Dick Dale

El 4 de mayo de 1937 nació en Boston el guitarrista estadounidense Dick Dale de ascendencia libanesa, polaca y bielorrusa Se le llama el 'rey de la guitarra surf' por sus innovaciones y experimentos con la reverberación y los amplificadores Fender, cuyo modelo de 100 watios -el primero de la historia- fue estrenado por Dick. Está considerado el creador de la música surf y uno de los precursores del metal.

Nacido Richard Anthon Monsour, a pesar de lo exótico de sus orígenes, su interés por la música se centró en el country & western que practicaba Hank Williams. Vendiendo cascos de botellas ahorró para comprarse un ukelele, con el que aprendió los acordes básicos. Más tarde logró adquirir una guitarra, pero la tocaba usando sólo las cuatro cuerdas superiores, como si fuera un ukelele. Además se dio la circunstancia de que Dale era zurdo y todo su aprendizaje lo realizó con las cuerdas en el orden inverso, es decir el bordón (6ª) en el lugar de la prima (1ª). Jimi Hendrix, también zurdo, años más tarde, usó asimismo una guitarra de diestro pero cambió el orden de las cuerdas. Dale tardó unos años en darse cuenta de su mal hábito y cuando ya le fabricaron una guitarra de zurdo, siguió colocando las cuerdas de la misma manera. Debido a esta dificultad, empezó a desarrollar el estilo que cimentaría su fama.

En 1954 la familia Monsour se traslada a Orange County (California) y Dick, animado por su padre se presenta a un concurso de talentos de música country llamado 'Rocket to Stardom' donde resulta vencedor. Aparece en varios clubs de Los Angeles y en varios shows televisivos como Town Hall Party y el show de Spade Cooley. Un discjockey le sugiere un cambio de nombre para sonar 'más country' y le propone 'Dick Dale'. A finales de los años cincuenta, Dick tenía cierta reputación como artista telonero de músicos de mayor fama, como Ritchie Valens. Con el fin de promocionarle, su padre fundó un sello discográfico, Deltone Records, y en 1958 publicaron 'Ooh-whee-Marie' y 'Breaking Heart', dos temas vocales, a los que siguieron un par de singles más -sin repercusión- y en los que demostraba no ser el mejor cantante del mundo.

En 1960 Dick y su colega musical Ray Samra fueron a ofrecerse para tocar a los encargados de una heladería situada en la península de Balboa llamada Rinky Dink. El negocio disponía de una sala adjunta en la que se celebraban ocasionalmente actuaciones musicales y allí conocieron al pianista Bill Barber y al batería Jake Lake con los que formaron una banda con la que se comprometieron a tocar todos los viernes y sábados noche en el Rinky Dink. Los conciertos fueron creciendo en expectación y los adolescentes venían de cada vez demás lejos para ver a Dick Dale y su banda. Tocaban temas de rock'n'roll y lo que pidiese el público. Fue en ésta época cuando Bill Barber le dio a Dale las primeras lecciones de surf.

Como el Rinky Dink terminó quedándose pequeño, el padre de Dick se encargó de buscar una alternativa que encontró en el Rendezvous Ballroom, una enorme sala de fiestas cerrada que tuvo su esplendor en la era dorada de las big band. Tras negociar el alquiler con los propietarios de la sala, hubo que pactar los permisos con la autoridades locales. Corría el año 1961 y el rock'n'roll todavía sufría del estigma de ser considerado música que fomentaba la delincuencia juvenil y el libertinaje sexual. Bajo unas estrictas reglas (nada de alcohol, nada de peleas y un código de vestimenta que incluía vestido para las chicas y camisa, corbata y pantalón de vestir para los chicos) consiguieron los permisos y en la primavera de 1961 ya como Dick Dale y los Del-Tones debutaron en el Rendezvous Ballroom de Balboa, en lo que muchos consideran el nacimiento del surf-rock.

Como las reglas no mencionaban nada sobre el calzado, la mayoría -prácticamente todos ellos eran amigos de la playa y compañeros de surf- acudían en sandalias o descalzos. En una playa más al norte, Redondo Beach, un hecho similar estaba ocurriendo con los Bel-Airs, considerados también pioneros de la música surf. Su guitarrista Paul Johnson recuerda su visita a Balboa: "Hice el viaje hasta el Rendezvous en el verano de 1961 para ver de qué iba todo aquel asunto de Dick Dale. Fue una experiencia tremenda. Su música era increíblemnte dinámica, estrepitosa y más sofisticada que la que hacíamos nosotros. Y la energía que emanaba entre el grupo y todos esos surfers pisoteando el suelo de madera con sus sandalias era extremadamente intensa. El tono de la guitarra de Dale era el más potente que había escuchado hasta ese momento y su técnica fulgurante era algo muy a tener en cuenta"

Efectivamente, Dale había pasado de ser un guitarrísta rítmico educado en el country a tocar la guitarra eléctrica solista, intentando extrapolar sus experiencias con la tabla de surf a su guitarra y transmitir la energía de las olas a través de ella. En una entrevista de 1975, Dale comentaba: "Sentía una enorme cantidad de poder mientras surfeaba y simplemente transmitía mi sentimiento a través de mi guitarra. No podía transmitirlo cantando, por lo que mi música se volvió más instrumental".

En aquella época comenzó a desarrollar la técnica del doble 'stacatto pickin' (puntear repetidamente y con gran rapidez la misma cuerda) y empezó a usar cuerdas más gruesas (de 015 a 060) para elevar el tono de la guitarra. Su particular estilo, que demandaba más potencia en los amplificadores, puso a la industria que los fabricaba ante un desafío. Dale conoció a Leo Fender, que acababa de terminar una nueva guitarra, la Stratocaster. Fender se la cedió a Dale para que la probase y la acompañó de uno de sus amplificadores de nueva creación. Dale llegó a reventar cerca de 50 amplificadores que, literalmente, ardían en llamas. Fender le preguntó a Dick, "por qué tienes que tocar tan fuerte?" y se acercó con uno de sus ayudantes a presenciar uno de sus shows en Balboa.

Fender comprendió inmediatamente lo que Dick necesitaba y fabricó un amplificador con una salida de hasta 100W. Para ello necesitaba un altavoz resistente y en la fábrica de James B. Lansing desarrollaron los JBL D130F de 15 pulgadas, con los que Dale por fin pudo sonar como deseaba y romper las barreras electrónicas musicales de su tiempo. En 1962 Fender incorporó el efecto reverberación a los amplificadores, efecto que Dale usaría con profusión, marcando otra de las características del género.

Una de las piezas más solicitadas por el público en los bailes del Rendezvous Ballroom, que durante seis meses vendió íntegras las 3000 entradas que se ponían a la venta, era un tema instrumental muy bailable que los propios asistentes bautizaron como 'Let's go trippin', algo así como '¡vamos a darle caña!'. La audiencia comenzó a identificar su música con su actividad favorita y el propio Dale recibía constantemente comentarios como "Tu música me hace sentir como cuando monto la ola". Los medios de la época se fijaron en el fenómeno de Balboa y encumbraron a Dale a la categoría de estrella local, llamándole el 'flautista de Balboa', comparándole con el de Hamelín. Otros le llamaban el predicador, debido a los sermones de buena conducta y moralidad que estaba obligado o ofrecer si no quería que las autoridades locales le retiraran el permiso para celebrar los bailes.

'Let's go trippin' fue grabado en agosto de 1961 y publicado poco después. Aunque todavía no están presentes las características típicas del género (doble stacatto y reverberación) está considerado el primer tema de surf instrumental de la historia. Al año siguiente se publicó en Deltone Records el álbum 'Surfer's Choice', que incluia otros temas grabados por Dick Dale y los Del-Tones como 'Jungle fever' y 'Surf beat'.

El álbum fue distribuido por Capitol Records a nivel nacional y Dale y sus Del-Tones comenzaron a aparecer en shows de TV como en el de Ed Sullivan y en películas como 'Muscle Beach Party' donde solía interpretar uno de sus temas estrella, 'Misirlou', el cual, en plena era de la fiebre de los bailes -iniciada por el twist- generó un nuevo baile llamado 'the stomp' (pisada o pisotón) cuyos orígenes se remontaban al Rendezvous Ballroom de Balboa donde los surfers seguían el ritmo de la música pateando el suelo con sus sandalias.

Dick se ganó el apodo de 'King of the Surf Guitar' (1963), título de su segundo álbum, al que siguió 'Checkered Flag', también en 1963. En 1964 publicó sus últimos trabajos con Capitol Records, 'Mr. Eliminator' y 'Summer Surf'. En este último se apartó algo de su línea habitual y con una ambiciosa producción (a lo Phil Spector), Dale experimentó con otros instrumentos y estilos como su aflamencado 'Spanish kiss', el tema 'The star (Of David)', con tintes hebreos o 'Banzai washout', en el que la típica guitarra de Dick está respaldada por una gran banda de estudio.

A pesar de su enorme popularidad en la primera mitad de los años sesenta, las reticencias de Dale a realizar giras nacionales y, sobre todo, la llegada de los Beatles y la invasión de grupos británicos, provocaron que la música del grupo dejara de tener un interés masivo. La puntilla le llegó al grupo cuando a Dick se le diagnosticó una grave enfermedad que le obligó a dejar la banda y retirarse a Hawaii donde pasó más de un año de recuperación.
Seguidamente y poco a poco, volvió a los escenarios pero no volvió a los estudios. "Dejé de grabar porque no eran capaces de capturar el poder y la fuerza de mi guitarra."

Adquirió un terreno y un club de música en California y en 1976 se retiró completamente de la industria musical y se dedicó a su familia y a su colección de animales salvajes, entre los que se contaban tigres siberianos y leones africanos. En los años ochenta tuvo un breve retorno a la escena y en 1986 publicó un álbum en directo, 'The Tiger's Loose', que fue nominado a un Grammy.

En 1987 apareció junto a otros iconos del pop en el film 'Back to the Beach' protagonizado por Annette Funicello y Frankie Avalon, una comedia en la que satirizaban las películas 'beach party' de los años sesenta. En ella Dale realiza un memorable dúo con Stevie Ray Vaughan interpretando el clásico tema de surf rock de los Chantays 'Pipeline'.

Al principio de los años noventa, Jim Selvin, un amigo de Dick le convence para tocar en San Francisco. El show revienta la sala durante los cinco consecutivos. Animado por ello, Dale vuelve a los estudios y a los escenarios. Para ello usó su vieja Stratocaster, 'The Beast' y su amplificador Fender, pero ahora su música se inspiraba en sus animales salvajes en puesto de las olas que solía montar cuando practicaba el surf. "Pienso en la fuerza de mis leones africanos. Comienzan a rugir sobre las cinco de la mañana y te aseguro que tiembla la tierra. Es lo que intento imitar ahora con mi guitarra".

Independientemente de dónde surgían ahora las musas, el 'sonido Dale' había vuelto. Y los fans, jóvenes y mayores, respondían haciendo resurgir el surf rock. En 1993, Dick Dale publicó en el sello High Tone Records el álbum 'Tribal Thunder' seguido de 'Unknown Territory' en 1994. Ese mismo año, Quentin Tarantino rescata 'Misirlou' en su film 'Pulp Fiction', lo que le genera más audiencia y afianza el surf rock revival, provocando la aparición de nuevas bandas del género como Man or Astro-man?, The Mermen y Los Straitjackets. Desde entonces, Dale continuó dando conciertos y en junio de 2009 realizó una gira por toda la costa Oeste en la que le acompañaba su hijo Jimmy Dale a la batería. Falleció a los 81 años en marzo de 2019.

Otis Rush

El 29 de abril de 1935 nació en Philadelphia (MIssissippi el músico estadounidense de blues Otis Rush que en los años 50 emigró a Chicago donde se acreditó junto a Magic Sam y Buddy Guy como uno de los arquitectos del 'west Chicago blues', un estilo que influyó notablemente en guitarristas como Mike Bloomfield, Eric Clapton y Peter Green. Consiguió su primer Top10 en las listas de R&B en 1956 con el blues lento 'I can't quit you babe', que le permitió situarse al frente de la escena blues de Chicago.

Si el talento fuera suficiente para alcanzar el estrellato, Otis sería líder en el género, pero la mala suerte y la particular ideosincrasia del guitarrista conspiraron contra él en las diversas ocasiones que se iban presentando. Un ejemplo fue su álbum 'Right Place, Wrong Time', grabado en 1971 por Capitol Records y considerado su mejor trabajo. La discográfica se negó a publicarlo y Rush tuvo que comprar los derechos de su grabación para poder publicarla en un sello independiente cinco años después.

Contribuyó con su guitarra en trabajos de John Mayall y Peter Green y sus canciones han sido grabadas por Eric Clapton y Led Zeppelin. Su último álbum fue 'Any place I'm going' de 1998 y siguió actuando hasta 2004, año en que se retiró por motivos de salud. Murió en septiembre de 2018 a los 83 años.

Francis Lai

El 26 de abril de 1932 nació en Niza el acordeonista y compositor francés Francis Lai, conocido por sus bandas sonoras merecedoras de un Oscar, dos Globos de Oro y cuatro César. Fue autor de la música de más de 100 películas y compuso más de 600 canciones.

Francis estudió piano de niño y en la adolescencia descubrió el jazz, formando parte de diversos grupos locales. En los años cincuenta conoció a la cantante Claude Goaty y la siguió a Paris, instalándose en Montmartre. En el local 'Taverne d'Attilio' traba amistad con Bernard Dimey con quien compone su primera canción, la primera de más de 100 que surgirían de ésta colaboración. Tras un breve periodo en la orquesta de Michel Magne, Francis se convierte en músico acompañante de Edith Piaf, a quien escribe varios temas.

En 1965 conoce al realizador cinematográfico Claude Lelouch, quien le solicita componer la música de su película 'Un homme et une femme' (Un hombre y una mujer). La banda sonora gana un Globo de Oro y la carrera del joven Francis se dispara. Le siguen 'Vivir para vivir' (1967) con la que gana otro Globo de Oro y 'El pasajero de la lluvia' (1969). Por otro lado, sus canciones son grabadas por artistas como Mireille Matthieu, Isabelle Aubret, Petula Clark, Dalida y Nicole Croisille, entre otros.

En 1970 recibe un Oscar por su música para el film 'Love Story' de Arthur Hill y el tema principal, 'Where do I begin?' fue un hit para Andy Williams y Henry Mancini y la banda sonora consagra definitivamente a Lai. Aunque no logró repetir el éxito, siguió trabajando componiendo música para el cine como 'Emmanuelle 2' (1975),  'Bilitis' (1977), 'Les uns et les autres' (1981) o 'Hasards ou coïncidences' (1998), todas ellas ganadoras del César a la mejor banda sonora. Su larga relación profesional con el director Claude Lelouch (compuso la música de 31 de sus películas) continuó con 'Ces amours-là' en 2010, 'Salaud on t'aime' en 2014 y 'Un plus une' en 2015. Lai murió en su ciudad natal a los 86 años en noviembre de 2018.

Lys Assia

El 3 de marzo de 1924 nació en Rupperswil, Aargau, la cantante suiza Lys Assia, conocida por haber sido la ganadora de la primera edición del Festival de Eurovisión de 1956 con el tema 'Refrain'. Tras su victoria, volvió a representar a Suiza en las dos siguientes ediciones del festival. En 1957 ocupó el penúltimo lugar con 'L'enfant que j'étais', y en 1958 quedó segunda con 'Giorgio'.

Aunque todos la conocían en Europa por su paso por el festival, Lys Assia ya era popular en Alemania, Austria y su Suiza natal antes del evento. Entre 1946 y 1952 pasó varios años en España, actuando en diversas salas de fiesta barcelonesas y grabó algunos discos de pizarra con temas en español en el sello Odeon. En los años cincuenta volvió a Suiza y comenzó a tener éxito en el mercado alemán con temas como 'Oh mein Papa' (1950) y 'Pony lied', ambas de la obra musical 'Feuerwerk' de Paul Burkhard

Fue muy popular en Alemania a finales de los años cincuenta con temas como 'Arrivederci Roma', 'Was kann schöner sein' (1956), 'Melodie d'amour' (1958) y 'Wenn die Glocken hell erklingen' (1959). En 1963 se retiró de la escena y se casó con el empresario danés Oskar Pedersen, con quien colaboró varios años en la dirección y administración de su cadena de hoteles. En 1995 sufrieron un accidente de tráfico en el que Pedersen perdió la vida y Lys quedó malherida.

Tras recuperarse, volvió al show-business y realizó varios conciertos en Alemania. En 2003 publicó un CD con catorce canciones y tuvo el valor en 2011, a los 85 años de edad, de presentarse con la canción 'C'était ma vie' (Era mi vida) a la preselección suiza para volver por cuarta vez al Festival de la Canción de Eurovisión 2012. Quedó en segunda posición. Murió en marzo de 2018 a los 94 años.

Michel Legrand

El 24 de febrero de 1932 nació en París el pianista y compositor francés de origen armenio Michel Legrand que, tras el éxito internacional de sus canciones en las películas 'Los paraguas de Cherburgo' (1964) y 'Las señoritas de Rochefort' (1966) fue rápidamente contratado en Hollywood para escribir música para el cine. Desde entonces compuso la música de más de 200 películas y ha obtuvo tres premios Oscar por ello.

Sus primeras influencias musicales las recibió de su padre, Raymond Legrand, director de una orquesta de Varieté que acompañaba a artistas como Edith Piaf y Maurice Chevalier. Michel estudió en el Conservatorio de Paris con Nadia Boulanger y, tras la guerra, estudió los fundamentos del jazz. Realizó arreglos orquestales para Dizzy Gillespie y en 1957 su amigo Boris Vian le ayudó para organizar una sesión de grabación memorable con Miles Davis, Bill Evans, Donald Byrd, John Coltrane, Ben Webster, Paul Chambers, Hank Jones, Herbie Mann, Phil Woods, Jimmy Cleveland y Art Farmer, recogida en el álbum 'Legrand Jazz'.

Desde finales de los años cincuenta, Legrand comenzó a trabajar para el cine y sus arreglos coloristas se conocieron en el mundo de Hollywood gracias a films como 'Los paraguas de Cherburgo', en el que debutó Catherine Deneuve. Estuvo nominado en doce ocasiones al Oscar, obteniendo la estatuilla por su canción 'Windmills of your mind' (1968) del film 'El caso de Thomas Crown' y las bandas sonoras de 'Verano del 42'  (1971) y 'Yentl' (1983)

Siguió colaborando con grandes del jazz en los años setenta, como en el álbum 'Le Jazz Grand' (1978), con Gerry Mulligan, Phil Woods Jon Faddis, Ron Carter y Grady Tate, y en 1991 grabó 'Dingo' con Miles Davis. Varias de sus composiciones como 'The summer knows', 'What are you doing the rest of your life?', 'Watch what happens', y 'You must believe in spring', se han convertido en standards del jazz, siendo versionadas por numerosos artistas.

En 1992 grabó un álbum con Stephane Grapelli y en 2002 publicó el álbum 'Michel Legrand by Michel Legrand' en el que sólo con su piano recreaba catorce de sus canciones más conocidas. Orquestador y arreglista de gran reputación, su eclecticismo le permitió trabajar con artistas como Ray Charles, Diana Ross, Frank Sinatra, Barbra Streisand, Sarah Vaughan, Shirley Bassey, Perry Como, Neil Diamond, Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Jack Jones, Björk, Johnny Mathis y Sting, entre muchos otros. Continuó activo hasta su muerte componiendo bandas sonoras y ofreciendo conciertos. Falleció en su París natal en enero de 2019 a los 86 años.

Nancy Wilson

El 20 de febrero de 1937 nació en Chillicothe (Ohio) la cantante norteamericana de blues, jazz y pop Nancy Wilson. Fue una de las vocalistas más elegantes y populares de los años sesenta y realizó magníficas grabaciones de jazz junto a Cannonball Adderley y George Shearing o con Billy May como arreglista. Etiquetada como cantante de blues, jazz, cabaret y pop, ella prefiere denominarse 'estilista de canciones'. Nancy publicó más de 60 álbumes y recibió tres premios Grammy.

Nancy fue la primera de seis niños nacidos de Olden Wilson, obrero en una fundición y Lillian Ryan, asistenta del hogar. Ya de pequeña cantaba en el coro de la iglesia e intentaba imitar a las cantantes que oía en el tocadiscos de su padre y en la jukebox de un bar cercano a su casa, como Ruth Brown, LaVerne Baker y Dinah Washington. Con quince años ganó un concurso de talentos promocionado por una cadena de TV local. El premio fue aparecer dos veces a la semana en un show musical. También realizó actuaciones en el circuito de clubs de la periferia de Columbus. No estando muy segura de su futuro como cantante, Nancy ingresa en la universidad, pero al año abandona los estudios para dedicarse de lleno a la música.

Es contratada por una big band como cantante y realiza giras por Canadá y el medio Oeste norteamericano entre 1956 y 1958. Rápidamente Wilson se labró una gran reputación entre los músicos y aficionados al jazz y en 1959 estaba grabando regularmente en Capitol Records álbumes como 'Like in Love' (1959) y 'Something Wonderful' (1960), con arreglos de Billy May. Su trabajo con George Shearing, 'The Swinging's Mutual' (1960) y el subsiguiente álbum con Cannonball Adderley, uno de sus mejores trabajos, refrendaron con creces su merecida fama y reputación.

En los años siguientes, sin embargo, Wilson estuvo algo alejada del jazz, grabando numerosos álbumes, la mayoría de ellos con temas pop o R&B. Realizó extensas giras junto a artistas como Nat King Cole, Sarah Vaughan, Ruth Brown y LaVern Baker. Presentó su propio programa televisivo, 'The Nancy Wilson Show', para la NBC y fue la estrella invitada de otros muchos. Sus álbumes a destacar durante estos años son 'Tender Loving Care' (1966), 'But Beautiful'  (1968), 'Now I'm a Woman' (1970), 'All is Fair in Love' (1973) y 'Music On My Mind' (1978)

En los años ochenta volvió al mundo del jazz, trabajando con músicos como Hank Jones, Art Farmer y Ramsey Lewis. Durante los noventa, década que inauguró con su excelente álbum 'With My Lover Beside Me' (1991) fue la favorita en las emisoras del mercado de música 'adulta contemporánea' estadounidense. En el nuevo milenio, sus álbumes 'R.S.V.P (Rare Songs Very Personal' (2005) y 'Turned to Blue' (2007) fueron ambos galardonados con un Grammy por 'mejor álbum de jazz vocal'.
El 26 de mayo de 2011, durante una actuación en el B.B. King's Blues Club and Grill de Nueva York, Nancy anunció que era su última aparición pública. Murió a los 81 años en diciembre de 2018.