Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 17 de enero de 1966 se publicó en Estados Unidos 'Sounds of Silence', el segundo disco de larga duración de Simon y Garfunkel que fue grabado a toda prisa debido al fulgurante éxito que obtuvo la nueva mezcla del tema acústico 'Sound of Silence' editada en single, a la que el productor de Columbia Tom Wilson había añadido (sin permiso de Paul Simon) batería e instrumentos eléctricos. El 1 de enero de 1966 el sencillo alcanzó el nº1 del Hot100 y eso obligó al dúo neoyorquino, los mayores sorprendidos del repentino éxito, a retomar su carrera que en aquel momento había entrado en una etapa de futuro incierto.
El primer álbum del dúo, 'Wednesday Morning, 3 A.M.' se había publicado en octubre de 1964 y contenía doce canciones de estilo folk, cinco de ellas escritas por Simon, entre ellas, 'The sound of silence'. Al coincidir su aparición con el comienzo de la beatlemania en Estados Unidos, el disco pasó desapercibido por lo que Paul, desilusionado, se marchó a Inglaterra mientras Art seguía con sus estudios en la Universidad de Nueva York.
Paul en Londres
Londres parecía ser la Meca musical de entonces y Paul se instala en la capital británica y toca en bares y clubes. En uno de ellos conoce a Kathy Chitty, que sería su compañera sentimental e inspiración para temas como 'Kathy's Song' y 'America'. Allí continuó componiendo canciones y comprobó que no se había publicado en el Reino Unido el álbum grabado en EE.UU meses antes.
Paul y Kathy Chitty
Como seguía bajo contrato con Columbia Records, decidió grabar en los estudios de Londres de la compañía el álbum 'The Paul Simon Songbook'. Publicado en Inglaterra en agosto de 1965, en él volvía a aparecer una nueva versión de 'The sound of silence', además de temas inéditos como 'I am a rock', 'April come she will', 'Patterns' y 'Flowers never bend with the rainfall', que surgirían de nuevo en sucesivos trabajos del dúo.
Mientras tanto, en EE.UU, triunfaban los Byrds con 'Mr Tambourine' y sus armonías vocales sobre los limpios y cristalinos arpegios de la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger McGuinn...
El nuevo sonido de moda inspira al productor de Columbia RecordsTom Wilson, a ejercer un poco de ingeniería musical con los temas de Simon y, aprovechando un tiempo libre tras las sesiones de 'Like a rolling stone' de Bob Dylan, pide a los músicos que graben un acompañamiento de guitarras eléctricas (Al Gorgoni y Vinnie Bell), bajo (Joe Mack) y batería (Buddy Salzman) sobre el original de 'Sound of silence'. Tras publicarse, el éxito es inmediato. El disco avanza directo hacia el nº1 y Wilson llama apresuradamente a Simon, que vuelve de Inglaterra para reunirse de nuevo con Garfunkel y entrar inmediatamente en el estudio. Aunque a Paul no le habían gustado nada los nuevos arreglos de su canción, tuvo que doblegarse a los deseos de la compañía y grabaron el álbum con arreglos folk-rock en una línea similar al del nº1 conseguido.
Art y Paul en el estudio
Las sesiones tuvieron lugar los días 13, 14 y 21 de diciembre en los estudios CBS de Nashvile y Los Angeles bajo la supervisión del productor Bob Johnston que había tomado el relevo a Wilson, y Fred Carter, Jr, Joe South (guitarras y bajo), Larry Knechtel (piano) y Hal Blaine (batería) como músicos de estudio. La falta de tiempo para componer nuevas canciones obligó a usar la mayoría de las canciones que Paul había compuesto y grabado durante su estancia en Inglaterra como 'I am a rock', 'Leaves that are green', 'April come she will', 'A most peculiar man' y 'Kathy's Song'.
'Richard Cory' estaba basado en un poema de Edwin Airlinton Robinson y 'Somewhere they can find me' fue básicamente una nueva versión del tema 'Wednesday morning, 3 A.M.' que había quedado grabado meses antes, por lo que solo se incluyeron dos canciones inéditas en el álbum, 'Blessed' y 'We've got a groovy thing goin'.
El álbum se completó con el instrumental 'Anji' que Simon aprendió en Londres, probablemente a través del mismo autor del tema, el guitarrista acústico británico Davey Graham, de quien Paul también aprendió la afinación de guitarra DADGAD. En la edición inglesa se incluyó el tema 'Homeward bound' que fue publicado en Estados Unidos como single, un mes después de aparecer el álbum allí.
'Sounds of Silence' alcanzó el puesto 21 de las listas. También su anterior trabajo, 'Wednesday Morning, 3AM' fue reeditado y ésta vez sí tuvo la acogida merecida, logrando el puesto 30 en el Billboard 200.
El 15 de enero 1909 nació en la ciudad de Nueva York el compositor, educador y autor Elie Siegmeister, que buscó en las raíces de su pueblo esa nueva música que habría de marcar la tónica del siglo xx. Así el jazz, los espirituales, los cantos de trabajo, tanto de las fábricas como del campo, lo impulsan hacia un camino determinado: aquel que habrá de conducir a la música social.
Siegmeister obtuvo con 18 años una licenciatura cum laude de la Universidad de Columbia, donde estudió teoría de la música con Seth Bingham. Estudió dirección de orquesta con Albert Stoessel en la Juilliard School y contrapunto con Wallingford Riegger. Fue uno de los numerosos compositores americanos, incluyendo Aaron Copland y Virgil Thomson, que fueron alumnos de la influyente profesora Nadia Boulanger en París. Su variada producción musical mostró su preocupación por el desarrollo de un auténtico vocabulario musical estadounidense. Jazz, blues y melodías populares y ritmos son temas frecuentes en sus numerosos ciclos de canciones, sus nueve óperas, sus ocho sinfonías y sus obras corales, de cámara y solistas.
Sus 37 obras para orquesta han sido interpretadas por importantes orquestas en todo el mundo bajo la batuta de directores como Arturo Toscanini, Leopold Stokowski, Dimitri Mitropoulos, Lorin Maazel y Sergiu Comissiona. También compuso para Hollywood (en particular, la banda sonora de "They Came to Cordura", protagonizada por Gary Cooper y Rita Hayworth, 1959) y Broadway (Sing Out, Sweet Land, 1944, libro de Walter Kerr). Su "Western Suite" fue estrenada por Toscanini y la Orquesta Sinfónica de la NBC el 25 de noviembre de 1945.
Siegmeister escribió varios libros importantes sobre música que fueron ampliamente adoptados por los planes de estudios universitarios y de conservatorio. En 1960 también grabó y lanzó un álbum en Folkways Records, 'Invitation to Music' en el que se analizan con ejemplos prácticos los fundamentos de la música. Desde 1977 hasta su muerte, el 10 de marzo de 1991, desempeñó en el Consejo de Administración de la ASCAP y presidió su Comité Sinfónico y de Concierto. En 1939, organizó el grupo de cantantes estadounidenses Balada, pioneros en el renacimiento de la música popular que él llevó a cabo durante ocho años en espectáculos en los Estados Unidos. Fue el ganador de numerosos premios y reconocimientos, entre ellas las del Guggenheim, Ford y Fundaciones Elizabeth Sprague Coolidge, la Biblioteca del Congreso, el Fondo Nacional de las Artes y la USIA.
Elie Siegmeister y Antonio Machado: Elegías a García Lorca En 1938, el compositor norteamericano Elie Siegmeister compuso 'The Crime Took Place in Granada' (El crimen fue en Granada), también conocida como Elegies for Garcia Lorca (Elegías a García Lorca), tres canciones para barítono y piano. La importancia de esta composición no sólo radica en que es una obra temprana del que sería luego uno de los compositores estadounidenses más importantes del siglo XX, sino también por ser la versión musical del poema de Antonio Machado, «El crimen fue en Granada», dedicado a Federico García Lorca, escrito con motivo de su dramático asesinato en 1936, a principios del estallido de la guerra civil española (1936 -1939).
En el poema, Machado muestra su enorme dolor por el amigo muerto, repudia su crimen, y se lamenta de que hayan sido las gentes de su tierra natal —de «su Granada» — quienes lo hicieran. Granada es el escenario del crimen, pero también una metonimia de quienes allí vivían cuando ocurrieron los hechos, donde un pelotón de verdugos locales ejecutó a un hijo de la ciudad, al poeta granadino. El poema representa el enfrentamiento de la España del «verso», la de la República democrática y culta que encarna Federico, derrotada «a plomo» y traición por la rebelión militar de los «fusiles». Pero es también el relato de un narrador -poeta que con sus versos rompe el silencio de todos los que presenciaron esa tragedia sin denunciarla.
Al escoger este poema como texto para su composición musical, Siegmeister se solidariza y apoya su mensaje, contribuyendo además a su difusión internacional y subrayando con este acto la importancia de la expresión artística como testimonio. Machado escribió el poema poco después del asesinato de García Lorca, ocurrido el 19 de agosto de 1936, al inicio de la guerra civil. Se publicó, pasados unos meses, en "Ayuda, Semanario de la solidaridad", el 17 de octubre de ese mismo año. Más tarde, Machado lo incluyó en su libro "La guerra", publicado en 1937. Por su parte, resulta especialmente llamativa la fecha de composición de estas canciones de Siegmeister, escritas en 1938, poco menos de dos años después de que se produjera el crimen de García Lorca, lo que muestra la rapidez en la difusión y circulación de la noticia de la muerte del poeta granadino y del poema de Machado.
El 13 de Enero de 1683 nace en Kirchberg, Alemania, uno de los más grandes compositores de su tiempo, Christoph Graupner, que coindició con sus colegas contemporáneos Händel, Telemann y J. S. Bach, y fue amigo de otros grandes compositores como Heinichen y Fasch.
Reinhard Keiser
Acaba sus estudios en Leipzig con Kuhnau, predecesor de J. S. Bach en la Iglesia de Santo Tomás, Graupner deja Leipzig en 1705 para ocupar el cargo de clavecinista de la orquesta de la Ópera de Hamburgo, que estaba dirigida por Reinhard Keiser donde J. F. Händel era violinista. Graupner compuso varias óperas que tuvieron un gran éxito y colaboró también en la composición de tres más con Keiser, figura dominante en aquel tiempo de la ópera alemana. En 1709 acepta un puesto en la corte de Hesse-Darmstadt, donde llegó a ser en 1711 el director y compositor de la orquesta.
Ernst Ludwig von Hesse-Darmstadt
En marzo de 1723, a petición del conde Ernst Ludwig von Hesse-Darmstadt, renuncia al cargo de Cantor de la Escuela de Santo Tomás en Leipzig que permite a J. S. Bach acceder al cargo de manera oficial el 5 de mayo de 1723. Graupner deja mención de Bach en su renuncia. Graupner pidió que toda su obra fuera destruida después de su muerte, decisión que provoca problemas jurídicos entre los herederos, y que finalmente queda bajo la propiedad de la corte de Darmstadt, actualmente su propietario es el estado federal de Hesse.
Célebre también por su excelente caligrafía con sus copias y autógrafos. El maestro Johann Mattheson dijo en una ocasión “sus partituras manuscritas son tan bellas que parecen grabados". Se conservan copias de obras de compositores contemporáneos suyos, como Fasch, Stamitz, Richter, Telemann, Vivaldi y otros que fueron manuscritas por él. Esta era entonces una práctica muy común, pues apenas circulaban las ediciones impresas. Sabemos que también J. S. Bach copió música de otros compositores, tanto anteriores como contemporáneos, un procedimiento que se utilizaba para estudiar los recursos y las técnicas de otros maestros, y que a menudo se utilizaban también para realizar transcripciones. Graupner muere el 10 de mayo de 1760 en Darmstadt, Hesse, Alemania.
Obra
Graupner hace uso en sus obras de casi todos los instrumentos. En sus obras para orquesta y en música de cámara le daba un papel principal a los instrumentos de viento, de lengüeta y a las flautas dulces, con lo que demuestra su búsqueda tímbrica, donde hace destacar la calidad y originalidad de su música. En un estudio que hizo sobre Bach, Julius August Philipp Spitta, compositor y musicólogo alemán, hace mención de la importancia de Graupner y de su habilidad con el contrapunto, una importancia que fue destacada por numerosos teóricos contemporáneos. Compuso más de dos mil obras de música, llena de imaginación, creatividad y donde demuestra sus dotes musicales. También explora en las nuevas tendencias musicales.
Escribió 41 partitas para clavecín y tres piezas sueltas donde emplea generalmente el estilo francés, pero también encontramos en las arias sobre todo, rasgos estilísticos de las formas instrumentales italianas. En su obra se observa un gusto por el contrapunto, muy apreciado por los alemanes, en especial en las gigas. Además de las allemande, courante, giga, minuetto y sarabande, sus partitas incluyen movimientos poco comunes del repertorio de la época, por ejemplo la loure y el sommeil, este último destacado por su naturaleza melancólica, procedente de la ópera francesa.
Su imaginación para componer las courantes es notable. En ellas mezcla la originalidad con las características de la courante francesa y italiana (que son por cierto bastante diferentes). En las composiciones de Graupner la música para clavecín ocupa sin duda un lugar especial en su catálogo. Porque, a diferencia de las demás piezas de su gran producción, no fue compuesta por obligación, más bien, por placer y expresión natural de su talento muy personal. Una veintena de las 41 partitas que han llegado a nuestros días, salieron a la luz en tres colecciones copiadas por su propia mano, lo cual constituye un hecho singular en su obra musical. Esas ediciones originales constituyen documentos de valor incalculable, trabajados con mucho esmero y precisión, considerados por Graupner de ser dignos para su difusión. Sus títulos son: Partien auf das Clavier (Partitas para clave) (Geneviève Soly) Darmstadt 1718; Monatliche Clavier Früchte (Frutos mensuales para clave), Darmstadt 1722; y Vier Partien auf das Clavier unter der Benennung der vier Jahreszeiten (Cuatro partitas para clave con el título de las cuatro estaciones), Darmstadt 1733.
Música religiosa
Graupner compuso cantatas para la capilla de palacio, donde había un órgano construido por Christian Vater (Hamburg,1679-1756). Las cantatas se dividían, según la costumbre, en ciclos anuales. Graupner realizó al principio, aquella labor alternando con Wolfgang Carl Briegel, maestro de capilla, hasta la muerte de éste, ocurrida en 1712, y posteriormente con Gottfried Grünewald, amigo suyo y viejo colega en Leipzig y Hamburgo y que poseía una notable voz de bajo. Después, Graupner se ocupó a solas de la producción religiosa para la corte.
El número de cantatas de Graupner, conservadas principalmente en autógrafo en la ciudad de Darmstadt, es de 1.418. Entre su producción se cuentan 47 cantatas escritas para un bajo, destinadas al vicemaestro de capilla, Gottfried Grünewald, para quien también escribieron cantatas y papeles de ópera, Kuhnau, en Leipzig, y Keiser, en Hamburgo, y otras 47 cantatas para soprano solista “Ach Gott und Herr” (Miriam Feuersinger, voz; Xenia Löffler, Oboe; Capricornus Consort Basel & Peter Barczi, dir.). Estas últimas fueron compuestas para Johanna Elisabeth Döbricht (1692-1786), esposa del violagambista Hesse, que estaba considerada la mejor soprano de Alemania, única ciudad junto con Hamburgo, los dos únicos lugares de Alemania donde se permitía a las mujeres cantar en la iglesia.
• "Jauchzet ihr Himmel, erfreue dich Erde" GWV 1105/53 (Soprano I & II: Amaryllis Dieltiens & Elisabeth Scholl, Tenor I & II: Lothar Blum & Reinoud van Mechelen Baritone: Stefan Geyer & Chorus: Ex Tempore and Orchestra: Mannheim Hofkapelle)
El 5 de enero de 1979 se publicó en el Reino Unido 'Armed Forces', el tercer álbum del británico Elvis Costello. Fue el segundo trabajo de Costello en el que participaban los Attractions y el primero en el que aparecían acreditados en la portada.
Tras publicar 'This Year's Model' y realizar su correspondiente gira. Elvis Costello volvió rápidamente al estudio de grabación con los Atttractions para acometer la grabación de su tercer trabajo. En contraste al desnudo y crudo sonido rock-pop de sus primeros álbumes, 'Armed Forces' ofrecía una cuidada y espléndida producción, en ocasiones incluso pomposa. Los arreglos eran más sofisticados y elaborados, e incluían pianos, efectos de eco y reverberación, así como varias pistas de guitarra y segundas voces.
Esto ayudó a hacer la melodías de Costello más accesibles, cuyas letras, sin embargo, se volvieron más fundamentalistas y paranoides. Muchos de los temas de 'Armed Forces' usan la política como metáfora para describir las relaciones personales, particularmente el fascismo, lo que explica el nombre provisional que recibió el álbum, 'Emotional Fascism'. En ocasiones las letras están algo forzadas, pero la música fluye sin trabas y Costello demuestra su talento como compositor, saltando con suma facilidad de un tema pop bien construido como 'Accidents will happen' a otro tan paranoico como 'Goon Squad'.
Algunas canciones como el medio-reggae 'Two little Hitlers' o la apasionada 'Party girl', reafirman su calidad como cantautor, y otras como la elaborada 'Oliver's Army', cuyo riff de piano fue fundamental para que, editado en single, alcanzara el nº2 en las listas inglesas, llevan a Costello a nuevos territorios sonoros. En definitiva un denso, pero accesible álbum de buen pop, considerado actualmente como uno de los tres mejores trabajos del británico.
El 21 de diciembre de 1947 nació en Algeciras (Cádiz) el compositor y guitarrista español Paco de Lucía. Internacionalmente reconocido como uno de los grandes virtuosos de la guitarra de todos los tiempos, especialmente del flamenco moderno, hizo su primera aparición pública en 1959 en Radio Algeciras.
Tanto su madre, Lucía Gomes 'La Portuguesa', como su padre,
Antonio Sánchez, influyeron mucho en su vocación. De su padre y de su
hermano Ramón recibió las primeras clases de guitarra. El nombre 'De Lucía' quedó ligado a él durante su
niñez, ya que, como él mismo contaba, en su barrio había muchos Pepes,
Pacos, etc., y entonces se les identificaba por el nombre de la madre,
por lo que él era conocido como 'Paco, el de Lucía' en su barrio de
Algeciras. Más tarde ganaría un certamen de flamenco en Jerez y tocó en el grupo que acompañaba al bailaor José Greco. En 1964 conoce al guitarrista Ricardo Mondrego con el que graba tres discos.
Camarón y Paco de Lucía
A finales de los años 60, conoce a Camarón de la Isla, con quien crea una mítica unión musical, fruto de la cual son los primeros discos de ambos. Se muestran como excelentes intérpretes del flamenco más ortodoxo. Grabaron diez discos entre 1968 y 1977. Después, juntos y por separado, fueron precursores de un flamenco más popular y mestizo entrando en el terreno del pop, el rock y el jazz
Paco, Al Di Meola y John McLaughlin
Conocidas son sus colaboraciones con otros músicos como Al Di Meola, John McLaughlin, Larry Coryell, o Bryan Adams, en cuyo hit y video 'Have you ever really loved a woman' (1995) aparece Paco a la guitarra. Además de un sinfin de premios recibidos a lo largo de su carrera fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz en marzo del 2007, y por el Berklee College of Music de la Universidad de Boston, en 2010.
La mejor contribución de Paco de Lucía al flamenco
es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque
ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque.
Está
considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo
y su personalísimo estilo que se puede definir como vigoroso y
rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del
artista. Entre ellas, 'Entre dos aguas' (rumba), 'La Barosa' (alegrías), 'Barrio la Viña', 'Homenaje al niño Ricardo' (soleá), 'Almoraima' (bulerías), 'Guajiras de Lucía' y 'Río Ancho' (rumba). Entre sus álbumes destacan, además de los que grabó con Camarón y los guitarristas jazz citados antes, 'Sólo quiero caminar' (1981) y 'Zyrab' (1990) con Carles Benavent y Jorge Pardo, y 'Siroco' (1987).
Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años 70, de manos de Carlos 'Caitro' Soto de la Colina,
cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al
conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la
permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco y lo añade,
en complicidad con Rubem Dantas,
a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces,
convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un
instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y de
otras corrientes musicales internacionales.
Su último álbum de estudio fue 'Cositas Buenas' (2004), que contenía cuatro bulerías, dos rumbas, un tango y un tiento. Le acompañaban, entre otros, Tomatito y Enrique Heredia 'El Negri' a la guitarra, La Tana al cante y el Piraña a la percusión. En 2011 se publicó 'En Vivo' que recogía un resumen de sus conciertos por España en 2010. Murió de un infarto el 25 de febrero de 2014 mientras se encontraba jugando con sus nietos en una playa de Cancún (México).
El 4 de diciembre de 1930 nació en Buffalo (New York) el guitarrista de jazz Jim Hall. La contribución de Jim Hall para el desarrollo de la guitarra en el jazz no es comparable con ningún otro guitarrista. Hasta la aparición del bebop, la guitarra era exclusivamente un instrumento de ritmo. Hall la elevó al rango de instrumento melódico y la hizo cantar.
Hall comenzó en la música desde muy joven. Su tío Ed, lo animó a estudiar la guitarra y le hizo conocer a los grandes del jazz de su época: Charlie Christian, Art Tatum y Jimmy Lunceford. A los dieciséis años se trasladó con su familia a Cleveland, (Ohio), donde completó sus estudios formales en el Cleveland Institute of Music. Sus primeros pasos en el jazz profesional fueron en el quinteto del batería Chico Hamilton, en el que estuvo entre 1955 y 1956. Su tono característico con la guitarra comenzó a destacar en el trio de Jimmy Giuffre (1956-59) y en los años sesenta realizó grabaciones memorables con Gerry Mulligan ('Nightlights') y Sonny Rollins, cuyo'The Bridge', fue un hito del nuevo estilo 'avant garde', surgido a finales de la década.
Jim con Bill Evans
A principios de los años sesenta, Jim Hall formaba parte de la banda de acompañamiento de Ella Fitzgerald. Asimismo trabajo esos años con Lee Konitz y Bill Evans, con el que grabó dos excelentes álbumes en formato de dúo, 'Undercurrent' (1962) e 'Intermodulation' (1966).
En 1972 colaboró en 'Skies of America' de Ornette Coleman, uno de los primeros experimentos del saxofonista en componer e interpretar música de la llamada 'tercera corriente', que pretendía ofrecer una vía de desarrollo al jazz desde la influencia de la música clásica.
Concierto (1975)
Interesado cada vez más en composiciones orquestales complejas, Hall grabó una de sus mejores y más conocidas obras: 'Concierto' (1975) con Paul Desmond, Chet Baker, Roland Hanna, Ron Carter y Steve Gadd, en el que incluye una versión del 'Concierto de Aranjuez' de Joaquín Rodrigo. Grabó con pianistas como Michel Petrucciani y Enrico Pieranunzi. También tocó con Pat Metheny, con quien hizo un dúo en 1999, Bill Frisell o el brasileño Óscar Castro-Neves.
Otro de sus dúos más reconocidos, que se repitió en varios discos, como 'Alone Together' (1972) y 'Telephone' (1985), fue con el contrabajista Ron Carter. El reconocimiento oficial como compositor le llegó en 1997, cuando el Círculo de Críticos de Jazz de Nueva York le entregó el premio al mejor compositor y arreglista de jazz del año. Sus obras para conjuntos de cuerda, viento y grupos vocales pueden oirse en sus grabaciones 'Textures' (1996) y 'By Arrangement' (1998).
Hall en 2010
Un hecho decisivo en su vida, fue también su incorporación a la enseñanza musical en la New School de Nueva York. Entre sus alumnos se destacan el guitarrista Peter Bernstein, el pianista y organista Larry Goldings y el saxo tenor Rasmus Lee. En 2001 publicó 'Jim Hall & Basses', en el que en formato de dúo o trío demostró con diferentes bajistas, ser capaz con más de 70 años, de crear un sonido joven y dinámico.
Murió el 10 de diciembre de 2013 a los 83 años.
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El álbum se completó con el instrumental 'Anji' que Simon aprendió en Londres, probablemente a través del mismo autor del tema, el guitarrista acústico británico Davey Graham, de quien Paul también aprendió la afinación de guitarra DADGAD. En la edición inglesa se incluyó el tema 'Homeward bound' que fue publicado en Estados Unidos como single, un mes después de aparecer el álbum allí.
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