marcha un tiempo a Londres, donde cultiva otra de sus grandes pasiones, la pintura. Allí entra en contacto con el glam-rock británicio llegando a conocer a ilustrísimos como David Bowie o Bryan Ferry. En 1977 Casal regresa a España, donde firma un contrato con la discográfica Philips. El sello buscaba en él al sustituto de cantantes melódicos desaparecidos como Nino Bravo o Bruno Lomas, y Casal edita dos sencillos de discreta acogida: 'Olvidar, recordar' y 'Emborráchate'. Con este último acudiría al XX Festival de Benidorm en el verano del 78, ganando el Premio de la Crítica y el de la Radio y Televisión al mejor intérprete, así como el de la Asociación de la Prensa. Paradójicamente, quedaría segundo en el concurso, pues al parecer su 'Emborráchate' no era políticamente correcto para merecer el primer premio.
Tras romper con Philips, Casal vuelve a Londres para empaparse de todo lo que allí se cocía. Convertido en todo un new-romantic, vuelve a España para ser una de las figuras de la nueva ola del pop. Así, retoma el camino de la música abriendo un pub que se convierte en un centro de moderneo, diseñando portadas, como los primeros álbumes de Azul y Negro, y produciendo a diversos grupos entre los que se encuentran Goma de Mascar y Tacones, y, sorprendentemente, el debut de uno de los grupos clave del heavy metal español: Obús, trabajo en el que también aportó los arreglos y fue el diseñador de la portada y el encargado de la puesta en escena, del vestuario y del logo.Interesados por su trabajo, la discográfica EMI lo contrata en 1981.
Neocasal (1981)
Con el nuevo contrato, Tino Casal obtiene una mayor libertad a la hora de trabajar, por lo que retoma su carrera como cantante. En 1981 publica su primer disco en solitario, 'Neocasal', con grandes éxitos como 'Champú de huevo' (su primer nº1) o 'Billy boy' con producción de Julián Ruiz. Otro tema incluido en el álbum fue su versión de 'Life on mars' de Bowie. A pesar de que el trabajo no contó con el visto bueno de la crítica, desconcertada ante la ambiciosa propuesta de tecno-pop y neo-glam, Casal comenzó a cosechar seguidores. Su estilo, que se había gestado durante su estancia en Londres, traía a España un tipo de música que despertaba recelos por esa ambigüedad sexual que aun era mal admitida en la joven democracia española.
Con Julían Ruiz (izq) en el estudio
Continuó su carrera como productor y director artístico con el segundo disco de Obús y colaboró con artistas como Pedro Almodóvar, al que financió parte de las películas 'Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón' y 'Laberinto de pasiones'. En esta última película cedió su famosa chaqueta roja, que en el film lleva puesta Imanol Arias. En 1983 publica 'Etiqueta Negra', álbum con el que Casal se consolida como cantante con éxitos como 'Embrujada', tema que pasaría a la posteridad como una de las canciones más recordadas de la primera mitad de los años ochenta. Otros temas de éxito del álbum fueron 'Póker para un perdedor' y 'Tigre bengalí', que apareció en la película 'Sal Gorda' de Fernando Trueba.
Hace tiempo que vive en un cuento
del cual no quiere salir
encantada, duerme con la almohada
y se olvidó de reír.
Dicen que es la bruja
con tacón de aguja
aliada de Lucifer,
cuentan que era estrella
pero la botella acabó con ella
hasta hacerla enloquecer.
Stop, mi hada, estrella invitada
victima del desamor
sube al coche, reina de la noche
y olvida tu malhumor.
Embrujada vive encadenada
a un viejo televisor,
y de Samantha cuentan que fue musa
de algún mediocre pintor.
Todo era derroche
reina de la noche
¡Quien te ha visto y quien te ve!
cuentan que eras sexy
rutilante estrella
pero la botella acabó con tu poder.
Stop, mi bruja, con tacón de aguja
victima del desamor
date prisa, envuélvete en la brisa
olvida tu malhumor.
Stop, mi hada, estrella invitada
victima del desamor.
Un año después se publicó 'Hielo Rojo', pero el público ya no estaba tan entusiasmado con la extrema exuberancia de Casal y no tuvo el mismo éxito, aunque parte del tema 'Pánico en el Edén' se utilizó como sintonía de la Vuelta Ciclista a España. Pese a ser uno de los 'imprescindibles' en Madrid, Tino Casal se negó a encasillarse como otros miembros estelares de la Movida y se movió por toda España y Europa. En uno de esos viajes, en 1985 sufre un esguince de tobillo en medio de una gira.
Desoyendo los consejos médicos, Tino prosigue con la gira durante dos meses más, automedicándose con antiinflamatorios y analgésicos, hasta que tiene que ser hospitalizado por causa de una necrosis. La larga convalecencia, que lo mantuvo alejado de la vida pública más de dos años, le obligó a permanecer en silla de ruedas durante varios meses. Reapareció con un álbum más intimista, 'Lágrimas de Cocodrilo' (1987), también producido por Julián Ruiz. De nuevo se gana a su público con su versión del clásico de los sesenta, 'Eloise'.
Casi tres años después publicó 'Histeria' (1989), menos trabajado, ya que la pintura y la escultura ocupaban entonces su tiempo principal. En el disco se incluían, entre otras, canciones como 'Tal como soy' (versión del clásico de los 70 'Killing me softly with his song' de Roberta Flack), 'No fuimos héroes' (versión de 'Don't you want me' de Human League), y 'Sex o no sex?'. En una entrevista en TVE realizada en 1990 comentó: "Los 90 pintan bien para mí y no sólo para mí, sino para toda la música en general. En mi opinión los 90 -musicalmente hablando- van a ser incluso mejores que los 80; hay una serie de grupos y solistas que van a causar sensación esta década que viene".
En mayo de 1991 empezó a trabajar en un recopilatorio de sus grandes éxitos de los últimos 10 años, titulado 'Etiqueta Negra, Grandes Éxitos'. Llegó a un acuerdo con la discográfica EMI para empezar a grabar en 1992 en Tokio su primer lanzamiento internacional. El 22 de septiembre de 1991, cuando regresaba de una fiesta en Madrid con unos amigos, el conductor del coche perdió el control a causa del exceso de velocidad y se estrelló contra una farola. De los cuatro ocupantes que iban en el vehículo, Casal, fue la única víctima mortal.
Desde el punto de vista de la Movida madrileña, Tino Casal fue al género masculino lo que Alaska al femenino y su muerte prematura, que le proporcionó esa aureola mítica que tienen los rockeros desaparecidos, no evitó que -como la diva mexicana- se constituyera en un género en sí mismo, más allá de cualquier etiqueta.
El 10 de febrero de 1971 (un día después de cumplir 29 años), Carole King publicó en EE.UU. el álbum 'Tapestry', uno de los álbumes de mayor éxito de la historia de la pop.
Carole y Gerry, recién casados
En 1968 Carole se divorció de su primer marido, Gerry Goffin, con quien había compuesto hasta entonces un buen puñado de canciones de éxito para otros intérpretes como Shirelles, Bobby Vee, Little Eva, Crystals, Chiffons, Monkees, Aretha Franklin, Byrds y Blood Sweat & Tears, entre ellas 4 nº1 y 20 que alcanzaron el top40 del Hot100. Desde el principio de su relación, Carole estuvo profundamente enamorada de Gerry. Para él, Carole no dejó de ser la chica con la que se tuvo que casar en el instituto por dejarla embarazada. En 1964, con dos hijas y 22 años, descubrió que Goffin iba a tener otro hijo con la cantante Darlene McCrea del grupo vocal The Cookies. Sin embargo, aguantó unos años más el matrimonio, componiendo canciones junto a Gerry, algunas de las cuales incluso iban destinadas a Darlene. A pesar de su separación personal continuarían colaborando profesionalmente en el futuro.
Carole comenzó en 1967 una nueva relación con Charles Larkey, bajista de un grupo que King y Goffin habían intentado promocionar para un sello propio, Tomorrow Records que no prosperó. En ese momento Carole consideró que había llegado el momento de pasar de compositora a ser la intérprete de sus canciones. Había hecho un tímido intento como solista en 1962 con el tema 'It might as well rain until september', que Goffin se había encargado de obstaculizar porque no veía con buenos ojos a su joven esposa metida de lleno en el show business. Se trasladó con su futuro segundo marido Larkey y sus dos hijas a California donde entró en contacto con la escena de Laurel Canyon y conoció a Joni Mitchell y otras Ladies of the Canyon de la contracultura, sin olvidar a Frank Zappa y sus Mothers. Instalada en un apartamento de Los Angeles, a poca distancia del Sunset Strip -donde se encontraban los grandes sellos discográficos- y a diez minutos de Hollywood y de la playa de Malibu, Carole comenzó a reinventarse inmediatamente.
The City (1968)
Con la ayuda de Larkey reclutaron al guitarrista Danny Kortchmar y al reputado batería Jim Gordon para formar The City, un grupo con el que Carole se preparó para dar el salto definitivo como artista en solitario. Grabó con ellos un álbum en 1968 producido por Lou Adler que apenas tuvo repercusión, al que siguió 'Writer' ya con el nombre de Carole en la portada. Las doce canciones de 'Writer' eran composiciones de King con su ex-marido y una con Toni Stern, lo que daba sentido al título del álbum y, en su interpretación de 'Up on the roof' (publicada por The Drifters con éxito en 1962), ya se percibía la gran obra que estaba por llegar.
'Tapestry' (tapiz) fue llamado así por la pieza de punto en la que Carole trabajó entre toma y toma en las sesiones de grabación realizadas entre los días 4 y 15 de enero en los estudios A&M de Hollywood, en un edificio que antaño había albergado los platós de los estudios Charlie Chaplin. En la fotografía que ilustra la portada se la ve con el tapiz entre las manos, que acabó siendo un regalo para Lou Adler.
Lou Adler
Cuando King le presentó a Adler sus nuevas composiciones éste supo al instante cómo producir el álbum. Lou, que era zorro viejo (produjo a Jan & Dean, Johnny Rivers, Barry McGuire, Mamas & Papas y Spirit además de coproducir el Festival de Monterey), dejó que resaltara principalmente la personal y ante todo, sincera voz de Carole, arropándola con unos arreglos espartanos, haciendo sonar los temas casi como si fueran una maqueta, generando una atmósfera íntima y 'de estar por casa' que acercó el espíritu de la artista al oyente. Las canciones eran tan poderosas que no necesitaban de mayor disfraz.
Joni Mitchell y Carole
Además de su banda habitual (Russ Kunkel había tomado el puesto de Jim Gordon a la batería), Adler contrató a Curtis Amy (saxos tenor, soprano y baritono y flauta), David Campbell (chelo, viola y cuarteto de cuerda) entre otros pocos músicos de sesión. Joni Mitchell cantó los coros en 'You've got a friend' y 'Will you love me tomorrow' junto con James Taylor. Este solía aparecer a menudo por las sesiones (estaba grabando en un estudio cercano su propia versión de 'You've got a friend') y aportó su guitarra acústica a varios temas del álbum. ('So far away', 'Home again' y 'Way over yonder')
En marzo de 1971 con el álbum y el single 'I feel the earth move' en la calle y rumbo hacia el nº1 de las listas, Carole emprendió su primera gran gira nacional, actuando como telonera de James Taylor y tocando el piano en su banda.
Carole y la banda de James
Tocaron en más de 25 ciudades del país. La experiencia no acabó de satisfacer a King, que notó que tras la tercera o cuarta actuación perdía algo de espontaneidad cantando, por lo cerrado y medido de la estructura de los shows. Ya entonces desarrolló cierta fobia por las actuaciones en directo, prefiriendo el trabajo en el estudio. "No soy una gran cantante y mis canciones son mi único medio para comunicarme con la gente ante la que actúo. Pero eso lo puedo hacer a través de mis grabaciones y prefiero dedicar mi energía a escribir nuevas canciones que pueda ofrecer a la gente en mis discos. Sé que no es lo mismo que en directo, pero yo me siento más cómoda así".
Carole y James
En mayo las emisoras no paraban de emitir los temas de 'Tapestry' por todo el país y Lou Adler consiguió que Carole realizara su debut como cabeza de cartel en el Troubadour, una legendaria sala de 250 asientos de Hollywood Oeste. En esta ocasión también la acompañaba su buen amigo James Taylor, así como, un mes después, en el Carnegie Hall, el primer concierto de Carole King en su ciudad natal, en el que el momento estrella de la noche fue cuando Carole y James interpretaron juntos 'You've got a friend', que aunque muchos creen escrita por Carole pensando en Taylor, no tuvo destinatario real, surgiendo la letra -según confesó la autora- espontáneamente según la fue escribiendo.
When you're down and troubled
and you need a helping hand
and nothing, oh nothing is going right,
close your eyes and think of me
and soon I will be there
to brighten up even your darkest night.
You just call out my name
and you know wherever I am
I´ll come running, oh yeah baby, to see you again.
Winter, spring, summer or fall,
all you got to do is call
and I'll be there yeah yeah yeah
you've got a friend.
If the sky above you
should turn dark and full of clouds
and that old north wind should begin to blow,
keep your head together
and call my name out loud now
soon I'll be knocking upon your door.
You just call out my name
and you know wherever I am
I´ll come running, oh yes I will, to see you again.
Winter, spring, summer or fall,
all you got to do is call
and I'll be there yeah yeah yeah.
Ain´t it good to know
that you´ve got a friend
people can be so cold
they'll hurt you and desert you
well they'll take your soul if you let them
oh yeah don't you let them.
You just call out my name
and you know wherever I am
I´ll come running to see you again
Oh baby don´t you know now.
Winter, spring, summer or fall,
hey, now, all you gotta do is call
cos I'll be there yeah yeah yeah
you've got a friend, you've got a friend yeah,
ain't it good to know you've got a friend
ain't it good to know you've got a friend
Oh yeah yeah, you've got a friend.
Carole y sus Grammys
En verano de 1971 el álbum ya había alcanzado el nº1 donde permaneció 15 semanas consecutivas, récord no superado por una artista femenina hasta 40 años después, con el álbum '21' (2012) de Adele. Recibió cuatro premios Grammy: 'Álbum del año', 'Mejor interpretación vocal femenina', 'Canción del año' por 'Youve got a friend' y 'Disco del año' por el single 'It's too late'. Hasta la aparición de 'Thriller' diez años más tarde, fue el álbum más vendido de la historia en EE.UU. y con más de 14 millones de copias vendidas en todo el mundo fue hasta bien entrados los años noventa, el trabajo más vendido de una cantante. Jon Landau, redactor de Rolling Stone, escribió en el número de abril : "...'Tapestry' ha cumplido las promesas planteadas en su primer trabajo, 'Writer' y confirma el hecho de que King es una de las más creativas figuras de la música pop"
El 9 de febrero de 1900 nació en Gallatin (Missouri) el contrabajista de jazz Walter Page, precursor del 'walking bass'. Apodado 'Hoss', comenzó su carrera con Bennie Moten a principios de los años veinte y, en 1925 lideraba su propia banda, los Blue Devils.
En la década siguiente trabajó con Count Basie en su orquesta y en los Kansas City Six, que formaba con Buck Clayton, Eddie Durham, Lester Young, Freddie Green y Jo Jones. Con ellos grabó 'Pagin' the devil', en el que aparece uno de los primeros solos de bajo de la historia del jazz.
Trabajó con todos los grandes del swing, Benny Goodman, Harry James y Teddy Wilson. Acompañó a Billie Holiday y, tras su etapa con Basie colaboró con Eddie Condon, Big Joe Turner, Sydney Bechet y Roy Eldridge. Murió en diciembre de 1957 a los 57 años.
El 8 de febrero de 1899 nació en Nueva Orleans (Louisiana) el músico y cantante de blues y jazz norteamericano Lonnie Johnson, pionero en la utilización de la guitarra en el jazz y uno de los primeros en tocar solos con una sola cuerda. Además dominaba el violín, el piano y la mandolina.
Perteneciente a una familia de músicos, Johnson estudió violín y guitarra en su infancia, concentrándose en su carrera musical años más tarde. Una gira que realizó por Inglaterra en 1917, seguramente le salvó la vida ya que a su regreso a Nueva Orleans, en 1919, la mayor parte de su familia había fallecido víctima de la epidemia de gripe de 1918. A comienzos de los años veinte, Johnson trabajó con las orquestas de Charlie Creath y Fate Marable, trasladando su residencia en 1925 a San Luis (Missouri). Tras acompañar a Bessie Smith en una gira, ganó un concurso de blues organizado en el Booker T. Washington Theatre de St. Louis, cuyo premio consistía en un contrato con la compañía discográfica Okeh Records, de Chicago, fruto del cual realizó una serie de exitosas grabaciones (130) entre 1925 y 1932, incluyendo duetos con Eddie Lang yJoe Venuti. Fue requerido en Nueva York para grabar con los principales vocalistas de blues del momento como Victoria Spivey, y el cantante de country blues Alger 'Texas' Alexander.
En esos años, Johnson trabajó esporádicamente en grabaciones de Louis Armstrong and hisHot Five, la orquesta de Duke Ellington, y 'The Chocolate Dandies', interpretando solos en guitarras de doce cuerdas de una forma innovadora, una técnica que tuvo una poderosa influencia en futuros guitarristas de jazz como Charlie Christian y Django Reinhardt. Su solo en 'Mahogany Hall Stomp', está considerado el primer solo de guitarra grabado del jazz En 1933 se trasladó a Cleveland (Ohio) y trabajó con la Putney Dandridge Orchestra y realizando actuaciones en emisoras de radio, pero la situación económica y social que siguió a la Gran Depresión le obligó a aceptar trabajos fregando suelos y en una fundición de acero. En 1937 regresó a Chicago y trabajó grabando para Decca Records y acompañó un tiempo a Lil Hardin Armstrong.
En 1939 fichó por el sello Bluebird, donde realizó grabaciones con conocidos pianistas como Blind John Davis, Roosevelt Sykes y Joshua Altheimer. En una de aquellas sesiones, Johnson tocó por primera vez una guitarra eléctrica. Grabó 34 temas para Bluebird, entre ellos sus éxitos 'In love again' y 'He's a Jelly Roll Baker'. Tras la guerra, se apuntó al R&B y con su guitarra eléctrica, firmó con King Records y en 1948 grabó el tema 'Tomorrow night', que se mantuvo 33 semanas en lista y siete de ellas en el nº1 de la lista de 'Race Records' de Billboard, y del que se vendieron tres millones de copias, una gran cifra para la época. Otros éxitos menores fueron 'Pleasing you (as long as I live)' y 'So tired' (1949)
En 1952 realizó otra gira por el Reino Unido, pero hasta el final de la década tuvo que trabajar como encargado de mantenimiento del hotel Benjamin Franklin de Philadelphia. Nadie en el hotel sabía que Lonnie había sido una estrella del blues años atrás, hasta que un DJ de una emisora de jazz, Chris Albertson, lo redescubrió en 1959 y le organizó un espectáculo en el Playboy Club de Chicago que marcaría el regreso de Johnson a la música. En 1962 Lonnie conoció a Bob Dylan a quien enseñó algunos trucos del oficio. "Tuve suerte de coincidir con Lonnie Johnson en el mismo club en el que yo trabajaba y he de decir que me influyó bastante. Lo puedes oir en mi primer disco. Corrina, Corrina... tiene mucho de Lonnie. Solía escucharle siempre que tuve ocasión e incluso me dejó tocar con él en alguna ocasión. Creo que él y Tampa Red y por supuesto Scrapper Blackwell son mis guitarristas favoritos", recordaba Dylan.
Al año siguiente hizo una gira por Europa como uno del los integrantes del cartel del American Folk Blues Festival. Sus últimas grabaciones conocidas fueron realizadas en 1967 para Folkway Records. Dos años después fue atropellado por un coche y poco después sufrió un ictus que le dejó paralizado medio cuerpo. De las secuelas murió Johnson en junio de 1970 a la edad de 71 años.
El 8 de febrero de 1977 se publicó en Estados Unidos bajo el sello Elektra, 'Marquee Moon', el álbum debut del grupo de punk neoyorquino Television, liderado por Tom Verlaine, ex de Patti Smith, que recibió una tibia acogida por parte del público pero entusiasmó a los críticos, sobre todo a los ingleses. La revista NME lo consideró en 2003 el cuarto mejor disco de todos los tiempos.
Richard Hell, Ficca, Verlaine y Lloyd
Probablemente, considerarlo sin subjetividad alguna el cuarto mejor álbum de todos los tiempos puede resultar excesivo. Sin embargo, fue un álbum debut que planteaba un cambio tan radical en las guitarras como lo supuso Led Zeppelin en su día, un hecho que sí lo ha convertido en uno de los álbumes más importantes de la historia y de la evolución del rock y ahora se nos antoja imposible imaginar la escena post-punk sin él. La fotografía de la portada estaba realizada por Robert Mapplethorpe y, aunque no pudo llevarse a cabo, la idea original del grupo fue contar como ingeniero de grabación con el veterano Rudy Van Gelder y grabar el álbum en su legendario estudio de Englewood Cliffs (New Jersey). Television logró con 'Marquee Moon' un trabajo que estaba a la altura e incluso superaba los trabajos de sus contemporáneos Patti Smith o Talking Heads, surgidos -como ellos- de la escena del famoso club 'CBGB'.
Verlaine, Smith, Ficca y Lloyd
A mediados de los setenta parecía que la guitarra había recorrido todo su camino en el rock. Los hitos de las bandas de blues-rock británicas (Led Zeppelin, Deep Purple) ya eran pasado y los residuos norteamericanos, como Aerosmith, eran copias descaradas. La banda más influyente en USA había sido hasta entonces los prácticamente desconocidos Velvet Underground y las apariciones más prometedoras (Ramones) estaban ancladas en el primitivismo salvaje, principalmente por su falta de destreza con los instrumentos.
Richard Lloyd
Mientras la mayoría de los grupos aumentaban los sonidos distorsionados, subían el tempo y despojaban sus canciones de cualquier sofisticación hasta dejarlas en una estructura de tres acordes, Televison hizo todo lo contrario. Verlaine y Lloyd se prepararon el marco idóneo para desarrollar sus limpios, poderosos, técnicamente intrincados, desafiantes e imprevistos solos de guitarra con los que reinventaron el papel de la guitarra en el rock, empezando por el agitado 'See no evil' (solo de Richard), tema en el que Tom Verlaine y Richard Lloyd fundieron sus guitarras en retorcidas celebraciones de la mugre urbana y la cultura de la calle sobre las bases rítmicas de Fred Smith (bajo) y Billy Ficca (batería).
Tom Verlaine
El tema que da título al disco, permite ciertas comparaciones con bandas hippies (se grabó en una sola toma, en la que Ficca pensó que estaban ensayando). 'Marquee moon' surgió de sus primeras actuaciones en directo y ya en sus primeras interpretaciones, era una pieza épica de ocho minutos con complicados cambios de tono, que, cada vez que la tocaban se complicaba más y exigía un virtuosismo cada vez mayor de los músicos. Fue una de las razones por las que Fred Smith sustituyó en el bajo a Richard Hell, incapaz de tocar el tema como deseaba Verlaine. En el vinilo la duración original (10:40) de la pieza se restringió a menos de 10 minutos por motivos de espacio, recuperada en la reedición en CD. En las actuaciones en vivo, Television solía alargar el tema hasta los 15 minutos. A pesar de su duración, se editó en single, dividido en dos partes de 3:13 y 6:45.
Recuerdo
como se doblaba la oscuridad
rememoro
el rayo golpeándose a sí mismo.
Estaba escuchando
escuchando la lluvia
estaba oyendo
oyendo algo más.
La vida en la colmena hizo que mi noche frunciese los labios,
el beso de la muerte, el abrazo de la vida.
Allí estaba, bajo la marquesina de la luna esperando,
vacilando...
no estoy esperando
Hablé con un hombre
en las vías.
Le pregunté
cómo no se volvía loco.
Me dijo "Mira, junior, no estés tan feliz.
Y por amor de Dios, no estés tan triste."
Y un Cadillac
salió del cementerio
Se paró a mi lado
todos me dijeron que entrara.
Luego el Cadillac
volvió a meterse en el cementerio
y yo,
salí de nuevo.
En cambio, en 'Prove it' (solo de Tom) o 'Guiding light' (solo de Richard), ya no queda nada de flower power, sólo power. 'Venus' y 'Friction', también se editaron en single y, completan el disco 'Torn Curtain', con solos de Tom Verlaine (autor de letra y música de todos los temas) y 'Elevation' (solo de Richard). En la reedición en CD de 2003, se incluyeron los temas 'Little Johnny Jewel' -el primer single que la banda había lanzado dos años antes de la edición de 'Marquee Moon'-, versiones alternativas de 'See no evil', 'Friction' y 'Marquee moon', además de un instrumental sin título, rescatado de las sesiones de grabación de su segundo álbum, 'Adventure'.
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