Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 27 de agosto de 1937 nació en Detroit (Michigan) la pianista, organista, arpista y compositora de jazz Alice Coltrane, reconocida, entre otras razones, por ser una de los pocos músicos de renombre que han empleado el arpa en las bandas de jazz.
Criada en una familia extremadamente religiosa, Alice comenzó a tocar piano clásico con siete años, profundizando más tarde en la música de Rachmaninoff, Beethoven, Stravinsky y Tschaikowsky. Gracias a una beca, estudió en la escuela de tecnología de Detroit, pero sus habilidades musicales pasaron de boca en boca y pronto se encontró realizando actuaciones para iglesias, bodas e incluso funerales. Su talento no pasó desapercibido y en la década siguiente se encontró tocando junto a Kenny Burrell, Yusuf Lateef y Terry Pollard. Se trasladó a Paris para estudiar música y, a continuación, se instaló en Nueva York, entrando a formar parte en 1962 del cuarteto del vibrafonista Terry Gibbs. Ese mismo año conoció a John Coltrane, con quien se casaría tres años más tarde, además de sustituir a McCoy Tyner en la banda de John.
También tocaría profesionalmente con sus hijos, con Carlos Santana ('Illuminations' 1974) y, muy a menudo, con Pharoah Sanders. La obra de John Coltrane y el trabajo de Alice con él supuso para ella una importante fuente de inspiración, pero Alice desarrolló su propio estilo musical con sus instrumentos principales, el piano, el órgano y el arpa, y también con otros como el vibráfono y algunos instrumentos de la India, entre ellos la tambura.
En 1970, Alice Coltrane, que ya se había interesado por las religiones orientales, viajó a la India y se convirtió a la religión hinduista. Adoptó el nombre en sánscrito de Turiya Sangitananda. En la filosofía hinduista, 'turiya' o 'chaturtha' es el estado de consciencia plena, superior a los tres ordinarios: el durmiente sin ensueños, el ensueño del durmiente y el estado habitual de vigilia. Alice era devota del gurú Sathya Sai Baba.
En 1972 se fue a vivir a California, y allí fundó el Centro Vedántico (Vedantic Center) en 1975, un centro para el estudio de la religiones orientales.
Seguiría actuando en público en unas pocas ocasiones, generalmente acompañada de su hijo Ravi, y lo haría manteniendo el nombre artístico de Alice Coltrane, además de hacerse cargo y administrar el legado de su marido. A finales de los años noventa se dio un renovado interés por su música y se publicó el recopilatorio 'Astral Meditations' (1999).
En septiembre de 2004, tras 26 años sin grabar, Alice publicó el álbum 'Translinear Light' , producido por Ravi Coltrane, y en otoño del 2006 llevó a cabo tres actuaciones en los Estados Unidos: la última de ellas fue el 4 de noviembre en San Francisco, con su hijo Ravi, Charlie Haden y Roy Haynes,. Esta sería su última aparición en público. Murió de insuficiencia respiratoria en enero de 2007 a los 69 años.
El 27 de agosto de 1990 nació en Toronto la cantante folk canadiense Taylor Mitchell, tristemente conocida por ser la única persona adulta atacada y muerta por coyotes en octubre de 2009.
Mitchell publicó un álbum independiente titulado 'For Your Consideration' en marzo de 2009. En junio de 2009 fue invitada para actuar en el Festival de Música Folk de Winnipeg (Winnipeg Folk Festival) el siguiente mes. Días antes de su muerte, había sido nominada para el Premio Canadiense de Música Folk al mejor músico joven del año.
En octubre de 2009 Mitchell se encontraba practicando senderismo en un Parque Nacional de Nueva Escocia, cuando fue atacada por tres coyotes. Otros senderistas, alertados por los gritos de auxilio, acudieron en su ayuda y lograron espantar a uno de los animales y pidieron ayuda al 911. Fue trasladada por avión en condiciones críticas a un hospital de Halifax, pero murió a la mañana siguiente.
El 27 de agosto de 1909 nació en Woodville (Mississippi) el saxofonista (tenor) y clarinetista Lester Young, uno de los músicos más influyentes que surgieron de la época dorada del jazz. Entonces tenían al 'Rey' del swing (Benny Goodman), el 'Conde' Count Basie y el 'Duque' Duke Ellington. A Young, le otorgaron el apodo de 'Presi' (Pres, o Prez), menos regio, pero más americano.
Aunque vivió sus primeros años cerca de Nueva Orleans, Lester Young se trasladó hacia 1920 a Minneapolis donde tocó la batería en la orquesta familiar. Estudió violín y trompeta, empezando con el saxo alto a los 13 años. Abandonó la banda familiar a los 18 años por su negativa a tocar en los estados sureños, donde todavía estaban vigentes las leyes de segregación racial, y se unió a los Art Bronsons Bostonians con los que ya tocaba el saxo tenor. En 1933 se instaló en Kansas City, donde tras tocar con varias bandas como la de Bennie Moten y King Oliver, comenzó a destacar en la orquesta de Count Basie (1934), donde su estilo relajado contrastaba con el enfoque agresivo de Coleman Hawkins, el saxofonista predominante del momento, que tocaba en la orquesta de Fletcher Henderson.
Una de las grandes leyendas del jazz cuenta que una noche que Coleman no pudo asistir a un concierto de la orquesta, Lester lo sustituyó y su interpretación fue tan magnífica, que cuando Hawkins se enteró fue a buscarle saxo en mano para "darle una lección a ese mocoso". Hicieron un duelo de saxos memorable, que duró hasta bien entrada la mañana... Hawkins se trasladó a continuación a Europa y Young ocupó su lugar en la orquesta. Sin embargo la historia no tuvo su final feliz. Young fue contratado para que tocara como Hawkins, y eso no acabó de gustarle... Podía sustituir a Coleman pero no convertirse en su imitador, así que en 1936 volvió a Kansas City con Basie.
Desde 1935, Billie Holiday grababa discos al frente de pequeños conjuntos, bien bajo su nombre para la marca Vocalion (y más tarde para otros), bien bajo el del pianista Teddy Wilson para el sello Brunswick. Muchos de estos discos integraban a Lester Young y buena parte de ellos permitían escucharle como solista, aunque con intervenciones cortas... Él disfrutaba y Billie también. Sus estilos se compenetraban perfectamente.
De Billie recibió Lester el apodo y Lester bautizó también a Billie. Lester Willis 'The President' Young o 'Prez' para Billie... y Eleonora Holiday 'Lady Day' Fagan... Aunque su madre la llamaba Nora y su padre Bill, por comportarse siempre como un muchacho.
Se adoraban recíprocamente como músicos y se profesaban un profundo afecto personal. Se enamoraron... Amigos, amantes, compañeros; en cualquier caso, Lester vivía con la cantante en el domicilio de la madre de ésta. Les unía un sentimiento de tristeza y soledad. Ambos se precipitaron en el alcohol y otras drogas...
Entre 1936 y 1938, Young coincidió en la orquesta con otro extraordinario saxofonista, Hershel Evans, y sus duelos marcaron una de las épocas más brillantes de esa formación, aparte de constituir por sí solos, una página de la historia del jazz.. Además de su trabajo con la orquesta, Young formó una serie de pequeños combos con hombres clave de la orquesta de Basie como Buck Clayton y Jo Jo Jones. También realizó grabaciones tocando el clarinete con Basie y los Kansas City Six, desarrollando el estilo 'cool' que trasladó al saxo tenor.
Antes de ser llamado a filas en 1944, apareció en el film 'Jammin' the blues'. En el ejército no lo tuvo fácil. Pasar de su vida de artista bohemio a la rígida disciplina militar, no encajó con la personalidad de Young, y el racismo que imperaba en los cuarteles tampoco ayudó mucho, dejando una profunda huella en él. Fue sorprendido fumando marihuana y tras pasar unos meses en prisión, fue licenciado. Según algunos críticos Lester sonaba ahora mejor que nunca y en los años cuarenta y cincuenta hizo giras con Jazz at the Philarmonic, además de realizar magníficas grabaciones para Aladdin. También le resultó fácil adaptarse al bebop, estilo al que el mismo Lester había allanado el camino en los años treinta.
Sin embargo, Young era un ser excéntrico y desconfiado con todos los que no estuvieran en su reducido círculo. Bebía en exceso y no comía lo suficiente. Además sufría fuertes depresiones viendo como sus imitadores blancos conseguían más actuaciones y ganaban más dinero que él. Aún así todavía convenció en el álbum 'Jazz Giants' (1956) con Teddy Wilson, Roy Eldridge y Jo Jo Jones, en su actuación con el trío de Bill Potts en 'Washington D.C, 1956', así como una última reunión con la banda de Basie en 1957 en el festival de jazz de Newport.
Ese mismo año, en la serie de documentales televisivos 'The Sound of Jazz', Lester aparece desmejorado y cansado, pero aún fue capaz de robarle el protagonismo a Billie Holiday con un apasionante solo. En 1959, tras grabar 'Lester Young in Paris' enfermó gravemente y volvió a Estados Unidos para ser ingresado en un hospital. Allí no dejó de beber y murió de cirrosis en marzo de 1949 a los 49 años.
La película del francés Bertrand Tavernier'Round Midnight' (1986), está basada en su vida y su papel lo interpreta Dexter Gordon.
Lester Young había sido toda su vida un bohemio excéntrico y maravilloso, viviendo en un mundo hostil lleno de hoteles cochambrosos y de racismo cruel. Encerrado en si mismo como autodefensa frente a los que no lo aceptaban, Lester Young logró crear un universo musical incomparable por su tranquila belleza. Intimista en las baladas, impregnadas de emoción y lirismo, y en los temas rápidos su música rebosaba dinamismo y una agilidad extraordinaria, pero siempre expresada con esa absoluta relajación con la que después de él, el jazz no conoció otra igual.
El 26 de agosto de 1903 nació en Oklahoma City el cantante de jazz y blues Jimmy Rushing. Conocido como 'Mister Five by Five', una referencia a su corta estatura y a su considerable 'anchura', Rushing fue uno de los más grandes cantantes de jazz. Asociado con la banda de Count Basie durante quince años, Rushing fusionó el alma del blues con estilos jazzísticos, creando un sonido único. Las dos últimas décadas de su vida, Jimmy dividió su tiempo entre actuaciones en solitario y colaboraciones con los más grandes artistas del jazz y cantando, además de Basie, con orquestas de la talla de Benny Goodman, Walter Page y Buck Clayton.
Nació como James Andrew Rushing de la pareja formada por Andrew y Cora Rushing. Ambos eran aficionados a la música: su padre tocaba la trompeta y su madre -ama de casa- tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. De niño, Jimmy acompañó a su madre en el coro y estudió violín. Influido por su tío Wesley Manning, que asimismo tocaba el piano y cantaba, el joven Rushing abandonó el violín en favor del piano. Más tarde, cuando asistía a la Douglas High School de Oklahoma City, estudió teoría musical y cantó en el coro del colegio. Asistió a la Universidad en Wilberforce (Ohio), pero a los dos años lo dejó para trasladarse a Los Angeles, donde sobrevivió con trabajos no relacionados con la música. Posteriormente, apareció ocasionalmente junto a Jerry Roll Morton en fiestas privadas en el sur de California y comenzó a actuar como pianista y cantante en pequeños clubes angelinos como el Jump Steady Club y el Quality Night Club. En 1925 realizó giras con la Billy King Revue.
No obstante, la vida en Los Angeles no satisfizo a Rushing y en 1926 volvió a Oklahoma City para trabajar en el restaurante familiar. Tras 18 meses sirviendo mesas se hartó y decidió volver a la música. Se dirigió a Little Rock, en Arkansas donde se unió a los Blue Devils, la banda de Walter Page, a quien conoció en su gira con Billy King. Cuando los Blue Devils viajaron a Kansas City para realizar una sesión de grabación en el sello Vocalion, Rushing estaba con ellos. Además de ser la primera grabación de Jimmy, fue un momento decisivo en su carrera.
Basie, Rushing y Moten en 1931
Fue en Kansas City donde conoció a Bennie Moten, el líder de la Bennie Moten's Kansas City Orchestra. Poco después, Rushing dejó a los Blue Devils y se incorporó a la orquesta de Moten como pianista y cantante. Durante sus años con la orquesta, Jimmy se convirtió en el más popular de los conocidos como 'blues-shouters'. Se decía que su voz de tenor ligeramente nasal y penetrante se podía oír a gran distancia, predominando sobre la orquesta. Actuó y grabó con la banda de Moten hasta 1935, año en que este murió. Count Basie se hizo cargo de la orquesta y Jimmy permanecería con él quince años, formando parte de uno de los shows musicales más populares del país.
En 1938, Rushing actuó con Basie en los conciertos 'From Spirituals to Swing' en el Carnegie Hall de Nueva York. También colaboró con Benny Goodman en varias de sus grabaciones. Cuando Basie disolvió en 1950 su primera banda, Jimmy viajó a Carolina del Sur, con la intención de abandonar el circuito y echar raíces. Pero el 'gusanillo' no era tan difícil de matar. "Supe que la primera vez que viera a una banda actuar en la ciudad, me derrumbaría. Así pasó y una noche llegué a casa y le dije a mi mujer que hiciera las maletas porque nos íbamos a Nueva York"
En los años cincuenta aparecía cada vez más como un cantante en solitario aunque seguía colaborando con algunos de los grandes nombres de la industria como Benny Goodman, Frank Culley y Buck Clayton y, a pesar de no estar ya asociado a Count Basie, en 1954 aparecieron juntos en el Tonight Show. En esta década también creció el número de grabaciones de Rushing, que publicó temas en sellos como Columbia, Jazztone, King, Vanguard y Okeh. En 1958, Jimmy actuó con Benny Goodman en la Feria Mundial de Bruselas y en el Newport Folk Festival.
En los años sesenta se mostró incansable y continuó actuando y grabando con músicos como Eddie Condon, Thelonious Monk, Harry James, Joe Newman y Dave Brubeck. Volvió a cantar con Basie y Goodman cada vez que se presentaba la ocasión y apareció frecuentemente en los principàles festivales de jazz del mundo, así como en numerosos documentales sobre el género como 'The Subject of Jazz' o 'The Evolution of Blues' de Jon Hendricks. En 1969 participó como actor y cantante en el film 'The Learning Tree'. Desgraciadamente, en 1971 se le detectó una leucemia que acabó abruptamente con su carrera en junio de 1972, contando Jimmy 68 años.
El 25 de agosto de 1950 nació en Stamford (Connecticut) el músico y cantante norteamericano Willy DeVille. Aunque no es fácil -por no decir imposible- etiquetar su música, a DeVille no le resultó difícil encajar con los artistas punk y new wave de la época con su 'estofado musical' cuyos ingredientes provenían del R&B, rock, cabaret, blues, country, latino y cajun de Nueva Orleans.
Willy en solitario continuó su carrera con éxito -al menos como artista de culto- hasta entrado el milenio. En 1992 logró ser nº1 en España y Francia con su versión mariachi de 'Hey Joe'. Entre los colaboradores y músicos con los que ha trabajado se cuentan artistas como Doc Pomus, Dr. John, Mark Knopfler y Allen Touissant. Murió en agosto de 2009, a los 58 años.
El 25 de Agosto de 1918 nació en Lawrence (Massachusetts), en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, el compositor, pianista y director de orquesta y educador estadounidense Leonard Bernstein, el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal.
Ha sido durante muchos años el director de orquesta más famoso en los Estados Unidos, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, desde 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad “West Side Story), y muchas otras piezas.
En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky. Más tarde le dedicó su “Sinfonía n.º 2” a Koussevitzki.
Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la “Sinfonía Turangalila” de Olivier Messiaen.
Tras la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, y dirigió la orquesta hasta cinco días antes de su muerte.
Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para jóvenes llamados“Omnibus”, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para jóvenes se mantienen como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en un canal de cable y se comercializaron en DVD.
En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, e inició una larga asociación con Israel.
Como director de orquesta, su actitud en el podio era muy gestual, extrovertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado.
Bernstein en 1960
Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en fa, de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, (Sinfonía nº 5 Mahler Adagietto, Bernstein) y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.
Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta estuvieron alentados por Serge Koussevitzky, su mentor en su etapa de estudiante en Tanglewood. En esta faceta, su defensa de una interpretación abiertamente subjetiva, dentro de la más pura tradición romántica, le hacía obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt (su versión de la Sinfonía Fausto es un clásico de la fonografía), Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich, mientras que en el repertorio clásico sus logros, pese a ser apreciables, no alcanzaban idéntica altura. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta su muerte.
Fiel reflejo de sus variadas aficiones y gustos, que en música se extendían desde el clasicismo de Haydn hasta el jazz, el estilo del Bernstein compositor se distingue por su eclecticismo siguiendo diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz. Una ópera, “A Quiet Place” (1984), tres sinfonías de amplias proporciones (1942, 1949 y 1963), una “Serenade” (1954) y varias canciones constituyen lo más granado de su catálogo. Sin embargo, a pesar de su apreciable valor, ninguna de estas partituras ha alcanzado el nivel de popularidad de sus comedias musicales. Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Fumador durante muchos años, combatió un enfisema desde su juventud. El día de su funeral, el 14 de octubre de 1990, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye, Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).
Obras para el teatro
• “Fancy Free” (ballet, 1944)
• “On the Town” (Musical: Un día en Nueva York, 1944), que fue popularizada después como película.
• “Facsimile” (ballet, 1946)
• “Peter Pan” (canciones, música incidental, 1950)
• “Trouble in Tahiti “(ópera en un acto, 1952)
• “Wonderful Town” (musical, 1953) (Berliner Philharmoniker, Simon Rattle)
• “On the Waterfront“ (banda sonora, 1954)
• “The Lark” (música incidental, 1955)
• “Candide” (opereta cómica,1956) Basada en la novela homónima de Voltaire. Nuevo libreto en 1973, revisada en 1989). Su obertura se suele interpretar como pieza de concierto aislada.
• “Mass”
- "God Said"
- “Simple song”
(pieza de teatro para cantantes, músicos y bailarines,1971) Gran oratorio escénico compuesto para la inauguración del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington
• “Dybbuk” (ballet), 1974
• “1600 Pennsylvania Avenue” (musical), 1976
• “A Quiet Place” (ópera en dos actos), 1983, que incluye la partitura de la previa “Trouble in Tahiti”..
• “The Race to Urga” (musical), 1987
• “Hashkiveinu” para tenor, coro mixto y órgano, 1945
• “Missa Brevis” para coro mixto y contratenor, con percusión, 1988
• “Los salmos de Chichester” para contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión, encargo del Festival de Chichester de 1965
Criada en una familia extremadamente religiosa, Alice comenzó a tocar piano clásico con siete años, profundizando más tarde en la música de Rachmaninoff, Beethoven, Stravinsky y Tschaikowsky. Gracias a una beca, estudió en la escuela de tecnología de Detroit, pero sus habilidades musicales pasaron de boca en boca y pronto se encontró realizando actuaciones para iglesias, bodas e incluso funerales. Su talento no pasó desapercibido y en la década siguiente se encontró tocando junto a Kenny Burrell, Yusuf Lateef y Terry Pollard. Se trasladó a Paris para estudiar música y, a continuación, se instaló en Nueva York, entrando a formar parte en 1962 del cuarteto del vibrafonista Terry Gibbs. Ese mismo año conoció a John Coltrane, con quien se casaría tres años más tarde, además de sustituir a McCoy Tyner en la banda de John. 
Seguiría actuando en público en unas pocas ocasiones, generalmente acompañada de su hijo Ravi, y lo haría manteniendo el nombre artístico de Alice Coltrane, además de hacerse cargo y administrar el legado de su marido. A finales de los años noventa se dio un renovado interés por su música y se publicó el recopilatorio 'Astral Meditations' (1999).
