Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 27 de agosto de 1909 nació en Woodville (Mississippi) el saxofonista (tenor) y clarinetista Lester Young, uno de los músicos más influyentes que surgieron de la época dorada del jazz. Entonces tenían al 'Rey' del swing (Benny Goodman), el 'Conde' Count Basie y el 'Duque' Duke Ellington. A Young, le otorgaron el apodo de 'Presi' (Pres, o Prez), menos regio, pero más americano.
Aunque vivió sus primeros años cerca de Nueva Orleans, Lester Young se trasladó hacia 1920 a Minneapolis donde tocó la batería en la orquesta familiar. Estudió violín y trompeta, empezando con el saxo alto a los 13 años. Abandonó la banda familiar a los 18 años por su negativa a tocar en los estados sureños, donde todavía estaban vigentes las leyes de segregación racial, y se unió a los Art Bronsons Bostonians con los que ya tocaba el saxo tenor. En 1933 se instaló en Kansas City, donde tras tocar con varias bandas como la de Bennie Moten y King Oliver, comenzó a destacar en la orquesta de Count Basie (1934), donde su estilo relajado contrastaba con el enfoque agresivo de Coleman Hawkins, el saxofonista predominante del momento, que tocaba en la orquesta de Fletcher Henderson.
Una de las grandes leyendas del jazz cuenta que una noche que Coleman no pudo asistir a un concierto de la orquesta, Lester lo sustituyó y su interpretación fue tan magnífica, que cuando Hawkins se enteró fue a buscarle saxo en mano para "darle una lección a ese mocoso". Hicieron un duelo de saxos memorable, que duró hasta bien entrada la mañana... Hawkins se trasladó a continuación a Europa y Young ocupó su lugar en la orquesta. Sin embargo la historia no tuvo su final feliz. Young fue contratado para que tocara como Hawkins, y eso no acabó de gustarle... Podía sustituir a Coleman pero no convertirse en su imitador, así que en 1936 volvió a Kansas City con Basie.
Desde 1935, Billie Holiday grababa discos al frente de pequeños conjuntos, bien bajo su nombre para la marca Vocalion (y más tarde para otros), bien bajo el del pianista Teddy Wilson para el sello Brunswick. Muchos de estos discos integraban a Lester Young y buena parte de ellos permitían escucharle como solista, aunque con intervenciones cortas... Él disfrutaba y Billie también. Sus estilos se compenetraban perfectamente.
De Billie recibió Lester el apodo y Lester bautizó también a Billie. Lester Willis 'The President' Young o 'Prez' para Billie... y Eleonora Holiday 'Lady Day' Fagan... Aunque su madre la llamaba Nora y su padre Bill, por comportarse siempre como un muchacho.
Se adoraban recíprocamente como músicos y se profesaban un profundo afecto personal. Se enamoraron... Amigos, amantes, compañeros; en cualquier caso, Lester vivía con la cantante en el domicilio de la madre de ésta. Les unía un sentimiento de tristeza y soledad. Ambos se precipitaron en el alcohol y otras drogas...
Entre 1936 y 1938, Young coincidió en la orquesta con otro extraordinario saxofonista, Hershel Evans, y sus duelos marcaron una de las épocas más brillantes de esa formación, aparte de constituir por sí solos, una página de la historia del jazz.. Además de su trabajo con la orquesta, Young formó una serie de pequeños combos con hombres clave de la orquesta de Basie como Buck Clayton y Jo Jo Jones. También realizó grabaciones tocando el clarinete con Basie y los Kansas City Six, desarrollando el estilo 'cool' que trasladó al saxo tenor.
Antes de ser llamado a filas en 1944, apareció en el film 'Jammin' the blues'. En el ejército no lo tuvo fácil. Pasar de su vida de artista bohemio a la rígida disciplina militar, no encajó con la personalidad de Young, y el racismo que imperaba en los cuarteles tampoco ayudó mucho, dejando una profunda huella en él. Fue sorprendido fumando marihuana y tras pasar unos meses en prisión, fue licenciado. Según algunos críticos Lester sonaba ahora mejor que nunca y en los años cuarenta y cincuenta hizo giras con Jazz at the Philarmonic, además de realizar magníficas grabaciones para Aladdin. También le resultó fácil adaptarse al bebop, estilo al que el mismo Lester había allanado el camino en los años treinta.
Sin embargo, Young era un ser excéntrico y desconfiado con todos los que no estuvieran en su reducido círculo. Bebía en exceso y no comía lo suficiente. Además sufría fuertes depresiones viendo como sus imitadores blancos conseguían más actuaciones y ganaban más dinero que él. Aún así todavía convenció en el álbum 'Jazz Giants' (1956) con Teddy Wilson, Roy Eldridge y Jo Jo Jones, en su actuación con el trío de Bill Potts en 'Washington D.C, 1956', así como una última reunión con la banda de Basie en 1957 en el festival de jazz de Newport.
Ese mismo año, en la serie de documentales televisivos 'The Sound of Jazz', Lester aparece desmejorado y cansado, pero aún fue capaz de robarle el protagonismo a Billie Holiday con un apasionante solo. En 1959, tras grabar 'Lester Young in Paris' enfermó gravemente y volvió a Estados Unidos para ser ingresado en un hospital. Allí no dejó de beber y murió de cirrosis en marzo de 1949 a los 49 años.
La película del francés Bertrand Tavernier'Round Midnight' (1986), está basada en su vida y su papel lo interpreta Dexter Gordon.
Lester Young había sido toda su vida un bohemio excéntrico y maravilloso, viviendo en un mundo hostil lleno de hoteles cochambrosos y de racismo cruel. Encerrado en si mismo como autodefensa frente a los que no lo aceptaban, Lester Young logró crear un universo musical incomparable por su tranquila belleza. Intimista en las baladas, impregnadas de emoción y lirismo, y en los temas rápidos su música rebosaba dinamismo y una agilidad extraordinaria, pero siempre expresada con esa absoluta relajación con la que después de él, el jazz no conoció otra igual.
El 26 de agosto de 1903 nació en Oklahoma City el cantante de jazz y blues Jimmy Rushing. Conocido como 'Mister Five by Five', una referencia a su corta estatura y a su considerable 'anchura', Rushing fue uno de los más grandes cantantes de jazz. Asociado con la banda de Count Basie durante quince años, Rushing fusionó el alma del blues con estilos jazzísticos, creando un sonido único. Las dos últimas décadas de su vida, Jimmy dividió su tiempo entre actuaciones en solitario y colaboraciones con los más grandes artistas del jazz y cantando, además de Basie, con orquestas de la talla de Benny Goodman, Walter Page y Buck Clayton.
Nació como James Andrew Rushing de la pareja formada por Andrew y Cora Rushing. Ambos eran aficionados a la música: su padre tocaba la trompeta y su madre -ama de casa- tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. De niño, Jimmy acompañó a su madre en el coro y estudió violín. Influido por su tío Wesley Manning, que asimismo tocaba el piano y cantaba, el joven Rushing abandonó el violín en favor del piano. Más tarde, cuando asistía a la Douglas High School de Oklahoma City, estudió teoría musical y cantó en el coro del colegio. Asistió a la Universidad en Wilberforce (Ohio), pero a los dos años lo dejó para trasladarse a Los Angeles, donde sobrevivió con trabajos no relacionados con la música. Posteriormente, apareció ocasionalmente junto a Jerry Roll Morton en fiestas privadas en el sur de California y comenzó a actuar como pianista y cantante en pequeños clubes angelinos como el Jump Steady Club y el Quality Night Club. En 1925 realizó giras con la Billy King Revue.
No obstante, la vida en Los Angeles no satisfizo a Rushing y en 1926 volvió a Oklahoma City para trabajar en el restaurante familiar. Tras 18 meses sirviendo mesas se hartó y decidió volver a la música. Se dirigió a Little Rock, en Arkansas donde se unió a los Blue Devils, la banda de Walter Page, a quien conoció en su gira con Billy King. Cuando los Blue Devils viajaron a Kansas City para realizar una sesión de grabación en el sello Vocalion, Rushing estaba con ellos. Además de ser la primera grabación de Jimmy, fue un momento decisivo en su carrera.
Basie, Rushing y Moten en 1931
Fue en Kansas City donde conoció a Bennie Moten, el líder de la Bennie Moten's Kansas City Orchestra. Poco después, Rushing dejó a los Blue Devils y se incorporó a la orquesta de Moten como pianista y cantante. Durante sus años con la orquesta, Jimmy se convirtió en el más popular de los conocidos como 'blues-shouters'. Se decía que su voz de tenor ligeramente nasal y penetrante se podía oír a gran distancia, predominando sobre la orquesta. Actuó y grabó con la banda de Moten hasta 1935, año en que este murió. Count Basie se hizo cargo de la orquesta y Jimmy permanecería con él quince años, formando parte de uno de los shows musicales más populares del país.
En 1938, Rushing actuó con Basie en los conciertos 'From Spirituals to Swing' en el Carnegie Hall de Nueva York. También colaboró con Benny Goodman en varias de sus grabaciones. Cuando Basie disolvió en 1950 su primera banda, Jimmy viajó a Carolina del Sur, con la intención de abandonar el circuito y echar raíces. Pero el 'gusanillo' no era tan difícil de matar. "Supe que la primera vez que viera a una banda actuar en la ciudad, me derrumbaría. Así pasó y una noche llegué a casa y le dije a mi mujer que hiciera las maletas porque nos íbamos a Nueva York"
En los años cincuenta aparecía cada vez más como un cantante en solitario aunque seguía colaborando con algunos de los grandes nombres de la industria como Benny Goodman, Frank Culley y Buck Clayton y, a pesar de no estar ya asociado a Count Basie, en 1954 aparecieron juntos en el Tonight Show. En esta década también creció el número de grabaciones de Rushing, que publicó temas en sellos como Columbia, Jazztone, King, Vanguard y Okeh. En 1958, Jimmy actuó con Benny Goodman en la Feria Mundial de Bruselas y en el Newport Folk Festival.
En los años sesenta se mostró incansable y continuó actuando y grabando con músicos como Eddie Condon, Thelonious Monk, Harry James, Joe Newman y Dave Brubeck. Volvió a cantar con Basie y Goodman cada vez que se presentaba la ocasión y apareció frecuentemente en los principàles festivales de jazz del mundo, así como en numerosos documentales sobre el género como 'The Subject of Jazz' o 'The Evolution of Blues' de Jon Hendricks. En 1969 participó como actor y cantante en el film 'The Learning Tree'. Desgraciadamente, en 1971 se le detectó una leucemia que acabó abruptamente con su carrera en junio de 1972, contando Jimmy 68 años.
El 25 de agosto de 1950 nació en Stamford (Connecticut) el músico y cantante norteamericano Willy DeVille. Aunque no es fácil -por no decir imposible- etiquetar su música, a DeVille no le resultó difícil encajar con los artistas punk y new wave de la época con su 'estofado musical' cuyos ingredientes provenían del R&B, rock, cabaret, blues, country, latino y cajun de Nueva Orleans.
Willy en solitario continuó su carrera con éxito -al menos como artista de culto- hasta entrado el milenio. En 1992 logró ser nº1 en España y Francia con su versión mariachi de 'Hey Joe'. Entre los colaboradores y músicos con los que ha trabajado se cuentan artistas como Doc Pomus, Dr. John, Mark Knopfler y Allen Touissant. Murió en agosto de 2009, a los 58 años.
El 25 de Agosto de 1918 nació en Lawrence (Massachusetts), en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, el compositor, pianista y director de orquesta y educador estadounidense Leonard Bernstein, el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal.
Ha sido durante muchos años el director de orquesta más famoso en los Estados Unidos, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, desde 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad “West Side Story), y muchas otras piezas.
En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky. Más tarde le dedicó su “Sinfonía n.º 2” a Koussevitzki.
Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la “Sinfonía Turangalila” de Olivier Messiaen.
Tras la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, y dirigió la orquesta hasta cinco días antes de su muerte.
Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para jóvenes llamados“Omnibus”, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para jóvenes se mantienen como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en un canal de cable y se comercializaron en DVD.
En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, e inició una larga asociación con Israel.
Como director de orquesta, su actitud en el podio era muy gestual, extrovertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado.
Bernstein en 1960
Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en fa, de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, (Sinfonía nº 5 Mahler Adagietto, Bernstein) y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.
Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta estuvieron alentados por Serge Koussevitzky, su mentor en su etapa de estudiante en Tanglewood. En esta faceta, su defensa de una interpretación abiertamente subjetiva, dentro de la más pura tradición romántica, le hacía obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt (su versión de la Sinfonía Fausto es un clásico de la fonografía), Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich, mientras que en el repertorio clásico sus logros, pese a ser apreciables, no alcanzaban idéntica altura. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta su muerte.
Fiel reflejo de sus variadas aficiones y gustos, que en música se extendían desde el clasicismo de Haydn hasta el jazz, el estilo del Bernstein compositor se distingue por su eclecticismo siguiendo diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz. Una ópera, “A Quiet Place” (1984), tres sinfonías de amplias proporciones (1942, 1949 y 1963), una “Serenade” (1954) y varias canciones constituyen lo más granado de su catálogo. Sin embargo, a pesar de su apreciable valor, ninguna de estas partituras ha alcanzado el nivel de popularidad de sus comedias musicales. Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Fumador durante muchos años, combatió un enfisema desde su juventud. El día de su funeral, el 14 de octubre de 1990, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye, Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).
Obras para el teatro
• “Fancy Free” (ballet, 1944)
• “On the Town” (Musical: Un día en Nueva York, 1944), que fue popularizada después como película.
• “Facsimile” (ballet, 1946)
• “Peter Pan” (canciones, música incidental, 1950)
• “Trouble in Tahiti “(ópera en un acto, 1952)
• “Wonderful Town” (musical, 1953) (Berliner Philharmoniker, Simon Rattle)
• “On the Waterfront“ (banda sonora, 1954)
• “The Lark” (música incidental, 1955)
• “Candide” (opereta cómica,1956) Basada en la novela homónima de Voltaire. Nuevo libreto en 1973, revisada en 1989). Su obertura se suele interpretar como pieza de concierto aislada.
• “Mass”
- "God Said"
- “Simple song”
(pieza de teatro para cantantes, músicos y bailarines,1971) Gran oratorio escénico compuesto para la inauguración del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington
• “Dybbuk” (ballet), 1974
• “1600 Pennsylvania Avenue” (musical), 1976
• “A Quiet Place” (ópera en dos actos), 1983, que incluye la partitura de la previa “Trouble in Tahiti”..
• “The Race to Urga” (musical), 1987
• “Hashkiveinu” para tenor, coro mixto y órgano, 1945
• “Missa Brevis” para coro mixto y contratenor, con percusión, 1988
• “Los salmos de Chichester” para contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión, encargo del Festival de Chichester de 1965
El 25 de agosto de 1925 nació en el barrio de la Macarena en Sevilla, la cantante y actriz española Juanita Reina, conocida como La Reina de la Copla. Su padre, Manuel Reina, fue su empresario y representante. Mediante el préstamo de un familiar (125.000 pesetas de los años 40) montó el primer espectáculo para su hija: 'Los Churumbeles', con el que Juanita se da a conocer por toda España.
Monta un segundo espectáculo para ella buscando a los autores más famosos del momento, Quintero, León y Quiroga, los cuales compusieron las letras de 'Tabaco y Seda', que se presentó en el teatro Reina Victoria, de Madrid. En 1942 se convierte en una de las principales estrellas de la copla, junto con Lola Flores. Actúa en varios espectáculos de Quintero, León y Quiroga, el trío más destacado dentro de estos años, y de Ochaíta, Valerio y el maestro Solano, el más conocido, 'La España de monsieur Dumas', (Madrid, Teatro Calderon, 1945). De estos años son canciones como 'Manuela la de Jerez', 'Compuesta y sin novio', 'La señorita del acueducto' o 'Los churumbeles', que quedaron para siempre asociadas a su nombre. En 1941 debuta en la pantalla con la película 'La Blanca Paloma'.
El cine acrecentó su fama con películas como 'La Lola se va a los puertos' y 'Lola la piconera', de los hermanos Machado y José María Pemán respectivamente. Otros temas de gran éxito en su voz fueron 'Francisco Alegre', 'Capote de grana y oro', 'Y sin embargo te quiero', 'Coplas del burrero', 'Yo soy...esa' y 'Carmen de España'.
Mostró una religiosidad devota concentrada en la Virgen de la Macarena y profesó políticamente un conservadurismo a ultranza, simbolizado por su presencia frecuente y entusiasta ante el general Franco en las fiestas organizadas en el Palacio de Oriente y en los Jardines de la Granja.
Juanita Reina y 'Caracolillo'
En los años sesenta comenzó su retirada de los escenarios. El 15 de junio de 1964 se casó con un bailaor, Federico Casado Algrenti, más conocido como 'Caracolillo', y al año siguiente nació su único hijo, Federico Casado Reina. Puso un restaurante en Madrid y una academia en Sevilla. Tuvo la culminación de su carrera en el 'Azabache' de la Expo de Sevilla de 1992, junto a Rocío Jurado, Nati Mistral, María Vidal e Imperio Argentina. En 1994 el ayuntamiento de Sevilla le dedicó una glorieta en el parque de María Luisa. Murió en marzo de 1999 a los 73 años.
El 24 de agosto de 1951 nació en Jacksonville (Florida) el compositor y cantante de rock Danny Joe Brown. Cuando aún trabajaba en la Guardia Costera fue diagnosticado con diabetes, lo que no le impidió hacer carrera en el rock & roll como cantante solista de la banda de rock sureño Molly Hatchet (nombre tomado de una famosa prostituta del siglo XVII que decapitaba y mutilaba a sus clientes), formada en 1975.
La banda se formó en Jacksonville, (Florida) en 1975 por los guitarristas Dave Hlubek y Steve Holland y su inspiración básica provenía de grupos de rock sureño como Lynyrd Skynyrd y 38 Special. La primera formación se completó con el también guitarrista Duane Roland, el bajista Banner Thomas, Melvin Powell a los teclados, Bruce Crump a la batería y Danny Joe Brown a la voz solista.
Danny Joe escribió y cantó temas incluidos en sus dos primeros álbumes como 'Bounty hunter', 'Big apple', 'Whiskey man', 'One man's pleasure' y 'Flirtin' with disaster', que ayudaron a catapultar la fama del grupo. En 1980 tuvo que abandonar la banda a causa de su diabetes, que no le permitía seguir el ritmo de las giras. Le sustituyó Jimmy Farrar. Danny formó The Danny Joe Brown Band con los que publicó un sólo álbum para volver a Molly Hatchet en 1982.
Siguieron álbumes como 'No Guts... No Glory' (1983), 'The Deed is Done' (1984) y 'Lightning Strikes Twice' (1989) y durante las sesiones de Grabación para 'Devil's Canyon' (1995), Danny Joe, que para entonces era el único miembro que quedaba de la formación original, tuvo que interrumpir el trabajo a causa de una apoplejía, siendo completadas las partes vocales por Phil McCormack.
Danny Joe Brown murió en marzo de 2005.
