Sammy Kaye

El 13 de marzo de 1910 nació en Lakewood, Ohio, Sammy Kaye, compositor y director de orquesta, que lideró una de las 'sweet bands' (grandes orquestas de baile) más populares de los años cuarenta y cincuenta en EE.UU.

Sammy tocaba el saxofón y el clarinete en la banda de la Universidad de Ohio, donde estudiaba para ingeniero. Tras graduarse fundó su propia banda en los años treinta, que poco a poco se fue haciendo conocida en el país y, entre 1941 y 1950, obtuvo 23 hits que fueron Top10, entre ellos los nº1 'Daddy' (1941), 'Chickery chick' (con Nancy Norman, 1945), 'I'm a big girl now' (con Betty Barclay) y 'The old lamplighter' (con Billy Williams, 1946).

Realizó numerosas actuaciones en la radio, medio en el que con su lema 'Swing and sway with Sammy Kaye' y el programa 'Sunday Serenade'  fue una auténtica estrella en los tiempos de guerra y postguerra y más tarde en TV. Grabó su último éxito en 1950 con 'Harbor lights' (con Tony Alamo y los Three Kaydets). Por su orquesta pasaron cantantes como Don Cornell y Nancy Norman y músicos como Ralph Flanagan, Dale Cornell y Marty Oscard. Murió en 1987 a los 76 años, no sin antes pasarle la batuta a Roger Thorpe quien, el año 2010, seguía dirigiendo la Sammy Kaye Orchestra.

Chico Science

El 13 de marzo de 1966 nació en Olinda, en el estado brasileño de Pernambuco el cantante y compositor Francisco de Assis França, más conocido como Chico Science, uno de los iniciadores del movimiento musical Mangue Beat, surgido a comienzos de los años noventa en el noreste de Brasil.

Chico fue el cantante solista y el líder creativo de la banda Chico Science & Naçao Zumbi (CSNZ). Con influencias de músicos como James Brown, Grandmaster Flash y Kurtis Blow, su música mezclaba con acierto rock, funk, hip-hop y música electrónica con ritmos tradicionales del noreste brasileño como el maracatu. En 1991, Chico, junto con el cantante Fred04 del grupo Mundo Livre S/A fundó el movimiento Mangue Bit en respuesta al poco estímulo cultural y musical existente en las ciudades de Recife y Olinda.

Chico realizó varias giras por Europa y debutó en EE.UU en 1995, como telonero de Gilberto Gil, atrayendo la atención del novedoso estilo. Con sólo dos álbumes publicados durante su carrera, 'Da Lama Ao Caos' y 'Afrociberdelia', su música influyó poderosamente en toda una generación de nuevos músicos brasileños. Chico murió en un accidente de tráfico en febrero de 1997 a los 30 años.

Leonard Chess

El 12 de marzo de 1917 nació en una comunidad judía de Motal (Polonia) el productor discográfico Leonard Chess, fundador de Chess Records, uno de los sellos pioneros de la industria discográfica independiente en EE.UU y uno de los más importantes en la difusión y desarrollo del blues eléctrico.

Leonard Chess

En 1928 Leonard (de nombre real Lejzor Czyz) y su hermano Phil (Fiszel) emigraron con su familia a Chicago. Allí se cambiaron el apellido y al cabo de unos años, en 1946, Leonard y Phil entraron en el negocio musical adquiriendo un club en la zona sur de Chicago, llamado Macomba Lounge, donde solían actuar los músicos afroamericanos de la zona. Allí, Leonard se enamoró de los 'sucios' sonidos del blues de Chicago y adquirió en 1947 participaciones en un sello discográfico local, Aristocrat Records.

Pidió ayuda a su hermano y, en pocos meses los Chess habían tomado el control total. El sello, que hasta entonces había publicado pop afroamericano y jazz, amplió su fondo con grabaciones de los artistas de blues que conocieron en el Macomba, entre ellos Muddy Waters, y en 1950 comenzó a denominarse Chess Records. Sus primeras publicaciones con el nuevo nombre fueron 'My foolish heart' de Gene Ammons, Rollin' Stone' de Muddy Waters y 'That's all right' de Jimmy Rodgers.

Leonard Chess contactó con Sam Phillips de Sun Records y se asoció con él para que le ayudara a encontrar nuevos artistas para Chess en el sur. A través de Sam, Chess firmó contrato con Howlin' Wolf, Rufus Thomas y Doctor Ross, entre otros. Howlin' Wolf fue el más popular de todos ellos y Leonard tuvo que luchar por él con otras compañías que ya habían grabado material del músico de Mississippi.

Chuck Berry

Otros artistas se fueron sumando a las filas de Chess, incluyendo a Bo Diddley y Sonny Boy Williamson, así como Willie Dixon y Robert Lockwood Jr, que jugarían un papel importante entre bastidores.
A lo largo de la década de los cincuenta, Chess Records obtuvo ventas significativas con producciones de Little Walter, The Moonglows, The Flamingos y Chuck Berry, y, en los sesenta con  Etta James, Fontella Bass, Koko Taylor, Little Milton, Laura Lee y Tommy Tucker, grabando alguno de ellos en los sellos filiales Checker, Argo y Cadet.  El catálogo de Chess se amplió con grabaciones en otros géneros como el gospel, jazz tradicional, comedia y otros.

Chess Records

Leonard también entró en el negocio de la radiodifusión, regentando un par de emisoras de Chicago. Fue el auténtico motor de Chess Records, un sello que, junto a Sun y Atlantic, tipificó el negocio discográfico independiente y marcó nuevas pautas para la industria respecto a dirección de artistas, contratación, establecimiento de redes de contacto y marketing.
En octubre de 1969, pocos meses después de vender Chess Records a GRT (General Recorded Tape), Leonard murió de un infarto a los 52 años.

Leonard, Marshall (hijo) y Phil Chess

En 2008 se estrenaron dos películas basadas en la vida de Chess, 'Cadillac Records', nombre con el que se conoció durante un tiempo al sello, por la costumbre de Leonard de regalarle un Cadillac a todo aquel que consiguiera un hit (con Adrien Brody en el papel de Leonard) y 'Who do you love?' (Alessandro Nivola), que describen en clave de ficción y con algunas inexactitudes el ascenso y caída del sello discográfico y las personas y artistas envueltos en ello.

Willie Dixon, Muddy Waters y Buddy Guy en Chess Records

Julia Lennon

El 12 de marzo de 1914 nació en Liverpool, Julia Lennon, que hizo mucho más por la música popular que dar a luz a John Lennon. Sin saberlo, contribuyó a la grandeza de John, siendo quizás la única en su día que le animó a seguir con la música.

Ella fue quien le facilitó su primera guitarra, ayudándole a aprender los acordes que le resultaban difíciles. Todo en contra de los deseos de su hermana Mimi Smith, que estaba a cargo de la crianza de John, ya que entonces no estaba bien visto socialmente que Julia se fuese a vivir con otro hombre tras abandonarlos el padre biológico de John. Otra influencia temprana fueron los discos de Elvis que Julia le ponía a su hijo y el año antes de morir fue una de la mayores fans de los Quarrymen, la banda pre-Beatles de John, bailando y jaleando a la banda por lo menos en uno de sus primeros conciertos. Desafortunadamente, no tuvo ocasión de ver el progreso de uno de los iconos del siglo XX. La tarde del 15 de julio de 1958, Julia Lennon murió atropellada a los 44 años por un coche conducido por un policía fuera de servicio que iba borracho...

LP 'The Velvet Underground And Nico'

El 12 de marzo de 1967 se publicó bajo el sello Verve en EE.UU. el álbum debut homónimo del grupo rock The Velvet Underground & Nico, grabado bajo la dirección de Andy Warhol, aunque la post-producción fue supervisada por Tom Wilson, el productor de 'Like a rolling stone', que no apareció en los créditos. El álbum, que entró en el Top100 para desaparecer a la semana siguiente, fue el oscuro contrapunto neoyorquino al brillo y optimismo que irradiaba la Costa Oeste...

Andy Warhol en 1966

Pese a que se grabó en 1966, no salió a la venta hasta el 12 de marzo de 1967 por diversas causas: Tanto Columbia como Atlantic y Elektra rechazaron publicarlo. Finalmente, con la ayuda de Tom Wilson que había dejado recientemente su trabajo en Columbia, accedieron a editarlo en Verve, filial de MGM. También hubo problemas con la censura y, posteriormente, de producción debido a la inusual portada. Andy Warhol se encontraba aquel año poseído por la fiebre de los plátanos: la juventud del mundo entero padecía de esa fiebre. Además de la sugestiva forma fálica del fruto, algún malintencionado había difundido la extraña idea de que su cáscara, convenientemente desecada y raspada, producía efectos similares a los de la marihuana.

El cantautor británico Donovan proclamaba en su canción 'Mellow Yellow': "Electrical banana is gonna be a sudden craze" (La banana eléctrica va a ser un éxito inmediato) y Warhol pintaba bananas por todas partes, bananas que habían venido a sustituir su particular temática de envases de sopa Campbell o de detergente Brillo. La portada de aquel álbum, diseñada por él, fue, consecuentemente un plátano. Las primeras copias del álbum invitaban al propietario a "Peel slowly and see" (Pelarlo lentamente y ver); pelando la banana se podía observar un plátano de color rosado por debajo. Una máquina especial fue necesaria para la elaboración de estas carátulas (una de las causas de la demora de su salida), pero la MGM, propietaria de Verve Records, pagó los costos sin protestar sabiendo que cualquier cosa que estuviera vinculada con Warhol elevaría las ventas del álbum.

Nico, Andy Warhol, Maureen Tucker, Lou Reed, Sterling Morrison y John Cale

La discutida labor de Warhol como productor fue defendida años más tarde por Lou Reed: "Él hizo posible que fuéramos nosotros mismos y que continuáramos con ello porque él era Andy Warhol. En cierto modo, él realmente lo produjo, porque fue la esponja que absorbía todos los ataques cuando no eramos lo suficientemente grandes aún... y como consecuencia de ser él el productor, nosotros continuábamos en pie y creábamos y hacíamos lo que siempre hacíamos y nadie nos podía detener porque Andy era el productor. Por supuesto que él nunca supo nada acerca de la producción discográfica, pero el no tenía por qué saberlo. Él sólo se sentaba ahí y decía 'Oooh, eso es fantástico', y el ingeniero diría , '¡Oh si! ¡qué bueno! ¡Es fantástico!"

Warhol y sus chicos

El sonido es rasgado, poco matizado, pero no es de extrañar ya que la mayor parte del disco se grabó en una sola sesión de estudio de ocho horas de duración en los estudios Scepter de Nueva York durante el mes de abril de 1966, por unos 2.000$. Las letras de macarra callejero de Lou Reed supusieron la inclusión de un inquietante submundo en el rock and roll. El disco era una declaración de principios que marcaba la pauta de lo que iba a ser la obra de Velvet Underground y, posteriormente, de Lou Reed. Practicaban un rock duro, pesado y agresivo, con un ritmo obsesivo y machacón mantenido por Maureen Tucker y Sterling Morrison, que se adecuaba perfectamente a las alucinantes y alucinadas letras de Reed.

De ensayo en la Factory

Fueron los primeros en emplear el sonido distorsionado de las guitarras eléctricas y efectos electrónicos con los que conseguían un sonido sucio y caótico que sugería la sordidez del submundo de borrachos, yonquis y rameras de las calles neoyorquinas. Como eficaz contrapunto estaban la dulce viola eléctrica y los teclados de John Cale y la exquisita voz de Nico.

Nico

Warhol decidió incorporarla al grupo para que hiciese de acompañamiento o contrapunto a Reed según lo requiriera la ocasión. Evidentemente, ésto no le hizo ninguna gracia a Reed y a Cale, que no querían que una modelo teutona les restara protagonismo. Al final aceptaron el imperativo de Warhol no por temas de dinero o promoción, sino porque los amplificadores que había en la Factory eran muy buenos y, lo más importante: había comida y droga gratis.

La mayoría de las canciones ya habían sido interpretadas en directo por la banda durante una serie shows multimedia llamados Exploding Plastic Inevitable que Warhol organizó por todo el país.

En ellos Andy proyectaba sus películas experimentales mientras los habituales de la Factory bailaban y realizaban performances. La Velvet ponía la banda sonora con su música. Los temas de las canciones son el sexo, la muerte y las drogas, temas que Reed trata sin ternura, con crudeza y frialdad.

John Cale

'Venus in furs' es un homenaje al barón de Sacher Masoch, autor de la novela del mismo título, que prestó su nombre a la afición sexual llamada masoquismo; la canción, con la zumbona viola de John Cale golpeando y acariciando alternativamente, como un látigo, es de un refinamiento morboso y lleva el sello decadente de Warhol.

Lou Reed

'Heroin', canción que escribió a los 17 años, narra la pesadilla mal disfrazada de paraíso del yonqui, su angustia al tener que enfrentarse con el mundo exterior, su necesidad de pequeña muerte momentánea: "He tomado una importante decisión: voy a tratar de anular mi vida". Cuenta también cómo el adicto tras la explosión del pinchazo -el flash brutal, comparado a un orgasmo interiorizado- se encierra en su interior vacío y queda reducido a un mecanismo descontrolado, dirigido por impulsos tan primarios y automáticos como el sexo y el hambre. En esta historia, que su verismo hace terrorífica, la guitarra -oscura y negra como la canción- de Lou Reed se ve magistralmente acompañada por John Cale al órgano y a la viola eléctrica.

Nico y Lou Reed

Los Velvet, sin embargo, también podían hacer música de una extraña hermosura; ahí está el sonido de la caja de música en 'Sunday morning', que fue grabada a última hora a finales del año con producción de Tom Wilson, intentando incluir en el álbum una pieza que fuera interesante para un single. Aunque pensada en principio para que la cantara Nico, finalmente fue Lou quien puso la voz solista, limitándose la alemana a hacer los coros.

Nico, Warhol y The Velvet

'All tomorrow parties', era el tema preferido de Andy Warhol, una agitada instantánea sobre la 'gente guapa' y los perdedores que pasaban por la Factoría Warhol de Nueva York. "No tuve más que observar a Andy y como éste observaba a los demás. Escuché las cosas mas alucinantes, locas, divertidas y tristes de toda aquella gente". Fue uno de los primeros temas del pop en el que se usó un piano 'preparado': una cadena de clips se intercaló entre las cuerdas del piano modificando su sonido natural. También aparece en él la famosa afinación ostrich de Reed en la que ajusta todas las cuerdas de su guitarra en Re.

'Femme fatale' es una canción sobre Edie Sedgwick una de las actrices de la Factory y que Lou Reed escribió por encargo de Andy.

Cafe Bizarre

'Run, run, run' es un repaso de todos los personajes callejeros que buscan droga en Nueva York,  que Lou iba escribiendo en un sobre mientras conducían camino a un bolo en el Café Bizarre, con referencias directas a sitios concretos de Nueva York, como Union Square y la calle 47, contiene numerosa jerga de 'drogata', mezclada con imaginería religiosa. Aparecen personajes como Teenage Mary, Margarita Passion, que intenta vender su alma con el fin de conseguir un chute, Seasick Sarah, cuyos ángeles se asustan cuando la ven "poniéndose azul" y Beardless Harry. El solo que ejecuta Lou Reed aquí está fuera de toda convención.

En 'Waiting for the man', el tema es la ansiedad del que espera, presa de la histeria y de la manía persecutoria producidas por la carencia de droga. Aparecen de nuevo lugares de Nueva York como un edificio de Harlem cercano a la intersección de la avenida Lexington con la calle 125, donde tiene lugar la adquisición de 26 dólares de heroína. La canción está escrita desde el punto de vista del comprador que, presumiblemente se encuentra de camino hacia Harlem desde otra parte de la ciudad.
'There she goes again' toma el riff de guitarra del tema 'Hitchhike' de Marvin Gaye, concretamente de la versión que grabaron Rolling Stones en 1965.

Nico

Donde más resalta la impronta de Warhol es en la presencia de Nico, mujer de una belleza impresionante y refinada, que pone en la banda la nota de la sociedad neoyorquina. Gracias a ella, que aparece sólo en tres temas como solista y en otro haciendo coros, todo el álbum es una especie de canto a la vida de Nueva York, de esta increíble ciudad en la que conviven la más terrible violencia y el más exquisito refinamiento, la sordidez de los borrachos del Bowery con la ostentosa riqueza de los barrios de millonarios.

Lou Reed

'I'll be your mirror' fue la pieza más difícil de grabar para Nico, pues no conseguía la voz delicada y sensual que le pedía el resto de la banda. Se realizó toma tras toma, pero Nico cantaba cada vez con más fuerza, todo lo contrario de lo deseado. Finalmente, exhausta e impotente, rompió a llorar, tras lo que probaron una última vez. Fue la definitiva.
'The black angel's death song' es una reflexión sobre la vida y la muerte desde la perspectiva de un 'ángel negro'. Fue uno de los primeros favoritos de la banda y el que llamó la atención a Andy Warhol para contratarlos un 11 de noviembre de 1965 tras verlos en directo en el club Bizarre del Greenwich Village.

Nico & The Velvet Underground

Cierra el disco 'European Son', que con más de siete minutos es el tema de mayor duración del álbum y está dedicado a Delmore Schwartz, el mentor literario de Lou Reed.
Su sinceridad a la hora de tratar el sexo y las drogas hizo que las emisoras de radio prohibiesen su emisión, aunque la mayoría simplemente ignoraron la prohibición. Los críticos, más movidos por su odio a Warhol, no sólo lo denostaron, sino que en el caso de la revista Rolling Stone, directamente lo ignoraron. Tampoco se vendió mucho en su momento. Pero en cuanto Brian Eno habló de él, todo el mundo quiso formar su propia banda. Joy Division, Talking Heads y Television le deben mucho al inquieto minimalismo de la Velvet. El sarcasmo de Lou Reed inspiró a un puñado de vocalistas punk, en tanto que los excesos de la banda los revivieron otros grupos como The Jesus and Mary Chain.

Nico, Maureen Tucker, Sterling Morrison, Lou Reed y John Cale

Lou Reed – voz, guitarra solista y guitarra ostrich

John Cale – viola eléctrica, piano, celesta en 'Sunday morning', bajo, coros

Sterling Morrison – guitarra solista y rítmica, bajo, coros

Maureen Tucker – instrumentos de percusión

Nico – voz en 'Femme fatale', 'All tomorrow's parties' y 'I'll be your mirror'; coros en 'Sunday morning'

Andy Warhol – producción

Tom Wilson – post-producción supervisión, producción no acreditada en 'Sunday morning'

Omi Haden – ingeniería de sonido en T.T.G. Studios

Norman Dolph y John Licata – ingeniería en Scepter Studios (no acreditados)

Gene Radice y David Greene – edición de post-producción, remezcla

Tom Wilson con John Cale y Lou Reed

Ástor Piazzolla

El 11 de Marzo de 1921 nació en Mar de Plata, ciudad costera de Argentina, el bandoneonista, innovador instrumentista, director, arreglador y compositor argentino Ástor Pantaleón Piazzolla. Se le reconoce como uno de los grandes músicos latinoamericanos del siglo XX: renovó de forma decisiva el Tango, llamado Tango Nuevo o Sinfónico, introduciendo estructuras armónicas y rítmicas tomadas de la música clásica y del jazz. Su caso es muy especial, único en realidad, ya que brilló de manera espectacular a nivel mundial tanto por su música popular, como por sus tangos porteños y por su talento para la música culta o clásica.

Ástor Piazzolla nació como hijo único del matrimonio de inmigrantes italianos formado por Vicente 'Nonino' Piazzola y Asunta Mainetti. A la edad de cuatro años, a causa de la mala situación económica en Argentina, emigran a Nueva York, donde el padre de Ástor abre una peluquería. Las aptitudes musicales del chaval afloran pronto y además de estudiar piano, aprende a tocar el bandoneón que su padre le regala en 1929. Ástor recordaba: "Mi padre se pasaba las horas escuchando tango y pensaba constantemente en Buenos Aires y en la familia y amigos que dejó allí (...) sólo se oía tango, tango". En 1930 tiene un encuentro con la leyenda del tango Carlos Gardel, -amigo de la familia- con quien Astor coincide a los nueve años en el rodaje de 'El dia que me quieras' (1930) interpretando a un vendedor de periódicos.Siete años más tarde, la familia vuelve a Buenos Aires, donde Astor asiste a una representación del grupo de tango de Elvino Vardaro. Esto supondrá una experiencia clave en la vida de Piazzola. Por fin escucha una forma diferente de interpretar el tango que le fascina. Practicó afanosamente con su bandoleón y en 1939 entra en la orquesta de Aníbal Troilo, para quien realiza varios arreglos. Un encuentro con el concertista de piano Arthur Rubinstein despierta en Astor el deseo de seguir una formación académica, por lo que en 1940 comienza a recibir clases de composición con Alberto Ginastera.

Por esta época, Piazzolla escribe sobre todo música orquestal y de cámara, como la 'Rapsodía porteña' (1952), la premiada 'Sinfonía Buenos Aires' (1953) Mov. 1, Mov. 2, Mov. 3 (Nashville Symphony Orchestra dir. da Giancarlo Guerrero) y la 'Sinfonietta' (1954), por la que recibe el Premio Nacional de la Crítica. Públicamente se distanciaba de sus afición a los tangos, ya que quería ser tomado en serio como compositor y cualquier relación con el género habría arruinado su reputación. Aunque en Europa surgió una corriente de simpatía por una variante de tango bailable, en Argentina seguía teniendo mala fama, sobre todo entre las capas altas de la sociedad.

Le concedieron una beca para estudiar en Europa y Piazzola viajó a Paris para aprender con Nadia Boulanger, poco después de que Aaron Copland finalizara sus estudios con ella. En su primer encuentro, Piazzolla ocultó que había compuesto e interpretado tangos. Ástor lo justificaba: "En realidad me daba mucha vergüenza confesarle que fui músico de tango, que toqué en cabarets y burdeles de Buenos Aires. Músico de tango era prácticamente un insulto en la Argentina que conocí en mi juventud. El tango era un submundo". Boulanger descubrió influencias de Ravel, Stravinsky, Bartok y Hindemith, pero echó en falta algo más personal, por lo que le rogó tocar un tango al piano. Cuando Ástor finalizó Nadia le dijo: "¿No te das cuenta de que éste es el verdadero Piazzolla, no todos los demás?. Puedes tirar el resto de partituras a la basura!". Dispuesto a seguir su consejo, seguidamente Piazzolla tomó clases de dirección de orquesta con Hermann Scherchen.

"Nadia me enseñó a creer en Astor Piazzolla, en que mi música no era tan mala como yo creía. Yo pensaba que era una basura porque tocaba tangos en un cabaret, y resulta que yo tenía una cosa que se llama estilo."

Cuando regresó a Argentina, desarrolló su estilo con diferentes formaciones. En 1955 fundó el octeto Buenos Aires, considerado el iniciador del tango moderno tanto por su instrumentación (incluía por primera vez una guitarra eléctrica en un conjunto de tango), como por sus novedades armónicas y contrapuntísticas (acordes con 13as. aumentadas, seisillos, fugas).Sin embargo, sus obras chocaron con los críticos de la 'vieja guardia', que lo consideraban el 'asesino del tango', ya que su música estaba muy apartada de lo que ellos consideraban el verdadero y auténtico tango. Piazzolla respondió con una nueva definición: "Es música contemporánea de Buenos Aires". Sus obras no recibían difusión por las radios y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.

"Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos." (Astor Piazzolla, revista Antena, Buenos Aires, 1954)

El rechazo fue tal, que Piazzolla y su familia evitaban en lo posible salir a la calle para evitar los insultos de la gente. Pero Piazzolla siguió componiendo y desarrollando su música con enorme productividad.En 1958 disuelve la formación y se marcha a Estados Unidos, donde graba los dos únicos discos de lo que él llamó el Jazz-Tango. Al año siguiente muere su padre y Ástor compone una de sus piezas más conocidas, 'Adiós Nonino' (Sinfónica "Cologne Radio Orchestra" de Alemania- Extraído del documental "Astor Piazzolla: The Next Tango")

Frustrado por el intento del jazz-tango, vuelve a Buenos Aires en 1960 y forma la agrupación que definiría su estilo musical definitivamente, que sería la base de agrupaciones posteriores y a la que volvería cada vez que se sentía frustrado por otros proyectos: el Quinteto Nuevo Tango, formado en su primera versión, por Piazzolla en el bandoneón, Jaime Gosis al piano, Simón Bajour al violín, Kicho Díaz al contrabajo y Horacio Malvicino a la guitarra eléctrica. Con esta agrupación daría a conocer todas las composiciones que dieron forma a su estilo y que serían las más recordadas: 'Calambre', 'Las Estaciones' (Verano Porteño, Otoño Porteño, Invierno Porteño y Primavera Porteña), 'La Serie del Ángel' (Introducción al ángel, Milonga del ángel, Muerte del ángel y Resurrección del ángel), 'La Serie del Diablo' (Tango diablo, Vayamos al diablo y Romance del diablo), 'Revirado', 'Fracanapa', 'Buenos Aires hora cero', 'Decarísimo', 'Michelangelo ´70' y 'Fugata', entre otros. Esa última pieza esta basada en la obra de Johann Sebastian Bach.

A lo largo de su vida grabó más de 40 álbumes compuso alrededor de 300 tangos y medio centenar de bandas sonoras. Trabajó con autores como Jorge Luis Borges y Horacio Ferrer, con la actriz Jeanne Moreau, con el realizador Fernando Solanas e inició o lideró proyectos en otros campos y géneros, entre otros, con el Kronos Quartett y los músicas de jazz Gary Burton y Gerry Mulligan. En agosto de 1990, mientras se encontraba en París, sufrió una trombosis cerebral, que le imposibilitó seguir componiendo. Murió dos años después, en Buenos Aires, en junio de 1992, a los 71 años

Muchos de los tangos compuestos por Piazzolla no son música bailable en el sentido tradicional del género, sino música fundamentalmente para la escucha. Astor amplió las armonías del tango a través del jazz y de sus modelos Stravinsky y Bartók. Tambíen incorporó al tango técnicas de ejecución instrumental prestadas de otros géneros. A pesar de todas la innovaciones, la esencia del tango permanecía ahí, debido al sonido específico del bandoneón, los típicos ritmos sincopados, los cambios armónicos, los staccati y la atmósfera generalmente melancólica de la música.

Otras obras destacadas:

1943: Suite para cuerdas y arpas

1946: El desbande

1963: Tres tangos sinfónicos

1969: Balada para un loco

1969: María de Buenos Aires

1970: El pueblo joven

1972: Oblivion

1973: Libertango

1975: Suite Troileana

1976: 500 motivaciones

1979: Concierto para bandoneón 1. Allegro marcato 2. Moderato 3. Presto

1982: Le grand tango

1986: El exilio de Gardel (película)