Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 3 de mayo de 1904 nació en Tacoma (Washington) Bing Crosby, uno de los más grandes y más populares crooners y actores musicales del siglo XX. Su carrera abarcó medio siglo e influyó en gran medida a artistas como Frank Sinatra, Dean Martin o Perry Como. Grabó 1700 canciones, 383 de ellas alcanzaron el Top30 y 41 el nº1, entre ellas 'White Christmas', uno de los singles más vendidos de la historia.
Su biógrafo Charles Thompson escribió: "Bing probablemente era la persona más querida en el mundo después de los personajes de Walt Disney. Ha ofrecido mucha alegría y entretenimiento a millones de personas que, sin conocerle personalmente, se sentían próximos a él y lo consideraban un amigo ". En 1948 una encuesta le declaró 'el hombre vivo más admirado', por delante del papa Pío XII. Su carrera en el cine también fue prolífica: más de ochenta peliculas y un Oscar por su papel en 'Siguiendo mi camino' (1944). Pero fue la radio la que le convirtió en una estrella en los años treinta. Su magnífica voz y su relajada presencia escénica se proyectaron a través de las ondas americanas y su novedoso y jazzístico estilo vocal, con el que se alejó del patrón rítimico de la música europea, asumiendo las innovaciones del emergente jazz y aportando a la canción popular el sentido del swing, se ganó el corazón de sus jóvenes fans y la envidia de sus contemporáneos.
Harry Lillis Crosby fue el cuarto de siete hermanos nacidos del librero Harry Lincoln Crosby y Catherine Helen, una piadosa mujer de origen irlandés. Siendo Bing aun un niño, en 1906, la familia se trasladó a Spokane (Washington). Cuatro años después, su afición por una tira cómica de un periódico semanal llamada 'The Bingville Bugle' provoca que comienzen a llamarle con el apodo que permanecería con el hasta su muerte, 'Bing'. Los residentes de Spokane recordaban a Bing como un niño al que le gustaba cantar dondequiera que fuera. Irónicamente, nunca aprendió a leer música y dejó de asistir a las únicas y escasas clases profesionales de canto que recibió.
The Musicaladers
Totalmente autodidacto como cantante, sus primeras influencias provenían de la música que se escuchaba en el gramófono de sus padres, temas populares, ragtime y canciones de musicales. Asistió al Gonzaga High Shool -dirigido por jesuitas- con notables calificaciones y destacado en varios deportes. Posteriormente asistió a la Universidad de Gonzaga con el fin de estudiar leyes. Allí fue invitado a participar tocando la batería en un grupo, los Musicaladers que amenizaba los bailes universitarios. Dos años después el grupo se disolvió. Sin embargo uno de ellos, Al Winkler y Bing decidieron formar un dúo vocal.
The Rhythm Boys
En 1925 decidieron buscar la fama y en un viejo Ford-T se trasladan a Los Angeles. Allí la hermana de Al, Mildred Bailey (artista del vaudeville) les consigue un contrato para el circuito de la Costa oeste. Aparecían como Two Boys and a Piano y su repertorio consistía en canciones populares cantadas con un tratamiento jazz, que se convirtió desde entonces en la manera standard de cantar de los crooners. En 1926 reciben una oferta de Paul Whiteman, con cuya orquesta viajan a Chicago y más tarde a Nueva York. Allí añaden al pianista Harry Barris al dúo y como The Rhythm Boys siguen trabajando para las orquestas de Whiteman y actúan y graban junto a músicos como Bix Beiderbecke, Jack Teagarden, Tommy Dorsey, Jimmy Dorsey, Eddie Lang y Hoagy Carmichael.
El primer hit de Whiteman con la voz de Crosby y los Rhythm Boys fue 'Muddy water', en 1927, al que siguieron 'My blue heaven' y 'Changes'. En 1928 la orquesta obtuvo un nº1 con una versión de 'Ol' man river', cantada por Bing, quien comenzó a destacar como el más popular del trío.
Bing Crosby y Paul Whiteman
Pero desavenencias entre Whiteman y Crosby y una incipiente afición de este por la bebida provocaron la salida de la orquesta del trío. Se unieron a continuación a la banda de Gus Arnheim, en la que Bing tomó claramente la voz cantante, preparándose para su carrera en solitario. En 1930 los Rhythm Boys vuelven con Whiteman y realizan una exitosa gira por la costa Oeste y aparecen en el film protagonizado por Paul Whiteman, 'The King of Jazz'. Ese mismo año, Crosby se casa con la starlet Dixie Lee y poco después aparece en su primera película, 'I surrender dear', cuyo tema, del mismo nombre, grabado con la orquesta de Arnheim, llama la atención de William Paley, propietario de la cadena CBS. Este le ofrece un show de radio propio y, tras unos desagradables litigios legales, Crosby deja a los Rhythm Boys.
En su época con Brunswick (1931-34) tuvo más hits como 'Dinah', 'Please' (1932), 'You're getting to get a habit with me' (1933), 'Little dutch mill' y 'Love in bloom' (1934). En 1935 Crosby se cambió a la NBC, donde actuaba en el popular Kraft Music Hall. Allí cantó -en directo- durante cerca de doce años, dejando la cadena cuando ABC le ofreció emitir sus programas pregrabados. Esto le ofrecía la posibilidad de registrar varios programas en unos días para posteriormente tomarse un largo descanso y dedicarse a una de su aficiones favoritas: el golf. Siguió grabando discos con Decca y el resto de la década obtuvo más éxitos con temas tales como 'June in January' (1934), 'Pennies from heaven' (1936), 'Sweet Leilani' (1937) y 'I've got a pocketful of dreams'(1938).
Durante los años de guerra cantó numerosos temas con el trío vocal The Andrews Sisters -muchos de ellos, temas patrióticos- que asimismo fueron un gran éxito, como 'A hot time in the town of Berlin', 'Victory polka', 'Don't fence me in' o 'South America take it away'. Tras la guerra, nuevos valores como Frank Sinatra y Perry Como, ambos imitadores de Crosby al principio de sus carreras, comenzaron a destacar como crooners y en 1949, Crosby regresó a la cadena CBS y realizó la transición a la TV sin dificultad.
En la pequeña pantalla presentó programas de variedades y en los sesenta presentó un show navideño anual en el que aparecía con su segunda mujer Kathryn y sus hijos. Además protagonizó durante dos temporadas el 'Bing Crosby Show', un sit-com semanal.
La llegada del rock'n'roll no afectó a su popularidad. Sus fans se habían hecho mayores con él y encontraban en sus canciones una alternativa relajante y tranquila a los frenéticos ritmos de las nuevas generaciones. Su voz se mantuvo clara con la edad y continuó actuando en directo y por TV hasta días antes de su muerte.
En 1977 Crosby grabó en Inglaterra su último álbum y un especial navideño junto a David Bowie y tras ofrecer un concierto en el Brighton Centre, viajó a España a jugar al golf. La tarde del 14 de octubre de 1977, tras haber realizado un recorrido de 18 hoyos (el médico le recomendó no hacer más de nueve) en el club de golf de La Moraleja (Madrid), Bing sufrió un ataque al corazón muriendo a los 74 años. Sus últimas palabras, dirigidas a sus compañeros de golf fueron: "Ha sido una gran partida, chicos"
Lo que poca gente sabe es la afición que Bing tenía por la marihuana -en la que le inició Louis Armstrong- sustancia que según él le ayudaba a controlar su otra 'afición', la bebida. En algunas entrevistas televisivas de los sesenta y setenta abogaba por su legalización. Uno de sus hijos, tras su muerte, comentó al respecto que aquello tuvo mucho que ver en su estilo tan 'relajado' de interpretación.
El 3 de mayo de 1920 nació en La Grange (Illinois) el pianista y compositor de jazz John Lewis, conocido, sobre todo por su labor como director musical del Modern Jazz Quartett (1946-74 y 1981-93). Durante cinco décadas, Lewis fue el arquitecto del característico 'third stream' que practicaban y sus composiciones se convirtieron en un referente.
Su trabajo lejos del grupo también fue significativo. Tocó con Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Miles Davis ('Birth of the Cool') a finales de los años cuarenta y junto a Gunther Schuller cofundó a finales de los cincuenta el movimiento 'third stream', una fusión de jazz y música clásica. Fue director musical del Monterey Jazz Festival desde 1958 hasta 1982, y fue director y líder de dos formaciones: Orchestra USA (1962-65) y la American Jazz Orchestra (1985-92). En 1999 grabó dos álbumes para Atlantic, 'Evolution I' y 'Evolution II', que son un magnifico resumen de su carrera. Murió a los ochenta años en marzo de 2001.
El 3 de mayo de 1933 nació en una granja de Carolina del Sur, James Brown, el 'padrino del soul'. En 1952 un cantante de R&B, Bobby Byrd descubrió a James mientras cantaba y bailaba en una prisión -se encontraba allí por robo a mano armada- entreteniendo a los reclusos. Se quedó tan impresionado, que pagó su fianza y dirigió su carrera los veinte años siguientes.
No sólo grabó innumerables discos -es el artista con más entradas en las listas R&B de la historia-, también ofreció unos shows en directo cuya influencia no pueden negar Prince, Mick Jagger o Michael Jackson. Sus temas de los sesenta y setenta, entre los que se encuentran hits como 'Papa's got a brand new bag', 'I got you (I feel good)' (1965), 'It's a man's man's world' (1966), 'I got the feelin'' (1968), 'Mother popcorn' (1969), 'Hot pants', 'Make it funky' (1971), 'Get on the good foot' (1972), 'The payback' y 'My thang' (1974) se siguen radiando y siguen llenando las pistas de baile. Otro apodo que se le atribuía era 'The hardest working man in show business' (el hombre más trabajador del negocio del espectáculo) e hizo honor a él, ya que murió en diciembre de 2006 en plena gira con 73 años.
Canciones con historia: 'Say It Loud, I'm Black And I'm Proud'
En 1968 James Brown se encuentra en un compromiso. Justo antes del asesinato de Martin Luther King el 4 de abril, Brown se había solidarizado con el movimiento de los derechos civiles, fundado una organización para ayudar a niños afroamericanos desfavorecidos y dado numerosos conciertos benéficos para la causa.
En mayo del mismo año, sin embargo, es recibido por el presidente Johnson en la Casa Blanca, vuela a Vietnam para actuar frente a las tropas allí destacadas y graba el controvertido tema 'America is my home', cosas todas ellas que hacen fruncir el ceño a sus 'hermanos' negros.
James quiere acabar de una vez por todas con las suspicacias y ambigüedades y con la ayuda del saxofonista Alfred Ellis, escribe un himno que apela directamente al amor propio de la comunidad negra americana. Pero el coro infantil que Brown necesita para redondear la canción no aparece aquella tarde de agosto en el estudio. Los colegas músicos a quienes Brown pidió el favor, no han dado permiso a sus hijos a causa de las recientes 'amistades gubernamentales' del cantante. James no se desanima y se pasa la noche retocando el tema en el estudio. A la mañana siguiente manda a su pianista Bobby Byrd a la búsqueda de un coro de niños de donde sea.
A la vuelta de la esquina Byrd se encamina hacia el Denny's, un restaurante de comida rápida, donde por una hamburguesa con queso por cabeza, recluta a una docena de chavales, la mayoría blancos y de procedencia asiática. Para Brown es un momento surrealista cuando esos niños de tez pálida están ante él en el estudio y contestan gritando a su frase "say it loud", lo que sería meses después uno de los gritos callejeros de la lucha por los derechos civiles de la población negra estadounidense: "I'm black and I'm proud".
El 2 de mayo de 1929 nació en Carolina del Norte 'Link' Wray, guitarrrista de rock and roll, que con su hit 'Rumble' de 1958 y con su particular sonido de guitarra saturada y distorsionada, influyó a numerosos músicos, desde los devotos del blues-rock de los sesenta hasta los seguidores del grunge en los noventa. Pete Townshend, de los Who, comentó una vez: "Si no hubiera sido por 'Rumble', no habría agarrado una guitarra en mi vida". Link está considerado el 'padre de los power chords' (acordes abiertos), uno de los fundamentos del hard rock y el heavy y pionero en el empleo del trémolo, la distorsión y el sonido fuzz.
Link Wray en 1958
Nacido Frederick Lincoln Wray en Dunn (Carolina del Norte), en las notas de su antología de 1995 en Polydor comentaba: "Mi madre y mi padre eran ambos predicadores y fuimos criados en el gospel y el blues. Esas son mis raíces". Su madre, además, era nativa americana de la tribu shawnee, un origen del que Wray siempre se sintió orgulloso. Un año, su hermano mayor Vernon recibió una guitarra como regalo de cumpleaños, pero fue Lincoln quien no paraba de tocarla. En la década de los cuarenta, durante la segunda guerra mundial, la familia se trasladó a Norfolk (Virginia), donde su padre trabajó en los astilleros de la U.S. Navy.
Doug, Vernon y Link Wray
Allí la economía familiar prosperó y los hermanos Wray, Link, Vernon y Doug, decidieron formar una banda. Se denominaron Lucky Wray and the Lazy Pine Wranglers (más tarde Lucky Wray and the Palomino Ranch Hands) y comenzaron tocando western swing, con Link tocando la guitarra al estilo de Les Paul sobre temas country inspirados en Hank Williams. Wray sostenía que su estilo estaba muy influido por bluesmen como Leadbelly o Elmore James, por lo que aseguraba que a finales de los años cuarenta él y su banda ya practicaban el rock'n'roll.
Lucky Wray and the Palomino Ranch Hands
A continuación sirvió en la Guerra de Corea, donde contrajo tuberculosis y perdió por ello, uno de sus pulmones. Los doctores le dijeron que no podría volver a cantar jamás, por lo que Link se concentró en la guitarra. No obstante, las contadas veces que cantó en sus grabaciones, exhibía una poderosa voz con un registro similar al de Clarence 'Frogman' Henry. Licenciado, Wray volvió a Washington, donde él y sus hermanos retomaron su actividad musical.
'Ray' Vernon Wray
Su hermano Vernon adoptó el nombre de Ray Vernon y se convirtió en el cantante solista y guitarra rítmico del grupo, que ahora se llamaba The Raymen. Grabó algunas sesiones para el sello Cameo, pero sus posibilidades de ser estrella del pop se desvanecieron cuando un apuesto joven llamado Pat Boone consiguió un gran hit con el tema 'Remember you're mine', que se suponía iba a ser el single estrella de Ray. Desilusionado, dejó de actuar con la banda, y acabó siendo su mánager. Así el grupo paso a ser un 'power trio' (diez años antes de la aparición de Cream) y, aunque a Link le llegaron ofertas para trabajar en Nueva York como guitarrista de estudio fijo, prefirió quedarse con sus hermanos y el bajista Shorty Horton, actuando por la zona y grabando demos.
Un día, fueron contratados para actuar en un show organizado por el disc-jockey local Milt Grant, la versión local de Dick Clark. Dirigía y presentaba un programa musical semanal en el canal de televisión local Channel 5 en Washington DC.
Milt Grant
Una vez fichados por Grant, The Raymen se aplicaron con vehemencia al más contundente R&R, con frecuentes apariciones en el show televisivo y los bailes organizados por Grant. Tuvieron el honor de ejercer de banda de acompañamiento para muchos artistas de fama nacional de la época, Fats Domino y Ricky Nelson entre otros.
Link Wray and the Raymen
Durante una actuación en Fredericksburg, Virginia, Grant pidió a Wray que tocaran 'The Stroll' (un éxito de The Diamonds en aquellos días). Link no tenía ni idea de qué iba eso del 'stroll'. "Mi hermano Doug dijo: 'Yo sé como va el ritmo. Tú toca cualquier cosa con la guitarra'. Así que aquello llegó del cielo. 'Brang, brang, brang', y comenzé a tocar. Los amplificadores que usamos estaban algo quemados y el sonido no era limpio". Como muchos otros hitos de la historia, este tema fundamental del rock'n'roll surgió prácticamente por casualidad. La acogida que tuvo su 'stroll' adaptado -que ellos llamaban 'Oddball'- entre el público, (tuvieron que repetir el tema hasta cuatro veces esa noche) les hizo descubrir que estaban tras algo interesante. Algo similar debió pensar Archie Bleyer de Cadence Records que les ofreció grabar 'Oddball'.
Sin embargo, a la hora de reproducir aquel sonido que consiguieron esa noche en un estudio de grabación, no obtenían el resultado deseado. En Fredericksburg habían colocado uno de los micrófonos justo delante del amplificador de guitarra, por lo que el sonido se saturó, algo que se evitaba como la peste en los estudios de grabación. A nadie en su sano juicio entonces se le ocurría poner un micro frente al bafle del amplificador, la distorsión aún no era un elemento a tener en cuanta en las mezclas finales y todavía no existían artilugios electrónicos en los que con un click se conseguía el efecto deseado. Así que para conseguir aquel sonido 'sucio' que buscaban, Link comenzó a practicar agujeros con un lápiz en el cono de su altavoz. Ray exclamó: "Estás destrozando tu altavoz", a lo que Wray contestó: "Me importa una mierda, mientras consiga sacarle ese jodido sonido..."
El sonido que consiguió fue legendario y el tema fue definitivo para la carrera de muchos futuros rockeros de pro como Paul McCartney, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Pete Townshend, Eric Clapton, Jeff Beck y, por supuesto, Neil Young.
Link Wray
El disco, publicado bajo el nombre de Link Wray and his Ray Men, alcanzó el puesto 16 de las listas Billboard y como título buscaron un nombre más comercial que 'Oddball'. Phil Everly, amigo de Archie Bleyer, sugirió 'Rumble' (término slang para 'pelea callejera'). Este hecho provocó que 'Rumble', a pesar de carecer de letra, fuera prohibido en numerosas estaciones de radio por considerar que el tema "incitaba a la violencia callejera y a la delincuencia juvenil". La polémica suscitada por ello, asustó a los jerifaltes de Cadence, que estaban más interesados en seguir produciendo éxitos de sus principales estrellas, como The Chordettes, Everly Brothers, etc. La discográfica se negó a seguir publicando discos de Link Wray y esto supuso prácticamente un año entero sin poder grabar nada.
En 1959, se presentó una nueva oportunidad discográfica por medio de Epic. Se publicó el single 'Raw hide', que alcanzó el puesto 23 en listas, aunque el impacto de 'Rumble' ya se había enfriado bastante. Aun así, se convirtió en una de las canciones preferidas de los jóvenes moteros de chupa de cuero. En 1960 Epic publicó el primer álbum de 'Link Wray & the Raymen' con trepidantes temas instrumentales como 'Hand clapper', 'Dixie doodle' o 'Rumble mambo', baladas como 'Lillian' o 'Golden strings' y temas cantados como 'Ain't that lovin' you baby', de Jimmy Reed o el soberbio blues 'Mary Ann'.
'Link Wray' (1971)
Los Wrayman grabaron más temas instrumentales como 'Raw Hide' (1959) o 'Jack the Ripper' (1963) pero no lograron igualar el éxito de 'Rumble'. Pasaron por varios sellos, entre ellos el mulitnacional Epic o el independiente Swan Records. En ocasiones Link cantaba algún tema de blues con una voz rasgada y llena de soul, pero al final de la década, la psicodelia y el blues-rock, que sus sucios 'power chords' habían contribuido a inspirar, eclipsaron su música. En los años setenta firmó con Polydor Records y publicó álbumes en los que dejaba a un lado su sonido característico y ofrecía una fusión de country, blues y folk-rock interpretada con guitarras acústicas, piano y mandolina.
En 1974 retornó a su sonido eléctrico con la publicación de 'The Link Wray Rumble', álbum de cuidada producción, en el que se rodeó de eminentes músicos de estudio.
Al final de la década grabó dos álbumes y realizó giras con el artista retro-rockabilly Robert Gordon. Wray, que se casó cuatro veces y tuvo nueve hijos, se trasladó en los años ochenta a Dinamarca con su última mujer, Olive, una estudiante danesa que se encontraba en Estados Unidos estudiando la Cultura Nativa Americana. En 1997 publicó 'Shadowman', álbum en el que demostraba a sus 68 años y con nueve temas originales y tres versiones, que su sonido seguía plenamente vigente a las puertas del nuevo milenio.
Seguidamente se embarcó en una gira por Estados Unidos, Europa y Australia acompañado por los holandeses Eric Geevers al bajo y Rob Louwers a la batería. Su última grabación fue 'Barbed Wire' (2000), asimismo acompañado por su sección de ritmo holandesa. Siguió actuando hasta cuatro meses antes de su muerte, ocurrida a los 76 años de un fallo cardíaco en noviembre de 2005.
El 2 de mayo de 1660 nació en Palermo (Sicilia) el compositor barroco italiano Alessandro Scarlatti, considerado el fundador de la escuela de ópera napolitana y famoso por sus operas y cantatas. Jugó un papel fundamental en la historia de la música, principalmente en el desarrollo del lenguaje de la ópera, contribuyendo a perfeccionar las formas del "aria da capo" y de la obertura italiana de tres movimientos. Fue uno de los primeros compositores en utilizar el recitativo con instrumentos, denominado “recitativo acompañado”, en lugar del recitativo anterior, llamado “seco”, con clavicémbalo y órgano.
Estudió música en Roma, probablemente con el compositor Giacomo Carissimi. En la capital italiana llegó a estrenar con gran éxito su primera ópera, “Gli equivoci nel sembiante” (1679) (I Virtuosi delle Muse), lo que le valió ser nombrado maestro de capilla de la reina Cristina de Suecia. Después ocupó el mismo puesto en San Gerolamo della Carità (1683). En 1684 fue a Nápoles, donde dirigió la compañía del teatro San Bartolomeo y fue nombrado maestro de la Capilla Real de esta ciudad, puesto que ocupó hasta 1703. Intentó relacionarse con el príncipe Ferdinando de Medici en Florencia para obtener un trabajo, pero al fracasar en este empeño se trasladó a Roma, donde tuvo como patrones al príncipe Ruspoli y a los miembros del clero Pietro Ottoboni y Benedetto Pamphili. En la capital italiana escribió sobre todo cantatas y serenatas, debido a que la ópera fue un género mal considerado por el Vaticano durante algún tiempo.
En 1707 compuso dos óperas que fueron estrenadas en Venecia: “Il trionfo della libertá” y “Mitridate Eupatore”. A finales de 1708 decidió regresar a Nápoles para volverse a hacer cargo de la Capilla Real y en 1715 fue nombrado caballero por el pontífice Clemente XI. En 1717 estrenó con gran éxito su ópera “Il trionfo dell'onore”, con un libreto de Francesco Antonio Tullio, que fue repuesta dieciocho veces en Nápoles. Nada más empezar la década de 1720 escribió una obra religiosa, la “Misa de Santa Cecilia”, para solistas, coro y cuerdas. Su última ópera, titulada “La Griselda”, fue estrenada en Roma en 1721. A partir de esa fecha se dedicó a la composición de obras para flauta y cuerdas (algunas de ellas dedicadas al flautista y compositor J. J. Quantz, que le visitó en 1724) y a la enseñanza. Entre sus discípulos se encontraban su propio hijo, Domenico Scarlatti, y Johann A. Hasse. Falleció en 1725 en la ciudad de Nápoles.
En los años que precedieron a su muerte, Scarlatti se dedicó sobre todo a la docencia y recibió el homenaje de muchos grandes músicos europeos, algunos de los cuales fueron ex profeso a Nápoles para encontrarse con él. Las “Memories dell’abate Pecorone cantore della Real Cappella di Napoli” (impresas en 1729) nos ofrecen un retrato sin prejuicios de las capacidades administrativas de Scarlatti, cuya excesiva producción puede explicarse también por las necesidades económicas del mantenimiento de una gran familia “a la siciliana”, pero que sobre todo confirma la estima universal de que gozó el “Orfeo de nuestros tiempos”, el mayor músico italiano que vivió a caballo entre los dos siglos del Barroco.
Obras
Su lista de obras es inmensa y prácticamente desconocida para el gran público, incluyendo más de cien óperas italianas, ochocientas cantatas italianas, serenatas para voces e instrumentos, madrigales, treinta y ocho oratorios (de los que sólo veinte se conservan), más de cien motetes y cantatas sacras, una pasión y doce misas. En los géneros de la música instrumental compuso también sinfonías, concerti grossi: “Concerto Grosso Nº 5 en Re menor” (Europa Galante & dir. Fabio Biondi), sonatas para diversos instrumentos y piezas para órgano y clave.
Sus óperas pueden considerarse entre el estilo veneciano y napolitano, con títulos como “La Rosaura” (1690) y “Griselda” (1721) “Mi rivedi, o selva ombrosa” (Dorothea Roeschmann, soprano). Las compuestas en Nápoles a partir de 1700 (L´amor volubile e tiranno, Tigrane etc.) muestran una clara evolución en lo que respecta a la orquestación y al uso del clavecín, que se limitará a aparecer en los “ritornelli”. En sus últimas óperas empleará por vez primera las trompas.
Fue el primer compositor de ópera que diferenció con precisión los estilos del aria y del recitativo en sus “dramas per musica” como llamaba a sus obras.
Las oberturas napolitanas siguieron desde entonces la pauta marcada por Scarlatti. Están formadas por tres movimientos (rápido, lento y rápido). Incluyó el “aria da capo” estructura en tres partes (ABA) que predominó en la ópera del siglo XVIII. Amplió la orquestación operística con trompetas, oboes, flautas, trompas y cuerda. Todas estas innovaciones dieron una forma más rígida a sus obras, contrastando con la libertad que exhiben las que Claudio Monteverdi compuso cien años antes. Se conservan unas 70 óperas de Scarlatti y durante el siglo XX se programaron nuevamente, después de más de doscientos años de olvido. Sus más de 600 cantatas contienen numerosas innovaciones armónicas que en conjunto representaron un avance para la música de su tiempo
La obertura italiana, bosquejada por Cesti ("Il pomo d'oro"), (Chor und Orchester Spectaculum & dir. Gerhard Kramerdebe) debe a Scarlatti su forma lograda, que sería la de las primeras sinfonías clásicas: allegro (bastante desarrollado, con frecuencia en estilo de imitación) y largo, vivace (en ritmo ternario). El estilo scarlattiano es “moderno”, incluso en la música religiosa, aunque se base en el contrapunto más elaborado de la escuela romana. Su “Stabat Mater” para soprano, contratenor y orquesta, (Concierto Italiano, Gemma Bertagnolli, soprano; Sara Mingardo, contralto & dir. Rinaldo Alessandrini) que muestra en cambio influencias de la tradición local, se convirtió en el modelo para el más célebre, el "Stabat" compuesto veinte años después por Pergolesi para la misma cofradía napolitana. La aportación de Alessandro fue también decisiva en el terreno instrumental, pues en Nápoles casi no existía antes de él una producción orquestal, a pesar de que los grandes virtuosos instrumentales, al igual que sus colegas en el canto, los castrati, se estaban propagando ya por toda Europa.
• Carlo d'Alemagna Drama per musica Nápoles 1716 "Il destin per noi clemente" (Josè Maria Lo Monaco: Asprando & Stavanger Symphony Orchestra, dir. Fabio Biondi); Aria "L' innocenza in te vegg'io" (Roberta Invernizzi: Giuditta & Stavanger Symphony Orchestra & dir. Fabio Biondi)
•Intermezzi fra Palandrana e Zamberlucco. Nápoles 1716.
•Telemaco (Roma, 1718) (Balthasar-Neumann-Ensemble & dir. Thomas Hengelbrock)
•Il trionfo dell'onore. Ópera cómica. Nápoles 1718. I. (Orchestra Sinfonica e Coro RAI di Milano). Esta obra se estructura como una ópera cómica de tres actos que transcurre en la ciudad de Pisa con un estilo ágil, liviano y divertido exhibiendo una serie de enredos de amores que hacen recordar el clásico mito español del Don Juan. Finalmente todos sus protagonistas proclaman el triunfo del honor.
•Griselda Roma 1721. Libretto de Apostolo Zeno. Dueto (Bernarda Fink & Verónica Cangemi)
•Pompeo
•La donna ancora è fedele
Cantatas y Oratorios
•Cain overo Il primo omicidio Venecia 1707 (René Jacobs & Akademie für Alte Musik Berlin)
•Colpa, Pentimento e Grazia (Oratorio per la Passione di Nostro Signore Gesù Cristo) Roma 1708 y 1725 (Lola Casariego & Orquesta barroca de Sevilla)
•Davidis pugna et victoria. Roma 1700
• Sedecia, Re Di Gerusalemme Para solistas coro y orquesta Roma o Urbino en 1705 (Gerard Lesne & Philippe Jaroussky, countertenor)
•Humanità e Lucifero Roma 1704 (Massimo Crispi, tenor & Europa Galante, dir. Fabio Biondi)
•Il giardino di rose: La Santissima Vergine del Rosario ( La religione giardiniera). Roma 1707 y Nápoles 1698 respectivamente (Accademia Bizantina & dir. Ottavio Dantone)
El 1 de mayo de 1934 nació en Washington D.C. la pianista y cantante de jazz Shirley Horn. Cursó estudios clásicos de piano, pero como tantas afroamericanas en los años cincuenta, a causa del racismo imperante, tuvo que abandonar sus estudios clásicos por el jazz a los 17 años y "Oscar Peterson se convirtió en su Rachmaninov y Ahmad Jamal en su Debussy". Como cantante, su carrera siguió un camino lento pero seguro, aunque su prioridad fue siempre su familia y su vida privada. Dominaba como pocos -sobre todo en las baladas- el fraseado lento y el control de las pausas, por lo que fue llamada 'la cantante más lenta del mundo'. "Es mi manera de sentir las canciones. También mi forma de hablar es lenta. Se trata de contar una historia, de pintar un cuadro..."
Animada por su abuela, organista aficionada, Shirley comenzó a recibir clases de piano a los cuatro años. Pronto se descubrió su talento y estudió composición clásica en la Howard University Junior School of Music. Ganó una beca para asistir a la afamada Juilliard School, pero no pudo aceptarla por carecer de fondos para viajar a Nueva York e instalarse allí, condición indispensable para cursar la beca. A cambio, su tío financió cuatro años más de clases en Howard. De adolescente, una vez descubierto el jazz, Shirley hacía incursiones en el barrio de U Street buscando clubes donde escuchar a sus primeros modelos del género, como Erroll Garner, Oscar Peterson y Ahmad Jamal. Con 20 años formó su primer trío, formación con la que siempre se encontró más cómoda y realizaba actuaciones en hoteles y restaurantes de Washington.
En su primera grabación profesional, acompañó en seis temas al violinista Stuff Smith con su trío ('Cat on a Hot Fiddle', 1959) en Verve, pero ni siquiera figuró en los créditos. La segunda, ya a su nombre, 'Embers and Ashes' (1960), fue realizada para el sello independiente Stere-O-Craft y casi ni se distribuyó, aunque sirvió para que un admirado Miles Davis la 'descubriera'. Las alabanzas de Davis eran doblemente valiosas, ya que además de proceder de un respetado e insigne músico de jazz, provenían de una persona muy poco dada a elogios.
Miles consiguió hacerla debutar con él en el Village Vanguard neoyorquino en 1961. Shirley recordaba esa noche tiempo después para el New YorkTimes: "Fue como sacado de un sueño. Allí estaban Lena Horne y Claudia McNeill. Sidney Poitier me invitó a una copa y tras el show, estuve sentada en la cocina del cub con Miles y los chicos de su banda, Winton Kelly, Paul Chambers y Jimmy Cobb. Era como estar en el paraíso!". Igualmente impresionado, John Levy -contrabajista de Shearing, el cual también ejercía de empresario- convenció a los directivos de Mercury para que la contratasen.
A pesar de firmar un contrato de cinco años, Shirley sólo grabó tres álbumes antes de sentirse desencantada con la industria musical. Para su desgracia, se negaron a que tocara el piano en sus álbumes de 1963 'Loads of Love' y 'Shirley with Horns'. Las orquestas que la acompañaban reunidas por Jimmy Jones y Quincy Jones estaban repletas de grandes jazzmen, ante los que Shirley confesaba sentirse intimidada. Por otro lado, sentía malestar por tener que cantar sin poder acompañarse ella misma al piano, una experiencia inédita para ella, a la que nunca tuvo tiempo de acostumbrarse. Jones reconoció años después, que fue una estrategia inadecuada. En 1965 grabó 'Travelin' Light' para ABC-Paramount, antes de entrar en una dilatada fase de silencio, dedicada a la famila y a actuar por la zona de Washington.
En 1978 reapareció, rescatada por el sello danés Steeple Chase con el disco 'A Lazy Afternoon', con el contrabajista Buster Williams y el batería Billy Hart. La consagración internacional llegó en 1981, cuando intervino en el Northsea Jazz Festival de La Haya con su trio, formado entonces por el batería Steve Williams y el contrabajista y guitarrista Charles Ables. Esta formación permanecería 25 años inamovible. Don Heckman destacaba en Los Angeles Times "la importancia del bajista Ables y el batería Williams en el sonido de Shirley Horn. Eran los acompañantes ideales de una artista que no estaba dispuesta a tolerar nada por debajo de la perfección"
En 1987 firma por el renacido sello Verve. Tras publicar 'I Thought About You' en directo en el Vine Street de Hollywood, graba 'Closer Enough For Love' (1989), en el que el saxo tenor Buck Hill se unía a su habitual trío. Una crítica de Stereo Review decía: "Si Shirley Horn no ha alcanzado los niveles de fama y popularidad de Roberta Flack o Nina Simone, por mencionar artistas de su categoría estilística, no ha sido por falta de talento."
La lista de invitados en 'You Won't Forget Me' (1990) es impresionante: los hermanos Wynton y Branford Marsalis, la trompeta de Miles Davis en el tema del título o la armónica y guitarra de Toots Thielemans como único acompañamiento para su voz en 'Beautiful love'. El álbum alcanza el nº1 en las listas Billboard de jazz y Horn recibe el tratamiento estelar de los medios que ya mereció treinta años antes. En 1991 convenció a Johnny Mandel para que arreglase los temas de 'Here's to Life' con una orquesta de 49 músicos sobre la base del trio. El disco está dedicado a Miles Davis, cuya muerte provocó que no pudiera participar en 'A time for love' y'Quietly there', siendo sustituido por Wynton Marsalis.
'Light Out Of Darkness' (1993) fue un magnífico tributo a alguna de las canciones indisociables con Ray Charles, donde Shirley toca también el órgano y cuenta con la inestimable colaboración del saxofonista Gary Bartz. En 1997 'I Remember Miles', fue un explícito homenaje al trompetista, en el que interpretó algunas de las baladas asociadas con él, contando con el apoyo de Roy Hargrove. Por este trabajo recibió, tras nueve nominaciones, su primer Grammy por 'mejor interpretación vocal de jazz'
'Youre My Thrill' (2000) fue un nuevo encuentro con Johnny Mandel y sus espléndidos arreglos para cuerdas. Ese mismo año, Horn sufre la amputación de un pie debido a la diabetes, pasando George Mesterhazy a hacerse cargo del piano. Su última entrega fue 'May the Music Never End' (2003) y realizó su última actuación el el Festival de Jazz de San Sebastián en 2004. Falleció un año después, en octubre de 2005, a los 71 años.
El 2 de septiembre de ese año, se emitió su primer programa con el tema 'Where the blue of the night meets the gold of the day' y sus canciones 'Out of nowhere', 'Just one more chance', 'At your command' y 'I found a million dollar baby (In a five and ten cent store)' fueron de las más vendidas del año. El resto, como se suele decir, ya es historia. Actuó durante 20 semanas en el Manhattan's Paramount Theatre, firmó un contrato con Paramount Pictures y en 1934 firmó un nuevo contrato con Decca Records. Durante la Gran Depresión y hasta los años de la segunda guerra mundial, Bing Crosby fue el crooner y el actor más popular y amado del país.
Lo que poca gente sabe es la afición que Bing tenía por la marihuana -en la que le inició Louis Armstrong- sustancia que según él le ayudaba a controlar su otra 'afición', la bebida. En algunas entrevistas televisivas de los sesenta y setenta abogaba por su legalización. Uno de sus hijos, tras su muerte, comentó al respecto que aquello tuvo mucho que ver en su estilo tan 'relajado' de interpretación.
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