Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 26 de junio de 1975, ocho años después de grabarse, se publicó el doble álbum ‘The Basement Tapes’. Grabado con la banda The Hawks -que para entonces habían adoptado el nombre de The Band- es una selección de más de un centenar de canciones que Dylan, Hudson, Manuel, Robertson, Danko y Helm registraron en varias sesiones entre los años 1967-68. Comprenden temas tradicionales de country y folk americano y canciones originales de Dylan, Manuel, Robertson y Danko, que para muchos críticos son una anticipación del género ‘americana’.
Tras el accidente de motocicleta que sufrió Dylan en verano de 1966 y su posterior retiro para recuperarse, se produjeron todo tipo de especulaciones y rumores, entre ellos, la retirada definitiva del artista. Pero su ausencia de la luz pública fue positiva y le sirvió para distanciarse del estrellato y de la presión social. En mayo de 1967 ofrece su primera entrevista y en el verano de 1967 parece mostrarse dispuesto a volver a practicar música. Se reúne con los componentes de The Band en su casa de Woodstock y en la casa-granja rosada que The Band alquiló en la misma localidad para grabar su primer álbum. Las sesiones se registraron directamente en un magnetófono de bobinas Revox A77, por lo que no tardaron mucho en surgir diferentes copias piratas que dieron a conocer las grabaciones al público.
Hay que destacar que durante la ausencia pública de Dylan, su fama había crecido hasta límites incalculables y las ediciones piratas de 'The Basement Tapes' son solemnemente recibidas por sus fans como una fe de vida de su héroe 'perdido'. Pero las críticas están divididas. Mientras unos encuentran el resultado desalentador y caótico teniendo en cuenta el potencial artístico de los músicos, otros saludan la selección de canciones denominándola como "un American Songbook alternativo que marcará el camino a la nueva música rock americana". El caso es que entre los fans se convirtió en una grabación de culto y tras años de presiones a la discográfica, CBS accedió en junio de 1975 a editar parte de las sesiones en un doble álbum 'oficial'.
Aún así, a muchos les sigue defraudando la publicación y se cuestionan la selección de canciones y el pobre sonido de las mezclas. El mismo Dylan comentó en 1978 al respecto: "En principio las canciones estaban escritas para la editora musical sin pensar en nadie en concreto. Era la época en la que el rock psicodélico había conquistado el mundo y nos pusimos a tocar y cantar simples baladas. Muchos me comentan que las canciones son como un trocito de América para ellos pero yo no tengo ni idea sobre lo que tratan. Nunca me gustaron demasiado esas grabaciones y yo personalmente no las habría publicado jamás, pero Columbia se empeñó en editarlas."
Independientemente de las calificaciones de unos y otros, las grabaciones demostraron al menos que Dylan seguía en la brecha. El mes de septiembre de 1967 recibe la visita de Bob Johnston, el productor de 'Highway 61 Revisited' y 'Blonde on Blonde' y convence al cantautor para grabar un nuevo álbum ese mismo otoño, por lo que Dylan comenzó a componer nuevos temas que darían lugar a su octavo trabajo de estudio: 'John Wesley Harding'
El 23 de junio de 1980 se publicó 'Saved' el vigésimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, editado bajo el sello Columbia Records. Es el segundo de los pertenecientes a la 'trilogía cristiana' de Dylan. Fue nº3 en el Reino Unido pero en Estados Unidos fue su trabajo peor valorado en 20 años debido a la crítica masiva que le cayó a Dylan tras su repentina conversión religiosa. Estas no hicieron mella en él y nada más publicarse 'Slow Train Coming', el cantautor ya estaba preparando las canciones de su siguiente álbum. Además entre noviembre del 79 y mayo del 80 volvió a la carretera y realizó varios conciertos en un tour que más que una gira de rock parecía el viaje de un misionero: 'Bob Dylan el predicador'.
'Saved' fue una lógica secuela de 'Slow Train' sin muchas sorpresas dignas de destacar. Más aún que en el anterior, en este álbum Dylan parece despreciar a su público no creyente y se muestra obstinado y dogmático a través de unos textos poco originales y llenos de 'clichés cristianos'. Con ello le llueven críticas por todos lados y eso encierra a Dylan en una nueva burbuja de autosuficiencia que lo vuelve a distanciar de la mayoría de sus fans.
Él mismo recordaba la época así: "Tocábamos en salas del interior de las ciudades, donde las industrias habían desaparecido y existía mucho desempleo. Los teatros más bonitos de América están ahí. La gente que venía a vernos eran en su gran mayoría gente del vecindario, entre ellos, chulos, camellos, putas y tipos de todo pelaje. Creo que asistían a los conciertos porque no tenían otra cosa mejor que hacer. Pero muchos aceptaban y entendían mis canciones y sus reacciones eran muy positivas. La mayoría ni siquiera había oído hablar de mi pero comprendían lo que hacía. Más tarde tocamos en los campus de los colleges, donde se suponía que estaba el grueso de mis fans. El recibimiento fue infernal y a gritos la gente pedía rock'n'roll y me obsequiaba con los más exquisitos insultos. Me asombró que estos chicos que procedían de buenas familias de pensamiento liberal no supieran expresarlo de otra manera. No siempre fue fácil pero me sentía más satisfecho cuando tocaba ante las putas y los proxenetass".
"A la mayoría no les gustaban mis nuevas canciones" añadía Dylan, "cuando descubrían que no había nada más en el repertorio, reaccionaban violentamente y gritaban constantemente: 'queremos oír los clásicos'. Sabes, llega un momento en que todo eso te da igual". Pero su testarudez en negarse a tocar sus temas más conocidos provocó abandonos masivos a mitad de los conciertos y que numerosas salas no completaran su aforo.
El 12 de febrero, en una pausa entre conciertos, comienzan las sesiones en el Muscle Shoals Sound Studio de Sheffield, Alabama. Dylan graba los nueve temas del álbum en una semana y como en el anterior, la mayoría de los textos son monotemáticos y giran alrededor de su entrega y sumisión a Dios. Incluye por primera vez en diez años una canción no compuesta por él, 'A satisfied mind', un tema country clásico de los años cincuenta de contenido espiritual escrito por Red Hayes y Jack Rhodes que muchos otros músicos versionaron en los años sesenta, entre ellos Joan Baez, Mahalia Jackson o Porter Wagoner. El tema que dio título al álbum 'Saved', curiosamente está co-compuesto con uno de los pocos integrantes no cristianos de la banda de Dylan, el bajista Tim Drummond. En clave rock, es uno de las piezas más compactas del álbum y en ella Bob da la gracias por haber sido 'salvado'. No obstante, la mezcla de rock y doctrina cristiana sigue siendo un plato poco digerible para la mayoría.
'Covenant woman' es una canción de amor (platónico por supuesto) a sus compañeras y hermanas de credo con las que se siente conectado. En 'What can I do for you' da las gracias con fervor al Señor que le ha rescatado de la oscuridad agnóstica. 'Solid rock' hace referencia a la sólida roca que representa Dios y de la que promete no despegarse jamás. 'Pressing on' es un tema gospel y uno de los más destacables del álbum. Dylan suena muy convincente prometiéndole fidelidad a Dios.
Le sigue otro tema gospel, considerada una de las mejores canciones de su trilogía cristiana, 'In the garden' en la que nos presenta a su héroe, Jesucristo. Dylan, poco proclive a presentar sus canciones en directo hace una excepción cuando se trata de un tema de su fase religiosa. Así presentó 'In the garden' en cierta ocasión: "Para finalizar quiero cantar una canción sobre mi héroe. Creo que cada uno de nosotros tiene su héroes. Para algunos es Muhammed Ali, para otros es Albert Einstein o quizás Clark Gable. Probablemente también Michael Jackson o Bruce Springsteen sean héroes para algunos. No tengo nada contra todas estas personas pero no son mis héroes. Esa es la realidad y ahora voy a cantar sobre mi Héroe". 'Are you ready?' es un blues clásico que no aporta nada nuevo y 'Saving Grace' es de nuevo una loa al Señor.
Bob en la ceremonia de los Grammy 80
La incomprensión que generó este trabajo entre los colegas del otrora judío de Minnesota y la indiferencia que surgió entre sus compañeros de viaje ante sus esfuerzos misioneros seguía sin afectarle. En una entrevista realizada por la periodista australiana Karen Hugues Dylan apuntaba con bala: "Seguramente habría sido más fácil entregar mi alma a las drogas, al budismo o a la cienciología".
En febrero del mismo año 1980 recibió el Grammy por 'mejor intérprete masculino de 1979', pero tras la publicación de 'Saved' se retiró de la escena y no se supo nada de él en unos meses, tiempo en el que parece ser que practicó la autocrítica ya que volvió a los escenarios en noviembre incluyendo -ésta vez sí- varios de sus viejos hits en el repertorio. La portada original de 'Saved' que mostraba una pintura de Tony Wright representando la mano de Dios extendida hacia las manos de sus fieles fue considerada excesivamente doctrinaria y fue sustituida más tarde por otra pintura que representaba a Dylan en concierto. En posteriores reediciones sin embargo, se recuperó la imagen original.
El 15 de junio de 1946 nació en Alejandría (Egipto) de padres griegos, el músico y cantante Demis Roussos que, primero en la banda Aphrodite's Child y más tarde en solitario, disfrutó de una brillante y exitosa carrera en varios países europeos a lo largo de la década de los setenta. En 2009 publicó su último álbum, 'Demis'.y siguió actuando hasta su muerte en 2015 a los 67 años.
Demis pasó su niñez en Egipto y tras la crisis de Suez a finales de los años 50, la familia volvió a Grecia. Allí formó parte de varios grupos como The Idols y We Five y en 1967 se unió como cantante y bajista al teclista Evangelos Papathanassiou (más tarde conocido por Vangelis) y al baterista Loukas Sideras en la banda Aphrodite's Child.
Desde entonces no dejó de grabar álbumes (algunos de ellos en francés, alemán y castellano) y siguió obteniendo éxitos, sobre todo en Alemania, donde en 1989 logró un nº2 haciendo dúo con Drafi Deutscher en 'Young love'. Realizó giras por el Reino Unido, Rusia y Emiratos Árabes y en 2006 actuó en Brasil grabando 'Você, você e nada mais' en portugués. Su última entrega discográfica fue 'Demis' en 2009. Murió a los 67 años en enero de 2015.
El 23 de mayo de 1949 nació en Madrid el cantante, periodista y escritor español Moncho Alpuente,. Personaje polifacético, entró en el mundo de la música de una forma insospechada: como botones de la revista SP, de la que se convirtió en crítico musical con dieciocho años.
De ahí pasó al cargo de director de promoción del sello Movieplay, especializado en cantautores. Poco después se involucró con varios músicos y en 1968 funda Las Madres del Cordero, inspirado en las Mother's of Invention de Frank Zappa. Con esas 'Madres' participó en la irreverente farsa teatral 'Castañuela 70', muy reprimida por el franquismo. De aquella aventura tan sólo quedó un single con las magníficas sátiras 'A beneficio de los huérfanos' y 'La niña tonta de papá rico'. Posteriormente, el sello propietario de las canciones las reeditó en un álbum colectivo, junto a Luis Pastor y Quintin Cabrera, con el título 'Todo está muy negro' (1973)
Su carrera profesional siempre estuvo más abocada al periodismo, donde logró grandes triunfos, sobre todo en el costumbrismo y el humor.
No obstante, Moncho no dejó nunca la música y así, en 1980 reapareció con una formación llamada Moncho Alpuente y los Kwai con un álbum titulado 'Souvenir'. El álbum, mejor producido que sus trabajos anteriores, de nuevo contaba con canciones llenas de humor y sátira, como 'Carolina querida', un rock dedicado a la princesa monegasca que tuvo amplia difusión en España. Otros temas populares fueron 'Adiós muñeca' y'Ese cura'.
No volvió a grabar hasta 1988, cuando se creó el sello discográfico Elígeme, potenciado por el local de actuaciones del mismo nombre y entre cuyos fundadores figuraba Javier Krahe. Con esta pequeña discográfica publicó dos discos en el mismo año. Por un lado, el álbum 'The Moncho Alpuente Experience' en el que se representaba en la portada un sello de 1 peseta, en la que la cara de Franco había sido sustituida por la del entonces presidente del Gobierno Felipe González, con temas como 'Amigos', 'Rock around the roll', 'Operación primavera' y una versión hard-rock de 'Al vent'.
Por otro lado grabó un 'maxi-single titulado 'Todos por el humo', reivindicando los derechos de los fumadores, que ya entonces empezaban a
encontrar obstáculos sociales para su vicio. Colaboraron Hilario Camacho, Luis Pastor, Luis Eduardo Aute, Joaquín Sabina y el Gran Wyoming, entre otros.
En 2002 apareció un nuevo álbum, 'La Experiencia es lo Último Que Se Pierde', con nuevos temas satíricos como 'Soy ibero','Se quejaba un musulmán' y una nueva versión del tema de Castañuela 70, 'Las cosas van cambiando', cuya letra no había perdido su vigencia. Moncho publicó numerosos libros y trabajó en radio (El programa de Julia, A vivir que son dos días) y TV (Popgrama, ¡Qué noche la de aquel año!) y era colaborador habitual de El País y de la cadena SER. Murió de un infarto el 21 de marzo de 2015 a los 65 años.
El 22 de mayo de 1937 nació en La Plata, Buenos Aires el cantautor folk argentino Facundo Cabral, conocido por sus canciones y monólogos en los que relataba anécdotas personales y parábolas de contenido social y político con las que buscaba despertar la conciencia y la reflexión espiritual en sus oyentes.
Nacido en la más absoluta pobreza y sin hogar, Facundo nació -según sus propias palabras- en una calle de La Plata y posteriormente emigró con su madre y sus siete hermanos a Tierra del Fuego, en el sur de Argentina. No fue capaz de hablar hasta los nueve años, edad con la que escapó y estuvo desaparecido cuatro meses, tiempo en el que logró llegar a Buenos Aires y, tras diversas peripecias, consiguió hablar con Evita Perón para que les proporcionara trabajo a él y a su familia.
La juventud de Facundo fue problemática y debido a su carácter violento y rebelde y a su temprano alcoholismo, visitó repetidas veces los reformatorios y prisiones, donde tuvo la fortuna de conocer a un sacerdote jesuita que le enseñó a leer y escribir y a apreciar los autores de la Literatura Universal. Una vez libre, en 1954, inspirado por un vagabundo que le recita el sermón de la montaña, escribe su primera canción, 'Vuele bajo' y cinco años más tarde tocaba y cantaba profesionalmente.
Con Atahualpa Yupanqui y José Larralde como modelos, se trasladó a Mar de Plata donde logró empleo en un Hotel bajo su primer nombre artístico: El Indio Gasparino. Compuso y grabó innumerables canciones y poemas que inspiraron a millones. Su tema más universal, escrito en 1970, 'No soy de aquí ni soy de allá', fue uno de las muchas canciones que desde entonces han recibido versiones -más de 500- de otros artistas internacionales y latinos como Neil Diamond, Alberto Cortez, Julio Iglesias o Pedro Vargas.
En 1976, debido a la llegada al poder de la dictadura militar argentina, emigró a México donde continuó con su carrera. En 1978 perdió a su mujer y a su hija de un año en un accidente de avión, un hecho que lo tuvo un tiempo sumido en una fuerte depresión que logró sacudirse de encima en India, ayudando a la Madre Teresa en su labor con los leprosos. Siguió viajando y tocando por todo el mundo y se estima que visitó 165 países y cantó en ocho idiomas diferentes.
Regresó a Argentina en 1984 donde se le recibió triunfalmente en un recital que ofreció en el Luna Park. En los años 90 realizó una gira internacional y una gira conjunta con Alberto Cortez, 'Lo Cortez no quita lo Cabral', en la que unían humor y poesía con los temas que hicieron famosos a ambos. Por otro lado, Cabral encontró tiempo en su carrera musical para escribir 66 libros y en 1996 fue nombrado 'embajador de la paz' por la UNESCO, sin olvidar que fue nominado en un par de ocasiones al Premio Nobel de la Paz.
Fue diagnosticado a los veinte años con cáncer de huesos y los médicos le dieron unos meses de vida. Sin embargo, logró sobrevivir muchos años en los que fue inspiración para muchos. Una de sus frases más conocidas fue: "Siempre le pregunto a Dios, ¿por qué a mí tanto me diste? Me diste miseria, hambre, felicidad, lucha, luces... vi todo. Sé que hay cáncer, sífilis y primavera, y buñuelos de manzana". Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".
En julio de 2011, mientras se encontraba de gira por Guatemala, Facundo Cabral fue tiroteado por unos pistoleros desconocidos cuyo objetivo era el empresario Henry Fariña, quien conducía el coche que transportaba a Cabral y a su representante artístico al aeropuerto internacional La Aurora de Guatemala. Cabral fue alcanzado por ocho disparos y murió en el acto mientras que Fariña, aunque herido, escapó con vida.
Cabral fue, como comenta Leonardo Padrón en una extraordinaria entrevista que realizó con el cantautor: "...una suerte de sacerdote de la guitarra y la palabra, un cantor imposible de obviar de la historia musical latinoamericana. Tan sencillo y demoledor como que Facundo Cabral tenía que existir..."
El 20 de mayo de 1944 nació en Sheffield el cantante y actor inglés Joe Cocker. Conocido por su voz rota y sus versiones de canciones populares, especialmente su versión de 'With a little help from my friends' que popularizó en 1969 en el festival de Woodstock y que se convirtió en himno de toda una generación.
La voz de Cocker -poderosa, cruda y atormentada- era ideal para cantar el blues y fue así como se hizo conocido en los años 60 y 70. Problemas personales y profesionales que podrían rivalizar con los que aparecen en numerosas letras de los blues que canta, le asediaron durante años, dando a pensar en varias ocasiones que su carrera había acabado. Sin embargo, Cocker no sólo volvió a la música, sino que, además de seguir siendo un magnífico intérprete de R&B amplió su campo y se estableció también como crooner de baladas y clásicos de las mejores plumas del rock'n'roll.
Nacido en una familia de clase trabajadora, Cocker estudió fontanería en una escuela de oficios y así se ganó la vida hasta que sus esfuerzos musicales comenzaron a rendir fruto. De adolescente, estuvo muy influenciado por la música de Ray Charles y su afición le llevó a tocar la armónica en un grupo local, The Cavaliers. Cuando, tras cambios en la formación, The Cavaliers se convirtió en Vance Arnold and The Avengers, Cocker ya era el cantante solista de la banda. En 1963 grabaron un disco con una versión de 'I'll cry instead' de los Beatles y, poco después, en Decca Records le ofrecieron un contrato para grabar en solitario. Esta aventura, sin embargo, no llegó a ninguna parte y Cocker volvió a su empleo como fontanero.
The Grease Bnd
En 1966 resurgió como líder de The Grease Band, que incluía a Chris Stainton a los teclados, Alan Spenner al bajo, Henry McCullough a la guitarra y Bruce Rowlands a la batería. Bajo la producción de Denny Cordell, firmaron con el sello Regal Zenophone. Su primer single, 'Marjorine', compuesto por Cocker y Stainton, tuvo un éxito moderado en el Reino Unido dando a conocer la poderosa voz de Cocker.
Con su segundo single, una versión lenta del éxito beatle 'With a little help from my friends' (1968) dieron en el blanco. El tema alcanzó el nº1 en las listas británicas y fue un hit en Estados Unidos y otros muchos países. Se publicó el álbum del mismo nombre en el que participaban músicos como Jimmy Page, Albert Lee y Stevie Winwood, con temas como 'Feelin' alright' y 'Just like a woman'.
La Grease Band realizó una gira por Estados Unidos en 1969, en la que se incluyó su aparición en el mítico festival de Woodstock, que terminó de disparar su fama y su imagen escénica realizando espasmódicos movimientos acompañados de muecas imposibles.
En Woodstock, Joe conoce a Leon Russell, con quien congenia inmediatamente y Russell le produce su segundo álbum, 'Joe Cocker' (1969) y le cede el tema 'Delta lady', que Leon había escrito para Rita Coolidge.
En 1970 la Grease Band se disolvió y Leon organizó una gira de 40 días por Estados Unidos en la que se involucraron más de 30 músicos, entre ellos Delaney & Bonnie y su banda, Rita Coolidge y varios miembros de Derek and the Dominoes. El tour 'Mad Dogs and Englishmen' ('perros locos e ingleses', expresión utilizada en India para denominar a los insensatos que se exponen al sol de la tarde por aquellas latitudes) fue un rotundo éxito y el álbum en directo que surgió de él fue disco de oro con hits como 'The Letter', su primer Top10 y 'Cry me a river'. Jim Keltner, uno de los tres baterías del show, comentó años más tarde que aquello fue "una interminable y salvaje fiesta"
Cocker en 1972
La carrera de Russell se benefició en gran medida con el éxito de la gira y la película de la gira que se estrenó posteriormente, pero la estrella del show, Joe Cocker -que según algunas fuentes, sólo ganó 800$ con el tour-, exhausto, alcoholizado y mentalmente agotado, grabó un tema más, 'High time we went' y, tras unos meses en Los Ángeles regresó a Sheffield con su familia y se apartó de los escenarios. Tardó dos años en volver al negocio musical, esta vez con un nuevo grupo que Chris Stainton -ex de la Grease Band- había formado y con los que realizó giras por Estados Unidos y Europa. Publicaron los temas 'Midnight rider' y 'Woman to woman', recogidos en el álbum, también llamado 'Joe Cocker' (1972).
Pero su abuso del alcohol había deteriorado su voz, lo que añadido a disputas legales y un arresto por posesión de marihuana en Australia (fue deportado 48 horas después) no beneficiaron su vuelta a los escenarios. Cocker persisitió y en 1975 volvió al Top10 americano con una balada co-escrita por Billy Preston, 'You are so beautiful'. El resto de la década vagó de una compañía a otra poniéndose en manos de diferentes productores y autores y publicando trabajos irregulares como 'Jamaica Say You Will' (1975), 'Stingray' (1976) y 'Luxury you can afford' (1978).
En 1982 obtuvo otro hit significativo con el dueto que realizó con Jennifer Warnes cantando el tema 'Up where we belong', perteneciente al popular film 'Oficial y Caballero'. El single fue nº1 en Estados Unidos y un hit en medio mundo, descubriendo muchos, que Cocker seguía vivo y, en cierto modo, en forma. Este éxito llevó a los mánagers de Cocker a cambiar su imagen de viejo bluesman alcohólico a la de moderado y educado crooner. Su álbum 'Sheffield Steel' fue favorablemente acogido por un sector de la audiencia que celebraba la vuelta del veterano cantante. Otros, los más puristas, no veían con buenos ojos su trasvase al mundo pop.
En 1986 obtuvo otro gran éxito espoleado por otra película, '9 semanas y media' con 'You can leave your hat on', de Randy Newman, uno de los autores favoritos de Cocker. Tras pasar por varios sellos discográficos en los que publica un sólo álbum, en 1987 Cocker firma con Capitol Records, donde permanecerá hasta 1992, publicando los álbumes 'Unchain My Heart' (1987), 'One Night of Sin' (1989) y 'Night Calls' (1992). En 1994 inauguró con su actuación el Festival de Woodstock 94, siendo muy bien recibido como uno de los pocos supervivientes de la primera edición de 1969.
Ese mismo año participó con 'Come together' en la película 'Across the Universe'. En 2010 apareció 'Hard Knocks', un álbum en el que sólo incluyó una versión de un tema de las Dixie Chicks ('I hope'). El resto son temas originales e inéditos producidos por Matt Serletic. El álbum fue nº1 en Alemania y no se publicó en Estados Unidos hasta enero de 2012.
Su último trabajo publicado fue 'Fire It Up', que apareció en Europa en noviembre de 2012 con el mismo equipo de producción.
Joe Cocker murió tras una larga enfermedad en diciembre de 2014 a los 70 años.
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