Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 9 de julio de 1946 nació Bon Scott, el segundo cantante que tuvo el grupo australiano AC/DC y que permaneció con ellos desde 1974 hasta su muerte en 1980. Scott había probado fortuna en los sesenta tocando la batería en bandas propias, pero fracaso tras fracaso le llevó a trabajar de chófer en 1974 con la banda AC/DC que buscaba desesperadamente a un sustituto de Dave Evans.
Se fijaron en Scott -era un magnífico vocalista con experiencia de otros grupos como Fraternity y Valentines- y comenzó la escalada a la fama internacional a través de cinco álbumes con temas eternos del rock como 'High voltage', 'Jailbreak' o 'Highway to hell'. Desgraciadamente no saboreó las mieles del éxito espectacular que le sobrevino al grupo en los ochenta convirtiéndose en una de las bandas de rock más importantes de su generación. Una noche de febrero de 1980, Bon Scott se encontraba en su coche durmiendo la mona tras un concierto y se ahogó en su propio vómito. Tenía 33 años.
El 9 de julio de 1929 nació en Manford (Oklahoma) el cantante y compositor de country y pop Lee Hazlewood, conocido por su labor como productor con el guitarrista Duane Eddy en los cincuenta y más tarde con la cantante Nancy Sinatra, con la que grabó canciones esenciales del pop de los sesenta.
Campo de petrñoleo en los años 20
El padre de Lee era un empresario independiente que se dedicaba a la extracción de petróleo, por lo que su infancia transcurrió entre Oklahoma, Arkansas, Kansas y Louisiana, donde creció escuchando principalmente música bluegrass. En su adolescencia residió en Port Neches (Texas) y en la escuela tocaba los instrumentos de percusión. Asistió brevemente a la Universidad Metodista del Sur de Dallas, antes de ser llamado a filas. Trabajó para la emisora de la Fuerzas Armadas en Japón y sirvió en el frente de Corea. Tras su licencia del ejército, Lee Hazlewwod se estableció en 1953 como disc-jockey en Arizona mientras perfeccionaba sus habilidades componiendo canciones. Entre sus oyentes se encontraba un joven adolescente llamado Duane Eddy. Ambos se hicieron amigos y comenzaron a componer juntos, reclutando al pianista James 'Jimmy Dell' Delbridge para actuar como trío de country.
Eddy, Casey, Hazlewood y Clark
En 1955 Hazlewood se trasladó a la KRUX de Phoenix, donde fue el primer DJ en emitir un tema de Elvis Presley y otros pertenecientes al nuevo estilo llamado 'rock'n'roll'. Junto con Eddy y otro músico rockabilly llamado Sanford Clark fundó el sello discográfico Viv, en el que se publica el primer hit de Lee como autor y productor, 'The fool', interpretado por Clark. Entre los músicos de sesión que reunió Lee para la grabación se encontraban Al Casey, Steve Douglas, Jim Horn y Larry Knechtel, los cuales serían conocidos más tarde como miembros de The Wrecking Crew, un grupo de músicos de Los Angeles muy demandado en las grabaciones de los años sesenta y setenta.
Lester Still con Eddy y Hazlewood
En 1957 entró a formar parte del staff de productores de Dot Records. Allí conoció a Lester Still y a Dick Clark, el presentador del programa American Bandstand. Los tres fundan Jamie Records, sello en el que publican una serie de hits instrumentales de Duane Eddy, como 'Rebel rouser', 'Cannonball' y 'Shazam!', que, gracias a las innovaciones técnicas y experimentos sonoros de Hazlewood, resultaron fundamentales en la construcción del rock en los años sesenta. Entre otras cosas, hizo instalar junto al estudio de grabación un silo vacío en el que introdujo unos altavoces y un micrófono para conseguir un nuevo efecto de eco.
Uno de los jóvenes que no perdió detalle de las técnicas de grabación y las labores de producción de Hazlewood fue Phil Spector, que en 1961 se estrenó produciendo a las Paris Sisters para Lester Still. En 1963 Lee, que no conseguía más éxitos como productor, publica un álbum con temas compuestos, producidos y cantados por él, 'Trouble is a Lonesome Town' y, a continuación, sopesó dejar el negocio musical, por cómo afectó a la industria discográfica estadounidense la 'invasión' de grupos británicos de mediados de los años sesenta.
'The Very Special World of Lee Hazlewood'
En 1967 MCA Records le ofreció a Lee la posibilidad de fundar un nuevo sello. Bajo LHI Records, Hazlewood publicó allí -según la gran mayoría de críticos- sus mejores trabajos en solitario: 'The Very Special World of Lee Hazlewood' (1966) y 'Lee Hazlewood-ism: It's Cause and Cure' (1967). Cuando Hazlewood volvió a considerar la idea de retirarse, una joven llamada Nancy Sinatra entró en su oficina. La hija de Frank llevaba cuatro años en vano intentando conseguir un hit en Reprise Records. El resultado de este encuentro fue a todas luces satisfactorio y generó numerosos éxitos en las listas los siguientes cinco años.
Como dúo, grabaron 'Summer wine', 'Jackson' (1967) y 'Some velvet morning' (1968) y Lee también produjo el dúo de Nancy y papá en 'Somethin' stupid'. La unión dio lugar a una de los más famosos -y posiblemente más extraños- emparejamientos del pop. Si el contraste del dúo se hubiera limitado a la apariencia física de ambos, Lee y Nancy no hubieran pasado de ser una novedad; ciertamente, el aspecto de 'hombre de Marlboro con mostacho' y la diferencia de edad de más de diez años entre ambos llamó poderosamente la atención. Pero la yuxtaposición más llamativa residía en la diferencia de sus voces. Los sonidos del susurro almibarado de Sinatra enfrentado a los gruñidos asilvestrados de Lee eran imposibles de ignorar. Lee también fue autor de éxitos para Dean Martin ('Houston') y Frank Sinatra ('This town').
Al final de la década, Hazlewood estuvo ocupado además produciendo a artistas country como Waylon Jennings, Eddy Arnold y Chet Atkins. Pretendía escribir música para el cine y la TV pero no recibió ofertas. Tras fracasar con el álbum 'The Cowboy and the Lady' (1989) grabado con Ann Margret, desanimado, se trasladó a Suecia donde colaboró con el director de cine Torbjörg Axelman en varios proyectos fílmicos y musicales como 'Cowboy in Sweden' y 'Requiem for an Almost Lady'.
'Poet, Fool or Bum' (1973)
En 1971, Hazlewood tenía residencias en Paris, Londres y Estocolmo y en 1973 publicó un nuevo trabajo en solitario, 'Poet, Fool or Bum', al que siguió 'A House Safe of Tigers' en 1975, una banda sonora para uno de los films de Axelman, considerada la obra más oscura de Lee. Poco a poco, Hazlewood se fue apartando del mundo musical y en los ochenta se dedicó a atender a la menor de sus hijas y a beber su whisky Chivas mientras observaba cómo llegaban al buzón sus cheques de derechos de autor.
'Cake or Death' (2006)
En los noventa vio como muchas de sus canciones se habían convertido en temas de culto y recibían versiones de nuevas generaciones de artistas como Jarvis Cocker, Evan Dando, Lambchop, Einstürzende Neubauten, Mark Lanegan y Kathryn Williams y sus discos -descatalogados en su mayoría- eran objetos preciados por los coleccionistas, circulando en el mercado negro numerosas copias piratas. En 1999. Steve Shelley, baterista de Sonic Youth, se encargó de reeditar su antiguo catálogo en el sello Smells Like Records. Cuando en 2005 a Lee le fue diagnosticado un cáncer terminal de riñón, decidió grabar un último álbum 'Cake or Death', publicado en noviembre de 2006. Murió en agosto de 2007 a los 78 años.
El 9 de Julio de 1879, nació en Bolonia, el compositor, director de orquesta y pianista italiano Ottorino Respighi. A los ocho años empezó el estudio del violín, que prosiguió, junto con el de la viola en el Liceo Musical de su ciudad natal. Luego cursó composición, y a fines de 1900 presentó sus “Variazioni sinfoniche”.
Entre 1901 y 1903 visitó Rusia en dos ocasiones y asistió a algunas clases con Rimsky-Korsakov que marcaron crucialmente su estilo orquestal. Con el correr de esa década trabajó activamente como intérprete y comenzó a interesarse en la música italiana del pasado más remoto. Después de un periodo en Bolonia se estableció permanentemente en Roma en 1913 y fue nombrado profesor de composición en el Liceo de Santa Cecilia. En 1924 fue director de esta institución y renunció dos años después para dedicarse por completo a la composición. Durante la última década de su vida continuó enseñando y dirigiendo sus obras a ambos lados del Atlántico. También acompañaba al piano a su esposa Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien además de cantante era compositora y fue más tarde la autora de la biografía de Respighi.
Respighi con sus alumnos en Santa Cecilia
Ottorino Respighi es el compositor italiano más famoso del primer tercio del siglo actual, con excepción de algunos autores de ópera. Antes de 1910 estaba absorbiendo las influencias de varios compositores, desde Martucci y Sgambati a Strauss. Su madurez aparece en una canción extensa, “Aretusa”, mientras que en el terreno orquestal lo hace con la gran “Sinfonía Dramática” que aparece como un tributo a Strauss. En 1916 completó su primer y mayor hito, “Fuentes de Roma”, en donde las influencias de Strauss y Ravel aparecen completamente asimiladas. Aquí Respighi revela un total manejo de su talento.
Al final de su carrera Respighi se fue interesando en la ópera y produjo obras mejor estructuradas en los planos pictórico o idílico que en lo dramático o apasionado. Notable es la obra infantil “La Bella Dormente nel Bosco”, concebida originalmente para marionetas y más tarde adaptada para mimos infantiles acompañados por cantantes fuera del escenario. En “Lucrezia”, dejada incompleta y terminada por su viuda, Respighi, tiende al recitativo dramático propio del siglo XVIII, reduce los límites de la función orquestal y renuncia al colorismo ilustrativo en el que anteriormente se complaciera, quizá en perjuicio de la expresión. Murió en abril de 1936 a los 56 años.
El 8 de julio de 1908 nació en Brinkley (Arkansas) Louis Jordan, un músico de jazz que adquirió bastante fama en los años cuarenta siendo de los pocos músicos negros que eran igualmente populares entre audiencias blancas o negras. Llamado el 'rey del juke-box' fue un cantante y músico de talento y grabó dúos con algunos de los más grandes de la época como Louis Armstrong, Bing Crosby y Ella Fitzgerald.
Louis era hijo de Jim Jordan, un director de banda y profesor de música. Bajo la tutela de su padre, Jordan comenzó a estudiar clarinete, pero cuando vio en un escaparate de una tienda de instrumentos un saxofón, realizó todo tipo de trabajos para conseguir el dinero suficiente para comprarlo. Con quince años, durante unas vacaciones actuó por primera vez con la Belvedere Orchestra en Hot Springs (Arkansas). Su primer trabajo como profesional fue tocando el clarinete con los Fats Chapelle's Rabbit Foot Minstrels, que andaban de gira por el Sur. Posteriormente asistió a la Universidad Baptista de Little Rock, donde estudió música.
En 1930 se estableció en Philadelphia, donde trabajó con la orquesta del trompetista Charlie Gaine. Dos años después viajó a Nueva York donde tomó parte en una sesión de grabación con la banda del pianista Clarence Williams. Allí tocó también con las bandas de Kaiser Marshall y el baterista Joe Marshall. Su trabajo más importante, sin embargo, llegó en 1936, cuando se unió a la orquesta de Chick Webb, una banda de 13 músicos que incluía a la cantante Ella Fitzgerald. En ella, Jordan ejercía de músico, cantante y presentador, adquiriendo muchas tablas para su carrera futura en solitario. Un año más tarde realizó su primera grabación como cantante, 'Gee, but you're swell'
Louis Jordan & his Tympany Five
En el verano de 1938, Jordan abandonó la orquesta de Webb para formar su propia banda de nueve músicos, con la que realizaba sus shows en el Elk's Rendezvous de Harlem. Como Bert Williams and the Elk's Rendezvous Band actuó en clubs de la calle 52 y en 1939 grabaron algnas piezas para el sello Decca. Ese mismo año, en diciembre, Jordan cambió el nombre de su banda a Tympany Five y redujo la banda a seis miembros (más tarde serían siete u ocho). Fueron invitados a tocar en el intermedio de la actuación de los Mills Brothers en el Capitol Theater de Chicago y su interpretación de diez minutos fue la sensación de la noche. Pronto Jordan y sus Tympany Five atraían a más público que los artistas principales, por lo que le ofrecieron prolongar su show a media hora. En enero de 1942 alcanzó las listas de éxito con su versión del clásico de blues 'I'm gonna move to the outskirts of town'.
Con su banda Tympany Five, a los que exigía perfecta elegancia y corrección en el vestir, popularizó un estilo musical llamado 'jump blues' el cual preparó el camino para el R&B y más tarde, el rock'n'roll.
A mediados de los cincuenta, con la aparición del rock'n'roll, que él consideraba "R&B tocado por blancos", la popularidad de Jordan decreció. Aún así, realizó varias giras exitosas por Europa y apareció en el Festival de Jazz Newport en 1973, Durante una actuación en Nevada en octubre de 1974 sufrió un ataque al corazón. Murió unas semanas después, en febrero de 1975, a los 66 años.
El 8 de julio de 1924 nació el pianista de blues Johnnie Johnson, que a principios de los cincuenta lideraba un grupo en el que militaba como guitarrista un joven e inexperto Chuck Berry. Fue éste el que llevó uno de los temas que tocaban a Chess Records. A los hermanos Chess les gustó, se grabó 'Wee wee hours' y 'Maybelline' (1955) y el grupo de Johnnie pasó a ser la banda de acompañamiento de Chuck. Johnson comentó al respecto: "Me figuré que obtendríamos más trabajo con Chuck como líder. Además, lo más importante: Tenía coche".
Johnnie Clyde Johnson nació en Fairmont (Virginia Occidental). Su padre era minero y aficionado ala música, y cuando Johnnie cumplió los cuatro años, la famila compró un piano. El mismo día que el instrumento entró en casa, el pequeño Johnson ya investigaba con los sonidos y las teclas, demostrando una habilidad innata. Su aprendizaje fue autodidacta e intentaba imitar a grandes virtuosos del piano como Art Tatum y Meade 'Lux' Lewis. Con nueve años ya tocaba en las emisoras de radio locales. Con 13 años formó su primer grupo, los Blue Rhythm Swingsters y cuando estalló la segunda Guerra Mundial, trabajó en una fábrica de tanques en Detroit. En 1943, una época en la que era raro encontrar afroamericanos entre los marines norteamericanos, Johnson se alistó y sirvió en el Pacífico Sur. Allí tuvo la oportunidad de tocar con la Special Service Band que acompañaba a los músicos de swing y jazz que se encontraban de gira para entretener a la trop. Tras trabajar junto a numerosos sidemen de las bandas de Count Basie y Lionel Hampton, comenzó a considerar una carrera como artista en solitario.
Terminada la guerra, Johnson se estableció en Chicago, donde encontró un trabajo en una fábrica. Por las noches tocaba en los clubs de la ciudad y ocasionalmente acompañó a Albert King en sus grabaciones. El año 1952 consiguió un nuevo trabajo en la empresa American Steel en St Louis, una ciudad con su propia movida musical. Formó el Johnnie Johnson Trio con el que interpretaban standards y temas swing. La Nochevieja de 1952, uno de sus músicos habituales cayó enfermo y Johnnie, para sustituirle en una actuación que tenían contratada en el Cosmopolian Club en East St. Louis, contrató a un joven guitarrista llamado Chuck Berry.
Chuck Berry
A pesar de tener sólo seis meses de experiencia, Berry encajó en la banda e, incluso, tocó aquella noche alguna de sus composiciones, piezas de un R&B muy marcado con letras cuyas historias recordaban a las de las canciones country. El mánager del club los invitó a volver y en poco tiempo, Berry se erigió en líder de la banda. Tras la firma de Chuck con el sello Chess, Johnson permaneció con él como sideman. Johnson odiaba los viajes en avión y mantuvo su trabajo en la fábrica de acero por un tiempo. Berry se quejaba amargamente de los continuos retrasos de Johnson a la hora de actuar, retrasos que se hicieron más frecuentes cuando Johnson intensificó su consumo de alcohol. No obstante, ambos músicos colaboraron estrechamente durante más de veinte años.
E. Hardy, C. Berry y J. Johnson
Johnson, con su maleabilidad y perfecta capacidad de adaptación a toda clase de estilos, fue el pianista ideal para terminar de desarrollar lo que se llamaría rock'n'roll. Junto a Willie Dixon y Ebby Hardy desplegó sólidos ritmos que acompañaban el personal estilo de la guitarra de Berry, en temas como 'Sweet little sixteen' y tomando en varios casos el papel protagonista, como en 'Rock and roll music', donde tocó un piano de boogie woogie que caracterizó uno de los primeros clásicos del nuevo género.
De hecho, Johnson tuvo mucho que ver en la mayoría de las composiciones de Berry. Keith Richards comentó en una entrevista: "Puedes ver la importancia que tenía Johnson en las canciones de Berry en el hecho de que los riffs de guitarra de Chuck están tocados en tonalidades más usuales entre pianistas. Tonos como Fa, Sib y Mib eran mucho menos habituales entre guitarristas." Quizás el tema más emblemático de Berry, 'Johnny B. Goode', según el propio Johnson, estaba referido a él mismo, aunque el protagonista de la canción es un guitarrista y Berry jamás corroboró tal información.
Johnson permaneció con Chuck Berry hasta 1973 y posteriormente regresó a St. Louis, donde trabajó por un tiempo como conductor de autobús, pero su afición a la botella provocó que le despidieran. Berry, en su autobiografía comentaba con amargura los excesos de alcohol de Johnson. Johnnie, al leerla no tuvo la menor objeción: "No me dolió especialmente, porque era cierto. Bebía demasiado y eso interfería en mi música. Leer cosas como esa, en cierto modo, me ayudó a salir del pozo"
En 1987, gracias al documental "Chuck Berry, Hail! Hail! Rock' n' Roll" volvió a recordarse su figura y se puso un énfasis especial en sus contribuciones. Johnson fue uno de tantos que recibieron el título de 'padre del rock & roll' y una biografía suya escrita por Travis Fitzpatrick fue nominada al Pulitzer. Su tercera mujer, Frances, consiguió alejarle del alcohol y Johnson volvió a los estudios de grabación en plena forma, grabando el álbum 'Blue Hand Johnnie' (1987), al que siguieron 'Johnnie B. Bad' (1992) y 'That'll Work' (1993). En los años noventa compartiría escenario con artistas como Keith Richards, Eric Clapton, John Lee Hooker y Bo Diddley y siguió actuando hasta pocos días antes de morir a los ochenta años en abril de 2005.
El 8 de julio de 1914 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el cantante de jazz y pop Billy Eckstine. Poseedor de una voz de barítono, fue en los años cuarenta una figura carismática de la música pop negra, al liderar una de las primeras big band de bop y convertirse en el primer cantante negro de baladas románticas (fue llamado el Sinatra negro).
Frank Sinatra y Billy Eckstine
Eckstine comenzó a cantar a los nueve años y participó en numerosos espectáculos para aficionados. Aunque su vocación había sido la de jugador de fútbol americano, una grave lesión lo recondujo hacia el mundo de la música. Tras diversos trabajos al oeste de Chicago a finales de los años treinta, Eckstine fue invitado por Earl Hines para unirse a su Grand Terrace Orchestra en 1939. Aunque sus primeros éxitos fueron canciones triviales como 'Jelly, Jelly' y 'The jitney man', grabó también varios estándares como 'Stormy monday'. Hacia 1943, se acompañaba de estrellas como Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Sarah Vaughan.
Billy Eckstein Orchestra
Tras formar su propia banda ese año, contrató a los tres y gradualmente se hizo con más figuras modernas y con futuras estrellas: Wardell Gray, Dexter Gordon, Miles Davis, Kenny Dorham, Fats Navarro y Art Blakey, así como con arreglistas como Tadd Dameron y Gil Fuller.
Billy Eckstine, el 'Sinatra negro'
La Billy Eckstine Orchestra fue la primera big band bop, y su líder reflejaba las innovaciones bop adaptando sus armonías vocales a las baladas normales. A pesar del matiz moderno del grupo, Eckstine encabezó las listas frecuentemente a mediados de los cuarenta, con temas como'A cottage for sale', 'Prisoner of love', 'Blue moon' y 'Caravan'. En las giras por Europa y América, el cantante tocaba también la trompeta, el trombón y la guitarra.
Forzado a disolver la orquesta en 1947 tras haber formado la suya propia Gillespie, Eckstine realizó una transición hacia un estilo más baladístico y con arreglos de cuerda. Grabó más de una docena de éxitos a finales de los cuarenta, entre los que se incluyen 'My foolish heart' y 'I apologize'. Se hizo popular en Gran Bretaña, obteniendo un gran éxito durante los cincuenta con temas como 'No one but you' y 'Gigi', así como con sus dúos con Sarah Vaughan.
Eckstine regresaría a sus raíces jazzísticas ocasionalmente, grabando con Vaughan, Count Basie y Quincy Jones, y publicando un LP en directo, 'No Cover, No Minimum', en el que interpretaba algunos solos de trompeta. Grabó varios discos para Mercury y Roulette a comienzos de los sesenta y publicó en Motown algunos discos de estándares. Tras grabar muy espaciadamente en los setenta, Eckstine realizó su última grabación, 'Billy Eckstine Sings with Benny Carter', en 1986. Murió de un ataque al corazón en 1993 a los 78 años.
Entre 1901 y 1903 visitó Rusia en dos ocasiones y asistió a algunas clases con Rimsky-Korsakov que marcaron crucialmente su estilo orquestal. Con el correr de esa década trabajó activamente como intérprete y comenzó a interesarse en la música italiana del pasado más remoto. Después de un periodo en Bolonia se estableció permanentemente en Roma en 1913 y fue nombrado profesor de composición en el Liceo de Santa Cecilia. En 1924 fue director de esta institución y renunció dos años después para dedicarse por completo a la composición. Durante la última década de su vida continuó enseñando y dirigiendo sus obras a ambos lados del Atlántico. También acompañaba al piano a su esposa Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien además de cantante era compositora y fue más tarde la autora de la biografía de Respighi.
Johnnie Clyde Johnson nació en Fairmont (Virginia Occidental). Su padre era minero y aficionado ala música, y cuando Johnnie cumplió los cuatro años, la famila compró un piano. El mismo día que el instrumento entró en casa, el pequeño Johnson ya investigaba con los sonidos y las teclas, demostrando una habilidad innata. Su aprendizaje fue autodidacta e intentaba imitar a grandes virtuosos del piano como Art Tatum y Meade 'Lux' Lewis. Con nueve años ya tocaba en las emisoras de radio locales. Con 13 años formó su primer grupo, los Blue Rhythm Swingsters y cuando estalló la segunda Guerra Mundial, trabajó en una fábrica de tanques en Detroit. En 1943, una época en la que era raro encontrar afroamericanos entre los marines norteamericanos, Johnson se alistó y sirvió en el Pacífico Sur. Allí tuvo la oportunidad de tocar con la Special Service Band que acompañaba a los músicos de swing y jazz que se encontraban de gira para entretener a la trop. Tras trabajar junto a numerosos sidemen de las bandas de Count Basie y Lionel Hampton, comenzó a considerar una carrera como artista en solitario.
Terminada la guerra, Johnson se estableció en Chicago, donde encontró un trabajo en una fábrica. Por las noches tocaba en los clubs de la ciudad y ocasionalmente acompañó a Albert King en sus grabaciones. El año 1952 consiguió un nuevo trabajo en la empresa American Steel en St Louis, una ciudad con su propia movida musical. Formó el Johnnie Johnson Trio con el que interpretaban standards y temas swing. La Nochevieja de 1952, uno de sus músicos habituales cayó enfermo y Johnnie, para sustituirle en una actuación que tenían contratada en el Cosmopolian Club en East St. Louis, contrató a un joven guitarrista llamado Chuck Berry.
Eckstine regresaría a sus raíces jazzísticas ocasionalmente, grabando con Vaughan, Count Basie y Quincy Jones, y publicando un LP en directo, 'No Cover, No Minimum', en el que interpretaba algunos solos de trompeta. Grabó varios discos para Mercury y Roulette a comienzos de los sesenta y publicó en Motown algunos discos de estándares. Tras grabar muy espaciadamente en los setenta, Eckstine realizó su última grabación, 'Billy Eckstine Sings with Benny Carter', en 1986. Murió de un ataque al corazón en 1993 a los 78 años.