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El 26 de junio de 1975, ocho años después de grabarse, se publicó el doble álbum ‘The Basement Tapes’. Grabado con la banda The Hawks -que para entonces habían adoptado el nombre de The Band- es una selección de más de un centenar de canciones que Dylan, Hudson, Manuel, Robertson, Danko y Helm registraron en varias sesiones entre los años 1967-68. Comprenden temas tradicionales de country y folk americano y canciones originales de Dylan, Manuel, Robertson y Danko, que para muchos críticos son una anticipación del género ‘americana’.
Tras el accidente de motocicleta que sufrió Dylan en verano de 1966 y su posterior retiro para recuperarse, se produjeron todo tipo de especulaciones y rumores, entre ellos, la retirada definitiva del artista. Pero su ausencia de la luz pública fue positiva y le sirvió para distanciarse del estrellato y de la presión social. En mayo de 1967 ofrece su primera entrevista y en el verano de 1967 parece mostrarse dispuesto a volver a practicar música. Se reúne con los componentes de The Band en su casa de Woodstock y en la casa-granja rosada que The Band alquiló en la misma localidad para grabar su primer álbum. Las sesiones se registraron directamente en un magnetófono de bobinas Revox A77, por lo que no tardaron mucho en surgir diferentes copias piratas que dieron a conocer las grabaciones al público.
Hay que destacar que durante la ausencia pública de Dylan, su fama había crecido hasta límites incalculables y las ediciones piratas de 'The Basement Tapes' son solemnemente recibidas por sus fans como una fe de vida de su héroe 'perdido'. Pero las críticas están divididas. Mientras unos encuentran el resultado desalentador y caótico teniendo en cuenta el potencial artístico de los músicos, otros saludan la selección de canciones denominándola como "un American Songbook alternativo que marcará el camino a la nueva música rock americana". El caso es que entre los fans se convirtió en una grabación de culto y tras años de presiones a la discográfica, CBS accedió en junio de 1975 a editar parte de las sesiones en un doble álbum 'oficial'.
Aún así, a muchos les sigue defraudando la publicación y se cuestionan la selección de canciones y el pobre sonido de las mezclas. El mismo Dylan comentó en 1978 al respecto: "En principio las canciones estaban escritas para la editora musical sin pensar en nadie en concreto. Era la época en la que el rock psicodélico había conquistado el mundo y nos pusimos a tocar y cantar simples baladas. Muchos me comentan que las canciones son como un trocito de América para ellos pero yo no tengo ni idea sobre lo que tratan. Nunca me gustaron demasiado esas grabaciones y yo personalmente no las habría publicado jamás, pero Columbia se empeñó en editarlas."
Independientemente de las calificaciones de unos y otros, las grabaciones demostraron al menos que Dylan seguía en la brecha. El mes de septiembre de 1967 recibe la visita de Bob Johnston, el productor de 'Highway 61 Revisited' y 'Blonde on Blonde' y convence al cantautor para grabar un nuevo álbum ese mismo otoño, por lo que Dylan comenzó a componer nuevos temas que darían lugar a su octavo trabajo de estudio: 'John Wesley Harding'
El 11 de julio de 1975 se publicó en Estados Unidos el décimo álbum de la banda angloamericana Fleetwood Mac. Fue su segundo trabajo que recibía el nombre del grupo (el primero se publicó en 1968 con la formación original) y el primero en el que contaban con la pareja de músicos y compositores norteamericanos Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, tras la marcha de su anterior guitarrista, Bob Welch. Tardó más de un año en escalar las listas hasta el nº1 y el éxito del álbum (vendió más de 5 millones de copias) pilló a todos por sorpresa. La nueva formación de Fleetwood Mac marcó el inicio de la época más comercial del grupo y adelantaba éxitos internacionales como 'Rumours' y 'Tusk' con los que afianzaron el soft rock californiano que dominó el mundo pop anglosajón el resto de la década.
Fleetwood Mac en 1975
Cuando Bob Welch, harto de giras, dejó la banda para seguir en solitario, Mick Fleetwood se lanzó a la búsqueda de un nuevo guitarrista. Pero fue por casualidad como dio con Buckingham. El ingeniero de grabación Keith Olsen, interesado en que Fleetwood Mac grabara un álbum en su nuevo estudio le mostró a Mick algunas grabaciones con las que pretendía mostrar las excelencias técnicas de sus instalaciones. A Mick le impresionó el sonido, pero le impresionó más la guitarra que se oía en la grabación. Identificado el guitarrista, Fleetwood le hizo una oferta para ingresar en la banda. Buckingham accedió bajo una condición: que se incluyera en el lote a su pareja, la cantautora Stevie Nicks. La Nochevieja de 1974 se oficializó el acuerdo.
Stevie Nicks y Lindsey Buckingham
El dúo, que ya había publicado un álbum en el sello Polydor, transformó por completo la identidad de la antigua banda de blues-rock y, además de insuflar nueva vida a Fleetwood Mac, la exuberante creatividad y dinamismo que desplegaba Buckingham, animó a la pianista Christine McVie a cambiar de registro y componer temas más orientados al nuevo soft rock californiano que producían. En febrero entraron en los Sound City Studios de Olsen en Van Nuys (California) y grabaron los once temas que componen el álbum en tres meses, un tiempo irrisorio comparado con el que se tomarían para trabajos futuros.
Christine, Lindsey y Stevie
Buckingham abre el disco con el tema 'Monday morning' que suponía toda una declaración de principios de la música que el grupo iba a realizar en el futuro. Pero el peso de las composiciones (7 de 11) recayó en las dos cantautoras de la banda, Christine McVie y Stevie Nicks que aportaron los temas más conocidos: 'Over my head', 'Rhiannon' y 'Say you love me' que fueron editados en single, alcanzando los dos últimos el puesto 11 del Hot100. Pese al gran éxito en Estados Unidos, el álbum pasó desapercibido en el Reino Unido, donde no veían con buenos ojos la 'americanización' de la banda. La cosa cambió radicalmente tras el descomunal éxito internacional que supuso 'Rumours' en 1977 y en 1978, 'Fleetwood Mac' se reeditó de nuevo en Inglaterra junto con el single 'Rhiannon'.
El 13 de junio de 1975 se publicó en Estados Unidos 'Red Octopus', el décimo álbum de estudio del grupo californiano Jefferson Starship, el cual, en sus diez años de historia, había sufrido varios cambios de formación, un cambio de nombre y, desde 1966, había publicado nueve álbumes. Pero ninguno de ellos había alcanzado el nº1. El mes de febrero de 1975, Jefferson Starship entró en los estudios Wally Heider de San Francisco para grabar el nuevo trabajo.
Formados a principios de 1965 en San Francisco, el grupo, entonces denominado Jefferson Airplane, fue uno de los pioneros de la escena psicodélica de Haight-Ashbury. Su primer álbum, 'Jefferson Airplane Takes Off' no pasó del puesto 128, pero la suerte de la banda cambió cuando entró en sus filas la cantante Grace Slick. 'Surrealistic Pillow', publicado en 1967 alcanzó el nº3, gracias a los hits 'Somebody to love' y 'White rabbit'. Les tomaría una década igualar esa marca.
En 1974 la formación original había cambiado y también el nombre, actualizando el aeroplano original por una nave espacial. Se incorporó el guitarra solista de 19 años Craig Chaquico, que había pertenecido a la banda Steelwind. Marty Balin, uno de los miembros originales que había abandonado el grupo, volvió a sus filas para grabar el álbum, así como el guitarrista y co-fundador Paul Kantner. Otros miembros incluyeron al violinista de 58 años Papa John Creach, los bajistas y teclistas Pete Sears y David Freiberg y el batería Johnny Barbata. Craig Chaquito recuerda: "Por fin había un 'feeling' de grupo, porque éramos una gran banda".
Craig Chaquico
Aunque muchos acusaron a los Starship de volverse comerciales en 'Red Octopus', Chaquico asegura que no fue su intención: "La música salió únicamente de la intuición e inspiración creativa de todos nosotros. Nadie pensó ni por un segundo en las listas de ventas, ni quisimos grabar un álbum lleno de hits para el Top40". Lo cierto es que el tema más accesible o comercial del álbum, 'Miracles', duraba cerca de siete minutos. "Tras publicar el álbum el productor y nosotros decidimos editar una versión más corta para el single"
La edición recortada a tres minutos y medio alcanzó el nº3 de las listas Billboard, su mayor éxito hasta entonces. Al tema también se le suprimieron partes excesivamente explícitas de la letra, que posiblemente hubieran supuesto un problema a la hora de emitir el tema por las FMs.
El hecho de que el grupo tenía varios autores cuyas procedencias eran bastante heterogéneas se reflejó en el contenido del álbum. Chaquico explica: "Los estilos abarcan desde mis raíces de hard-rock y los orígenes folk de Marty, hasta el estilo personal de Grace y Paul".
Marty Balin
Red Octopus contiene dos temas instrumentales, 'Git fiddler' y 'Sandalphon'. Un tercer tema, 'Sweeter than honey', fue originalmente un instrumental. "Cuando tocamos esta canción por primera vez en un show benéfico de San Francisco, a Marty le pilló un atasco de tráfico, así que tuvimos que subir al escenario sin él. Comenzamos a tocar 'Sweeter than honey' y a los pocos minutos apareció Marty en escena y cantó la letra que acababa de escribir"
Grace Slick
Aunque grabaron el álbum en aproximadamente tres meses, los toques finales se hicieron mientras la banda estaba de gira. "Habíamos firmado ya varias fechas así que tuvimos que terminar las mezclas entre concierto y concierto".
El álbum alcanzó el puesto de honor de las listas de LPs 3 veces en el curso de 12 semanas, pero Chaquico no pudo participar en los festejos. "El día que alcanzó el nº1 estabamos en la carretera de gira, y aún no tenía la edad para celebrarlo en el bar del hotel"
De pie: Marty Balin, Paul Kantner, Craig Chaquico y David Freiberg Sentados: Grace Slick, Pete Sears, Papa John Creach y John Barbata.
Grace Slick – Voz, piano Paul Kantner – Voz, guitarra rítmica Marty Balin – voz John Barbata – batería, percusión, coros Craig Chaquico – guitarra solista, coros Papa John Creach – violín eléctrico Pete Sears – bajo, piano eléctrico, órgano, teclados, coros
El 10 de junio de 1975 se publicó en EEUU 'One Of These Nights' el cuarto álbum de la banda californiana Eagles. Fue su primer trabajo en alcanzar el nº1 y los tres singles que se extrajeron fueron asimismo nº1 y Top5. Fue el disco que los puso en lo más alto del estrellato, convirtiéndolos en la banda de mayor éxito en Estados Unidos. La gira que siguió como promoción del álbum tuvo como teloneros a Fleetwood Mac.
Aunque era una banda localizada en Los Angeles, 'One of these nights' fue su primer álbum grabado íntegramente en Estados Unidos. Los dos primeros álbumes, 'The Eagles' (1972) y 'Desperado' (1973), habían sido registrados en Inglaterra con el productor Glyn Johns, conocido por su trabajo con Rolling Stones. Durante la grabación de su tercer disco, 'On the Border' (1974), Don Henley, vocalista y batería, recuerda: "Grabamos dos temas, y de repente nos dió 'morriña'...Nos cansamos de Inglaterra. Fue por eso por lo que volvimos a casa y cambiamos de productor"
Glenn Frey
Para 'One of these nights', el grupo (que también incluía a Glenn Frey, vocalista y guitarra; Bernie Leadon y Don Felder, guitarras y Randy Meisner al bajo) optó por permanecer con Bill Szymcyk, quien se hizo cargo de terminar 'On the border', y la grabación se realizó en los estudios Criteria de Miami. Por aquel tiempo, Henley y Frey compartían una casa construida en 1942 con vistas al Sunset Strip que había pertenecido a Dorothy Lamour. "Tenía una sala de música y la reconvertimos en local de ensayo y pequeño estudio de grabación", rememora Henley, "Glenn y yo nos pasábamos el día escuchando discos de Al Green y los Ohio Players. Llamamos esa época nuestro periodo de country/rock y R&B oculto"
Don Henley
El R&B no es un género que se vea asociado habitualmente a los Eagles, pero Henley insiste en que fue una gran influencia para ellos: "Para mí, 'One of these nights' es un tema de R&B. El estilo de batería, cuando tocas la caja y el timbal al mismo tiempo, estuvo muy influenciado por las grabaciones de Al Green." La canción fue compuesta durante un período particularmente productivo. "Escribimos 'One of these nights' y 'Lyin' Eyes' la misma tarde, y sabíamos que teníamos algo bueno. 'Lyin' Eyes' se escribió sola. Simplemente nos sentamos y vino a nosotros sin esfuerzo".
Glenn Frey, coautor de 'One of these nights', explica: "Todos hemos dicho alguna vez: 'alguna noche de estas voy a conseguirlo' -esa chica, ese dinero, ese éxito, esa casa. Todos tenemos nuestros sueños y una visión de que algún día, alguna noche, se harán realidad. Cuándo llegará tal día o tal noche es algo que sólo podemos responder nosotros".
Respecto al origen de'Lyin Eyes', Frey explicó en una entrevista durante su gira de 2009, que en 1975 él y Henley solían frecuentar un bar-restaurante de Los Ángeles, Dan Tana's, un local que también frecuentaban las mujeres más bellas de la ciudad. Allí presenciaron el encuentro de un hombre y una mujer, que les hizo fabular la historia de la canción.
Ojos mentirosos
Las chicas de ciudad parecen aprender pronto cómo abrirse puertas con sólo una sonrisa Junto a un hombre rico ya no tendrán que preocuparse y vivirán a lo grande y con estilo, vistiendo con encajes Las casas grandes y viejas se quedan solitarias de noche Supongo que cada forma de refugio tiene su precio. Y a ella se le parte el corazón, pensando que ha de entregarle todo su amor A un hombre con las manos frías como el hielo Así que ella le cuenta que ha de salir esta noche para consolar a una vieja amiga que está deprimida Pero él sabe bien hacia dónde se encamina Se dirige hacia el lado oscuro (tramposo) de la ciudad No puedes esconder tus mentirosos ojos y tu sonrisa es un burdo disfraz Creía que ya te habías dado cuenta de que no hay manera de ocultar tus ojos mentirosos Al otro lado de la ciudad un joven aguarda con los ojos llenos de deseo y sueños que nadie le puede arrebatar Ella conduce a través de la noche, esperando el momento porque él le hace sentir de la forma en que solía sentir Ella se lanza a sus brazos y caen juntos le susurra que es sólo por poco tiempo Ella jura que pronto estará de vuelta para siempre se aleja y se despide con una sonrisa No puedes esconder tus mentirosos ojos y tu sonrisa es un burdo disfraz..... Ella se levanta y se sirve uno doble Y mira hacia las estrellas en el cielo Otra noche que va a ser muy larga Cierra la persiana y se acuesta llorando Se pregunta cómo pudo llegar a esto y piensa en un chico que conoció en la escuela ¿Se cansó o simplemente le dio pereza? Está tan confusa que se siente como una idiota Bueno chica, seguro que sabes cómo arreglarlo hasta ahora lo has planeado todo de manera perfecta y cuidadosa ¿No es gracioso comprobar cómo tu nueva vida no cambió nada? Sigues siendo la misma chica que solías ser.
No puedes esconder tus mentirosos ojos y tu sonrisa es un burdo disfraz.....
'Take it to the limit' está cantada por el bajista Randy Meisner y es una balada sobre soledades y amores perdidos. Este tema y los diferentes puntos de vista a la hora de interpretarlo trajeron más de un problema entre Frey y Meisner en la gira que siguió a la publicación de su siguiente trabajo, 'Hotel California', por lo que Meisner abandonó la banda en septiembre de 1977.
Bernie Leadon
El tema instrumental 'Journey of the sorcerer', escrito por Bernie Leadon fue usado como tema musical de un popular programa de radio de la BBC presentado por Douglas Adams: 'Guía del autoestopista galáctico'. La canción que cierra el álbum, 'I wish you peace', fue escrita por Bernie Leadon y su -por entonces- chica Patti Davis, hija del futuro presidente Ronald Reagan. Nancy (su madre) ya la había echado de casa por 'cohabitar con un hombre sin estar casada'. Que ella apareciese como coautora de la canción irritó a Henley, que pensaba que ella no había contribuido lo suficiente como para compartir autoría. Henley recuerda: "Había muchas tensiones en la banda en aquel momento"
Con tensiones o sin ellas, el álbum fue nº1 a las cinco semanas de entrar en las listas y una semana después, el single que daba título al álbum escaló el puesto de honor del Hot100 de Billboard.
Don Felder, Bernie Leadon, Glenn Frey, Randy Meisner y Don Henley
Glenn Frey - Voz solista, guitarra, piano, armónica y coros Don Henley - Voz solista, batería, percusión, tablas y coros Bernie Leadon - Voz solista, guitarra, banjo, mandolina, steel guitar, pedal steel y coros Don Felder - Voz solista, guitarra, Slide, órgano y coros Randy Meisner - Voz solista, bajo, guitarra y coros
David Bromberg - violín en 'Journey of the Sorcerer' The Royal Martian Orchestra - cuerdas en 'Journey of the Sorcerer' Albhy Galuten - sintetizador en 'Hollywood Waltz' Jim Ed Norman - piano en 'Lyin' Eyes' y 'Take It to the Limit', orquestaciones
Concert Master: Sid Sharp
Director de orquesta: Jim Ed Norman
Arreglos: Jim Ed Norman y Eagles
Productor: Bill Szymczyk
Ingenieros: Allan Blazek, Michael Braunstein, Ed Mashal, Bill Szymczyk, Michael Verdick y Don Wood
El 23 de mayo de 1975 se publicó 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', el noveno disco de estudio de Elton John. Fue el primer álbum de la historia que debutó como nº1 en las listas, donde permaneció siete semanas. También fue el último -hasta 'Too Low For Zero' (1983)- en el que al pianista le acompañaba su base de ritmo habitual (Dee Murray y Nigel Olsson)
Es un álbum conceptual en el que se cuenta la historia autobiográfica de Elton John y Bernie Taupin (Elton es el 'Capitán Fantástico' y Bernie el 'Vaquero Polvoriento') en su arduo camino para convertirse en estrellas del pop, entre los años 1967 y 1969. Escrito en orden cronológico, Elton compuso la música durante un crucero en trasatlántico hacia EEUU. Elton, Bernie y la banda trabajaron más que en los álbumes anteriores, los cuales en una semana, a lo sumo dos, como en el caso de 'Goodbye Yellow Brick Road', estaban listos para publicar (en los tres últimos años Elton había producido seis discos).
En el caso de 'Captain Fantastic' se encerraron prácticamente un mes en los estudios de Caribou Ranch y los resultados convencieron de tal manera al productor Gus Dudgeon que, además de alabar los temas de John y Taupin, opinaba que era el mejor trabajo que habían realizado hasta entonces. Apareció tras un año de parón y durante una época tortuosa del cantante, que, a pesar de ser entonces la estrella más famosa del planeta, con unas cifras de ventas superiores a las de los Beatles y Elvis en sus mejores épocas, estaba enganchado a la cocaína y luchaba contra la depresión y multitud de fantasmas personales. Unos meses después confesaba en Rolling Stone su bisexualidad. Fue el penúltimo nº1 de una serie de cinco consecutivos entre 1972 y 1975, tres años que fueron frenéticos para el artista.
Canciones con historia: 'Someone Saved My Life Tonight'
A finales de los años sesenta Elton John tiene cada vez más dudas de que Linda Woodrow sea la mujer ideal para él. A Linda no le entusiasma en absoluto la música que hace y menos aún su ambición por ser una estrella del rock.
Long John Baldry en 1968
No son buenas premisas para una boda anunciada. Además hay un asunto de peso: Elton siente poco o nulo interés sexual por Linda. Que sus preferencias fueran en otro sentido era algo que no se atrevía a confesar abiertamente y menos aún a Linda. Estas dudas no paran de atormentarle cuando pasea una tarde de primavera de 1968 por las calles de Londres con un par de amigos. Bernie Taupin y el cantante de blues Long John Baldry que le acompañan, no imaginan lo que sucede en el interior de la cabeza de Elton, cuando éste decide apresuradamente marcharse a casa algo más temprano de lo habitual.
Bernie y Elton en 1968
Cuando Bernie llega a casa más tarde, empieza a ser consciente de que a su amigo Elton le sucede algo grave y necesita ayuda: En el apartamento que Taupin comparte con Linda y Elton huele a gas, y el pianista de 21 años está tumbado en el suelo con la cabeza metida en el horno. Pero lo que a primera vista tiene toda la apariencia de un intento de suicidio se destapa como un grito de auxilio con escenificación melodramática. Las ventanas de la cocina están abiertas de par en par, la llave del gas no está completamente abierta y Elton se ha colocado una almohada bajo la cabeza para que la espera hasta ser 'rescatado' no le resultara demasiado incómoda. A pesar de lo teatral de la escena, Bernie lo tiene claro: Elton tiene que dejar a Linda. Al día siguiente Bernie y Long John Baldry recogen a Elton y sus efectos personales en una furgoneta alquilada y lo llevan a casa de su madre. Seis años más tarde Taupin recuerda el episodio de aquella noche de primavera del 68 en la canción 'Someone saved my life tonight'.
Aunque Elton reconoció en 1976 sus preferencias sexuales, lo volvió a intentar con una mujer en febrero de 1984. En aquella fecha se casó con la ingeniero de sonido alemana Renate Blauel. Pero el matrimonio duró apenas cinco años.
Elton y Renate Blauel en 1984
Los motivos para la boda los explicó en 2001: "Diablos, yo estaba enganchado a las drogas y pensé que necesitaba casarme para ser feliz. Pero cuando estás así de enganchado nada te hace feliz. Da igual que estés con una mujer, un tío o un perro. Pero no quiero hablar sobre Renate. A ella no le gusta. Es una de las personas más elegantes que conozco. Nunca me pidió nada, ni ha ido a la prensa con nuestra historia. Nada." Elton parece haber encontrado la felicidad añorada junto al cineasta británico David Furnish, su actual pareja, con el que se casó en diciembre de 2005.
Elton John - pianos acústico y eléctrico, clavinet, mellotron, sintetizador ARP, clavecín
Davey Johnstone - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, piano en 'Writing', voces Dee Murray - bajo, voces Nigel Olsson - batería, voces Ray Cooper - percusión
Producción: Gus Dudgeon
Ingeniero: Jeff Guercio
En 1995 se publicó una reedición en CD que incluía sus dos nº1 de la época, 'Philadelphia freedom' y 'Lucy in the sky with diamonds', junto a John Lennon, y 'One day at a time', escrita por Lennon, que fue la cara B de 'Lucy in the sky'.
El año 2006 se publicó el álbum 'The Captain and the Kid' que, a modo de secuela, retoma la historia donde la dejaron, continuando la autobiografía del dúo.
El 15 de marzo de 1975 se publicó por Columbia Records en EE.UU., 'That's the Way of the World', el sexto álbum del grupo Earth Wind & Fire, un disco que mezcla con habilidad soul, rock, funk y ritmos latinos a lo largo de sus ocho temas, todos ellos supervisados por el fundador y líder del grupo, Maurice White.
También fue la banda sonora de una película (con el mismo título) de Stig Shore -que acababa de estrenar 'Superfly'- y que muy poca gente vio, en la que el grupo hacía varios cameos en una trama infumable de un productor (Harvey Keitel) que lucha contra las fuerzas del mal en una discográfica. El film hacía aguas por los cuatro costados, pero la música era soberbia. Cuando White y los demás visionaron la película antes de su estreno, comprobaron que sería un fracaso y para evitar que se les relacionara con el film, se apresuraron a publicar los temas incluidos en él en un álbum.
El álbum alcanzó lo más alto de las listas Billboard, donde se mantuvo tres semanas, y el single que se extrajo,'Shining star', también alcanzó el nº1, dándose la circunstancia de que era la primera vez que un grupo afroamericano copaba el nº1 de singles y LPs simultáneamente.
Espoleado por gemas que emergían del sudoroso funk de 'Shining star' y 'Yearnin' learnin' pasando por la magnífica balada 'Reasons' y el tema que da título al disco, 'That's the way of the world'vendió más de cinco millones de copias, siendo su trabajo más vendido y para muchos su mejor obra y el disco más representativo de la banda. Algunos de los temas que no fueron hits, como el exuberante 'Happy feelin'' y el influenciado por el gospel 'See the light' son igualmente interesantes. No existen momentos flojos y, aunque al álbum le siguieron un buen número de estupendos discos y media docena de grandes éxitos, éste fue su gran momento.
El 7 de marzo de 1975 se publicó en Estados Unidos, 'Young Americans', el noveno álbum de David Bowie, que le ayudó por fin a conquistar el mercado estadounidense, el cual se había mostrado indiferente con el glam-rock practicado por David hasta entonces. La canción que dio título al álbum alcanzó como single el puesto nº28 de las listas y el segundo sencillo extraido del álbum, 'Fame', fue el primer nº1 de Bowie en EE.UU.
Bowie en 1975
Mientras estaba de gira por Norteamérica en 1974, Bowie se dejó seducir por la música negra, y acto seguido llamó a Tony Visconti (su productor) para que le preparara con urgencia la grabación de un disco de 'soul sucio'. En principio, Bowie quería trabajar con MFSB, la banda del sello Philadelphia Records, pero se tuvo que conformar con una mezcla de sus músicos de la gira, y músicos de sesión como el legendario bajista Willie Weeks, David Sanborn al saxo, Carlos Alomar a la guitarra y el entonces desconocido Luther Vandross en los arreglos vocales.
John Lennon y David Bowie
En la canción que abre el álbum, 'Young Americans' Bowie repasa con cinismo la política norteamericana (Nixon acababa de dimitir días antes de comenzar la grabación), haciendo referencias a la represión racial, a McCarthy y al mismo Nixon. Tomó prestada de su nuevo-y-repentino-mejor-amigo John Lennon la frase "I heard the news today oh boy!". John colaboraría con él en otros dos temas, 'Across the universe', composición del propio Lennon, en la que toca la guitarra, y 'Fame', en la que aporta voces. Ésta surgió de una jam entre Bowie, Lennon y Carlos Alomar y se parece mucho al tema 'Pick up the pieces' (1974) de Average White Band.
Aunque la aportación de Lennon se limita a cantar la palabra 'fame' repetidas veces sobre el tema, se le ofreció co-autoría y la canción está firmada por Bowie-Alomar-Lennon. La inclusión a última hora de los temas con John, hizo que se cayeran de la lista final dos temas que ya habían sido grabados y mezclados, 'It's gonna be me' y 'Who can I be now', que se recuperaron en la reedición en CD de 1991. En 'Win', Bowie utiliza su experiencia de pop británico añadiéndole un estribillo de R&B y esta mezcla parece funcionarle mejor que cuando opta por un solo estilo definido, como en 'Right', en la que parece imitar a James Brown.
Completan el disco 'Fascination', coescrita con Luther Vandross, 'Somebody up there likes me' y el llanto lastimero de 'Can you hear me?'. La imagen de la portada reforzó la nueva realidad de Bowie y su nueva 'accesibilidad'. Su estilizada androginia fue reemplazada por un primer plano mirando a cámara estilo Hollywood de los 50, con el humo de su cigarillo ascendiendo a las alturas. Hasta el título del álbum apuntaba directamente hacia su público objetivo, 'los jóvenes americanos'. Bowie comentó que era el disco de 'soul plástico definitivo', aunque su compromiso con él era algo ambiguo, ya que se pasó el resto de la década cortejando al 'viejo mundo' ('Station to station', 'Low', 'Heroes' y 'Lodger'), lo que no evitó que 'Young Americans' convirtiera a Bowie en una estrella en EE.UU.
David Bowie – voz, guitarra, piano
Carlos Alomar – guitarra
Mike Garson – piano
David Sanborn – saxo
Willie Weeks – bajo excepto en 'Across the Universe' y 'Fame'
Andy Newmark – batería excepto en 'Across the Universe' y 'Fame'
Músicos adicionales
Larry Washington – conga
Ava Cherry, Robin Clark, Luther Vandross – voces
John Lennon – voz, guitarra, voces en 'Across the Universe' y 'Fame'
Earl Slick – guitarra en 'Across the Universe' y 'Fame'
Emir Kassan – bajo en 'Across the Universe' y 'Fame'
Dennis Davis – batería en 'Across the Universe' y 'Fame'
Pablo Rosario – percusión en 'Across the Universe' y 'Fame'
Ralph MacDonald – percusión en 'Across the Universe' y 'Fame'
Jean Fineberg – voces en 'Across the Universe' y 'Fame'
Jean Millington – voces en 'Across the Universe' y 'Fame'
El 24 de febrero de 1975 se publicó 'Physical Graffiti', el sexto álbum del grupo británico Led Zeppelin. Fue el primer álbum doble de la banda y del sello Swan Records creado por el grupo en 1974. También fue la confirmación definitiva -si es que lo necesitaban- de que Led Zepplin era más que cualquier otro supergrupo, alcanzando el nº1 en las listas americanas y británicas.
Led Zeppelin en Earl's Court (1973)
Poco después de su publicación, todo el catálogo de Led Zeppelin, los seis discos, estuvieron de forma simultánea en la lista de los Top200, algo que nunca antes había sucedido. Aparecido en el mercado dos años después que su predecesor, 'Houses of the Holy', no estaba pensado en principio para que fuera un álbum doble. Las sesiones comenzaron en noviembre de 1973 en el estudio móvil de Ronnie Lane. Pero la grabación se vio interrumpida -al parecer por la decisión de John Paul Jones de abandonar el grupo, cansado de tanta gira y conciertos- y el estudio lo ocupó Bad Company para grabar su álbum debut.
Headley Grange
Jones reconsideró su postura y volvieron al estudio, ésta vez en Headley Grange (un antiguo orfanato reconvertido en estudio de grabación y, actualmente, una residencia privada), donde ya habían grabado trabajos anteriores. De esas sesiones salieron ocho temas, cuya duración excedía de lo habitual en un disco LP, por lo que decidieron añadir algunos temas sobrantes de grabaciones pasadas para completar un doble álbum.
John Paul Jones
El disco abre con 'Custard pie', lleno de insinuaciones sexuales ("Tu pastel de crema, dulce y bonito/ cuando lo repartas, guárdame un trozo" o "mordiendo un trozo de tu pastel de crema"). 'In my time of dying', prácticamente compuesto mientras se grababa, es un arrebato de slide de Jimmy Page, tras el que la banda ruge como un fenómeno natural, recordando los largos temas de blues de los inicios de los Zeppelin. Con 11 minutos y 6 segundos es el tema más largo de toda la discografía del grupo. 'Trampled under foot' surgió de una jam session de metal funk y la letra está inspirada en 'Terraplane Blues' de Robert Johnson en la que (Terraplane es un coche clásico) se usaba terminología automovilística para sugerir el acto sexual ("pump your gas", "rev all night", etc). John Paul Jones demuestra en este tema su habilidad con los teclados, que según él estaban basados en el 'Superstition' de Stevie Wonder.
Inspirado por el reciente viaje de Page y Plant a Marruecos, el colosal 'Kashmir' es un ruidoso monstruo que habla de falsa mística y exotismo con John Bonham imprimiendo un ritmo monolítico. Es uno de los pocos temas de su discografía en la que usaron músicos de estudio (metales y violines) y los cuatro músicos coincidieron en sentirse especialmente satisfechos de su grabación.
John Bonham
'In the light', está compuesto principalmente por el bajista John Paul Jones con su sintetizador y el peculiar sonido de la introducción lo produce Jimmy Page usando un arco de violín con una guitarra acústica. 'Ten years gone' fue el tema más sorprendente de Page, un conmovedor y sentimental lamento de Robert Plant por el amor que le abandonó cuando éste se unió a la banda, que demuestra lo tiernos que podían ser Led Zeppelin cuando se lo proponían. 'The Wanton song' surge también de una jam session y de nuevo trata sobre sexo, concretamente sexo con una 'wanton woman'. En 'Sick again', Plant muestra su lástima por las 'groupies' o 'LA Queens' como él las llama, que conoció en su gira de 1973 por EE.UU. ("aferrándote a páginas de tu sueño adolescente/ en la recepción del Hotel Paradise/ en medio del circo de las reinas de L.A./ qué pronto aprendes a deslizarte cuesta abajo").
Bron Yr Aur
El resto del álbum lo componen: el instrumental 'Bron-Yr-Aur', que fue grabado en 1970 en los estudios Island de Londres para el álbum 'Led Zeppelin III' y cuyo nombre proviene de una granja en Gales en la que los Led pasaron una temporada mientras grababan su tercer álbum. 'Night flight' y 'Boogie with Stu', producto de una jam con el road manager y pianista de los Rolling Stones,Ian Stewart, se grabaron en Headley Grange para 'Led Zeppelin IV'. 'Down by the seaside', grabado en los estudios Island, también iba destinado en principo a 'Led Zeppelin IV' y es un claro homenaje a Neil Young, cuyo trabajo Plant admiraba.
Page en el estudio
Con el estudio móvil de Rolling Stones fueron grabadas en 1972 'The rover' y 'Black country woman', ésta última en el patio trasero de la casa de Mick Jagger. Al principio se puede oir la conversación entre Eddie Kramer, el ingeniero de grabación y Jimmy Page acerca del sonido de un avión -que pasaba por allí-, el cual Kramer quería evitar, pero Page exclama: "No, déjalo así". También en 1972 se grabó en los estudios Olympic'Houses of the holy', la canción que daba título al quinto álbum de la banda, a pesar de que finalmente no fue incluido en él. Aunque el tema era una oda a los propios conciertos de la banda refiriéndose a los auditorios y estadios donde actuaban como las 'Houses of the Holy' (Residencias de benditos), nunca la tocaron en directo.
Jimmy Page
guitarras eléctricas, acústicas, lap steel y slide, mandolina, productor
Robert Plant
voz solista, armónica, guitarra acústica en 'Boogie with Stu'
John Paul Jones
bajo, órgano Hammond, piano acústico y eléctrico, melotrón, guitarra, mandolina, VCS3, clavinet,
