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El 22 de junio de 1972 se publicó en EEUU el álbum 'A Song For You', cuarto LP del grupo The Carpenters. El nivel creativo fue tal, que se extrajeron seis singles del álbum, más que en ningún otro trabajo de estudio de los hermanos 'carpinteros'.
En el momento de su publicación, la combinación de la gran imagen de Richard y Karen junto a sus inofensivas y populares melodías pop, les había convertido en grandes estrellas. En esta ocasión, la inconsistencia de trabajos anteriores fue reemplazada por una decena de canciones de gran calidad. Una contribución vital fue la del letrista John Bettis, quien coescribió con Richard Carpenter dos de los mejores y más famosos temas del disco: 'Goodbye to love' y 'Top of the World'.
'Goodbye to love' es el prototipo de la 'power ballad', gracias al solo de guitarra con efecto fuzz que ejecutó Tony Peluso. Cuando Richard decidió incluir el solo de guitarra, Karen, que recordaba a Tony porque formó parte de un grupo que solía hacer de teloneros de los Carpenters, se puso en contacto con él y lo invitó a tocar en el tema.
Tony Peluso
Tony recuerda el instante: "Al principio no me creía que fuera la auténtica Karen Carpenter la que estaba al teléfono, pero repitió su nombre y en ese momento me di cuenta de que era ella y que estaba hablando con uno de mis ídolos". Karen le explicó que estaban trabajando en una canción, y que su estilo de guitarra se adaptaría perfectamente a lo que ellos buscaban. Cuando Peluso comenzó a grabar el solo, lo interpretó con suavidad y dulzura, pero Richard exclamó: "No, no, no! Toca la melodía durante cinco compases y después lánzate a la estratosfera! ¡Vamos! ¡Quedará magnífico!".
El resultado fue realmente soberbio, pero precisamente este solo de guitarra -demasiado 'progresivo' para los oidos de algunos- evitó que el tema alcanzara un nuevo nº1 de la banda en la lista americana de 'Música Contemporánea Adulta'.
La otra canción del tándem Carpenter/Ellis fue 'Top of the World', un tema que Richard consideró de relleno, sin gancho comercial. Al año siguiente la versión que hizo Lynn Anderson alcanzó el nº1 de las listas country, por lo que Richard cambió de idea y 'Top of the world' fue editado en single. Fue el segundo nº1 de The Carpenters (tras 'Close to you') en las listas de pop, dos años después de la publicación del LP que lo contenía y permaneció casi un año en el Top100.
La habilidad de Richard para elegir el material adecuado para que él y Karen lo versionaran es evidente en 'Hurting each other', grabada originalmente por Ruby & the Romantics, cuya edición en single alcanzó el nº2 de las listas pop, y una de las nuevas canciones de Carole King, 'It's going to take some time'.
'Bless the beasts and the children' fue su versión del tema de la película del mismo nombre dirigida por Stanley Kramer que ya había aparecido como cara B del single 'Superstar' de Leon Russell.
La canción que da título al álbum también fue compuesta por Russell y es un magnífico tema, ya considerado por Elton John "un clásico americano", que ha recibido numerosas versiones además de esta del dúo de hermanos. 'I won't last a day without you', escrita por los habituales colaboradores de los Carpenters, Paul Williams y Roger Nichols, completa la relación de éxitos individuales del álbum que fue nº4 en EEUU y nº 13 en el Reino Unido.
El 22 de junio de 1971 se publicó en EEUU, 'Blue' el cuarto trabajo de la cantautora canadiense Joni Mitchell. Considerado por muchos su mejor obra, fue un éxito comercial además de recibir excelentes críticas. Alcanzó el puesto 15 de las listas de álbumes USA y el nº3 en las del Reino Unido. El single 'Carey' que se extrajo, también entró en las listas.
A pesar del éxito obtenido por sus tres primeros álbumes y temas como 'Woodstock', Joni Mitchell decidió en 1970 dejar de actuar y tras terminar su relación con Graham Nash, se tomó un tiempo sabático que dedicó a viajar a Europa, concretamente Francia, Grecia y España. Fue en este tiempo en el que escribió la gran mayoría de los temas que componen 'Blue'. Triste, escueto y extremadamente bello, Blue es el álbum más personal de Joni Mitchell. De manera franca y directa, pero llenas de poesía, sus canciones ponen el dedo en la llaga y relatan historias de amores y pérdidas (dos conceptos que aquí aparecen estrechamente ligados).
Joni toca el 'dulcimer', instrumento folk de los Apalaches
Incluso temas como 'All I want', 'My old man' y 'Carey' -los cortes más esperanzadores y luminosos del disco- se oscurecen con amargos momentos de penas y soledades. Explorando diversas facetas de las relaciones personales, desde el encaprichamiento en 'A case of you' hasta la inseguridad de 'This flight tonight', los temas llevan como acompañamiento un piano, una guitarra y un 'dulcimer', instrumento de folk de los Apalaches que Joni aprendió a tocar durante su viaje por Europa. James Taylor (pareja de la cantante en aquel momento) y Stephen Stills aportan las guitarras, Russ Kunkel la batería en tres temas y Sneakey Pete Kleinow toca la pedal steel en 'California' y 'This flight tonight'.
Al mismo tiempo que canciones como 'Little Green' y 'Blue', (un himno a la salvación, supuestamente escrito para James Taylor) llevan este tipo de folk-rock 'confesional' a nuevos niveles de sinceridad y honestidad, la música de Mitchell traspasa las fronteras del folk acústico adentrándose en otros territorios sonoros más sofisticados, sentando las bases de la experimentación en trabajos posteriores. Todo el álbum está impregnado de influencias jazz, particularmente la música de Miles Davis. Mitchell también utilizó afinaciones alternativas en su guitarra para facilitar el acceso a acordes aumentados y a combinaciones inusuales de notas.
En 1979 Mitchell comentó: "No hay una sola nota de falsedad en 'Blue'. En aquel periodo de mi vida estaba totalmente desprovista de defensas personales. Me sentía como el papel de celofán en un paquete de cigarrillos. No tenía ni un solo secreto que esconder ante el mundo y no podía tener la pretensión de ser fuerte. Ni siquiera de ser feliz. Lo bueno de todo aquello, es que la música también careció de defensas."
Sin rivales en su intensidad e introspección, Blue sigue siendo un álbum que marcó un hito. En enero de 2000, el New York Times escogió 'Blue' como uno de los 25 álbumes que representaban "un momento crucial o una cúspide creativa en la Música Popular del Siglo XX"
Joni Mitchell – dulcimer, guitarra, piano, producción y voz
Stephen Stills – bajo y guitarra en 'Carey'
James Taylor – guitarra en 'California', 'All I want', 'A case of you'
Sneaky Pete Kleinow – guitarra pedal steel en 'California', 'This flight tonight'
Russ Kunkel – batería en 'California', 'Carey', 'A case of you'
Ingeniero de sonido – Henry Lewy
Dirección artística – Gary Burden
Fotografía portada – Tim Considine
Cuando en 1965 apenas subsistía con su música en los tugurios de Toronto, Joni descubrió que estaba embarazada. El padre fue un ex-novio del colegio que Joni había dejado en Saskatoon cuando se mudó a Toronto. La niña nació en febrero de 1965 y Joni (nacida Anderson) se casó apresuradamente con Chuck Mitchell -de quien adoptó el apellido-, para intentar crear un hogar para la niña. Como la relación tampoco funcionó, unas semanas después la entregó en adopción. Este hecho permaneció secreto durante años, hasta que afloró en la letra de 'Little green'.
Little Green (Pequeña Verde)
Nacida con la luna en cáncer elegir un nombre al que ella responderá llámala verde, y los inviernos no van a poder hacerla desaparecer llámala verde, por los niños que la hicieron pequeña verde, sé una bailarina gitana Él se fue hacia California había oído que todo es más cálido allí así que le escribes una carta y cuentas, "Sus ojos son azules." Él te manda un poema, y la olvidas pequeña verde, él no se conforma con nada Sólo una pequeña verde como el color cuando nace la primavera habrá azafranes para llevar mañana a la escuela sólo un poco de verde como en las noches en las que brilla la aurora boreal habrá carámbanos de hielo y vestidos de cumpleaños y a veces habrá llanto. Niña con anhelos de niña cansada de enviar mentiras a casa en el nombre de la familia firmas todos los papeles y estás triste y apenada, pero sin vergüenza pequeña verde, vive un final feliz.
La afinación que usa Joni en 'Little Green' es abierta en Sol: (de grave a aguda) Re, Sol, Re, Sol, Si, Re
El 22 de junio de 1763 nació en Givet (Francia), Étienne Méhul, el primer compositor en ser calificado de romántico. Con tan sólo 10 años sustituyó a su maestro, organista ciego del convento franciscano de Givet, su ciudad natal. Fue discípulo en el monasterio de Lavaldieu del organista alemán Wilhem Hauser, a quien suplió en 1778. Este mismo año se trasladó a París, donde estudió con Edelman y conoció a Gluck, quien lo aceptó como alumno.
Su estilo musical se anticipó a Berlioz con el uso de una gran fuerza, además de efectos nuevos y sorprendentes. Los aspectos más coloridos de su instrumentación fueron siempre el resultado de lo dramático de su ópera. Méhul también desarrolló algunas otras técnicas como la “reminiscence-motiv”, que tendría una gran influencia sobre Weber y, más tarde, sobre Wagner. Durante la siguiente década, produjo dos series de sonatas para piano y teclado y se dedicó a la enseñanza para ganarse la vida. No hay casi ninguna otra música que sobreviviese de este período que ayude a trazar el desarrollo temprano de Méhul. Encontró en el patriotismo la inspiración para “Chant du Départ” (1794), obra que aseguró su permanencia entre los principales compositores del momento.
La primera obra que sobrevivió fue “Cora” (1786); su siguiente ópera, “Euphrosine” (1790), lo hizo famoso de la noche a la mañana. “Adrien” (1791), nunca se llevó a cabo hasta 1799 por razones de índole política, y “Stratonice” Volumen 1,Volumen 2,Volumen 3, Volumen 4 y Volumen 5 / Stratonice - Patricia Petibon, Antiochus - Yann Beuron, Séleucus - Étienne Lescroart, Erasistrate - Karl Daymond & Capella Coloniensis, dir. William Christie), estrenada en 1792, tuvo un gran éxito.
En este último caso, Méhul creó un estilo intencionadamente antiguo para capturar el valor del drama, una técnica especialmente romántica. La comedia “Le jeune sage et le vieux fou” (1793) fue la última ópera de Méhul que por muchos años no se vió afectada por la inminente crisis política en Francia.
El resto de las óperas de la década de los 90, “Horatius Coclès” (1794), “Mélidore et Phrosine” (1794), “Le jeune Henri” (1797), "La Chasse du jeune Henri" ( 1797), y “Ariodant” (1799): Aria “Eh ! Qu'ai-je à craindre ?, Mais que dis-je?”, contienen un trasfondo político y un mensaje de carácter republicano. Durante este período, también compuso himnos y numerosas obras instrumentales para el “Institut National de Musique”.
Esta actividad eventualmente lo llevó a oídos de Napoleón, para quien compuso varias obras después de 1800, incluyendo la ópera “L'irato” (1801) y el “Chant nacional du 14 juillet 1800”, un importante precursor del Réquiem de Berlioz. En 1802 "Le Trésor supposé", o "le Danger découter aux portes"(Gulbenkian Orchestra) que fue una comedia sobre un libreto de Hoffman, traducida a nueve idiomas.
Méhul dirigió su obra hacia una serie de comedias menores en los próximos años. La única obra importante de esta década fue “Joseph” (1807) a veces llamada “Joseph en Egypte” : Vainement Pharaon (Roberto Alagna, Michel Plasson dir. & l'Orchestre de Paris) es una ópera bíblica en tres actos, adaptada de la tragedia bíblica de Baour-Lormian, “Omasis ou Joseph en Égypte” (1806), que a su vez se inspiraba en un episodio del Génesis, probablemente la más grande que compuso.
Posteriormente se dedicó a la composición sinfónica por un breve tiempo y produjo varias obras de un éxito extraordinario en 1808-1809:
Su ópera “Les amazonas” (1811) fracasó, y Méhul, desencantado con la caída del Primer Imperio y la reorganización del Conservatorio, no produjo otras obras importantes hasta la célebre “La journée aux aventures” en 1816. Aunque las obras de Méhul rara vez se escenifican en la actualidad, su influencia en Berlioz, Beethoven, Mendelssohn y Weber era profunda, y se erige como uno de los compositores más importantes del movimiento romántico temprano en Francia. Falleció en París, en 1817.
El 21 de junio de 1902 nació en Yazoo City, cerca de Bentonia (Mississippi) el cantante, guitarrista y pianista de blues Skip James. Al contrario que muchos bluesmen contemporáneos, James no tuvo mucho interés en grabar y cuando fue redescubierto debido al Folk-Blues Revival de los años sesenta, tampoco se prodigó demasiado. Sin embargo dejó para la posteridad algunos de las más célebres grabaciones de blues. Con su único y sofisticado estilo de tocar la guitarra y su fantasmal voz de falsete, fue un personaje irrepetible, cuyo estilo cantando y tocando influyó notablemente en muchos músicos de blues como Robert Johnson, aunque ninguno de ellos ha sido capaz de imitarle.
Nehemiah Curtis James se crió en la plantación Woodbine, en Betonia. Su padre era contrabandista y en 1907 tuvo que abandonar a la familia huyendo de los inspectores del fisco. Tras asisitir de niño a uno de los bailes que los trabajadores de la plantación organizaban los sábados por la noche y oir a los músicos Henry Stuckey y Rich Griffin, James se pasó el día repitiendo las canciones que había memorizado una por una. Su madre le compró su primera guitarra en 1912 por 2,50$. Stuckey, que vivía en una plantación cercana, le enseñó los primeros pasos con el instrumento. La madre de James se mudó en 1914 a la localidad cercana de Sidon, donde se reencontró con su marido. Cuando cumplió los catorce años, James se escapó de casa y anduvo un año perdido. Regresó a Bentonia, adonde había vuelto su madre, y donde Skip asistió al colegio y trabajaba los fines de semana en la serrería de los Gooching Brothers. Durante este tiempo, James recibió rudimentarias lecciones de piano de su prima Alma Williams, una maestra de escuela.
En 1919 dejó la escuela y el pueblo para irse a trabajar en la construcción de carreteras cerca de Ruleville. Los siguientes dos años, James trabajó en diversas serrerías y campos madereros de la zona del Delta. Trabajando en uno de ellos escribió su primera canción, 'Illinois blues'. Los fines de semana solía tocar la guitarra por unas monedas en las localidades cercanas de Drew, Louise y Belzoni. En 1921 se trasladó a Weona (Arkansas) a trabajar en una serrería, donde conoció al pianista y proxeneta Will Cabtree, un voluminoso tipo procedente de Marked Tree (Arkansas) que influyó en el estilo al piano de James y, sobre todo, en su modo de vida. James permaneció en Weona hasta el año 1923, trabajando de pianista y proxeneta, como su mentor. Se movía en ambientes sin ley, donde todo estaba permitido a menos que interfiriera en la sociedad blanca circundante. Desde muy joven portaba pistola y no dudaba en usarla si era necesario. A su biógrafo Stephen Calt le contó una vez orgulloso cómo había vaciado el cargador sobre un rival de amores. Tras una disputa con una de las mujeres a su cargo, se mudó a Memphis, donde trabajó como pianista en un burdel de North Nicholas Street.
En 1924, en plena 'ley seca', James volvió a Betonia donde permaneció seis años. Durante esos años trabajó como aparcero, pero pronto comenzó a realizar contrabando de whisky con el fin de pagarse los trajes y joyas a los que se había acostumbrado en Weona y Memphis. También siguió practicando con la guitarra, tocando con Henry Stuckey en bailes de Bentonia, Sidon y Jackson. James desarrolló su estilo de pickin con tres dedos, tal como hacían Charley Patton, Mississippi John Hurt y Bo Carter. Usaba a menudo una afinación en Re menor abierto (Re, La, Re, Fa, La, Re) y su estilo de mano derecha sin púa era rápido y límpio. En 1927, cazatalentos de Okeh Records le ofrecieron grabar, pero James rehusó. Seguramente pensó que grabar le traería una publicidad que no le interesaba, debido a sus actividades ilegales.
En 1931, por fin, le persuadieron para que fuera a ver a H.C. Spier en febrero de 1931. Spier era un tratante de muebles y al mismo tiempo ojeador de artistas que había descubierto a músicos como Tommy Johnson, Ishmon Bracey, Bo Carter y el legendario Charlie Patton. James tocó uno de sus temas, 'Devil got my woman', que convenció a Spier para enviar a James con un contrato y un billete de tren a Wisconsin donde se encontraban los estudios de Paramount Records. En una sesión grabó 18 temas con la guitarra en un día y ocho más con el piano al día siguiente. La mayoría de temas eran propios y otros eran versiones de varios standards de la época de blues, y fueron sus interpretaciones las que prevalecieron cuando el mismo Johnson y, posteriormente bandas como Cream o Deep Purple, realizaban sus propias versiones.
A Skip le pagaron 40$ por aquellas sesiones y jamás cobró derechos de autor. Entre ellas, 'Devil Got My Woman', '22-20 blues' y 'If you haven't any hay, get on down the road'. Su primer disco publicado en primavera de 1931 fue 'Hard time killin' blues' con 'Cherry ball blues' en la cara B. Solo se editaron 650 copias. Paramount sólo editaría 300 copias de sus otros discos, incluido su quinto de 78rpm que llevaba 'I'm so glad' en una cara y 'Special Rider Blues' en la otra. Calt se refiere a él como "el mejor disco de doble cara de blues". Pero la Depresión estaba en todo lo alto, habiendo castigado más que a nadie a la audiencia del blues y a Paramount le quedaban pocos días en el negocio.
Speir intentó grabar de nuevo con James en 1932, pero éste rehusó de nuevo, ésta vez por un motivo bien diferente. Su padre, que había dejado el contrabando y se había encomendado a Dios, llegando a ser ministro baptista de una iglesia, lo llamó a su lado a Plano (Texas) para que le ayudara a dirigir el coro y asistiera al seminario. James asistió para complacer a su padre pero no llegó a ordenarse. Por supuesto, dejó de lado el blues, considerada 'música del diablo' y los siguientes quince años la única música que practicó fueron los cánticos gospel del coro de la iglesia. No obstante, su música no quedó en el olvido. Otros bluesmen grabaron sus canciones durante la década de los años treinta. Así Charlie y Joe McCoy publicaron su versión de 'Devil got my woman' en 1934 para Decca.
En 1943 dos coleccionistas de jazz blancos se hicieron con una de las escasas copias de 'Little cow and calf is gonna die blues' y lo reeditaron en su propio sello. Fue la primera reedición de un blues para el mercado blanco y vendió unas 300 copias, tantas como Paramount fabricó en su día.
A finales de los años cuarenta, James dejó su trabajo en una compañía minera de Birmingham para volver a Betonia tras la muerte de su madre. Intentó volver a su carrera de bluesman pero la mayoría de su antiguo público había emigrado hacia el norte. Además, su blues acústico ya no estaba de moda. Ahora se estilaba el blues eléctrico proveniente de Chicago. Gracias a una buena cosecha de algodón, logró ganar un dinero con el que se trasladó a Memphis con la intención de abrir su propio honky tonk. A partir de aqui se le pierde la pista.
En los años cincuenta, los coleccionistas habían convertido los discos de James en objetos muy valiosos y cuando surgió el Blues revival al principio de los sesenta, se incluyeron tres de sus temas en antologías de blues temprano.Jóvenes aficionados al blues decidieron localizar al autor de esos viejos, rayados y exóticos discos, pero James no fue fácil de encontrar. Por fin. en 1964, el guitarrista John Fahey y un par de amigos dieron con él en un hospital de Tunica (Arkansas) donde le trataban el cáncer que sufría. Ese mismo año, en julio de 1964, James apareció junto a otros bluesmen 'redescubiertos' en el Newport Folk Festival. Sólo tocó unos nueve minutos, tiempo para cuatro canciones. Aún así, su interpretación de 'Devil got my woman', fue uno de los momentos álgidos del Festival.
En 1966 grabó un álbum, 'Skip James: Greatest of the Delta Blues Singers' al que le siguieron otros dos en Vanguard Records: 'Skip James Today!' y 'Devil Got My Woman', que no tuvieron un especial éxito. El motivo posiblemente fue que su blues había dejado de venirle del alma. Como él mismo explicó a Hart antes de morir, desde su trabajo como ministro de la iglesia había considerado la música blues algo 'pecaminoso', por lo que ya no la cantaba con el corazón. Otros músicos continuaron haciendo versiones de su canciones, como el grupo Cream, que llevó al éxito 'I'm so glad'. A James jamás le gustaron estas versiones y renegaba de ellas. Sin embargo si recibió de buen grado el cheque de 10.000$ que le entregaron por los derechos de autor. Murió en Philadelhia, donde residía con su tercera mujer, en octubre de 1969 a los 67 años.
El 21 de junio de 1936 nació en Mansfield (Louisiana), el cantante de R&B y jazz O.C. Smith. Comenzó su carrera grabando una versión de 'Tutti frutti' de Little Richard en 1955 y en 1961 Count Basie le contrata para cantar en su orquesta. Allí permanece hasta 1965 y continúa grabando discos como solista, sin éxito.
Cuando la discográfica estaba a punto de rescindirle el contrato consigue un inesperado éxito con 'Son of Hickory Holler's tramp', que entra en las listas americanas y llega al nº2 en el Reino Unido. En 1969 consigue su mayor éxito, 'Little green apples', con el que obtiene un Grammy y un disco de oro. Continúa grabando en las décadas siguientes, hasta que en los noventa se hace pastor y funda su propia iglesia en Los Angeles. Murió en noviembre de 2001 a los 69 años
El 20 de junio de 1924 nació en Luttrell (Tennessee) el productor y guitarrista norteamericano Chet Atkins, quien junto con Owen Bradley creó el sonido 'Nashville', que logró introducir el country entre las audiencias adultas del pop. Su estilo 'picking' a la guitarra, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul ha llegado a influir a numerosos músicos no sólo de country, también de jazz, blues y pop. En su momento, fue la persona más joven en ser admitida en el Country Music Hall of Fame. En la decisión pesó mucho su labor como productor, la cual supuso -según muchos- que la musica country no fuera arrollada por el rock'n'roll.
Chet fue el menor de cuatro hermanos que se crió junto a su madre, tras el divorcio de sus padres, teniendo Chet seis años. Creció en un ambiente rural extremadamente pobre pero rodeado de influencias musicales. Su padre era un cantante de gospel con educación musical clásica y cuentan, que cada vez que alguien llegaba a su casa a tocar la guitarra, el pequeño Chet se acercaba a pocos centimetros de ella para no perderse detalle. Su primer instrumento fue un ukulele de fabricación casera. También aprendió a tocar el violín y con nueve años, le cambió a su hermano una pistola por una guitarra. En la adolescencia sufrió de astma por lo que tenía que dormir en un sillón especial que le facilitara la respiración durante el sueño. En esas noches, tocaba la guitarra hasta quedarse dormido abrazado a ella, una costumbre que le acompañaría toda la vida.
Merle Travis
Además de la música clásica que conoció con su padre y el gospel que practicaban sus vecinos, Atkins recibió más influencias a través de la radio, donde escuchaba los temas de Merle Travis, cuyo estilo intentaba emular. Chet desconocía que Travis usaba sólo el pulgar y un dedo en su técnica de 'fingerpicking', e influido por los métodos clásicos de su padre, aprendió a tocar con el pulgar y tres dedos, algo que se convertiría en su sonido de marca. En su etapa de high-school ya era un guitarrista consumado. Solía practicar en los servicios del colegio debido a la buena acústica. Su primera guitarra tenía un clavo como cejilla y el mástil estaba tan curvado que sólo podía usar los tres o cuatro primeros trastes. Más tarde logró hacerse con una guitarra electroacústica y un amplificador, pero tenía que caminar varios kilómetros para encontrar una toma eléctrica, de la que -por supuesto- carecían en su casa.
Cuando dejó los estudios tocó el violín y la guitarra en diversas emisoras de radio acompañando a artistas como el cantante Bill Carlisle y el cómico Archie Campbell en Knoxville, Johnnie and Jack en Raleigh y Sunshine Sue Workman en Richmond (Virginia). En 1946 se incorporó a la banda de Red Foley e hizo su primera aparición en el Grand Ole Opry. Ese mismo año también publica un single en Bullet Records, 'Guitar blues', un tema bastante innovador en la época, ya que incluía un solo de clarinete. Al piano le acompañaba Owen Bradley. Realizó una actuación en solitario en el Opry y seguidamente se mudó a Springfield (Missouri) a la KWTO-AM, donde, a pesar del apoyo de uno de los ejecutivos de la emisora, Si Siman, fue despedido por 'sonar poco country'.
A través de Siman, Atkins entró en contacto con Steve Sholes, de RCA y en 1947 grabó temas como 'Canned heat' y 'Bug dance', que recibieron cierta atención. No obstante, sus discos no se vendían y en 1949 se unió a Mother Maybelle and the Carter Sisters. El trabajo de la reencarnación de la familia Carter atrajo pronto la atención del Grand Ole Opry, por lo que el grupo se instaló en Nashville. Atkins, al mismo tiempo seguía grabando temas como 'Main street breakdown'. Su presencia como artista en solitario siguió creciendo tras la publicación de dos álbumes en 1953, 'Chet Atkins' Gallopin' Guitar' y 'Stringin' Along with Chet Atkins', con temas como 'Galloping on the guitar', 'Hangover blues' o 'Boogie man boogie', además de versiones de 'The Third Man theme', 'St Louis blues' y 'Memphis blues'. Continuó tocando como músico de sesión para leyendas del country como Hank Williams, entre otros.
Sus acertados consejos y comentarios durante las grabaciones llevaron a que terminase ejerciendo de productor. En ese papel se especializó en grabaciones en las que prevalecían los arreglos de cuerda sobre los violines y steel guitars tradicionales, lo que acercó la música country a otras audiencias. Atkins poseía asimismo un extraordinario ojo para descubrir talentos, siendo descubridor de futuros artistas del country como Waylon Jennigs, Dolly Parton y Willie Nelson.
Su primer hit fue 'Mr Sandman', en 1955, donde demostró su talento interpretando melodías compuestas por otros, seguido de 'Silver bell' haciendo dúo con Hank Snow.
También comenzaron a aparecer sus primeras influencias musicales clásicas en el álbum 'Three Dimensions' (1955), en el que además de versiones de canciones clásicas populares como 'Blues in the Night' o 'La golondrina', Chet interpreta piezas de Chopin y Bach.
En 1957 Steve Sholes, gracias a su éxito con Elvis Presley, fue nombrado director de la producción pop de RCA. Este, a su vez, colocó a Chet Atkins al frente de su sucursal en Nashville. Aquí junto a Bob Henderson, Chet puso en práctica lo que ya estaba haciendo Owen Bradley en sus producciones, sustituir los violines y las steel guitars por coros o arreglos orquestales, afianzando el establecimiento del Nashville Sound. Así, Atkins usó a los Jordanaires y una sección de ritmo en hits como 'Four Walls' y 'He'll have to go' de Jim Reeves o 'Blue blue day' y 'Oh lonesome me' de Don Gibson. El raro fenómeno que suponía el que un tema de country apareciera en las listas pop, era cada vez más frecuente.
Chet también seguía grabando sus propios discos, generalmente versiones de standards pop y jazz. Grababa la sección rítmica en los estudios de RCA y luego, en casa, añadía las partes de solo de guitarra, repitiendo las veces que fuera necesario hasta quedar satisfecho. Guitarristas de todos los estilos escuchaban con atención sus álbumes por sus innovadoras ideas musicales y en muchos casos ideas experimentales electrónicas. Por este tiempo se le conoció como 'Mister Guitar', lo que inspiró un álbum con el mismo nombre en 1959. En la grabación de 'Mister Guitar' participó Bill Porter, el nuevo jefe de ingenieros de grabación de RCA, quien mejoró muchas de las instalaciones electrónicas del estudio y cambió el posicionamiento de los micros de forma que el sonido general se volvió más dinámico.
Tampoco los gustos musicales de Chet quedaron atrás y Atkins fue adaptándose a todos los nuevos estilos musicales. Cuando apareció su álbum 'Chet Atkins Picks on the Beatles' en 1966, en la cubierta aparecían unas notas firmadas por George Harrison, uno de sus más fervientes fans. Por estos años, Atkins ya había sido nombrado vicepresidente de RCA y tomó un riesgo considerable en plena época de lucha por los derechos sociales y disturbios raciales en Estados Unidos, contratando al primer cantante country afroamericano, Charley Pride.
A lo largo de los años sesenta y setenta, fue nombrado 'mejor guitarrista country del año' repetidas veces y fue merecedor de varios premios Grammy. Algunos de sus discos más populares los grabó junto a otras leyendas de la guitarra como Merle Travis en 'The Atkins-Travis Travelin' Show' (1974) o Les Paul en 'Chester and Lester' (1976). Atkins explicaba lo que sentía con los dúos: "Tocar con otros guitarristas me inspira a tocar mejor de lo que lo haría normalmente, porque me vuelvo competitivo"
Aunque su leyenda estaba asegurada, los años ochenta trajeron cambios en la industria discográfica y en la música country. Atkins dejó RCA para firmar con Columbia y su música era más fácil de escuchar en las emisoras de new age, antes que en las de country. Dos colaboraciones con el guitarrista de rock Mark Knopfler le supusieron dos premios Grammy, 'Cosmic Square Dance' (1985) y 'Neck and Neck' (1990). En los años noventa Atkins siguió grabando con guitarristas que habían aprendido escuchando sus discos. En los álbumes 'Read my Licks' (1994) y 'The Day Finger Pickers Took Over the World' (1997), Chet toca con guitarristas tan diversos como Knopfler, George Benson, Steve Wariner y el jóven fenómeno australiano Tommy Emmanuel.
La cirugía que sufrió para extirpar un tumor cerebral benigno y un ligero ictus el año 1997, ralentizaron la producción de Chet, quien sin embargo permaneció activo. A pesar de ciertas limitaciones físicas practicaba diariamente y siguió trabajando en el estudio, y en 1998 produjo 'Tribute to Tradition', una colección de canciones clásicas del country interpretadas por artistas contemporáneos del género como Dixie Chicks, Alison Kraus, Rick Trevino y Mary Chapin Carpenter, entre otros. Participó con su guitarra en uno de los temas, una versión de 'Oh Lonesome Me', hit que fue nº1 en 1959 bajo su producción.
Atkins murió en su casa de Nashville en junio de 2001 a los 77 años, tras una larga enfermedad.
