Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 28 de abril de 1924 nació en East Durham (New York) la pianista y cantante de jazz Blossom Dearie que, con su sofisticada y exquisita voz de niña, cautivó al público de los años cincuenta. Sin poseer la profesionalidad vocal de Ella Fitzgerald ni el registro de Sarah Vaughn, Dearie le sacó partido a su delicada voz incorporando elementos del cabaret a su estilo, que fortaleció interpretando baladas tomadas del repertorio clásico de los Gershwin y de Rodgers and Hart, así como temas con divertidas letras de autores más desconocidos como Dave Frischberg. Es conocida la costumbre que tenía de incluir en los contratos la cláusula de que no se sirvieran bebidas o comidas durante sus actuaciones. Aunque su talento nunca la hizo rica y famosa, tuvo siempre un nutrido grupo de entregados fans entre los que se encontraban Marlon Brando y Vanessa Redgrave.
Nacida en East Durham, una localidad situada a 30 kilómetros de Albany en las Catskill Mountains, el padre de Blossom procedía de una familia con orígenes irlandeses y escoceses y trabajaba de camarero; su madre, procedente de Oslo (Suecia) había llegado de niña a Estados Unidos. Blossom (Flor) recibió el inusual nombre cuando un vecino les trajo unas ramas de melocotonero en flor, el día que nació. Ya con dos años, Dearie mostró interés por la música sentada sobre el regazo de su madre cuando ésta tocaba el piano. Con tres ya había decidido dedicarse a la música.
Comenzó sus clases de piano con cinco años y con diez se trasladó a casa de un hermanastro en Washington. Allí continuó su formación musical y estudió las composiciones clásicas de Bach y Chopin. Sus progresos impresionaron a sus profesores, quienes recomendaron que siguiera estudiando música clásica en el Peabody Institute de Baltimore. Sin embargo, Blossom volvió a East Durham y abandonó los estudios clásicos. En su estancia en la high school se integró en la banda del instituto. Allí escuchó por primera vez el jazz y Dearie supo al instante que ese era su camino. Estudió la música de Count Basie y Duke Ellington y el estilo de Martha Tilton, cantante de la orquesta de Benny Goodman, una de sus preferidas. Cuando Dearie acabó sus estudios a mediados de los cuarenta, se trasladó a Nueva York donde compartió apartamento con otras chicas. Comenzó a cantar en grupos vocales con diferentes bandas como los Blue Flames de Woody Herman, o los Blue Reyes de Alvino Rey. Allí, Blossom se convirtió en asidua del apartamento de Gil Evans en Manhattan donde conoció a la crema y nata del mundo jazzístico de la gran manzana: Charlie Parker, Woody Herman, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Gerry Mulligan. Continuó afianzando su carrera cantando en night-clubs del Greenwich Village como el Chantilly, entre otros.
En 1952 conoció a Nicole Barclay, una de las cabezas visibles de Barclay Records, quien la animó a viajar a Francia para aprovechar el gran interés que allí suscitaba entonces el jazz americano. Una vez en París se unió a los Blue Stars, un grupo vocal de ocho miembros (cuatro voces masculinas y cuatro femeninas), entre los que se encontraban Bob Dough y la hermana de Michel Legrand, Christiane. Aunque las barreras idiomáticas finalmente llevaron a la disolución del grupo, los Blue Stars consiguieron un hit con su versión en francés de 'Lullaby of Birdland'.
Blossom y Bobby Jaspar
Aparecieron en la TV francesa y recibieron ofertas para actuar en Estados Unidos, pero ante la imposibilidad de algunos para conseguir un pasaporte, Dearie abandonó el grupo. A pesar de todo, la estancia en Paris había sido productiva. Había conocido a la cantante inglesa Annie Ross (más tarde miembro de Lambert, Hendricks & Ross), con la que colaboraría años más tarde. También conoció allí a Norman Granz, propietario de Verve Records, con quien firmó un contrato para grabar seis álbumes para el sello y, no menos importante, conoció a su futuro marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar.
A su vuelta a los Estados Unidos en 1956, Blossom decidió continuar su carrera como cantante y pianista en solitario. Apareció ocasionalmente en el Tonight Show de Jack Paar y trabajó en el club Versailles de Nueva York. Ese mismo año comenzó a grabar para Verve una serie de álbumes ya considerados clásicos. La serie comenzó con 'Blossom Dearie', acompañada por Herb Ellis a la guitarra, Ray Brown al bajo y Jo Jones a la batería, en 1956 y acabó con 'My Gentleman Friend' en 1961, la mayoría con un formato de trio o cuarteto.
Según John Bush de All Music Guide: "Los tres primeros álbumes de Blossom Dearie en Verve ('Blossom Dearie', 'Give Him the Ooh-La-La' y 'Once Upon a Summertime', con Mundell Lowe y Ed Thigpen son tres obras maestras que muestran a una artista con la hablilidad poco común para transformar un conocido standard en un tema completamente nuevo". La selección del material lo realizaba ella misma. "Elegía los temas que me gustaban, siempre con un mínimo de calidad musical. Si la música no era buena, no me interesaba".
Su fama creció en Estados Unidos a principios de la década de los sesenta gracias a sus abundantes apariciones en TV. Asimismo fue muy conocida a través del uso que de sus canciones se hacía en jingles comerciales, como los que realizó en 1962 para la marca de cerveza Hires Root. La popularidad que generaron los jingles fue tal, que provocó que la empresa produjera el álbum 'Blossom Dearie Sings Rootin' Songs', el cual se podía adquirir por 50 centavos y dos tapones de cerveza Hires Root. En 1963, su marido Bobby Jaspar muere de un ataque al corazón a los 37 años.
Durante los años sesenta sus grabaciones fueron más escasas aunque siguió actuando con regularidad. En 1964 grabó para Capitol Records el álbum 'May I Come In?', acompañada esta vez por una orquesta. A partir del año 1966 comenzó a viajar una vez al año a Londres para actuar en el popular night-club de Ronnie Scott. Publicaría cuatro álbumes en Inglaterra bajo el sello Fontana. Tras un par de años inactiva, en 1970 publica su último álbum para Fontana Records, 'That's Just The Way I Want To Be', que contenía el tema 'Dusty Springfield', una oda a la cantante pop británica co-escrita por Dearie con Norma Tanega.
En 1974 funda su propio sello, Daffodil Records y publica 'Blossom Dearie Sings'. Un año después aparece en el Carnegie Hall en el programa 'Jazz Singers' cantando junto a Anita O'Day y Joe Williams. Ese mismo año co-escribe con su buen amigo Johnny Mercer el tema 'I'm shadowing you' y el letrista compone su última canción en 1976 para ella: 'My New Celebrity is You', contenida en el álbum del mismo nombre. En 1979 aparece en un especial de TV de Toronto junto al vibrafonista canadiense Peter Appleyard.
También en 1979 publica el álbum en vivo 'Needlepoint Magic', que incluye una memorable versión del tema de Billy Strayhorn, 'Lush life' que, como ella misma confiesa en la introducción, es un tema difícil de interpretar y aún más de cantar, que le tomó once años aprender. En 1983 fue merecedora del primer premio concedido por la fundación Mabel Mercer y en 1993 actuó en la Casa Blanca con Shirley Horn, Bobby Short y Mandy Patinkin. Con su habitual sentido del humor Blossom comentó en aquella ocasión: "No sé si Bill (Clinton) tiene previsto tocar el saxo. Si lo hace no tendré más remedio que soportarlo"
Continuó actuando como una de las últimas cantantes de club, sobre todo en Londres y Nueva York, donde se encontraba el grueso de sus fans. David Finkle de la revista Back Stage escribía: "La voz aguda de niña dulce -inclasificable bajo medidas vocales standard- con la que siempre cantó sus canciones, no envejece. Cuando oyes a Dearie repasar su repertorio, te das cuenta de que suena exactamente igual que a lo largo de sus casi cincuenta años de carrera". En 2006 se retiró y tras una larga enfermedad, murió en febrero de 2009 a los 84 años.
El 28 de abril de 1969 se publicó en EEUU el primer álbum del grupo Chicago, Chicago Transit Authority, para muchos, su mejor trabajo. Sorprendentemente, y a pesar de ser doble, alcanzó el puesto 17 en Estados Unidos y el 9 en el Reino Unido y permaneció en las listas unas 171 semanas (lo que para entonces fue un récord). El auge de las emisoras de FM -que al contrario que las de AM emitían temas de más de 3 minutos- ayudó mucho a la propagación de la música de Chicago.
Chicago Transit Authority
En el grupo, que anteriormente se llamaba Big Thing y que tenía experiencia de varios años en la ciudad del viento elaborando su ecléctica oferta musical de jazz, rock y blues, coexistían dos unidades singulares. Por un lado teníamos un poderoso cuarteto de rock and roll con Terry Kath (guitarra solista y voces), Robert Lamm (teclados y voces), Peter Cetera (bajo y voces) y Danny Seraphine (batería). Por el otro, se añadía un trio de metales igualmente poderoso que incluía a Lee Loughname (trompeta y voces), James Pankow (trombón) y Walter Parazaider (instrumentos de viento y voces).
Jim Guercio
Aunque ya los Beatles habían añadido metales a alguno de sus temas ('Got to get you into my life') y Jethro Tull había introducido con éxito la flauta en el mundo del rock, pocos pensaban en aquella época que la fórmula iba a funcionar. Pero el productor James William Guercio, que ya había producido el primer álbum de otra banda similar, Blood Sweat & Tears, lo vio bastante claro y tras recomendarles que se instalaran en California, les propuso el nombre de la compañía municipal de transportes que él había usado diariamente de niño para ir al colegio en Chicago: Chicago Transit Authority. Con ese nombre actuaron por todo el país, hasta que el entonces alcalde de Chicago, Richard J. Daily les puso una demanda por el uso indebido del nombre, por lo que tuvieron que dejarlo en 'Chicago' a secas.
Kath, Lamm y Cetera
Tras las primeras sesiones de grabación tuvieron claro que existía material para un álbum doble y solo consigueron convencer a la discográfica Columbia para seguir adelante con el proyecto, rebajando sus beneficios por derechos de autor. En España, por la política conservadora de la compañía (CBS), se editó dividido en dos álbumes, el primero con la portada y título original, conteniendo los 6 primeros temas; el segundo, unos meses después, con el título 'I'm a man', con el resto del material.
Terry Kath
Los arreglos de jazz resaltan en temas como 'Introduction', el que abre el álbum, que permite a todos los integrantes del grupo demostrar sus habilidades individuales. Está compuesto y cantado por Terry Kath. También 'Beginnings' con ese fade-out con sabor latino marca de la casa, y 'Liberation' tienen ese toque de jazz, aunque esta última, escrita por el trombonista Pankow, quizás se prolonga demasiado en una jam de más de 14 minutos en un acto de autoindulgencia muy propio de las bandas de los setenta.
Pero Chicago también eran capaces de hacer buen rock, como demostraban en 'I'm a man', versión de un tema de Stevie Winwood publicado por Spencer Davis Group,
y 'Poem 58', uno de los mejores temas de su discografía, en el que Kath hace muestra de excelentes e inventivos riffs y solos sobre la base rítmica que imprimen Danny Seraphine y Peter Cetera. El mismo Jimi Hendrix le comentó a Seraphine una vez: "Vuestra sección de viento es increíble. Y el guitarrista es mucho mejor que yo"
Los singles de álbum, 'Does anybody really know what time it is?' -un tema del teclista Robert Lamm, que fue editado en single un año después, alcanzando el puesto nº7 de las listas Billboard- y 'Questions 67 & 68' se hicieron muy populares.
'Listen', en el que Terry sostiene la nota inicial unos 40 segundos, fue el tema de Chicago que se incluyó en aquel famoso doble LP llamado 'Llena tu cabeza de rock', editado en España, con el que CBS nos presentaba a los nuevos artistas del sello como Blood Sweat & Tears, Laura Nyro, Leonard Cohen, Janis Joplin, Argent, Santana etc. 'Free Form Guitar' es un ego-trip de Kath en el que le saca a su Stratocaster todos los sonidos imaginables sin la ayuda de pedales ni efectos. Uno de los temas que originaron la 'noise music'.
En 'South California Purples' incluyen un homenaje a los Beatles parafraseando la frase inicial de 'I am the walrus' y en 'Prologue' y 'Someday' demuestran su vena política haciendo referencia a la conferencia del partido demócrata celebrado el año anterior en Chicago, donde manifestantes negros habían visto la oportunidad de seguir luchando por los derechos civiles, y en el que la voz solista se la alternan Lamm y Cetera, demostrando los amplios recursos vocales de la banda. Fue, seguramente, el mejor álbum de su carrera, en el que destacó como en ninguno la brillante fusión de jazz-rock que ofrecía Chicago.
El 28 de abril de 1911 nació en La Habana el trompetista, clarinetista, saxofonista. arregñista y compositor cubano de jazz Mario Bauzá. En 1930 se trasladó a Nueva York y trabajó junto a Noble Sissle, Chick Webb y Cab Calloway. En la banda de este último Mario incorporó muchos sonidos de su Cuba natal y con Dizzy Gillespie, creó el 'cubop', una de las primeras formas del jazz latino.
En 1941 se convirtió en el director musical del grupo de su cuñado Machito, los Afrocubans, cuyo estilo mezclaba el son montuno de Cuba con rasgos de las bandas de swing. Gracias a ello, músicos como Dizzy Gillespie o James Moody introducen los ritmos afrocubanos en el jazz, a partir de 1947. Al año siguiente, Bauzá trajo un nuevo miembro a la banda, un joven tocador de timbales llamado Tito Puente... Consiguieron un gran éxito con 'Tanga', composición de Bauzá, y continuaron grabando nuevas versiones de éxitos cubanos hasta el fin de la banda en 1975. Mario siguió grabando discos de jazz cubano con su propia banda hasta su muerte a los 82 años en julio de 1993.
El 27 de abril de 1947 nació en Swansea (Gales) el cantante, guitarrista y compositor pop Pete Ham, conocido por su liderazgo en la primera etapa (1968-1975) de la banda británica Badfinger, para muchos, los auténticos herederos de los Beatles que, por la pésima gestión de sus mánagers y perseguidos por una extraña maldición, acabaron trágicamente y nunca llegaron al sitio que se merecieron en el panorama musical.
The Iveys en 1965
Pete era un joven ayudante de electricista en Swansea y en sus ratos libres tocaba la guitarra en una banda amateur llamada The Panthers, Corrían los primeros años sesenta y, tras varios cambios de nombre como The Black Velvets y The Wild Ones, pasaron a llamarse The Iveys en 1964. Además de Pete, el grupo lo componían Mike Gibbins a la batería, Ron Griffths al bajo y David Jenkins a la segunda guitarra. Los Iveys comenzaron a tocar en los circuitos de bares de la región de Gales, abriendo conciertos de importantes bandas británicas como Moody Blues, Spencer Davis Group o The Who.
En junio de 1966, Bill Collins, un promotor de Liverpool, se había hecho cargo del management del grupo y los persuadió para que se trasladaran a Londres, donde compartieron piso con otro grupo promovido por Collins, The Mojos. Los Iveys actuaron en el circuito londinense interpretando versiones de Motown, soul, pop psicodélico y temas de los Beatles y pronto llamaron la atención de algunos sellos discográficos. En diciembre de ese año, el grupo firmó un contrato de cinco años con Collins en el que los beneficios (tras descontar gastos de management) se repartían a partes iguales -un 20%- entre los miembros del grupo y Collins. Éste les dijo en aquel momento: "Mirad, chicos, no os puedo prometer otra cosa que sangre, sudor y lágrimas".
Pete Ham
Ray Davies, de los Kinks, expresó cierto interés en la banda, y grabó con ellos en un estudio casero tres temas: 'Taxi', 'Sausage and Eggs' y 'I believe in you, girl'. Collins, desafortunadamente, interpretó esto como una amenaza a su poder sobre el grupo y el proyecto no prosperó. En 1967, Jenkins fue invitado a abandonar el grupo (parecía estar más interesado en las chicas que en la música) y fue sustituido por el guitarrista de Liverpool Tom Evans. El resto del año acompañaron al cantante David Garrick, con el que grabaron el tema 'Dear Mrs Applebee', de nula repercusión comercial en el Reino Unido, aunque fue nº1 en Alemania.
'Maybe Tomorrow' (1968)
En enero de 1968, Mal Evans, uno de los asistentes de los Beatles los ve en directo en el Marquee junto a Peter Asher, director ejecutivo de Apple Records. Mal les hace llegar a los cuatro Beatles las demos de los Iveys y tras su aprobación, consigue que fichen por Apple. Su primera grabación con el sello, 'Maybe tomorrow' (1968) fue un hit en Japón y varios países europeos, pero en Estados Unidos no pasó del puesto 67 y en el Reino Unido ni siquiera entró en las listas. Un álbum del mismo nombre únicamente fue editado en Japón, Italia y Alemania.
Los Iveys en Apple
En una entrevista Griffiths expresaba su amargura por la falta de atención de la discográfica: "Nos sentimos ninguneados por Apple. No paramos de componer canciones para un single y nos las devuelven diciendo que no son lo suficientemente buenas". Paul McCartney leyó la entrevista y acudió a echarles una mano. Les ofreció grabar un tema que había compuesto para la película 'The Magic Christian'. En Apple pensaron que el nombre de la banda estaba pasado de moda, por lo que pasaron a llamarse Badfinger.'Come and get it'se grabó en una hora y producido por el mismo McCartney, el grupo calcó nota por nota los arreglos que Paul había escrito en su demo. El beatle insistió: "Este es el sonido del hit. Hacedlo exactamente igual y lo habremos conseguido"
El single fue Top10 en numerosos países, incluidos Estados Unidos y Reino Unido y Badfinger repentinamente era un grupo conocido en medio mundo. Pero para el bajista Ron Griffith fue una fama efímera. Era el único casado del grupo y sus responsabilidades de esposo y padre chocaron con el ajetreo de un grupo famoso, por lo que tuvo que dejar el grupo. Tom Evans pasó a ocuparse del bajo y se reclutó a un nuevo guitarrista -también de Liverpool- llamado Joey Molland.
Su primer álbum como Badfinger, 'Magic Christian Music' (1969) era un potpourri de estilos diferentes (temas rockeros, tiernas baladas y temas melodramáticos procedentes del music-hall). Algunos cortes provenían del álbum 'Maybe Tomorrow' y otras eran nuevas composiciones de Badfinger. El álbum siguiente, 'No Dice', se publicó en noviembre de 1970 y contenía su segundo Top10, 'No matter what'.
Badfinger
Pero fue otra canción de 'No Dice' la que produjo un impacto mayor. Cuando los chicos de Badfinger estaban preparando su tercer álbum, Harry Nilsson los invitó a su estudio, donde acababa de grabar una versión del tema de Ham y Evans'Without you'. Mientras la versión original contenida en 'No Dice' tenía un arreglo espartano de guitarra, órgano, bajo y batería, la de Nilsson incorporaba arreglos orquestales y una producción de primera clase. Pete se quedó boquiabierto. Más tarde confesó: "Cuando lo oímos, sabíamos que era así como nos la habíamos imaginado siempre, sólo que no tuvimos la paciencia y la decisión suficientes". La versión de Nilsson fue un nº1 internacional en 1972, llegando a ser uno de los singles de mayor éxito de la historia. Mariah Carey, volvió a conseguir un nº1 con 'Without you' -copiando el arreglo de Nilsson- en 1994.
George Harrison y Pete Ham
Mientras tanto, Bill Collins les preparó una serie de conciertos en Estados Unidos, donde fueron muy bien recibidos y comparados constantemente con los Beatles. Peter Ham y Tom Evans colaboraron con sus voces y guitarras acústicas en producciones de Ringo Starr ('It don't come easy') y George Harrison ('All things must pass'). En 1971 comenzaron a grabar su tercer álbum, producido por Geoff Emerick.
Pete Ham y George Harrison
Las primeras pruebas fueron rechazadas por Apple y George Harrison se hizo cargo de la producción, proyecto que tuvo que abandonar para atender sus compromisos con el concierto de Bangla Desh. En él Pete Ham acompañó con la guitarra acústica a George interpretando en directo 'Here comes the sun'. El honor que supuso para Pete el privilegio de actuar junto a George Harrison se vio empañado por el fin de su relación con su novia Beverley.
A pesar de su creciente popularidad, los miembros de Badfinger estaban muy lejos de vivir una vida de estrellas. El grupo había firmado en Estados Unidos contrato con Stan Polley, un carismático y embaucador hombre de negocios al que consideraban más experimentado que Collins, el cual se hizo cargo de todas sus finanzas y les obligaba a constantes giras por el país, dependiendo de un sueldo. "Cuando se trataba de dinero, nos trataban como a críos", protestaba Ham. Comenzaron a surgir suspicacias acerca del control de la banda que ejercía Polley y los enormes beneficios que recaudaba.
Pete, Tom, Joey y Mike
Las sesiones para su cuarto y último álbum para Apple Records, 'Ass', comenzaron a principios de 1972 y continuarían a lo largo de todo el año en cinco estudios diferentes. Aunque volvieron a contar con Todd Rundgren como productor, el álbum terminó siendo co-producido por la banda y Chris Thomas y contenía el tema 'Apple of my eye' en una clara referencia al poco cariño con el que Apple Records había tratado a la banda. Los retrasos en la producción y consiguientes conflictos legales entre Apple Corps y el management de Badfinger provocaron que la publicación de 'Ass' se retrasara hasta diciembre de 1973.
'Badfinger' (1974)
Polley, mientras tanto, había firmado un nuevo contrato discográfico con Warner Brothers Records que obligaba al grupo a entregar un álbum cada seis meses durante tres años, con un pago adelantado de 250.000 dólares por álbum. "Os voy a hacer millonarios!", dijo Polley. Fue el comienzo de dos años de constantes giras y grabaciones. Su primer álbum bajo el sello Warner fue 'Badfinger' (1974), de nuevo producido por Chris Thomas, publicado sólo dos meses después que su última entrega con Apple, 'Ass', ante la indiferencia de público y crítica. La aparición prácticamente simultánea de ambos álbumes fue una circunstancia doblemente negativa.
Mike, Joey, Pete y Tom
Sendos singles publicado en el Reino Unido y Estados Unidos, 'Love is easy' y 'I miss you', respectivamente, no llegaron a alcanzar las listas. Comenzaron a surgir conflictos internos en la banda, muy parecidos a los que habían sufrido los Beatles un par de años atrás. Aumentaron las suspicacias sobre cómo Polley estaba manejando sus intereses económicos y surgieron enfrentamientos personales. Kathie, la mujer norteamericana de Joey Molland tomó un papel protagonista reivindicando las necesidades del grupo y acusando a Polley: "los chicos ya habían publicado varios hits y no tenían ni un frigorífico o TV decentes en casa". Ham, sin embargo, seguía confiando en Polley aunque seguían dependiendo de un sueldo y no tenían presupuesto para renovar su equipo o los instrumentos.
Pete Ham, Joey Molland, Mike Gibbins y Tom Evans
Tras otra intensa gira por Estados Unidos, comenzaron a grabar los temas de su segundo álbum para Warner, 'Wish You Were Here' (1974), considerado el mejor trabajo de la banda. Cuando el álbum iba viento en popa, vendiendo 25.000 copias a la semana, un litigio entre Polley y Warner Records provocó que se retiraran del mercado a los dos meses de su aparición, hasta la solución del conflicto legal.
Pete Ham
Esto paró en seco la carrera de Badfinger, añadiendo un problema más a la ya maltrecha estabilidad de la banda. Tras la publicación del álbum, y antes de comenzar la gira de presentación, Ham -que no soportaba las intromisiones de la mujer de Molland-, dejó el grupo exclamando: "Estoy harto de que Kathie tome las decisiones en este grupo. ¡Me voy!". Fue reemplazado por el organista Bob Jackson y durante el corto mes que Ham estuvo ausente de Badfinger, Polley trató de interesar a algunas discográficos en Pete Ham como artista en solitario. Sin embargo, Warner amenazó con prescindir de Badfinger si no se reincorporaba Ham al grupo, por lo que Pete decidió volver, permaneciendo Jackson como quinto miembro de la banda. Poco después, fue Molland el que abandonó la formación en diciembre de 1974.
Un nuevo álbum, grabado en los Apple Studios, titulado 'Head First' fue rechazado por Warner, que no adelantó el dinero estipulado en contrato por encontrarse en juicio con Stan Polley, a quien acusaban de haberse apropiado fraudulentamente de 100.000 dólares. El álbum, que adquirió con el tiempo la reputación de la gran 'obra perdida' de Badfinger, vio finalmente la luz el año 2000.
A comienzos del año 1975, la banda se encontraba en graves aprietos. Estaban sin blanca y Polley había dejado de pagar las facturas. Hasta en Apple, temerosos de que la vorágine legal les arrastrara, dejó de enviarles sus royalties, ingresándolos en una cuenta bloqueada. Intentando salir de la poco clara situación legal de la banda, trataron de contactar a otros agentes o mánagers en Londres, pero los estrictos y restrictivos contratos que Polley había firmado con la banda, imposibilitaban cualquier acuerdo.
Cundió el pánico, sobre todo en Ham, que recientemente había adquirido una casa de 30.000 libras en el condado de Surrey y su nueva pareja, madre de un niño de corta edad, estaba embarazada de siete meses. Pete trató numerosas veces de contactar con Polley por teléfono sin recibir respuesta. La decepción que sufrió tras haber confiado ciegamente en Polley le trastornó la mente y comenzó a desvariar. Sus amigos le descubrían quemaduras en los brazos que provenían de apagarse los cigarrillos en ellos.
Pete Ham y Tom Evans
Una noche, Ham recibió una llamada fatal de los Estados Unidos. En ella le comunicaban que no había esperanza. Polley había desaparecido con todo el dinero y Pete estaba arruinado. Tras pasar con Tom el resto de la noche, en la que Ham bebió más de diez whiskys, Evans acompañó a Pete de madrugada de vuelta a casa. Esa mañana, Pete Ham se ahorcó en el pequeño estudio que tenía en el garaje. En su nota de suicidio, dirigida a su chica Anne Herriot y su hijo Blair decía así: “Anne, te quiero. Blair, te quiero. Ya no puedo querer a todo el mundo y confiar en cualquiera. Esto es lo mejor. Pete. PS: Stan Polley es un cabrón desalmado. Me lo llevaré conmigo”
El suicido de Pete Ham no solamente dejó helado a todo el entorno de Badfinger; también sacó a la luz las miserias de la maquinaria del éxito y supuso una intolerable vergüenza para la industria del disco. Ham había hecho ricos a otros pero siete años después de su debut discográfico nunca había tenido una libra en el bolsillo. Era el paradigma de artista romántico, un individuo sensible que vivía en su propio mundo y al que, aprovechándose de su inocencia, se había explotado sin piedad. Tras la muerte de Ham, el grupo se deshizo, dado que los restantes miembros estaban devastados y en aquel momento no parecía tener sentido continuar sin Pete.
Molland y Evans en 1979
El grupo intentó seguir unos años después: en 1979 Tom Evans y Joey Molland publicaron'Airwaves', con el batería Peter Clarke y el ex-teclista de Yes Tony Kaye. Sin embargo, los conflictos legales y artísticos entre los integrantes se profundizaron, y tras una discusión telefónica con Molland, Evans, que nunca terminó de superar el suicidio de su amigo Pete, también se quitó la vida ahorcándose el 19 de noviembre de 1983.
El 27 de Abril de 1861 nació en Moscú el compositor ruso de ascendencia francesa Georgy Catoire, cuya música, apasionada y sensual, participa de las febriles atmósferas wagnerianas y de la escuela franco-belga, aunque sus obras son relativamente desconocidas hoy en día. Catoire constituye un ejemplo elocuente de las contradicciones, la ignorancia y, desde luego, la injusticia con que la posteridad ha tratado a una parte nada desdeñable de la música que floreció en la Rusia presoviética.
Catoire se graduó en Matemáticas en 1884 y trabajó inmediatamente en el próspero negocio familiar, pero su inclinación por la música le hizo desplazarse a Berlín, donde estudió piano con Karl Klindworth, amigo y estrecho colaborador de Wagner que le inoculó el contagioso “virus tetralógico”: Wagner, leyendo a Esquilo, a Sófocles y a Eurípides – los tres dramaturgos griegos más insignes -, llegó a la conclusión de que era posible – y deseable – reunir en un gran ‘acontecimiento espiritual’ a todas las Artes conocidas en su siglo: Música, Literatura, Poesía, artes escénicas y artes plásticas - tales como Pintura y Escultura -. A semejante proyecto artístico lo denominó ‘Gesamtkunstwerk’ (síntesis de todas las artes o Tetralogía). Un “virus” que, en el Moscú conservador y nacionalista de la época, menos abierto a las novedades extranjeras que San Petersburgo, nunca gozó de difusión excesiva.
En la capital rusa, Catoire entabló contacto con Tchaikovski, que inmediatamente le tomó bajo su protección. “Sería un enorme pecado que no se dedicara a la composición". A pesar de que, recomendado por éste, recibiera lecciones de Rimsky y estudiara contrapunto con Liadov, el wagneriano Catoire fue básicamente un autodidacta, lo que no le impidió convertirse en profesor del Conservatorio de su ciudad natal en 1919 y publicar un "Curso teórico de armonía" en 1925, un año antes de su muerte, que gozaría de gran predicamento en la posterior enseñanza musical soviética. De temperamento nervioso -lo que le provocaba crisis de agorafobia-, discreto y ajeno a la menor autopropaganda, Catoire sería relegado al olvido por los mandarines estéticos de la Rusia bolchevique, para los que su obra debió de constituir algo así como el paradigma del decadente y burgués cosmopolitismo musical decimonónico.
Catoire bebe sin moderación de las fuentes de su contemporáneo Scriabin y su música, emotiva y melódica, divulga características wagnerianas, tantas como de la finura armónica de la escuela franco-belga. Basten como ejemplo algunas de sus mejores partituras de cámara su terreno predilecto como el “Trío con piano, op. 14”, el “Cuarteto con piano, op. 31” o su “Sonata para violín y piano nº 2 “Poème”, op. 20”(David Oistrakh, violín & Alexander Goldenweiser, piano), una auténtica perla del romanticismo tardío, compuesta en 1906, que el gran David Oistrakh apreció, interpretó e incluso llegó a grabar (como también hizo Goldenweiser con algunas de sus mejores páginas pianísticas). Georgy Catoire falleció en Moscú en 1926 a la edad de sesenta y cinco años. “¡Ustedes, los jóvenes, deben salvar nuestro arte!” escribía en el París de 1923, donde marchó a enseñar teoría musical y composición, a uno de sus alumnos “Porque sólo por el arte vale la pena vivir en este mundo. ¿A qué esperan para descubrirlo?"
Obras por orden de Opus:
•Op. 1 - 4 Romances para voz y piano
•Op. 2 - 3 Morceaux para Piano
•Op. 3 – Caprichos para Piano
•Op. 4 – (sin título)
•Op. 5 - Rusalka, Cantata para voz, Coro de mujeres & Orquesta (1888)
•Op. 6 - 6 Morceaux para Piano
•Op. 7 – Sinfonía en Do menor (Boris Khaikin, dir. & The Moscow Radio Symphony Orchestra).
•Op. 8 - Visión, Estudio para Piano (Marc-Andre Hamelin)
•Op. 9 - Lieder
•Op. 10 - 5 Morceaux para Piano - Preludio (Marc-Andre Hamelin) - Rêverie (Marc-Andre Hamelin)
•Op. 11 - 4 Canciones para voz & Piano
•Op. 26 – Elegía para Violín & Piano Nº 2 (David Oistrach, violin & Alexander Goldenweiser, piano)
•Op. 27 - Vokal'nye ansambli para voces y Piano
•Op. 28 – Quinteto de Piano (1914) (Christiaan Bor & Boris Tsoukkerman, violín; Michele Sidener, viola; Godfried Hoogeveen, cello; Rian de Waal, piano).
•Op. 29 - 7 Canciones (1915)
•Op. 30 – Vals para Piano
•Op. 31 – Cuarteto de Piano en La menor (1916)
•Op. 32 - Lieder, 6 Poems de Balmont (1916)
•Op. 33 - Lieder, 6 poems by Vladimir Soloviev for Voice & Piano (1916)
•Op. 34 - 4 Morceaux para Piano (Anna Zassimova, piano)
•Op. 35 - Tempete for Piano
•Op. 36 – Vals para Piano (Marc-Andre Hamelin)
Según John Bush de All Music Guide: "Los tres primeros álbumes de Blossom Dearie en Verve ('Blossom Dearie', 'Give Him the Ooh-La-La' y 'Once Upon a Summertime', con Mundell Lowe y Ed Thigpen son tres obras maestras que muestran a una artista con la hablilidad poco común para transformar un conocido standard en un tema completamente nuevo". La selección del material lo realizaba ella misma. "Elegía los temas que me gustaban, siempre con un mínimo de calidad musical. Si la música no era buena, no me interesaba". 
